Alcuni dei più grandi film di tutti i tempi in un'ampia varietà di generi sono stati adattati da racconti. Mentre guardiamo indietro ad alcuni dei migliori adattamenti che il pubblico abbia mai visto sul grande schermo, spiccano alcuni elementi che separano gli adattamenti di racconti da quelli di romanzi. Quali sono le differenze distintive tra un racconto e un romanzo?
♥ dalle Idee alle Sceneggiature • Consigli e Suggerimenti
La sceneggiatura è ovviamente un'arte, ma è anche una scienza sviluppata. Se desideri che il tuo capolavoro sia gradito a chiunque nel settore, devi rispettare rigorose linee guida sulla formattazione. Descriverò qui le basi della formattazione della sceneggiatura, gli elementi costitutivi di una grande sceneggiatura.
Il programma televisivo animato Family Guy, nato da un'idea del comico Renaissance Man Seth McFarlane, è noto per il suo umorismo irriverente, socialmente rilevante e talvolta volgare, tipico dell'animazione per adulti. Mescolando satira, commedia slapstick e fantasie di personaggi in spalla, le persone sono cresciute fino ad apprezzare la famiglia immaginaria dei Griffin nelle ultime 21 stagioni.
Come presidente in THE AMERICAN PRESIDENT, Michael Douglas afferma piuttosto enfaticamente che “L'America non è facile. L'America è una cittadinanza avanzata. Devi volerlo ardentemente, perché combatterà." Avrebbe potuto anche parlare di sceneggiatura. Niente della sceneggiatura è facile. Devi volerlo fortemente e devi venire preparato per un combattimento. Quando sei in trincea e non riesci a vedere la foresta dagli alberi... e ogni scrittore è lì una volta o l'altra... ecco alcuni elementi essenziali da tenere a mente. Tutti i buoni script hanno questi, e tutti gli script che non soffrono di conseguenza nel mercato.
Se sei uno scrittore, probabilmente hai già sentito quel consiglio, da altri scrittori, gente del settore o da uno qualsiasi delle dozzine di manuali, manuali, blog e trattati di sceneggiatura che sono là fuori. È forse la cosa più ovvia e, oserei dire, banale che puoi dire a uno scrittore.
Tutti sanno cosa sono gli archetipi anche se non pensano spesso ad articolarli. Li vediamo più e più volte nelle narrazioni in tutte le forme e formati, in tutto il mondo... infinite permutazioni su personaggi che sono stati ultra definiti quasi fino al punto della standardizzazione. Questi sono i principi e le principesse, i guerrieri e i viandanti, le femme fatale e i mutaforma e le prostitute dal cuore d'oro.
Lavoro come sceneggiatore freelance. Mi chiamo Matthew Gochman. Non ho mai prodotto una sceneggiatura. Ma posso dirti come scrivo e perché amo la sceneggiatura. In genere tendo a scrivere qualsiasi sceneggiatura, corto o lungometraggio, d'istinto. Probabilmente leggerai tonnellate di libri di sceneggiature che ti ipnotizzeranno ad aderire a una struttura specifica. E mentre la sceneggiatura è certamente un mezzo altamente strutturato, le molte teorie, spesso contrastanti, su cosa esattamente dovrebbe accadere quando possono essere scoraggianti. Per alcuni scrittori, è utile. Non per me.
Non c'è niente di più intrinsecamente cinematografico di una sequenza d'azione ben realizzata, perché coinvolge tutti gli elementi della forma d'arte: narrazione visiva, suono e tempo di montaggio. Sparatoria, incontri di boxe, resa dei conti in strada, inseguimenti in macchina... questi set hanno plasmato l'esperienza cinematografica in modo fondamentale.
Non sarebbe fantastico se raggiungessimo tutti l'oro con le nostre prime bozze e raggiungessimo l'apice della perfezione? Sarebbe molto più facile. Ahimè, non funziona mai in questo modo. Persino gli scrittori che hanno affermato di vendere le prime bozze (e Clint Eastwood notoriamente ha un debole per le riprese) hanno armeggiato e giocherellato con loro in un modo o nell'altro prima di tagliare il cavo e lasciarli entrare nel mondo.
Se si ripete così spesso l'aforisma “scrivere è riscrivere” c'è un motivo: è vero. La sceneggiatura è una forma d'arte così impegnativa, devi continuare a lavorare e perfezionare. Ogni parola conta. Ogni singola parola. Ogni linea di dialogo, ogni piccola azione, tutto deve funzionare al suo livello ottimale, indipendentemente e nel momento e come componente inestricabile di un tutto più grande.
Per affermare l'ovvio, l'apertura della sua sceneggiatura è di vitale importanza. Pagina uno, scena uno è quando il lettore (e poi lo spettatore) inizia a farsi un'idea della tua storia. È un'enorme opportunità per agganciarli per le prossime 90-120 pagine, e se non riesci a prenderli, è probabile che non li prenderai più tardi e smetteranno di leggere. Devi ottenere così tante cose in quella prima scena. Tono. Stile. Genere. Premessa. Mondo narrativo.
"Cosa ti ispira?" È una domanda comune che incontra spesso incertezza tra i giovani scrittori, me compreso. A volte, l'ispirazione sembra arrivare dal nulla. Forse conosci i tuoi punti principali della trama dopo esserti svegliato da un sogno, o plasmare un personaggio nell'arco di un viaggio in treno. Ma più spesso, l'ispirazione non è un incantesimo evocato. Mentre l'ispirazione guida la passione per una storia, ci vuole più di un pensiero agitato per scrivere ogni scena, riga e parola. Quindi, come eserciti l'ispirazione e la allunghi per riempire il tuo lavoro creativo?
Molti sceneggiatori alle prime armi ci chiedono quale genere dovrebbero scrivere. È importante capire che il "genere" è essenzialmente uno strumento di marketing. Poiché un film è uno dei rari beni che acquistiamo prima di sapere cosa stiamo ricevendo, è importante che il tipo di film sia comunicato chiaramente nella pubblicità: il poster, il titolo, il trailer, i protagonisti del film comunicare il genere di un film. Le persone guardano i film per molte ragioni, ma principalmente per un'esperienza emotiva avvincente e coinvolgente.
Il conflitto guida una storia. Potrei andare così lontano per dire che il conflitto è la tua storia. Ma penso che troppo spesso perdiamo quella connessione fondamentale tra conflitto e personaggio, vale a dire come queste due cose informano l'arco del personaggio. Se non leghiamo il conflitto direttamente ai nostri personaggi, o finiamo con storie prive di conflitto e piene di opportunità mancate, oppure forziamo un conflitto innaturale nella storia poi non suona vera.
In un post John August discute il genere e il modo in cui i personaggi interpretano positivamente o contro le aspettative del pubblico. Quando si scrive o si cerca di sbrogliare una storia è sempre utile vedere film per tono e genere simili a quello su cui si sta lavorando. È importante imparare il più possibile sui tuoi predecessori perché man mano che il pubblico si abitua a certi tratti caratteriali, un modo per distinguerti è scrivere contro di loro.
"Per creare opere d'arte di grande valore, ogni artista deve avere qualcosa da dire, alcuni valori, alcuni atteggiamenti, un bagaglio di esperienza - una visione". “Questo è ciò di cui si occupa Le Menu: identificare quegli atteggiamenti, valori ed esperienze che daranno energia al nostro lavoro di sceneggiatori, creando un menu di ciò che sappiamo ea cui teniamo profondamente. È una delle cose più importanti che possiamo fare come sceneggiatori, perché il nostro materiale e la nostra visione unici sono la fonte di sceneggiature uniche".
La parte centrale di una sceneggiatura di un film è spesso la parte più difficile da capire e scrivere per gli scrittori. Quando ascoltiamo presentazioni e leggiamo sceneggiature, spesso ci imbattiamo in una sceneggiatura che offre entusiasmanti prime 40 pagine ma poi sembra calare quando i personaggi non hanno niente da fare nel mezzo. A meno che i loro problemi non peggiorino, le tensioni non aumentino o arrivino altri indizi, non hanno niente da fare e la promessa di una grande sceneggiatura fallisce.
Le settimane di ferie e i fine settimana sono tra i più affollati al botteghino. Le persone amano riunirsi con le loro famiglie e uscire per divertirsi. Il più delle volte, i fine settimana di vacanza sono pieni di rilasci di tie-in. Quando scrivi una sceneggiatura, vuoi che il tempo e il luogo contino. Per le sceneggiature delle vacanze, la stagione e il giorno funzionano quasi come un personaggio del film e possono essere utilizzati per spiegare azioni bizzarre, scenografie e blocchi temporali per la trama.
Se stai cercando di vendere una sceneggiatura cinematografica o televisiva nel prossimo futuro, ti verrà posta una domanda che conta davvero: per chi è adatto? Spesso questo significa chi produce, chi dirige, ma il più delle volte i poteri forti vogliono sapere chi interpreterà i ruoli principali.
