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6° film: Titolo: Psycho
Anno: 1960
Regia: Alfred Hitchcock
Sceneggiatura: Joseph Stefano; dal romanzo di Robert Bloch
Psycho è un film fondamentale per capire la suspense, cioè l’arte di far crescere l’attesa e la tensione nello spettatore. Ancora oggi può interessare i giovani perché mostra che la paura non dipende solo da ciò che si vede, ma soprattutto da ciò che si immagina.
Hitchcock costruisce il film usando dettagli, silenzi, luoghi inquietanti, sguardi, oggetti e cambi improvvisi di prospettiva. Lo spettatore viene portato a credere che la storia vada in una direzione, poi viene spiazzato. È una lezione narrativa fortissima: un buon film può sorprendere non solo con un colpo di scena, ma cambiando il nostro modo di guardare i personaggi.
Per un cortometraggio, Psycho insegna a creare tensione con poco. Una porta chiusa, un corridoio, una telefonata, una stanza d’albergo, una doccia, uno specchio, un rumore fuori campo: elementi comuni possono diventare inquietanti se sono usati con precisione. Non serve mostrare tutto. Spesso fa più paura ciò che resta nascosto.
7° film: Titolo: La dolce vita
Anno: 1960
Regia: Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli (e secondo alcuni con collaborazione anche di Brunello Rondi)
La dolce vita può sembrare un film lontano dai giovani di oggi, ma in realtà parla di temi modernissimi: celebrità, immagine pubblica, notti mondane, vuoto interiore, desiderio di successo, confusione morale, persone che vogliono essere viste ma non sempre conosciute davvero. È un film sul mondo dello spettacolo e della società romana, ma può essere letto anche come una riflessione sulla vita esposta allo sguardo degli altri.
Per un giovane cresciuto nell’epoca dei molti social, La dolce vita può essere sorprendente. Marcello, il protagonista, osserva feste, divi, giornalisti, nobili, artisti, apparizioni religiose, amori fragili. Sembra sempre vicino al centro delle cose, ma in realtà è spesso distante da se stesso. Questa è una condizione molto contemporanea: essere sempre connessi, sempre presenti, sempre in mezzo ad immagini e persone, ma non sapere bene che cosa si desidera davvero.
Per un cortometraggio, il film insegna la forza della struttura a episodi. Non tutto deve essere raccontato con una trama tradizionale. Si può costruire un corto intorno ad una notte, ad una festa, ad un percorso urbano, ad una serie di incontri. L’importante è che ogni incontro aggiunga qualcosa allo stato d’animo del protagonista.
8° film: Titolo: Il sorpasso
Anno: 1962
Regia: Dino Risi
Sceneggiatura: Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari
Il sorpasso è un film essenziale per capire la commedia all’italiana: fa ridere, ma lascia anche un’amarezza profonda. Racconta l’incontro tra Bruno, uomo espansivo, invadente e vitale, e Roberto, giovane timido e riflessivo. I due partono in automobile in una giornata d’estate, attraversando paesaggi, incontri, leggerezze ed inquietudini.
Il film dovrebbe interessare i giovani perché parla di un tema eterno: il fascino delle persone sicure di sé. Bruno appare libero, divertente, irresistibile. Roberto è attratto da quella vitalità, ma allo stesso tempo ne percepisce il pericolo. Anche oggi molti giovani conoscono figure simili: persone carismatiche, rumorose, apparentemente vincenti, capaci di trascinare gli altri in esperienze eccitanti ma, alla fine, rischiose.
Per un cortometraggio, Il sorpasso insegna la forza della coppia di personaggi opposti. Un corto può nascere da due persone molto diverse costrette a passare del tempo insieme: un estroverso ed un timido, un bugiardo ed un ingenuo, un adulto ed un ragazzo, un pessimista ed un entusiasta. Il movimento esterno come un viaggio, una passeggiata, un’attesa, una consegna, diventa il modo per mostrare un cambiamento interiore.
9° film: Titolo: 8½
Anno: 1963
Regia: Federico Fellini
Sceneggiatura: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
8½ è il film sulla crisi creativa per eccellenza. Il protagonista, Guido Anselmi, è un regista che non riesce più a capire che film vuole fare. Attorno a lui ci sono produttori, attrici, collaboratori, ricordi, fantasie, sogni, donne amate od immaginate, sensi di colpa, desideri e paure. È un film complesso, ma può interessare molto anche i giovani perché parla del blocco creativo.
