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* ESEMPIO PRATICO 2 - COMMEDIA AL RISTORANTE

Immagine iniziale:  due persone sedute al tavolo, mentre le persone dei veri appuntamenti stanno entrando.

Movimento ideale

Non serve far entrare tutti e quattro al tavolo.

È sufficiente:

• Marta e Davide continuano a parlare;
• Davide nota qualcosa alle spalle di Marta;
• Marta vede il suo sguardo;
• i due nuovi arrivati avanzano di qualche passo;
• camera leggermente fissa o piccolo pull-back.

Il prompt potrebbe essere questo:

“Marta e Davide continuano la conversazione al tavolo con un lieve sorriso imbarazzato. Davide alza lentamente lo sguardo verso l’ingresso ed il sorriso scompare appena. Marta nota la sua reazione e si volta di pochi gradi. I due veri accompagnatori sullo sfondo avanzano lentamente nella trattoria guardandosi intorno. Camera quasi fissa con un impercettibile pull-back. Nessun personaggio cambia aspetto.”

Il pubblico comprende la gag.

Non serve ancora il dialogo.

 

* ESEMPIO PRATICO 3 - THRILLER NEL CORRIDOIO

Immagine iniziale:  una donna in fondo ad un corridoio buio.

Scelta efficace

Movimento minimo:

• luce che pulsa;
• donna immobile;
• piccola rotazione della testa;
• push-in lento.

Un prompt giusto è:

“La donna rimane immobile in fondo al corridoio, respirando lentamente. Una luce al neon lampeggia una sola volta. Lei gira appena la testa verso una porta laterale, come se avesse sentito un rumore. La camera avanza molto lentamente verso di lei. Nessun cambiamento nel volto, nei vestiti o nella geometria del corridoio.”

Questo può risultare più inquietante di una corsa.

 

* ESEMPIO PRATICO 4 - SCENA ROMANTICA NEL PARCO

Immagine:  due persone sedute su una panchina, vicine ma non ancora innamorate.

Non chiediamo:  “Si abbracciano e si baciano.”

Meglio, invece:

“I due rimangono seduti. Lei guarda davanti a sé, poi lentamente verso di lui. Lui se ne accorge ma non ricambia subito lo sguardo. Le foglie degli alberi si muovono leggermente nel vento. La camera si avvicina di pochissimo. Le mani rimangono appoggiate sulla panchina, sempre separate.”

Il sottotesto diventa più forte dell’azione romantica esplicita.

 

* ESEMPIO PRATICO 5 - SCENA NEL MERCATO

Immagine:  una commerciante al centro di una protesta.

Un prompt troppo complesso potrebbe chiedere:  “Tutti gridano, alzano cartelli, camminano, applaudono, Nadia parla, arriva la polizia.”

Meglio animare soltanto:

• Nadia alza leggermente un foglio;
• alcuni commercianti reagiscono;
• cartelli mossi dal vento;
• camera a mano controllata.

Ed il prompt potrebbe essere:

“Nadia resta al centro del gruppo ed alza lentamente il documento del Comune mentre parla con determinazione. Due commercianti dietro di lei annuiscono e sollevano appena i cartelli. Le tende ed alcuni fogli si muovono per una leggera brezza. Camera a mano molto controllata, con piccoli movimenti realistici. Nessun volto o cartello cambia forma.”

 

* IL PROBLEMA DEI CARTELLI E DEL TESTO

Il testo scritto è particolarmente vulnerabile durante l’animazione.

Un cartello con la scritta:  SALVIAMO IL MERCATO  può diventare dopo pochi fotogrammi una sequenza di lettere deformate.

Per questo è spesso preferibile:

• tenere il cartello abbastanza lontano;
• non farlo ruotare;
• non fargli occupare troppo spazio;
• aggiungere il testo corretto successivamente in compositing;
• usare cartelli con simboli o grafica semplice;
• evitare close-up (primi piani) di scritte generate.

Lo stesso vale per:

• smartphone;
• computer;
• giornali;
• lettere;
• insegne;
• targhe.