Film Courage ha incontrato diversi esperti di sceneggiature e ha chiesto loro come creare personaggi straordinari. Ecco i loro punti principali:
1. IL NUCLEO DEL CARATTERE È LA PAURA E IL CORAGGIO
Uno degli aspetti più gratificanti della scrittura di una sceneggiatura è lo sviluppo di un protagonista riconoscibile, dinamico e multidimensionale. La creazione di un personaggio principale avvincente ed emotivamente presente rende la tua storia infinitamente più coinvolgente per il pubblico ed è spesso l'elemento chiave che può ottenere la trazione della tua sceneggiatura da agenti, manager, produttori e talenti. Può anche farti sentire come se avessi guadagnato un nuovo amico o un modello (o forse ho solo bisogno di più amici nella vita reale).
The Inciting Incident è la seconda sequenza del primo atto. Laddove la "vita preesistente" ha stabilito il bisogno emotivo di cambiamento nel protagonista, questa sequenza successiva lo attacca. L'incidente deve deviare il protagonista dal suo percorso tradizionale e aprire le porte a un obiettivo da decidere nella sequenza che segue. Questo momento è il gancio per qualsiasi trailer di film e il motivo per cui le persone si sono presentate per vedere il tuo film sul grande schermo.
I girapagina non si applicano semplicemente alla velocità di lettura; invece, si tratta davvero dell'esperienza della lettura stessa nel suo insieme. Comprende il concetto, la consegna di quel concetto e l'estetica della sceneggiatura a portata di mano. Di seguito sono riportate quattro chiavi per creare un girapagina, coinvolgendo così un lettore di script dall'inizio, a metà e fino alla fine.
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Star Wars, Il mago di Oz, Mrs. Doubtfire, Avatar, Independence Day, Cattivissimo me, Super 8, Indiana Jones, Harry Potter, Superman, Jurassic Park, Babbo Natale, The Blind Side, Incantato, Hunger Games, Poliziotto dell'asilo.
Sceneggiature e film Four-Quadrant (ovvero per maggiorenni, minorenni, uomini e donne) sono il pane e il burro di Hollywood. Questi sono i progetti che hanno la maggiore portata.. Nel caso dei progetti a quattro quadranti, si rivolgono a giovani, anziani, uomini, donne e chiunque altro. I film per famiglie e d'animazione più apprezzati - dalla critica e dal successo al botteghino - hanno qualcosa per tutti. Non guardare oltre la rinascita dell'animazione Disney dal 1989 agli anni '90, con La sirenetta, La bella e la bestia, Il re leone e Aladdin.
Le sequenze d'azione possono essere le migliori amiche o il peggior nemico di uno sceneggiatore. Se riesci a scriverli bene, sarai più una merce ambita agli occhi dei poteri costituiti. Un regalo del genere farà risplendere le tue sceneggiature più luminose delle altre, grazie a una lettura divertente e coinvolgente, e aumenterà le tue possibilità di essere preso in considerazione per incarichi di scrittura chiave in studio. Se non puoi, beh, è ora di iniziare ad affinare quel set di abilità.
Ci sono una miriade di motivi per cui la sceneggiatura di qualcuno viene rifiutata dai poteri cinematografici. Alcuni motivi sono grandi e altri piccoli, ma gli sceneggiatori devono conoscere e studiare tutti i possibili fattori che potrebbero portare alla trasmissione dei loro copioni. Questi esempi si basano sull'esperienza diretta dal punto di vista di un lettore di sceneggiature in studio. Non solo accadono, ma accadono MOLTO SPESSO.
La riscrittura. Anche se ci piacerebbe credere che le nostre prime bozze siano perfette e pronte per essere acquistate, confezionate e prodotte, nulla potrebbe essere più lontano dalla verità.
Le riscritture sono un dato di fatto della vita dello sceneggiatore. La prima bozza è sempre considerata la peggiore, ma troppo spesso terribili riscritture, specialmente a Hollywood, possono trasformare un disastro ferroviario in un disastro di proporzioni ancora più epiche.
Con tutto il tempo e gli sforzi che hai messo per scrivere la tua sceneggiatura, non sei curioso di sapere cosa accadrà dopo la vendita? La realtà è che la maggior parte dei nuovi scrittori non avrà voce in capitolo su ciò che accadrà dopo.
Produrre i tuoi film non solo ti darà una visione preziosa del processo di realizzazione del film, ma migliorerà anche la tua scrittura. Se hai qualche inclinazione o talento nella regia o nella produzione, è un talento che vale la pena sviluppare perché è un'abilità molto sinergica con la sceneggiatura.
Una delle componenti più cruciali della scrittura di una sceneggiatura avvincente ed emotivamente coinvolgente è trasmettere al pubblico come si sentono i personaggi riguardo alla loro situazione. Nel senso più semplice, ogni film narrativo parla di uno o più personaggi che lottano per superare e/o ottenere qualcosa. Marty McFly cerca di tornare al 1985 senza mettere in pericolo la propria esistenza. Dorothy deve recarsi a Oz in modo che il Mago possa aiutarla a tornare in Kansas. Una nave gigante si lancia contro un iceberg per far fronte a una noiosa storia d'amore (o qualunque sia il tema del Titanic).
Una delle cose che notiamo sempre di più è l'eccessiva dipendenza dai dialoghi per raccontare una storia. Il dialogo è uno strumento estremamente potente che può essere utilizzato per costruire e rivelare il carattere, trasmettere un'esposizione vitale, esprimere un tema e impostare un tono... ma può anche essere un handicap.
Hai una grande idea per una sceneggiatura e hai trascorso molti mesi meticolosi delineando la storia, sviluppando i personaggi e facendo brainstorming sulle scene. O forse hai appena fumato un po' d'erba e volevi vedere se riuscivi a scrivere una sceneggiatura usando Microsoft Paint.
Ad ogni modo, sei pronto per iniziare a scrivere, ed è probabile che la tua sceneggiatura conterrà dei dialoghi (a meno che tu non stia leggendo questo nell'anno 2971, quando le persone hanno sviluppato la telepatia e non hanno più bisogno di parlarsi ad alta voce).
"I cortometraggi mi hanno davvero aiutato a crescere come narratore, animatore e regista". - John Lasseter. Come puoi discutere con quella citazione di uno dei nostri più grandi narratori? I cortometraggi non sono solo un'eccellente piattaforma per imparare l'arte e il mestiere del cinema, ma sono anche un rito di passaggio, insegnando ai cineasti alle prime armi lezioni di vita che li accompagneranno attraverso le loro carriere e aspirazioni.
Abbiamo presentato un elenco di cortometraggi che tutti i cineasti dovrebbero conoscere, che mettono in mostra vari elementi di concetto, personaggi, storia e abilità tecniche che possono catturare l'attenzione del pubblico e dei poteri che si trovano all'interno dell'industria cinematografica e televisiva. In che modo i cineasti evocano grandi idee per i cortometraggi?
La voce fuori campo è uno degli argomenti più dibattuti nel mondo della sceneggiatura, probabilmente perché ci sono molti modi in cui può essere utilizzato. Mentre alcuni sceneggiatori sono decisamente contrari, se usata bene, la voce fuori campo può effettivamente migliorare una storia in modi interessanti. Quindi diamo un'occhiata a tre diversi modi in cui puoi usare la voce fuori campo nella tua sceneggiatura.
Il sottotesto è un dispositivo di scrittura in cui le azioni, infatti, parlano più forte delle parole. Sta succedendo qualcosa di più profondo di quello che vediamo sullo schermo. È pieno di doppi significati, allusioni, implicazioni. E se usato correttamente, può sembrare un quartetto d'archi cinematografico di Bach: voci diverse, ognuna con la propria linea melodica, che si uniscono tutte per un insieme corposo ed emotivamente risonante.
Che lo sappiano o no, gli sceneggiatori sono stati addestrati ad accettare una particolare catena di eventi che porta al successo (almeno ad Hollywood).
Le prime dieci pagine di una sceneggiatura sono fondamentali per qualsiasi sceneggiatore. In quelle poche pagine, spesso indicate nella sceneggiatura come la vita preesistente, devi stabilire chi è il tuo personaggio, cosa c'è che non va in lui (emotivamente) e il mondo in cui esiste. Di seguito ci sono solo dieci di innumerevoli film con grandi aperture per mostrarci l'ampia varietà di personaggi e mondi che gli sceneggiatori ci hanno presentato.
David Mamet, Aaron Sorkin, Diablo Cody e molti altri sceneggiatori hanno fatto carriera grazie alla loro capacità di creare dialoghi unici, ma il film è un mezzo visivo. È incredibilmente importante cercare e analizzare grandi momenti di scrittura con pochi o nessun dialogo e vedere con quanta efficacia è stato usato il silenzio. Negli esempi seguenti, ci saranno diversi tratti chiari e ricorrenti che possono essere facilmente applicati nella tua scrittura.