Chiunque voglia scrivere, girare, disegnare, recitare o creare qualcosa conosce questa sensazione: avere idee confuse, sentire pressione, voler fare qualcosa di grande e non sapere da dove cominciare. 8½ mostra che la confusione può diventare materia narrativa. Non bisogna sempre nasconderla. A volte il proprio blocco, se osservato con sincerità, può diventare il cuore di un’opera.
Per un cortometraggio, questo è un insegnamento liberatorio. Un giovane autore può fare un corto su un ragazzo che non riesce a finire una sceneggiatura, su un’attrice prima di un provino, su un musicista che ha paura di salire sul palco, su una studentessa che deve presentare un progetto. Il conflitto interiore può essere cinema se viene trasformato in immagini: sogni, ricordi, oggetti, voci, luoghi mentali.
10° film: Titolo: Il buono, il brutto, il cattivo
Anno: 1966
Regia: Sergio Leone
Sceneggiatura: Age, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone; e con contributo non accreditato di Sergio Donati.
Questo film dovrebbe interessare i giovani perché dimostra la forza del cinema visivo. Molte scene restano memorabili non perché i personaggi parlano molto, ma perché l’immagine, il montaggio, la musica e l’attesa costruiscono una tensione potentissima. Sergio Leone insegna che il cinema può essere ritmo, spazio, volto, silenzio, dettaglio.
Il film è utile anche perché i tre protagonisti sono chiarissimi fin dal titolo: il buono, il brutto, il cattivo. Sono figure quasi mitologiche, ma non semplici. Ciascuno ha un modo diverso di muoversi, guardare, aspettare, sparare, trattare gli altri. Leone costruisce personaggi iconici attraverso gesti, costumi, musica ed inquadrature.
Per un cortometraggio, la lezione è enorme: non bisogna spiegare tutto con i dialoghi. Un personaggio può essere raccontato da come entra in una stanza, da come prende un oggetto, da quanto tempo resta in silenzio prima di rispondere. Un giovane filmmaker può imparare a usare l’attesa. In un corto di cinque minuti, un minuto di silenzio può essere potentissimo se lo spettatore sente che qualcosa sta per accadere.
* Che cosa hanno in comune questi film così diversi
A prima vista questi dieci film sembrano molto diversi: neorealismo, commedia, thriller, western, cinema d’autore, dramma giudiziario, racconto adolescenziale. Eppure hanno alcune caratteristiche comuni che aiutano a capire che cos’è un buon film.
La prima è la chiarezza del nucleo umano. Ogni film racconta una condizione riconoscibile: la solitudine, la paura di crescere, il dubbio morale, il desiderio di libertà, la necessità di nascondersi, la crisi creativa, l’amicizia pericolosa, la ricerca di dignità, il fascino del denaro, la voglia di essere visti.
La seconda è la forza dei personaggi. Anche quando la trama è semplice, i personaggi restano nella mente. Umberto con il suo cane, Antoine Doinel davanti al mare, i giurati chiusi nella stanza, Marcello nella notte romana, Bruno al volante, Guido perso nei suoi pensieri, i tre pistoleri di Leone: sono figure che continuano a vivere nella memoria degli spettatori.
La terza è l’uso intelligente dei mezzi. Questi film non sprecano ogni scena. Sanno quando parlare e quando tacere, quando muovere la macchina da presa e quando fermarla, quando mostrare e quando suggerire. Questa è una lezione fondamentale per chi fa cortometraggi: non mettere dentro tutto, ma scegliere ciò che serve davvero.
* Come trasformare la visione di un classico in un esercizio per un cortometraggio
Guardare un vecchio film non deve essere un atto passivo. Può diventare un esercizio pratico. Dopo aver visto uno di questi titoli, un giovane autore può porsi alcune domande.
Qual è il desiderio principale del protagonista? Che cosa vuole ottenere? Che cosa gli manca? Che cosa rischia di perdere?
Qual è la scena che mi è rimasta più impressa? Perché funziona? Per il dialogo, per il silenzio, per l’attore, per la luce, per il finale, per la sorpresa?
Il film potrebbe essere ridotto ad un cortometraggio? Quale parte sceglierei? Una stanza? Un incontro? Una decisione? Una fuga? Una telefonata? Un viaggio breve?