Il testo importante dovrebbe essere aggiunto o sostituito in post-produzione.

 

* LA LUCE PUÒ MUOVERSI

Un’immagine può diventare viva anche senza muovere attori o camera.

Possiamo animare:

• il passaggio di una nuvola;
• una luce intermittente;
• l'immagine di un televisore;
• lampione;
• fari di un’auto;
• tramonto;
• fuoco;
• candela.

Esempio:  un uomo seduto da solo nella cucina.

La camera è completamente ferma.

Fuori passa un’automobile e per un secondo i fari attraversano la parete.

È già cinema.

 

* PIOGGIA, NEBBIA, FUMO E VAPORE

Questi elementi funzionano spesso bene perché possiedono movimento organico.

Possono essere utilizzati per dare profondità.

Pioggia

Aiuta il thriller ed il dramma.

Ma attenzione alle gocce sul volto e sui capelli, che possono modificare continuamente la fisionomia.

Nebbia

Funziona bene sullo sfondo.

Evitarla troppo vicino al volto.

Fumo

Ottimo per controluce e profondità.

Deve essere leggero.

Vapore

Perfetto per:

• cucina;
• bar;
• bagno;
• lavanderia;
• officina.

Piccoli movimenti atmosferici possono rendere una scena molto più viva senza rischiare deformazioni anatomiche.

 

* USARE LA PROFONDITÀ

Il movimento più convincente nasce spesso dalla presenza di tre piani:

• primo piano;
• soggetto;
• sfondo.

Per esempio:

in primo piano alcune foglie;
al centro il personaggio;
sullo sfondo un edificio.

Un leggero movimento della camera produce parallax, cioè una differenza di movimento tra i diversi piani, creando così senso di profondità.

L’immagine iniziale deve quindi essere costruita con elementi ben separati.

 

* DA UNA SOLA IMMAGINE A PIÙ INQUADRATURE

Una tecnica interessante consiste nell’utilizzare la stessa scena visiva come riferimento per generare:

• un campo totale;
• un campo medio;
• un primo piano;
• il dettaglio.

Poi ciascuna immagine viene animata separatamente.

Questo permette di costruire una vera sequenza cinematografica.

Per esempio, durante una cena:

Inquadratura 1

Totale della stanza.

Inquadratura 2

Campo medio dei due attori.

Inquadratura 3

Primo piano di lei.

Inquadratura 4

Primo piano di lui.

Inquadratura 5

Dettaglio del telefono.

Ogni singola inquadratura può durare 3-5 secondi.

Il montaggio farà sembrare la scena molto più complessa di quanto sia stata la singola generazione.

 

* EVITARE L’EFFETTO “FOTOGRAFIA CHE GALLEGGIA”

Un errore frequente è utilizzare sempre lo stesso movimento:

• zoom lento;
• pan lento;
• zoom lento;
• pan lento.

Dopo pochi minuti il corto sembra una presentazione fotografica.

Per evitarlo bisogna alternare le seguenti riprese:

• camera ferma;
• push-in;
• movimento del personaggio;
• taglio;
• campo/controcampo;
• dettaglio;
• azione fuori campo;
• movimento dell’ambiente.

La grammatica cinematografica resta fondamentale anche con l’IA.

 

* CONTINUITÀ TRA DUE CLIP

Un’altra difficoltà importante nasce quando una scena prosegue con una nuova generazione.

Supponiamo che nella clip 1 una donna alzi un bicchiere.

La clip 2 deve iniziare con:

• lo stesso bicchiere;
• la stessa mano;
• la stessa posizione;
• lo stesso livello del liquido;
• la stessa luce;
• la stessa espressione.

Se generiamo la seconda clip indipendentemente, qualcosa può cambiare.

Soluzione

Utilizzare l’ultimo fotogramma della clip precedente come riferimento per la nuova generazione, quando lo strumento lo permette.

Il workflow diventa quindi:

1. generare la clip A;
2. scegliere l’ultimo frame corretto;
3. esportarlo;
4. usarlo come immagine iniziale della clip B;
5. proseguire con l’azione.

Questo migliora la continuità del filmato.