La verità della questione nella sceneggiatura e nella narrazione nel suo insieme è che gli scrittori troppo spesso complicano eccessivamente l'idea di coinvolgere un pubblico, specialmente quando scrivono gialli, thriller e drammi avvincenti. È un compito comprensibile perché coinvolgere il pubblico e mantenerlo coinvolto per tutta la storia è la componente più vitale di qualsiasi storia. Ma troppo spesso, è eccessivamente analizzato a un livello paralizzante. Entra nella semplicità di un libro per bambini che può insegnare ai narratori a realizzare questo nel modo più semplice.
Sono uno scrittore impaziente. Anche se apprezzo il valore e l'importanza di rifinire ora, io lo odiavo (lo faccio ancora). Quindi non è una grande sorpresa che non mi sia piaciuto il lavoro di preparazione necessario per creare un mondo per la mia storia. Ero solito lanciarlo e tuffarmi direttamente nella storia, comprese le posizioni arbitrarie e sperare per il meglio. Cattiva idea. Non solo scrivevo me stesso negli angoli, ma alle mie sceneggiature mancava anche il tipo di unicità che solo la specificità del luogo può portare.
Vuoi scrivere di protagoniste femminili da urlo? Dai un'occhiata a questi suggerimenti. Con il mega successo di film come Mad Max: Fury Road, Star Wars: The Force Awakens e Trainwreck, si potrebbe presumere che Hollywood abbia studiato la protagonista femminile eccezionale fino a farne una scienza. Eroi femminili indimenticabili, ciascuna decisa, sfumata e accattivante a modo suo, hanno alimentato ciascuno di quei film, risultando alla fine un oro al botteghino.
Prima di tutto, vorrei iniziare dicendo che se sei uno scrittore, puoi scrivere romanzi e sceneggiature, se hai l'ambizione immortale e la spinta a farlo. Lo dico perché una volta mi è stato detto da qualcuno all'interno dell'esperienza dell'industria televisiva e cinematografica che non puoi. Questa persona mi ha consigliato di "sceglierne uno e seguirlo". Come se una madre potesse scegliere solo uno dei suoi due figli da allevare. Sophie’s Choice, chiunque? No grazie! Le mie storie sono i miei bambini e il modo in cui scelgo di scriverle è una mia scelta.
Quando si crea una sceneggiatura o un manoscritto, il cardine di ogni storia è il personaggio. Chi sono e perché sono importanti? E come lettore o spettatore, perché dovremmo preoccuparci di loro?
Se c'è un aspetto della sceneggiatura che la maggior parte degli sceneggiatori vorrebbe padroneggiare, è il dialogo. Non ti sforzi di scrivere una descrizione della scena più eloquente e poetica. Al di là di quelle parole scritte all'interno di una sceneggiatura c'è il dialogo. E sì, il dialogo è ciò di cui gli sceneggiatori spesso sono più ossessionati, e giustamente. ... Il grande dialogo è ciò che completa il cerchio all'interno del processo di scrittura di una data sceneggiatura o eventuale film. È la ciliegina sulla torta di quel delizioso gelato. Sta tutto nel sottotesto.
"Il pubblico è come un organo gigante che io e te stiamo suonando, in un momento suoniamo questa nota e otteniamo questa reazione, e poi suoniamo quell'accordo e loro reagiscono. E un giorno non dovremo nemmeno fare un film - ci saranno degli elettrodi impiantati nei loro cervelli, dato che premiamo diversi pulsanti e loro diranno "oooh" e "aaah" e li spaventeremo e li faremo ridere. Non sarà meraviglioso? " - Alfred Hitchcock
Nel brillante film di Spike Jonze Essere John Malcovich, Craig di John Cusack trova un portale nella mente del personaggio del titolo. «C'è una piccola porta nel mio ufficio, Maxine. È un portale e ti porta all'interno di John Malkovich. Vedi il mondo attraverso gli occhi di John Malkovich, poi, dopo circa quindici minuti, vieni sputato in un fosso a lato dell'autostrada del New Jersey”, dice alla sua ragazza.
“Quando la tua storia è pronta per essere riscritta, tagliala all'osso. Sbarazzarsi di ogni grammo di grasso in eccesso. Questo farà male; rivedere una storia fino all'essenziale è sempre un po' come uccidere dei bambini, ma va fatto.» di Stephen King. Non si tratta di riscrivere: si tratta di tagliare la sceneggiatura il più possibile per renderla la più magra delle "carni" per studi, produttori, talenti e rappresentazioni su cui banchettare.La riscrittura di solito comporta il lavoro sulla storia e sugli archi dei personaggi per creare una storia coerente e coinvolgente.
Sapere in quale genere stai scrivendo per un determinato progetto e abbracciare ciò che il pubblico ama di quel genere, è così importante come sceneggiatore. Il genere, o i generi misti, venderanno il tuo concetto a te come scrittore, ai poteri che sono a Hollywood e al pubblico finale. L'aspetto eccitante della sceneggiatura di genere è trovare quei modi creativi di lavorare all'interno dei confini di quei generi raccontando storie nuove e originali al loro interno.
Conoscere i generi e i sottogeneri dei film è una componente vitale per la conoscenza di base di uno sceneggiatore. Da un punto di vista concettuale, mentre stai seminando le idee che alla fine scriverai, è essenziale essere in grado di etichettare gli elementi di genere di ogni dato concetto in modo da trovare un contesto di ispirazione. Guardare film di genere, tono e atmosfera simili aiuta ad annaffiare quel seme di un concetto che cresce nella tua testa. Aiuta a mostrare ciò che è già stato fatto e cosa puoi fare per offrire qualcosa di diverso.
Questa discussione solleva un punto importante su come gli scrittori dovrebbero gestire sia la prima che l'ultima visuale delle loro sceneggiature: mostreremo come gli sceneggiatori possono applicare questo concetto alle loro sceneggiature e perché dovrebbero prestare molta attenzione a tali elementi visivi. Il cinema è un mezzo visivo. Le sceneggiature sono i progetti per quel mezzo.
In che modo i film dell'orrore riescono a spaventare il pubblico così facilmente? Gli umani sono un gruppo strano. A volte siamo curiosi fino all'eccesso. Cerchiamo brividi mettendo in pericolo la nostra vita mentre saltiamo da aeroplani, scaliamo montagne, scappiamo da tori all'inseguimento, ci tuffiamo da un ponte con una sola corda a salvarci, ecc. Altri lo abbassano di un livello salendo sulle montagne russe e altre giostre da brivido che si trovano nei carnevali, nelle fiere e nei parchi di divertimento. E poi ci sono i film dell'orrore.
Creare una sceneggiatura horror è un processo unico che va oltre il semplice racconto di una storia. Il genere è un'entità che deve attingere alle paure collettive del pubblico per offrire loro quella fretta che cercano quando guardano questo tipo di film. Gli archi della storia e dei personaggi sono fantastici, ma nei film dell'orrore, l'obiettivo centrale è meno sulla storia e sui personaggi, e più sul lasciare al pubblico una sensazione inquietante, accompagnata da una scarica di adrenalina.
Non sei davvero nel "business del cinema" finché non hai un lavoro. "Allora, come posso ottenere un lavoro nel mondo del cinema?" Questa è la domanda che mi viene posta di più nei seminari, nelle scuole e negli eventi sociali. Non c'è nessuna formula magica.
La commedia romantica è un sottogenere che ha dominato gli anni '90 e l'inizio degli anni 2000, trasformando le star in Julia Roberts, Meg Ryan, Kate Hudson, Katherine Heigl, Drew Barrymore, Reese Witherspoon, Sandra Bullock e molte altre. Nel corso del tempo, le commedie romantiche sono lentamente cadute in disgrazia con Hollywood, almeno nella struttura che ha creato così tanto successo per il sottogenere in quegli anni d'oro. Man mano che le sceneggiature peggioravano e diventavano più stereotipate, il pubblico si stancava di loro, e così anche gli attori.
Ci sono molti errori e insidie nella sceneggiatura. Ecco come gestirli! Non è un segreto che scrivere sia difficile. Isolarsi, fissare una pagina bianca per ore e ore, con il compito di creare qualcosa di significativo che funzioni sia a livello emotivo che strutturale. Questo rende il completamento di qualsiasi sceneggiatura un risultato in sé. Mentre il processo diventa più facile nel tempo (o almeno più familiare), anche i professionisti devono stare attenti quando si tratta dei molti errori e trabocchetti comuni nella sceneggiatura.
C'è un momento nel processo di sviluppo che separa un'idea da una sceneggiatura. Un singolo momento che inizia un viaggio alla scoperta di sé, creatività, frustrazione e gioia. La verità è che tutti pensano di avere un'idea per un grande film, ma non tutti agiscono come fanno gli sceneggiatori. Ci vuole coraggio per immergersi in un concetto e scoprire cosa è possibile. Ci vuole passione per costruire un mondo convincente e mai visto prima. Niente di tutto ciò è possibile senza la dedizione necessaria per creare qualcosa di straordinario. Tutto porta a un momento e quel momento inizia con la lettera F.
