♥ dalle Idee alle Sceneggiature

Come si scrive una sceneggiatura che sia un pezzo di carattere che si sviluppa lentamente, e che riesca comunque a mantenere la storia avvincente e coinvolgente per il pubblico o per chi legge la sceneggiatura? Ecco il nono film dell'autore Quentin Tarantino, Once Upon a Time in Hollywood. Dopo essere esploso sulla ribalta cinematografica delle nostre menti nei primi anni '90, Quentin Tarantino è diventato uno dei volti più iconici della sceneggiatura. Per oltre due decenni le sue sceneggiature ci hanno regalato esempi perfetti di narrazione unica, dialoghi dinamici e alcuni dei personaggi più interessanti mai apparsi sul grande schermo.

Il CONT’D (o CONTINUA in italiano) è un'abbreviazione utilizzata nelle sceneggiature per indicare che un personaggio continua a parlare nella scena successiva, senza interruzioni o cambiamenti di inquadratura significativi. Serve a mantenere la fluidità della conversazione e a evitare ripetizioni inutili.

La scrittura, in generale, è soggettiva. Una persona potrebbe amare un personaggio e la storia, ma odiare la trama; potrebbe amare la trama, ma odiare i personaggi, bla bla bla. I dialoghi, però, sono quell'area in cui sia gli spettatori occasionali che i cinefili sanno cosa è buono, cosa è cattivo e... cosa è bello. 

Adattare un racconto in una sceneggiatura per un cortometraggio richiede attenzione sia alla struttura narrativa che alle specifiche tecniche del formato cinematografico. Ecco le regole principali da seguire per trasformare il testo narrativo scelto adeguatamente in una sceneggiatura per un cortometraggio.

Come scrivere secondi atti avvincenti nelle sceneggiature? Alla fine, ogni storia cinematografica (sia lungometraggio che cortometraggio) ha una struttura in tre atti: un inizio, una parte centrale e una fine. Questa è stata la struttura narrativa seguita dall'umanità fin dai tempi in cui si raccontavano storie attorno al fuoco del villaggio o si incidevano pitture rupestri su muri di pietra raffiguranti storie degne di nota di caccia alla preda (inizio), confronto con la preda (parte centrale) e sconfitta della preda (fine).

Su quali aspetti gli sceneggiatori possono anzi debbono concentrarsi per aumentare le loro probabilità di vincere concorsi o competizioni? Se vuoi vincere un concorso di sceneggiatura devi avere un piano. Non puoi semplicemente improvvisare e inviare una bozza casuale del tuo ultimo lavoro per testare le acque. Devi essere meticoloso nel tuo approccio al concorso, sapendo che altri probabilmente faranno lo stesso per migliorare le loro probabilità di piazzamento e di vittoria.

Nel suo romanzo stimolante Martian Time-Slip , Dick scrisse:

Questo suona sorprendentemente come la necessità dei replicanti di collezionare fotografie nel tentativo di creare memoria dove non esisteva. I replicanti non possono essere membri di "una data cultura con dati valori", perché non viene mai dato loro il tempo di apprendere quei valori. Poiché mancano delle "figure autorevoli" (in particolare i genitori) che insegnino o "impiantino" in loro le necessarie spinte sociali che Dick menziona, non hanno né cultura né valori oltre a quelli che creano loro stessi.

La moralità è anche un tratto appreso, insegnato sia dalla cultura che da queste stesse figure autoritarie. Tuttavia Blade Runner suggerisce che una società che gioca a fare Dio creando esseri a immagine dell'uomo è anche amorale, soprattutto se non concede a tali esseri gli stessi diritti ed esperienze concessi agli umani. In questa luce, le azioni dei replicanti non sembrano peggiori di quelle degli umani, e sono persino in una certa misura più giustificate.

Quando Roy Batty affronta il suo creatore Tyrell, ha dubbi sulla propria moralità e solleva l'argomento come per chiedere a Tyrell un consiglio paterno.