Che cosa posso copiare come metodo, non come contenuto?
Da La parola ai giurati posso imparare l’uso di una stanza.
Da Psycho posso imparare la suspense.
Da I vitelloni posso imparare a raccontare un gruppo.
Da Il sorpasso posso imparare la coppia di opposti.
Da Umberto D. posso imparare la dignità dei piccoli gesti.
Queste domande trasformano la visione in allenamento. Il cinema si impara anche così: guardando, smontando, capendo, provando e riprovando.
* Lezioni pratiche per giovani autori
La prima lezione è scegliere un conflitto semplice. Un cortometraggio non deve raccontare tutta una vita. Può raccontare un momento decisivo: chiedere scusa, mentire, partire, restare, confessare, perdere qualcosa, trovare il coraggio di parlare.
La seconda lezione è costruire personaggi riconoscibili. Non servono biografie lunghissime. Basta sapere che cosa vogliono, che cosa temono e che cosa nascondono.
La terza lezione è usare bene la location. Una stanza può essere un tribunale morale, come in La parola ai giurati. Una strada può essere una fuga, come in I 400 colpi. Un’automobile può diventare il simbolo di una vita lanciata troppo veloce, come in Il sorpasso. Una casa povera può contenere tutta la dignità del mondo, come in Umberto D.
La quarta lezione è dare valore ai silenzi. I giovani autori spesso riempiono i corti di dialoghi perché temono che lo spettatore non capisca. Ma il cinema non è solo spiegazione. Un volto che pensa, una mano che esita, una porta che resta chiusa possono dire moltissimo.
La quinta lezione è pensare al finale fin dall’inizio. Un corto ha bisogno di una chiusura forte, non necessariamente spettacolare. Può essere una frase, un gesto, una scelta, uno sguardo, un’immagine. Il finale deve far sentire allo spettatore che il personaggio non è più esattamente lo stesso dell’inizio, oppure che noi lo guardiamo in modo diverso.
* Perché questi film parlano ancora ai giovani
I film invecchiano nei vestiti, nelle automobili, nei telefoni, nelle abitudini sociali. Ma non invecchiano quando toccano qualcosa di umano. La solitudine di Umberto, l’inquietudine dei vitelloni, il dubbio dei giurati, la ribellione di Antoine, la comicità del travestimento, la paura di Norman Bates, il vuoto mondano di Marcello, l’incoscienza di Bruno, la crisi di Guido, l’attesa dei pistoleri di Leone: sono tutte esperienze che possono ancora parlare.
Un giovane di oggi può non conoscere il mondo degli anni ’50, ma conosce la paura di non essere ascoltato. Può non vivere nella Roma della dolce vita, ma conosce il desiderio di apparire. Può non viaggiare su una Lancia Aurelia come Bruno Cortona, ma conosce il fascino delle persone che sembrano più libere di lui. Può non essere un regista in crisi come Guido, ma conosce il blocco creativo davanti a una pagina vuota.
Questa è la forza dei classici: non restano vivi perché appartengono al passato, ma perché continuano a spiegare il presente.
* Il vecchio cinema come palestra per il nuovo cinema
Un vecchio film degli anni ’50 o ’60 non è un oggetto da museo. È una palestra dello sguardo. Può insegnare a distinguere un’immagine bella da un’immagine necessaria, una battuta divertente da un dialogo ben costruito, una trama complicata da una storia davvero forte, un personaggio decorativo da un personaggio vivo.
Per chi vuole fare cortometraggi, questi film sono ancora più utili. Dimostrano che il cinema nasce prima di tutto da decisioni semplici e profonde: chi guardo? Che cosa vuole? Dove lo metto? Che cosa gli impedisce di ottenerlo? Che emozione voglio lasciare allo spettatore?
I giovani non devono imitare il passato. Devono usarlo come una cassetta degli attrezzi. Dentro i classici ci sono strumenti ancora funzionanti: il primo piano, il silenzio, il conflitto, il ritmo, la luce, il corpo dell’attore, il finale, il dettaglio, il punto di vista.
Un buon cortometraggio può nascere anche da qui: da un ragazzo od una ragazza che guarda un vecchio film, capisce che il cinema non è solo tecnologia, e decide di raccontare con sincerità una piccola storia capace di sembrare, anzi essere grande.