Come narratori, quale responsabilità abbiamo di rappresentare accuratamente la verità fattuale nel nostro lavoro? Sono domande pesanti, lontane dalle solite superficiali ossessioni degli sceneggiatori; il mondo delle domande di formattazione, dei ritmi della storia e della voce dei personaggi. Ma sono domande che, negli ultimi anni, sono diventate sempre più un argomento molto dibattuto poiché diversi film di alto profilo, nominati (e vincitori) sono stati presi di mira per aver giocato un po "troppo liberamente" con i fatti.
Il montaggio è un fattore critico per il successo di qualsiasi film. Ogni scelta che il montatore fa influisce drasticamente sul coinvolgimento emotivo di qualsiasi storia, punto della trama, scena, sequenza o personaggio. Quando il taglio originale di First Blood è stato proiettato per la prima volta per lo studio, è stato considerato un disastro. Quando l'originale Star Wars è stato mostrato per la prima volta nel suo primo montaggio ai colleghi di George Lucas - e poi ai dirigenti della Fox - la maggior parte credeva che fosse un fallimento.
"Sono uno sceneggiatore. Non è il mio lavoro sapere come preventivare la mia sceneggiatura".
Questo è un malinteso comune che gli sceneggiatori hanno quando si tratta del lato commerciale delle cose. Molti diranno anche che gli sceneggiatori non dovrebbero scrivere con un budget in mente, ma conoscere l'intervallo di budget generale della tua sceneggiatura è vitale per la tua eventuale campagna di marketing per farla leggere a coloro che possono acquistarla e realizzarla.
Questa conoscenza ti aiuta anche più avanti nella tua carriera di sceneggiatore poiché sei assegnato a progetti, perché devi conoscere la differenza tra un film da $ 100 milioni e $ 5 milioni mentre scrivi. Il tuo produttore non sarà troppo felice se ti viene assegnato di scrivere un thriller contenuto - che piace agli studi perché sono economici da realizzare - e torni con un enorme festival d'azione che si svolge in più luoghi.
E mentre commercializzi la tua sceneggiatura, devi conoscere questa differenza per accertare a chi prenderai in considerazione la tua sceneggiatura. Non puoi portare una grande sceneggiatura di fantascienza con esplosioni ed effetti speciali a una società di produzione specializzata in drammi indipendenti a basso budget o piccoli film horror, non importa quanto successo abbiano avuto i loro film. Aziende specializzate come quella hanno un modello di business che spesso seguono fino in fondo.
Quindi devi sapere quanto costerà produrre la tua sceneggiatura. Ma come fai a farlo?
Ci rivolgiamo ai produttori indipendenti Chris Wyatt e Sean Covel, noti soprattutto per il loro grande successo indipendente Napoleon Dynamite, mentre analizzano i molti modi diversi in cui gli sceneggiatori possono imparare come preventivare le loro sceneggiature. Prendiamo i loro punti migliori e li elaboriamo in modo che tu, lo sceneggiatore, possa valutare al meglio il budget delle tue sceneggiature e quali tipi di aziende dovresti - o non dovresti - avvicinare.
1. QUALI FILM SONO COME IL FILM CHE STAI SCRIVENDO?
"Potresti non essere un esperto nella produzione in linea o nel budget dei film, ma dovresti sapere che tipo di film sono come il film che stai scrivendo... ci sono altri film al mondo, preferibilmente negli ultimi cinque anni in modo che sono rilevanti per le attuali condizioni di marketing - che il tuo film è un po' come", ha detto il produttore indipendente Chris Wyatt agli sceneggiatori al Great American Pitch Fest 2015.
Le informazioni sul budget sono ora disponibili online in luoghi come Box Office Mojo e IMDB. Come sceneggiatore, devi fare le tue ricerche prima di avvicinarti a qualcuno, ed è qui che inizi. Trova film simili con luoghi simili, effetti speciali (se presenti), numero di ruoli, ecc. a quanto sono grandi o piccole le tue storie. Non ti verrà chiesto di avere una ripartizione completa del budget, ma quel numero generale aiuterà a contestualizzare le cose.
2. QUANTI PERSONAGGI CI SONO?
"Ci sono alcuni componenti su cui sai di poter fare affidamento. Come un piccolo numero di parti parlanti. È qualcosa di cui puoi essere consapevole. Non significa due persone in una stanza, ma..." ha aggiunto il produttore indipendente Sean Covel.
Conoscere la quantità di caratteri è la chiave.
Se hai una dozzina di parti parlanti che sono più di una riga o due, queste costeranno i soldi della produzione. Se hai una dozzina di personaggi principali - evitalo a tutti i costi nelle tue sceneggiature - rende tutto ancora più costoso perché i produttori dovranno scegliere quei ruoli e pagare una grossa fetta di denaro.
Se hai scene che richiedono molti extra cinematografici - scene di stadi sportivi, scene di ristoranti affollati, scene di autostrade affollate, ecc. - anche gli attori di sottofondo costano un sacco di soldi. E anche loro devono essere nutriti.
3. QUAL È L'IMPOSTAZIONE?
Posizione, posizione, posizione. È tutto, specialmente con il budget di un film.
Se hai una scena ambientata a Times Square a New York City, sarà costosa. Se hai più sedi come quella, aumenterà il budget. Puoi facilmente andare ad altri film che hanno utilizzato quella posizione e confrontare e confrontare gli elementi di budget che stiamo trattando qui per valutare la possibile spesa aggiuntiva.
Dai un'occhiata a Vanilla Sky, che ha usato Times Square per una scena. Un elemento aggiunto era che avevano bisogno che quel luogo fosse completamente deserto. È stata un'impresa interessante ma costosa.
Il film è un dramma psicologico con alcuni elementi thriller e di fantascienza - e solo alcuni effetti speciali minori - ma la produzione è costata 68 milioni di dollari. Quella scena di Times Square è costata centinaia di migliaia di dollari per realizzarla.
Sii consapevole delle impostazioni del tuo script per capire se le location saranno o meno un fattore importante nel budget.
4. INDIVIDUA I LINE PRODUCER ONLINE E CHIEDI LORO
"Se ti senti davvero un po' perso o non sei sicuro di quale film guardare come film campione in termini di dimensioni del budget, puoi sempre andare [online] e trovare un line producer che potrebbe darti una lettura o che potrebbe anche ascoltati solo per cinque minuti per descrivere il film e poi darti un parco giochi", ha raccomandato Wyatt.
Al giorno d'oggi, puoi raggiungere quasi chiunque online. I produttori di linea non sono di alto profilo, quindi potrebbero essere più accessibili. È possibile trovare le informazioni di contatto per loro su IMDBPro o tramite account di social media. La cosa peggiore che può succedere è che dicono di no o non hanno il tempo di aiutare.
5. CONOSCI LA FINE COMMERCIALE DEL TUO GENERE
Questa è un'aggiunta alla discussione da parte nostra. Conoscere la fine commerciale dei generi che scrivi è essenziale, come quanto costa (approssimativamente) produrre ciascuno e per quali tipi di film è più facile ottenere finanziamenti.
Orrore
Il genere horror è popolare tra gli studi perché sono economici da realizzare e il pubblico principale si presenta costantemente per loro.
Azione
I copioni d'azione denotano acrobazie ed effetti speciali. Le acrobazie e gli effetti speciali costano denaro. Se fatto bene, il pubblico ama il viaggio, ma il genere d'azione non è quello che era negli anni '80 e '90. Al giorno d'oggi, o gli studi hanno i loro franchise tentpole come i film Fast and Furious o Taken, oppure spesso vanno Direct-to-Streaming/Blu-Ray. Quanti film di Bruce Willis, Steven Seagal e Jean Claude Van Damme hai visto in quei mercati non cinematografici? Infinito.
Quindi sono costosi e il pubblico spesso non va a vederli nei cinema come prima, quindi gli sceneggiatori che scrivono tali sceneggiature devono tenerlo a mente.
Thriller contenuti
Questi tipi di script sono economici da finanziare e spesso possono generare profitti per questo motivo. Ci sono poche location - di solito uno o due top - e cast più piccoli.
Commedia di alto concetto
Le commedie di alto livello spesso hanno bisogno di una star comica. Le star comiche sono spesso costose e difficili da programmare.
Commedie o drammi indipendenti basati sui personaggi
Sono sicuramente economici da realizzare, tuttavia, gli studi di solito non li acquistano. Potresti vedere le restanti società specializzate in studio acquisirne una o due, ma di solito è dopo che i film sono stati realizzati nel mercato indipendente. Quindi, se stai cercando di scrivere una sceneggiatura del genere, è meglio farla da solo o collaborare con un talentuoso regista indipendente.
Questi sono solo alcuni dei generi che gli sceneggiatori devono comprendere e conoscere da un punto di vista commerciale. Chiunque può dire che gli sceneggiatori dovrebbero semplicemente scrivere quello che vogliono scrivere e lasciare che i dirigenti si occupino del resto, ma se vuoi avere una carriera in questo business, devi anche capire la fine degli affari.