              Pazzo
  Ho fatto delle cose discutibili.

              PNEUMATICO
  Anche cose straordinarie.

              Pazzo
  Nemmeno il Dio della biomeccanica
  ti avrebbe lasciato entrare in paradiso.

Come puoi vedere dal dialogo a sinistra, Tyrell non si preoccupa delle azioni di Roy e quindi in una frase dimostra di essere un pessimo arbitro della moralità. Roy se ne rende immediatamente conto e la sua risposta è sarcasticamente giusta al punto. Roy, sotto le mentite spoglie di un bacio a Tyrell (un bacio della morte, l'inverso del "bacio della vita" datogli da Tyrell), uccide il suo creatore. Così facendo, questa azione rispecchia l'omicidio simbolico di Dio da parte dell'uomo (il spesso citato "Dio è morto" nietzschiano); la morte del padre-Dio rappresenta l'atto dell'umanità che si assume la responsabilità della propria moralità e delle proprie azioni, in altre parole, l'uomo ora interiorizza la moralità invece di collocarla all'esterno di sé e assume su di sé il mantello del "libero arbitrio". Ciò rispecchia anche l'idea di un bambino che ha bisogno di uccidere simbolicamente il proprio genitore per assumersi la responsabilità della propria vita. Che serie di simboli carichi!

Durante la scena del gatto e del topo tra Roy e Deckard, il monologo di Roy è un dibattito filosofico ad alta voce con se stesso sulla natura della vita e della moralità. A un certo punto Roy provoca Deckard con la battuta: "Non dovresti essere l' uomo buono?"

La prova finale che Roy ha effettivamente accettato la responsabilità delle sue azioni, e in effetti si rifiuta di essere una mera marionetta del destino, arriva quando salva la vita di Deckard invece di lasciarlo cadere verso la morte. Così facendo, Roy rompe lo schema stabilito per lui dal destino: va contro la sua natura per dimostrare di essere in grado di infrangere lo stretto schema comportamentale stabilito dal suo creatore. E sebbene accetti l'inevitabile fatto della sua morte imminente, ostacola l'inevitabilità della morte di Deckard salvandogli la vita, il che ha l'effetto collaterale di rinnovare la ragione di vita di Deckard.

Tutti questi potenti simboli e momenti indicano strati di profondità e sostanza che compongono la vera storia dietro Blade Runner: non si tratta di un uomo mandato a rintracciare umani sintetici, ma di un uomo che riscopre la sua umanità. La caccia ai replicanti è la struttura, non il messaggio.

Creazione del tema

Confondere l'azione fisica con il significato di una storia, o semplicemente ignorare qualsiasi scopo più profondo che non sia quello di intrattenere, è il motivo per cui così tanti film di questi tempi sembrano vuoti. Il tuo compito come scrittore è incorporare il tema dall'inizio del processo di scrittura, e non semplicemente inserirlo come glassa sulla torta; il tema è la torta.

I temi sono correlati agli obiettivi interiori dei personaggi, ai loro bisogni psicologici e/o emotivi che vengono spesso esplorati tramite sottotrame. Pertanto, un approccio solido alla creazione del tema potrebbe essere adottato attraverso la seguente serie di passaggi:

L'idea di un personaggio principale morale che lotta per evitare la tentazione, come nell'esempio precedente, ha funzionato per molti film, l'esempio più semplice è la trilogia di Star Wars, in cui Darth Vader tenta Luke con il potere del Lato Oscuro. L'arco narrativo di Han Solo va nella direzione opposta: passa dal cinismo all'idealismo, proprio come il personaggio di Bogart in Casablanca.

In Blade Runner, il suo "argomento narrativo" di umanità contro disumanità delinea perfettamente gli archi trasformativi di Deckard e Roy. Collega anche l'idea di umanità con la moralità. (Per ulteriori informazioni su come creare una premessa narrativa praticabile e per una grande discussione sull'approccio dialettico alla narrazione, ovvero due punti di vista in conflitto, vedere l'importante e influente libro The Art of Dramatic Writing di Lajos Egri.)