 

* NON ALLUNGARE UNA CLIP ALL’INFINITO

Quando una clip riesce bene, può venire voglia di estenderla molte volte.

Ogni estensione, però, può aumentare:

• drift (distorsioni) del volto;
• modifiche all’ambiente;
• cambi di colore;
• deformazioni varie.

È spesso meglio tagliare. Il montaggio è un alleato dell’IA.

 

* IL SUONO RENDE PIÙ REALISTICA L’IMMAGINE

Una clip visivamente semplice può sembrare sorprendentemente realistica quando viene accompagnata da un buon sound design.

Una donna immobile davanti ad una finestra può avere di sottofondo il suono di:

• il traffico lontano;
• il frigorifero;
• il vento;
• rumore di una tenda;
• passi del vicino;
• respiro;
• vibrazione del telefono.

Lo spettatore percepisce un mondo vivo anche se visivamente accade pochissimo.

Per questo, nella produzione IA, l’audio non deve essere pensato come un elemento secondario.

È spesso ciò che trasforma una clip generata in una scena.

 

* DIALOGHI E MOVIMENTO DELLE LABBRA

Il lip sync, cioè la sincronizzazione delle labbra, richiede particolare attenzione.

Se il personaggio deve pronunciare una battuta lunga, aumentano i rischi di:

• deformazione della bocca;
• denti instabili;
• volto che cambia;
• mandibola innaturale.

Per i cortometraggi è utile:

• usare battute brevi;
• alternare chi parla e chi ascolta;
• utilizzare voice-over;
• mostrare il personaggio di tre quarti;
• tagliare sulle reazioni;
• usare dialogo fuori campo;
• evitare monologhi lunghi in un’unica clip.

Questa limitazione può diventare uno stimolo alla buona regia.

Il cinema tradizionale utilizza continuamente le reazioni durante i dialoghi.

 

* ESEMPIO DI DIALOGO COSTRUITO CON PIÙ CLIP

Clip 1: primo piano di A.

Personaggio A:

“Tu lo sapevi?”

Taglio.

Clip 2: Personaggio B ascolta in silenzio.

Audio fuori campo di A:

“Lo sapevi da settimane.”

Personaggio B abbassa lo sguardo.

Clip 3.

Personaggio B:

“Sì.”

Tre clip brevi possono risultare molto più credibili di un unico piano-sequenza con due personaggi che parlano.

 

* QUANDO USARE UN MOVIMENTO PIÙ COMPLESSO

I movimenti complessi hanno senso quando:

• la scena è molto semplice;
• il personaggio è quasi immobile;
• l’ambiente è ben leggibile;
• la durata è breve;
• il movimento ha un significato narrativo.

Per esempio, un piccolo orbit intorno ad una statua può funzionare molto bene perché la statua non cambia.

Un orbit intorno a quattro attori che si abbracciano è molto più rischioso.

 

* GENERARE PIÙ VERSIONI DELLA STESSA CLIP

Non bisogna aspettarsi che la prima generazione sia quella definitiva.

È consigliabile produrre più varianti:

• 1° variante: quasi immobile;
• 2° variante: movimento medio;
• 3° variante: movimento leggermente più evidente.

Poi scegliere quella più credibile, non quella più spettacolare.

Nel cinema l’inquadratura più efficace è spesso quella meno vistosa.

 

* CREARE UNA “BIBBIA DEL MOVIMENTO”

Per un cortometraggio interamente o parzialmente realizzato con IA è utile creare un piccolo documento di continuità.

Per ogni personaggio occorre stabilire:

• il modo di camminare;
• la velocità;
• la quantità di gesti;
• l'atteggiamento;
• il tipo di espressione;
• la direzione prevalente dello sguardo.

Per la camera:

• i movimenti consentiti;
• la frequenza dei push-in;
• l'uso della camera a mano;
• l'altezza;
• le focali simulate.

Per l’ambiente:

• la quantità di vento;
• le condizioni meteorologiche;
• la direzione della luce;
• la velocità del traffico.

Questo impedisce che ogni clip sembri appartenere ad un film diverso.