Questi cinque suggerimenti ti aiuteranno a valutare le tue storie durante lo sviluppo in modo da essere pienamente consapevole del tipo di film che stai scrivendo e di dove potrai portarlo.
Guarda la tavola rotonda completa sull'argomento qui:
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
Hai avuto un'ottima idea per un film, e forse hai anche iniziato la sceneggiatura, quindi sei partito per un inizio promettente.
Ma tra adesso e FADE OUT c'è una strada potenzialmente rocciosa. E a volte non è nemmeno la ricerca della padronanza del mestiere la parte più difficile. Gli scrittori, inclusi gli sceneggiatori, spesso sollevano i propri blocchi psicologici che rendono il viaggio più difficile di quanto dovrebbe essere.
Quindi, come può un aspirante sceneggiatore percorrere la strada con successo e finire quella sceneggiatura? Sapere a quali insidie nascoste prestare attenzione può sicuramente aiutare. Ecco alcuni dei più comuni:
1. LA MENTALITÀ "TROPPO TARDI PER INIZIARE ADESSO".
Spesso uno scrittore ha un'idea brillante per un film, ma non intraprende alcuna azione per anni. Col passare del tempo, l'entusiasmo e la motivazione dietro la tua visione intelligente potrebbero iniziare a svanire. Quando ciò accade, è fin troppo facile dire a te stesso che è troppo tardi e che dovresti dimenticartene. Questo non è necessariamente vero.
Tutti i creativi hanno una voce interiore che li guida, quella scintilla magica che inizia come un'idea e sboccia in un'opera d'arte. Se un'idea ti è rimasta impressa nel tempo, è molto probabile che ci sia qualcosa che possa ancora ispirarti. Prenditi del tempo per riesaminare quell'idea originale e vedere se riesci a riconnetterti con la scintilla. Se c'è, se ti senti obbligato a scriverlo, fallo.
2. MANCANZA DI FIDUCIA NEL TUO TALENTO COME SCENEGGIATORE
Come per tutti i progetti professionali e creativi, la fiducia è un fattore chiave; quando non crediamo nelle nostre capacità o nel lavoro che stiamo realizzando, diventa molto più difficile portare a termine un progetto.
Se questa è un'area in cui stai lottando, gli esercizi di scrittura che aumentano la fiducia possono aiutarti.
Esercizi di scrittura per aumentare la fiducia e l'autostima:
- I suggerimenti del diario sono un modo per scrivere naturalmente i tuoi pensieri in un ambiente personale, così puoi esercitarti nella scrittura mentre conosci un nuovo livello di te stesso.
- Scrivendo affermazioni positive, puoi guidarti delicatamente ad essere più gentile con te stesso e forse anche alterare positivamente la tua percezione del mondo.
- Annota le tue preoccupazioni, poi bruciale. Questo rituale ti aiuta a lasciar andare i dubbi che occupano spazio nella tua mente.
3. ESSERE UNO STEREOTIPO
Conosci il cliché: gli sceneggiatori stereotipati sono meditabondi, soli e torturati. Ma chi dice che devi esserlo?
Sì, dovresti riversare le tue emozioni nella tua sceneggiatura. Sì, dovresti trovare del tempo per te stesso. Ma tutto con moderazione, come disse notoriamente Oscar Wilde. Bilancia il tuo tempo creativo più isolato con attività che ti sollevano e ti aiutano a riempire il pozzo, incluso passare del tempo con amici e familiari.
4. VEDERE LA SCENEGGIATURA COME UN HOBBY PIUTTOSTO CHE UN LAVORO
Che tu sia in grado di lavorare part time o full time alla tua sceneggiatura, devi trattare la scrittura come faresti con qualsiasi altro lavoro. Stabilisci orari di lavoro e obiettivi e premiati quando raggiungi traguardi.
Trattare la tua sceneggiatura come un progetto professionale lo aiuterà a manifestarsi come tale.
5. PAURA DEL BLOCCO DELLO SCRITTORE
"L'unica cosa che dobbiamo temere è la paura stessa." -Franklin Delano Roosvelt
Il blocco dello scrittore è comune e averne paura non fa che peggiorare la situazione. Avere un piano in atto per quando il blocco dello scrittore colpisce può aiutare a togliere parte del suo potere. Quindi fai un respiro profondo e prova queste tecniche:
- Leggi citazioni ispiratrici.
- Brainstorm idee in elenchi puntati.
- Chiama un vecchio amico.
- Trascorri del tempo con qualcuno che ti fa stare bene.
- Crea una nuova routine.
- Prepara una tazza di caffè o una tazza di tè.
- Ascoltare la musica.
- Leggi un libro o un articolo.
- Cambia il tuo ambiente.
- Giocare un gioco.
- Sbarazzati delle distrazioni.
- Fare una passeggiata.
Non tutte le strategie funzioneranno per te, ma attraverso la sperimentazione troverai gli strumenti su cui puoi fare affidamento quando si presenta la situazione.
Essendo un aspirante sceneggiatore, vivi nella terra tra il sognatore e il professionista. Per garantire il tuo successo, devi fare attenzione agli ostacoli comuni che ti impediranno di raggiungere i tuoi sogni. Quando hai un piano in atto per superare questi ostacoli, spiani la strada per una sceneggiatura di successo.
Articolo di Kim Wells-Ball per screencraft.org
Ci sono innumerevoli fattori da considerare e il nome sbagliato può cambiare completamente il tono di un personaggio. Ecco alcune tattiche che possono aiutarti a trovare il nome perfetto per i tuoi personaggi.
TATTICA UNO: CONSIDERA IL PERIODO DI TEMPO
Quando scegli il nome del tuo personaggio dovresti sempre tenere presente il contesto storico. Ad esempio, se stessi scrivendo una sceneggiatura su un gladiatore romano, non gli daresti un nome moderno come Jaden. Piuttosto, potresti utilizzare il tuo accesso alla tecnologia per Google "nomi popolari in epoca romana" o semplicemente "nomi romani" per trovare un nome di tuo gradimento.
TATTICA DUE: USA L'AMBIENTAZIONE A TUO VANTAGGIO
Questa tattica si applica maggiormente ai generi di fantascienza e fantasy perché all'interno di questi generi è più normale prendere il nome da elementi del mondo. Ad esempio, se scrivi di un mondo in cui esiste la magia, potresti nominare una strega Aura, ovvero la radiazione soprannaturale che circonda una persona. Oppure un mago potrebbe essere chiamato Gadlr, che è la parola norrena per incantesimo.
TATTICA TRE: ALLUSIONE
Questo può sembrare un imbroglio, ma se hai scritto un personaggio che è simile a un altro personaggio di un romanzo o di un'opera teatrale classica, potresti semplicemente dargli lo stesso nome o una sorta di variazione. Ad esempio, se scrivessi di una ragazza a cui è stata data una grossa somma di denaro da una persona a caso, trascinandola nella classe superiore, potrei chiamarla Piper - un cenno a Pip dal romanzo Grandi speranze di Charles Dickens. Questa è di gran lunga la mia tattica preferita, perché è un modo economico per aggiungere profondità al tuo personaggio e farti sembrare colto.
I personaggi iconici portano alla mente potenti associazioni.
TATTICA QUATTRO: IMPORTANZA
La maggior parte dei nomi ha una sorta di significato dietro di loro. Con l'aiuto di un baby naming book, o anche solo di un motore di ricerca, possiamo trovare un nome adatto a descrivere un personaggio. Tutto quello che devi fare è trovare un nome che si adatti a un tratto importante della personalità o a un punto della trama per il personaggio. Ad esempio, se volessi nominare qualcuno che era malvagio e astuto, potrei cercare su Google "nomi che hanno significati malvagi" o "nomi malvagi" o anche "nomi astuti" per trovare il nome perfetto per quel personaggio.
TATTICA CINQUE: LOST IN TRANSLATION
Esplora altre lingue. Seguendo la stessa formula della tattica quattro, ma invece di digitare in un motore di ricerca "tratto di personalità + nomi" potresti andare su un sito Web di traduzione e digitare il tratto in inglese, quindi vedere se la parola in un'altra lingua sembra un nome appropriato per il tuo carattere Ad esempio, se stessi scrivendo di una bellissima giovane martire che salverà il suo paese, potrei chiamarla Esperanza, che significa "speranza" in spagnolo. Tuttavia, se dovessi nominare la persona malvagia che la ucciderà e cambierà la storia della nazione, potrei chiamarlo Shahin, che significa "falco" in arabo -- un uccello rapace. Ma anche il nome Shahin porta il significato della "prima luce nel mondo". Ancora una volta, simile all'allusione, questa tattica può facilmente aggiungere strati di significato al nome di qualsiasi personaggio.