Tieni presente che puoi trattare più di un tema in una storia (se sei coraggioso!), ma che idealmente dovrebbero essere correlati e intrecciati con gli altri temi, e che ogni tema in genere richiede una sua sottotrama.

Se pensi al tema fin dall'inizio del tuo processo di scrittura, darai al tuo lavoro la profondità necessaria che ti consentirà di portare la tua narrazione a un livello superiore.

 Fine Articolo dal sito uncleanarts.com

Link alla Prima parte

Non esiste nessun altro elemento di una storia che incarni così tanto la sua ragione di esistenza quanto il tema. Il tema è il motivo per cui una storia, una bella storia, viene raccontata in primo luogo. Una storia senza tema, come si vede in tanti film realizzati oggigiorno, non è affatto una vera storia, ma semplicemente una recitazione di eventi sequenziali. Senza tema, una storia è priva di significato, di verità più profonda. Tanti film non riescono a commuovere il pubblico perché sono meri simulacri di film veri e propri: sotto la loro pelle non si trovano altro che ingranaggi e fili della formula di Hollywood, non la carne e le ossa di una storia viva.

Le prime pagine di una sceneggiatura sono fondamentali per il successo di un film. Esse stabiliscono il tono, introducono i personaggi principali, delineano il contesto e catturano l'interesse del pubblico. Di seguito esploreremo in dettaglio le ragioni per cui le prime pagine della sceneggiatura sono così cruciali, fornendo informazioni, suggerimenti e trucchi per scriverle in modo efficace.

Quando scrivi una sceneggiatura, la tua sceneggiatura, è cruciale assicurarsi che ogni elemento della storia sia ben definito e coerente. Rispondere a una serie di domande chiave può aiutare a verificare che la tua sceneggiatura sia solida e efficace e possa quaindi catturare l'attenzione del pubblico. Ecco le sette domande principali da considerare, con una spiegazione dell'importanza di ciascuna:

Quali sono alcune semplici linee guida che gli sceneggiatori possono seguire per scrivere logline efficaci? Scrivere una logline avvincente e coinvolgente è una forma d'arte a sé stante. Ma proprio come nella sceneggiatura, non esiste una formula segreta per il successo. Qui ci allontaniamo da direttive, teorie e regole approfondite per offrire linee guida semplici che puoi applicare al tuo processo per aiutarti a scrivere la sinossi più efficace per la tua sceneggiatura.

Che i tuoi personaggi sfidino le leggi della natura o riflettano semplicemente sul passato, uno sceneggiatore ha molti modi per orientarsi nei cunicoli temporali. Forse perché il tempo è qualcosa che gli umani non possono controllare, cattura continuamente la nostra curiosità e ci ispira a fare un salto quantico nell'ignoto della nostra immaginazione. Molte opere di narrativa trattano del nostro fascino per il tempo.

Una sceneggiatura efficace è il cuore di qualsiasi produzione cinematografica, fornendo una guida dettagliata per registi, attori, e troupe. Le cinque domande fondamentali - Chi? Cosa? Quando? Dove? Perché? - giocano un ruolo cruciale nella costruzione di una sceneggiatura solida e avvincente. Questo articolo esplorerà l'importanza di ciascuna di queste domande e dando a ciascuna domanda la risposta appropriata può migliorare la qualità della tua sceneggiatura.

Spaventarsi è di nuovo cool. Con l'attuale visibilità dei film horror di alta classe, il genere ha trovato nuova linfa vitale. Ma come si scrive una sceneggiatura che faccia paura? È impossibile creare una storia che spaventi tutti, ma i precedenti classici horror mostrano i loro oscuri schemi che il sangue fresco può seguire. Accendete le candele, spegnete le luci e rabbrividite al processo di costruzione di uno spavento.