 

* ESEMPIO - UN PERSONAGGIO TIMIDO

Regole di movimento:

• cammina lentamente;
• tiene spesso le mani vicine al corpo;
• evita movimenti ampi;
• abbassa lo sguardo;
• gira la testa prima degli occhi solo raramente;
• respira visibilmente nei momenti di tensione.

Se tutte le clip rispettano queste regole, il personaggio acquista continuità anche se è generato artificialmente.

 

* ESEMPIO - UN PERSONAGGIO SICURO

Regole di movimento:

• postura eretta;
• movimenti più diretti;
• sguardo stabile;
• gesti più ampi;
• camminata regolare;
• raramente arretra.

L’animazione diventa parte della recitazione.

 

* IL MOVIMENTO E GENERE CINEMATOGRAFICO

- Dramma

Preferire:

• camera ferma;
• push-in lento;
• micro-espressioni;
• respirazione;
• piccoli gesti;
• ambiente quieto.

- Thriller

Preferire:

• movimento lento;
• soggetto quasi fermo;
• luce intermittente;
• rivelazioni parziali;
• pan controllato;
• elementi fuori fuoco in primo piano.

- Noir

Preferire:

• camera fissa;
• fumo;
• controluce;
• movimento di ombre;
• tenda;
• veneziane;
• rotazione minima del volto.

- Commedia

Preferire:

• campi più larghi;
• più personaggi visibili;
• gesti leggibili;
• entrate e uscite semplici;
• camera stabile;
• reazioni.

- Romantico

Preferire:

• sguardi;
• piccoli movimenti delle mani;
• vento leggero;
• push-in;
• controluce;
• movimento molto dolce.

- Horror

Preferire:

• immobilità;
• piccoli movimenti sullo sfondo;
• camera lenta;
• soggetto che non vede ciò che vede lo spettatore;
• cambi minimi.

Spesso nell’horror è più efficace muovere ciò che sta dietro al protagonista che il protagonista stesso.

 

* IL MOVIMENTO FUORI CAMPO

Non tutto deve essere mostrato.

Possiamo far sentire:

• una porta;
• un passo;
• un telefono;
• una voce;
• un colpo;
• una macchina;
• un cane.

Il personaggio reagisce a quello che sente.

Questo evita di generare una seconda azione complessa ed aumenta il potere dell’immaginazione dello spettatore.

 

* IL MONTAGGIO DEVE NASCONDERE LE IMPERFEZIONI

Il montatore di un film generato con IA ha un compito particolarmente importante.

Può eliminare:

• gli ultimi fotogrammi in cui il volto comincia a deformarsi;
• l’inizio instabile della clip;
• un movimento sbagliato della mano;
• una parte in cui lo sfondo cambia;
• un gesto incompleto.

Il montaggio può inoltre utilizzare:

• cutaway (od inquadratura di inserimento);
• reaction shot (inquadratura di reazione);
• un dettaglio;
• il nero;
• un suono fuori campo;
• una dissolvenza motivata;
• un insert.

Non bisogna considerare ogni clip generata intoccabile.

 

* QUANDO TAGLIARE

Se una clip è perfetta per quattro secondi e sbagliata al quinto:  tagliare al quarto secondo.

Non bisogna sacrificare quattro secondi buoni per conservare un’azione prevista sulla carta.

La sceneggiatura deve adattarsi anche alle immagini realmente ottenute.

 

* UN METODO OPERATIVO COMPLETO

1. Scrivere la scena

Prima capire cosa deve accadere emotivamente.

2. Dividerla in inquadrature

Non generare tutta la scena in un’unica clip.

3. Creare le immagini statiche

Controllare:

• i personaggi;
• le mani;
• gli oggetti;
• gli abiti;
• lo spazio;
• la luce;
• la composizione.

4. Decidere il movimento principale di ogni shot

Per esempio:

• shot 1: camera ferma;
• shot 2: push-in;
• shot 3: piccolo gesto;
• shot 4: movimento ambientale.

5. Scrivere prompt brevi e precisi

Descrivere ciò che si vede.