TATTICA SEI: L'AMBIENTE CIRCOSTANTE
Se conosci qualcuno il cui nome pensi li definisca perfettamente e sono simili al tuo personaggio, forse ha senso dare al tuo personaggio lo stesso (o simile) nome. Tuttavia, se la storia del personaggio si allinea un po' troppo bene con la vita reale di quella persona, potrebbe benissimo darti la caccia con il suo avvocato. Pertanto sarebbe nel tuo interesse nominarli semplicemente in base alla loro personalità e assolutamente nient'altro, nemmeno l'aspetto.
Spero che questi suggerimenti ti abbiano fornito nuovi processi per aiutarti a nominare i personaggi che hai creato nella tua sceneggiatura.
Articolo di Camille Corbett per screencraft.org
Abbiamo tutti una pletora apparentemente infinita di idee per i film che girano nella nostra testa. Potremmo persino averli scritti per lo sviluppo futuro.
E se ti servisse di più?
… cosa succede se stai sfogliando il tuo file di idee e non c'è niente che chiede di essere scritto?
... cosa succede se hai l'opportunità di incontrare un produttore e non vuoi essere impreparato all'inevitabile "Cos'altro hai?"
… cosa succede se hai appena firmato con un nuovo manager e ti è stato chiesto di presentargli 40 nuove idee durante la riunione della prossima settimana? È successo a due miei amici scrittori separati, quindi direi che non è una cattiva idea avere qualche trucco nella tasca posteriore dei pantaloni.
Se ti trovi in una di queste situazioni, o se vuoi semplicemente esercitarti a generare idee perché fa bene ai muscoli cerebrali dello sceneggiatore, ecco tre metodi che puoi utilizzare per trovare rapidamente una serie di semi di storie.
Nota: li chiamo semi della storia perché ciò che ti viene in mente in questa fase iniziale non sono ancora concetti di sceneggiatura completi. Voglio dire, penso che sarà abbastanza ovvio, ma comunque - sono tutto per la chiarezza della missione. Il punto centrale di questo brainstorming è generare scintille, e in seguito vedrai quale di loro cattura.
Più tardi lo farai, come dice Jessica Abel nel suo (brillante) podcast “Out on the Wire”: Presta attenzione alla tua attenzione. Presta attenzione a ciò a cui ti senti connesso.
Modificherai e affinerai ulteriormente quelle scintille che ti attraggono di più. Ma il primo passo è generare quei semi della storia. Piccole pepite di idee che prima non esistevano. E per farlo, ho tre esercizi: aspetta, sembra un lavoro. Chiamiamole giochi. Nessuna pressione lì. Tre nuovi giochi da giocare.
GIOCO N. 1: NUOVO PUNTO DI VISTA
In questo inizi con qualsiasi leggenda esistente, fiaba o IP di pubblico dominio.
A titolo di esempio, inizierò con Mulan, la leggendaria donna guerriera cinese che si travestì da uomo per arruolarsi nell'esercito.
Quindi, fai un brainstorming su altri cinque punti di vista sugli eventi di questa storia.
Quindi, per il mio esempio, andrei con:
- La sorella di Mulan (una rivalità tra fratelli potrebbe essere interessante)
- Un commilitone (potrebbe esserci un'epica storia d'amore?)
- Un soldato di una forza nemica (storia del gatto e del topo piena di suspense?)
- La pronipote di Mulan (che racconta storie parallele in due diversi periodi di tempo)
- Un reale della dinastia Han che arruola Mulan in una sorta di contorta trama di azione e spionaggio
Ciascuno di questi punti di vista può dare origine a forme, toni e generi di storie familiari. Lascia che il tuo cervello vada dove vuole e scrivi tutte le idee che riesci a catturare.
Ora, in realtà non conosco la storia di Mulan, quindi questi potenziali POV della storia sono tutti inventati. Ciò non significa che non potrei usarli come punto di partenza per la mia storia, per quanto strettamente o lontanamente legati alla storia originale di Mulan come decido di volere che sia.
Potresti inventare una dinamica interessante e poi decidere che in realtà non vuoi raccontare la storia di Mulan attraverso altri occhi, ma vuoi raccontare una storia di rivalità tra sorelle femminili ambientata nel mondo contemporaneo dei Marines statunitensi.
Ricorda, stai solo generando semi di storie. Non devi usarli. Non devono essere tutti buoni. Stai solo raccogliendo quante più opzioni possibili in modo che in seguito puoi cercare qualcosa che susciti il tuo interesse. Successivamente puoi seguire quell'interesse per una storia di cui sei appassionato, curioso o abbastanza entusiasta da dedicare i prossimi mesi a scrivere.
In questo momento stiamo solo mettendo tutto nel nostro cestino della spesa. Più tardi decideremo cosa cucinare. Fatto? Bene. Non farmi diventare prepotente.
GIOCO N. 2: PIU' FANTASIA
Prendi qualsiasi fase della vita, rito di passaggio o altra situazione universalmente compresa e aggiungi un elemento fantasy (o soprannaturale o fantascientifico). Brainstorming "E se?" usando entrambi questi elementi nel maggior numero di modi possibili.
Ad esempio, se scelgo: cotta liceale + fantasmi
Potrei venire con:
- E se un'adolescente morisse e tornasse per perseguitare la cotta a cui non ha mai avuto il coraggio di avvicinarsi quando era viva?
- E se la cotta del liceo di un adolescente morisse e lui iniziasse a vedere il suo fantasma ovunque, facendolo lentamente impazzire?
- E se una donna adulta fosse perseguitata dalla sua cotta del liceo morta da tempo?
Certo, questi semi iniziali potrebbero essere noiosi. Forse anche sciocco. Ma puoi prendere i semi che ti vengono in mente e andare nella direzione che desideri. (Non saltare ancora alla fine, ma c'è un elenco di elementi che puoi modificare per aggiungere freschezza alle tue idee.)
Dopo un ulteriore sviluppo, forse una di quelle idee sarebbe diventata Over Her Dead Body. Forse sarebbe diventato Ghost.
GIOCO N. 3: PROTAGONISTI
Prendi un titolo di giornale, rivista o tabloid che ti sembra interessante e NON leggere la storia. (Il feed delle notizie di Facebook è utile per questo, ma attenzione a quella tana del coniglio!)
In questo gioco prenderai come ispirazione solo il titolo e lo stravolgerai per inventare nuove storie.
Andiamo con "Garbage Collector crea una libreria dai libri salvati".
Usa ciò che sai sui tipi di film comuni per tirare fuori le diverse trame suggerite da questo titolo.
Forse mi verrebbe in mente:
- Quando un netturbino scopre che gli restano solo sei mesi di vita, intraprende un viaggio attraverso il paese per individuare i proprietari originali di libri che contengono iscrizioni personali.
- Un netturbino raccoglie libri scartati e crea una biblioteca gratuita per la sua comunità in difficoltà, solo per ritrovarsi in una lotta tra Davide e Golia contro il sistema bibliotecario cittadino.
- Un netturbino usa il suo accesso e le sue connessioni uniche per rubare preziose prime edizioni rubate a suo padre trent'anni prima e che ora risiedono nella collezione privata dell'uomo più ricco d'America.
Ok, quindi queste sono grandi idee? Non ancora. Brainstorming, ricordi? Alla ricerca di cose che ci interessano. Stiamo prestando attenzione alla nostra attenzione.
E la chiave di questo gioco è trovare forme di storie familiari che puoi combinare con gli elementi del titolo che catturano la tua attenzione, dandoti l'inizio di un concetto nuovo e familiare.
E ADESSO?
Una volta che hai tutti i semi della tua storia, il passo successivo è iniziare a modellarli in frasi di messa a fuoco per avere un'idea di quale potrebbe essere la base della storia di base ma solida.
Quindi, inizia a modificare. Poi guarda ciascuna delle tue nuove idee e vedi se riesci a identificare:
- Cosa c'è di "familiare": è una classica rapina? È un romanzo epico? Un viaggio?
- Cosa c'è di "fresco": cosa c'è di unico nell'idea? Ha uno "strano attrattore"?
E se le tue idee ti sembrano blande, prive di ispirazione o cliché, puoi indirizzare il tuo brainstorming a elementi isolati. Ci sono un sacco di aree che puoi guardare quando vuoi modificare un'idea per darle un nuovo aggancio.
Prova a iniziare con questi:
- Prospettiva : vediamo comunemente questo tipo di storia da un punto di vista? Quali altri possibili POV ci sono?
- Professione opposta (o inaspettata) - Invece di un poliziotto che dà la caccia all'assassino, e se fosse un altro assassino? O un clandestino?
- Posizione sociale opposta (o inaspettata) - E se il candidato presidenziale nella tua storia fosse un senzatetto?
- Genere inaspettato
- Età imprevista / fase della vita
- Posizione : puoi rendere questo l'elemento fresco o familiare per bilanciare gli altri aspetti del tuo concetto?
- Giustapposizione tra personaggio e arena : una giustapposizione più estrema può aggiungere interesse (e drammaticità o umorismo)
- Periodo di tempo
- Pali
- Elementi di fantasia e fantascienza
Mentre lavori a tutto il tuo brainstorming, le idee che ti attraggono di più diventeranno ovvie. Dai forma a queste idee in logline complete e praticabili.
Quindi, se ti senti coraggioso, prova i tuoi nuovi logline su amici, mentori, altri scrittori. Verifica se anche le tue idee preferite attirano la loro attenzione.
Articolo di Naomi Beaty per screencraft.org
Il talento più sottovalutato nella sceneggiatura è sapere quando la sceneggiatura è finita. Non la prima bozza. Non la seconda bozza. Non la bozza che stai portando al tuo primo round di concorsi e non la bozza che stai portando ai colleghi del tuo gruppo di scrittura per un feedback.
La bozza finale. Quello che non tocchi mai più a meno che non sia stato comunicato agli addetti ai lavori di Hollywood e ti abbiano assunto per riscriverlo o ti abbiano ingaggiato e abbiano bisogno che tu apporti alcune modifiche prima che lo diffondano.
La maggior parte degli sceneggiatori non sa quando smettere di riscrivere le sceneggiature. Troppo spesso mettono tutte le loro uova in quell'unico paniere. Sono infatuati della loro stessa storia e non riescono a guardare oltre abbastanza da rendersi conto che ci vuole più di una grande sceneggiatura per diventare uno sceneggiatore di successo e funzionante.
Soprattutto durante l'attuale clima hollywoodiano, una sceneggiatura non è sufficiente.
Ma come fai a sapere quando la sceneggiatura è finita o ha bisogno di più riscritture?
Ecco cinque rapide abitudini che puoi applicare al tuo processo di scrittura per decifrare se il tuo copione è finalmente finito o meno. E come bonus aggiuntivo, lo seguiremo con un malinteso che tutti gli sceneggiatori devono capire ed evitare.
1. DATTI UNA SCADENZA RIGOROSA
Saprai sicuramente quando la tua sceneggiatura sarà finita se hai una scadenza rigorosa che ti sei prefissato. Se non lo fai, ti stai preparando al fallimento.
Pensaci. Agli sceneggiatori che lavorano viene concesso un periodo di tempo illimitato per scrivere una sceneggiatura su incarico? No. Hanno scadenze rigorose che devono rispettare o non vengono pagati.
Il contratto medio di Hollywood prevede che una prima bozza venga completata in dieci settimane, più o meno un paio. Dopodiché, gli studi e le società di produzione possono licenziare lo scrittore se non sono contenti di quella bozza, oppure possono tenerli. Se vengono mantenuti, in genere ottengono altre due settimane per una seconda bozza, forse una o due settimane per un'eventuale terza, e poi meno per una bozza polacca (che a volte può essere inserita con quella terza bozza). I contratti variano, ma questo è ciò a cui gli sceneggiatori devono abituarsi.
Stabilisci una scadenza rigorosa di dieci settimane per finire quella prima bozza e poi forse altre tre settimane per arrivare a una bozza finale. Se vuoi davvero spingerlo, concediti otto settimane in totale.
Disciplinando te stesso con tali scadenze, non solo otterrai una sceneggiatura finita, ma scriverai come un professionista.
2. BLOCCA LO SCRIPT PER UN MESE
Quando hai raggiunto la fine, chiudilo a chiave.
Non guardarlo. Non pensarci. Non parlarne. Non darlo a nessuno.
Vai a festeggiare. Hai realizzato qualcosa di grandioso, ma quando la celebrazione è finita, tienilo sotto chiave per un mese. Non una settimana. Non due settimane. Non tre.
Bloccalo per quattro settimane e prenditi una piccola vacanza dalla scrittura.
Non preparare un piano di marketing per questo. Non fare ricerche su IMDBPro per vedere dove lo porterai. Non scrivere logline o una sinossi in preparazione per tirarlo fuori. Non avviare un altro script.
Hai passato X quantità di settimane e mesi a scriverlo. Ogni momento libero di pensiero e immaginazione ne è stato consumato. Per essere il più obiettivo possibile con la tua scrittura - che è l'ultimo ostacolo che tutti gli sceneggiatori devono superare - devi essere in grado di distaccarti da essa.
Prendersi un mese di distanza anche solo dal pensarci ti permette di farlo.
Quindi, quando tornerai a leggerlo, vedrai ogni singolo difetto, non importa quanto grandi o piccoli siano quei difetti. Sporgeranno come pollici doloranti e saranno più facili da riparare. Solo allora sarai in grado di arrivare veramente a quell'ambita bozza finale.
3. LEGGI IL COPIONE IN PDF O COPIA CARTACEA "DALLA COPERTINA ALLA COPERTINA"
Dopo che ti sei preso quel mese di pausa, il passo successivo è leggere la sceneggiatura dall'inizio, a metà e fino alla fine.
Nessuna modifica. Nessun controllo ortografico. Nessuna riscrittura.
Leggi la sceneggiatura dall'inizio alla fine. Questo processo ti consente di sperimentare il copione come lettore . Se non funziona, se il ritmo è sbagliato, se il tono e l'atmosfera sono dappertutto, se i personaggi non sono coerenti e se la storia non ha un impatto emotivo, anche se in modo divertente, modo drammatico, emozionante o spaventoso, allora sai che non è pronto.
4. SCRIVI UNA BOZZA POLACCA FINALE
Adesso è il momento della bozza polacca. Una bozza polacca equivale a un ristorante a quattro stelle che taglia i piccoli pezzetti di grasso dal primo pezzo di carne e poi condisce magnificamente il piatto prima che vada al cliente.
Con ogni scena, ogni riga di descrizione della scena e ogni riga di dialogo, chiediti: "Questo DEVE essere lì?"
Sii un perfezionista. Sii il più ossessivo e compulsivo possibile. Sii vigile nel voler tagliare, tagliare, tagliare tutto ciò che puoi dalla sceneggiatura.
Non si tratta di uccidere i tuoi cari. L'hai già fatto nelle bozze precedenti. Si tratta di rendere la presentazione della tua sceneggiatura il più piacevole possibile per gli occhi e la mente.
Punteggia le tue io. Incrocia le T. Taglia, taglia, taglia. E quando non puoi più tagliare, sai che hai finito.
5. "È FATTA".
Il test finale per sapere quando la tua sceneggiatura è finita è dirti proprio questo. Tu, lo sceneggiatore, devi fare quella chiamata. Stai fallendo te stesso come sceneggiatore se lo lasci aperto. Stai fallendo come sceneggiatore se continui a riscrivere dopo riscrittura dopo riscrittura. Uomo o donna, alzati e dì a te stesso: "È fatta".
EVITA QUESTO MALINTESO
Troppi sceneggiatori si affidano eccessivamente al feedback infinito di familiari, amici, parenti, colleghi, ecc. L'idea che uno sceneggiatore debba ricevere feedback finisce per essere esagerata e fraintesa. Sì, il feedback può aiutare. Sì, è bello avere un'altra serie di occhi sulla sceneggiatura.
Il problema è che, alla fine, ogni serie di feedback è solo un'opinione soggettiva. E se continui a chiedere feedback a più persone, non c'è modo di raggiungere un consenso vero e definitivo agli occhi di tutti.
Questo è ciò che spesso porta a infinite riscritture. Ecco come i gruppi di scrittura possono ferire uno sceneggiatore. È qui che troppe mani nel barattolo dei biscotti possono trasformare una storia altrimenti fantastica in un disastro totale.
Trova una persona di cui ti fidi. Oltre a ciò, ottieni una prospettiva dell'industria cinematografica o televisiva se puoi. Il resto sta a voi.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
Come aspirante sceneggiatore, sei appassionato di film, TV e narrazione in generale. Hai sognato di esprimere la tua visione creativa, forse anche di avere un impatto sul mondo.
Ma prima devi scrivere.
Questa potrebbe essere la parte più difficile. Semplice, ma non sempre facile. A volte uno scrittore sa di voler scrivere, ma non gli ha ancora fatto spazio; la vita continua a mettersi in mezzo. O forse lui o lei sta ancora trovando il coraggio di mettere le parole sulla pagina.
Ci vuole più che sognare e sperare di diventare uno scrittore. Ci vuole azione. Le buone notizie? Sapere qual è il passo successivo rende più facile affrontarlo.
Con questo in mente, ecco un piano d'azione per scrivere la tua sceneggiatura.
1. SCEGLI UN'IDEA
Hai bisogno di un'idea che sosterrà il tuo interesse per i mesi (o anche per anni) in cui lavorerai alla sceneggiatura.
Detto questo, se sei un principiante è meno utile essere preziosi riguardo alla tua scelta e più importante semplicemente farti strada attraverso il processo di scrittura. Scegli un'idea che ti faccia sentire entusiasta di scrivere e che puoi immaginare come un film.