6. Generare più versioni

Scegliere credibilità, non spettacolarità.

7. Controllare frame per frame

Verificare:

• il volto;
• le mani;
• i capelli;
• gli oggetti;
• lo sfondo;
• le scritte;
• la luce.

8. Tagliare le parti difettose

Non aspettare la post-produzione finale.

9. Costruire il montaggio preliminare

Valutare ritmo e continuità.

10. Aggiungere dialoghi e suono

La scena cambia radicalmente.

11. Color correction

Uniformare clip provenienti da generazioni differenti.

12. Sound design finale

Creare continuità acustica.

 

* CHECKLIST PRIMA DI ANIMARE UNA QUALSIASI IMMAGINE

Prima di premere “genera”, chiedersi:

• il volto è completamente leggibile?
• le mani sono corrette?
• il personaggio ha spazio per muoversi?
• l’azione è fisicamente possibile?
• sto chiedendo troppe azioni insieme?
• la camera deve realmente muoversi?
• quale elemento può rimanere fermo?
• l’ambiente contiene oggetti difficili?
• ci sono scritte importanti?
• ci sono specchi?
• ci sono riflessi?
• il movimento è coerente con il genere?
• quanto deve durare davvero la clip?
• posso raccontare parte dell’azione con un secondo shot?
• il suono può sostituire qualcosa che non serve mostrare?

Se molte risposte sollevano dubbi, bisogna semplificare.

 

* LE DIECI REGOLE D’ORO

1. Partire da un’immagine semplice e corretta.
2. Animare un’azione alla volta.
3. Preferire i micro-movimenti.
4. Tenere il volto visibile.
5. Limitare rotazioni e movimenti complessi.
6. Evitare di far maneggiare troppi piccoli oggetti.
7. Costruire la scena attraverso più inquadrature.
8. Usare il montaggio per proteggere le clip.
9. Affidare una parte importante della vita della scena al suono.
10. Scegliere sempre la versione più credibile, non quella più spettacolare.

 

* UN PRINCIPIO FONDAMENTALE PER IL CORTOMETRAGGIO CON IA

L’Intelligenza Artificiale può creare immagini straordinarie, ma il cinema non è una successione di immagini straordinarie.

Il cinema nasce dalla relazione tra le immagini.

Un personaggio guarda.
Taglio.
Vediamo ciò che guarda.
Taglio.
Torniamo al personaggio.
È cambiato qualcosa.

Questa grammatica rimane valida indipendentemente dallo strumento utilizzato.

Perciò, quando l’IA non riesce a far compiere ad un personaggio una lunga azione complessa, la soluzione non consiste sempre nel cercare un modello più potente.

Molto spesso la soluzione è fare ciò che il cinema fa da più di un secolo:  cambiare inquadratura.

In conclusione:

Trasformare un’immagine in un video non significa semplicemente aggiungere movimento. Significa decidere quale movimento sia necessario alla storia.

Il rischio principale dell’image to video è la tentazione di chiedere troppo: personaggi che camminano, parlano, gesticolano, cambiano espressione, interagiscono con oggetti mentre la camera gira intorno a loro e l’ambiente cambia contemporaneamente.

Più il sistema deve inventare, più aumentano deformazioni ed incoerenze.

Per un cortometraggio convincente conviene adottare una filosofia opposta:

• movimenti semplici;
• clip brevi;
• personaggi leggibili;
• gesti precisi;
• camera controllata;
• ambiente coerente;
• montaggio intelligente;
• sound design accurato.

Una donna che abbassa lentamente lo sguardo può essere più cinematografica di una donna che attraversa tutta la stanza.

Una tenda che si muove può raccontare più di un movimento orbitale.

Una mano che rimane sospesa prima di toccarne un’altra può avere più forza di un abbraccio generato male.

L’obiettivo non è dimostrare quanto l’Intelligenza Artificiale sappia muovere un’immagine.

L’obiettivo è fare in modo che lo spettatore dimentichi che quell’immagine era immobile.

Ed è proprio quando smette di vedere la tecnologia e comincia a seguire il personaggio che l’immagine diventa finalmente cinema.