2. PENSA AL QUADRO GENERALE
Trova una visione chiara del tipo di film che stai scrivendo, per fungere da pietra di paragone che ti aiuterà durante tutto il processo. Pensa a quali altri film sono simili per tono, genere e stile. Dove si inserirà il tuo film nel quadro generale di tutti i film che esistono?
3. SVILUPPARE LA LOGLINE
Una solida logline ti servirà bene durante tutto il processo, in quanto racchiude la storia della tua sceneggiatura. E sperimentare diverse versioni di una logline rende facile esplorare rapidamente possibili direzioni ed elementi della storia.
4. ELABORARE LA STRUTTURA IN UNO SCHEMA
Forse pensi che delineare soffocherà la tua creatività. Ma è raro che lo sceneggiatore non trovi nello schema un passaggio utile, se non necessario, nel processo. Spesso, delineare è dove viene fatto il lavoro pesante. È qui che avviene gran parte dell'ispirazione creativa. E avere uno schema come guida in realtà rende meno scoraggiante sedersi a scrivere pagine.
5. LEGGI, LEGGI, LEGGI
Leggere le sceneggiature può mostrarti come è fatto, oltre a aiutarti a vedere cosa devi fare in modo diverso. Leggere ampiamente - notizie, saggi personali, letteratura, riviste di settore - può stimolare nuove idee e riempire il pozzo quando non ti senti ispirato.
6. IMPEGNARSI A UNA DATA DI SCADENZA
È fin troppo facile rimandare la scrittura fino a quando le cose non sono meno impegnate al lavoro, o la tua famiglia non viene in visita da fuori città, o hai finito di guardare tutte le stagioni di Supernatural.
Ma la verità è che la sceneggiatura è una professione. Se ti stai preparando per una carriera di sceneggiatore, allora è una buona idea sviluppare un'abitudine di scrittura regolare e impegnarsi a scrivere entro una scadenza.
Un ottimo modo per far sembrare la tua data di scadenza reale e urgente è sceglierne una che SIA reale e urgente, come una scadenza del concorso .
7. SCRIVI SENZA MODIFICARE
Le grandi sceneggiature non nascono in una bozza. Quindi lascia andare il perfezionismo e concentrati solo sulla scrittura della prima bozza. Questo è tutto ciò di cui devi preoccuparti in questo passaggio.
8. RISCRIVI, OTTIENI FEEDBACK E RIPETI
Quindi puoi lavorare per migliorare ciò che hai. Scrivere è riscrivere, dopo tutto. Dopo aver riscritto la sceneggiatura al meglio delle tue capacità, ottieni un feedback su di essa e scopri dove può ancora essere migliorata. Più scrivi, più impari e migliore sarà lo scrittore.
Quando non sai cosa fare dopo, rivisita questi otto passaggi. Soprattutto, continua a scrivere.
Articolo di Naomi Beaty per screencraft.org
Con oltre venticinque anni di esperienza professionale nello sviluppo di storie e sceneggiature e quasi due decenni di insegnamento di sceneggiatura a livello MFA, ho avuto l'opportunità di collaborare a centinaia di sceneggiature e film.
Durante la mia carriera, senza dubbio il problema più comune che vedo nelle sceneggiature è che mancano di un nucleo emotivo, o quello che io chiamo...
Cuore.
Definisco Cuore come ciò che il pubblico ottiene dalla tua sceneggiatura, l'emozione che lo porta.
Pensa a Heart come a ciò di cui parla veramente la storia. Non la trama. Ma l'esperienza universale a cui tutte le persone possono relazionarsi. Uno che commuove il lettore a livello emotivo.
Prendiamo ad esempio la perdita di una persona cara. Vai in qualsiasi paese del mondo, dalla città più grande al villaggio più piccolo, e le persone si identificheranno con la perdita di una persona cara. È un'emozione che trascende le barriere culturali essendo universale. E quell'universalità tocca la più ampia esperienza umana. Ecco perché è così riconoscibile per noi.
LA TUA STORIA HA BISOGNO DI CUORE?
La ricerca ha dimostrato che le persone, consciamente e inconsciamente, guardano i film per provare qualcosa. Questo è ciò che rende le sceneggiature ei film così potenti, la loro capacità di commuovere il pubblico. Che si tratti di ridere, piangere o avere paura, vogliono... l'esperienza dell'emozione.
Il cuore è ciò che fa relazionare e sentire il pubblico. È ciò che il pubblico ricava dalla tua sceneggiatura o dal tuo film. È il loro takeaway emotivo dall'esperienza della storia.
Pensa al film About a Boy con Hugh Grant. La trama del film è: un ricco fannullone di trentotto anni si fa passare per un padre single come un modo per uscire con mamme single in modo da poter soddisfare i suoi bisogni sessuali egoistici.
Questa è la trama del film, la corsa esterna che il pubblico fa.
Ma il cuore della storia, il nucleo emotivo del film è: a un uomo egoista e immaturo viene insegnato come comportarsi da adulto da un ragazzino. Il ragazzo aiuta il personaggio di Hugh Grant a rendersi conto nel corso del film che le altre persone sono necessarie nella sua vita e che prendersi cura delle altre persone dà alla sua vita un significato genuino.
Questo è ciò che il pubblico ottiene internamente dal giro esterno che fa. È ciò a cui si relazionano e sentono. È il collante emotivo che li lega alla trama.
Uno dei modi per trasmettere quel nucleo emotivo è mostrare al pubblico come si sentono i personaggi riguardo alla loro situazione.
COME ASSICURARTI CHE LA TUA STORIA ABBIA CUORE
Per trovare il cuore della tua storia, devi solo guardare il tuo personaggio principale. Sebbene ci siano certamente delle eccezioni, Heart è quasi sempre un risultato diretto della crescita del tuo personaggio principale, o della sua mancanza, poiché lottano con qualche tipo di problema interno nel corso della tua storia.
I film che ci commuovono di più sono solitamente abitati da persone che lottano con le proprie debolezze. Questo è ciò che li rende così intriganti come personaggi.
I problemi interni si presentano in una miriade di forme e amalgami diversi. Possono essere emotivi, intellettuali, psicologici, spirituali, un'inadeguatezza o solo una ferita interna che deve essere guarita.
La crescita del personaggio può essere un cambiamento positivo, che di solito si presenta sotto forma di un finale edificante. O un cambiamento negativo, di solito sotto forma di tragedia.
Nel film Good Will Hunting, il personaggio di Matt Damon passa dall'essere un ragazzino presuntuoso e problematico che vive un'esistenza emotivamente sicura - quella in cui allontana le persone prima che abbiano la possibilità di lasciarlo, e così facendo evita di trovarsi in una situazione dove lui stesso potrebbe farsi male per primo. Passa dall'essere così... a un giovane capace di abbandonare quell'identità, fidarsi degli altri e impegnarsi in una nuova vita in una nuova città con la ragazza che ama.
Questo costituisce il cuore della storia. È ciò che noi come pubblico otteniamo internamente dal viaggio che facciamo. È il takeaway emotivo che ci commuove. E si presenta sotto forma di un cambiamento positivo e di un finale edificante.
Ora prendiamo il film Qualcuno volò sul nido del cuculo. Il personaggio di Jack Nicholson passa dall'essere un ragazzo spensierato che cerca di ingannare il sistema carcerario fingendo di essere pazzo... a un uomo capace di quasi uccidere l'infermiera Ratched, che alla fine lo porta alla lobotomia e alla morte. Un Cuore che è cambiamento negativo e finale tragico.
È importante sottolineare qui che mentre la crescita di un personaggio può essere enormemente trasformativa, come Schindler in Schindler's List che passa dall'essere un avido profittatore di guerra indifferente alla difficile situazione del popolo ebraico... a un uomo che rischia la propria vita per salvare migliaia di persone da morte certa. La crescita, tuttavia, può anche manifestarsi in forme molto più sottili. Soprattutto nei film di genere.
Prendi il personaggio di Jodie Foster nel film Panic Room. Passa dall'essere una fragile e vulnerabile divorziata da sola per la prima volta nella sua vita... a una donna che prende il comando e combatte per salvare la sua famiglia. Questa è la sua crescita come personaggio. Uno che si presenta in una forma sottile ma ancora riconoscibile.
I film Pixar presentano quasi sempre una grande dimostrazione di cuore.
Qualunque sia il caso, trasformativo o sottile, ricorda che la crescita di un personaggio di solito ti condurrà al cuore della tua sceneggiatura. Quel proverbiale collante emotivo che ci lega tutti alla storia.
Articolo di Tim Long per screencraft.org
Sembra che i cattivi dei film siano un'arte morente. La maggior parte dei film tradizionali è più interessata allo spettacolo e ai simpatici protagonisti che a darci un antagonista di cui possiamo temere, ma tendono a dimenticare una regola cardinale della narrazione: il tuo eroe è bravo quanto il tuo cattivo. Se vuoi un grande eroe, avrai bisogno di una forza contraria che possa tirar fuori quella grandezza da lui. Cosa rende un grande cattivo di un film? Ci sono ovviamente un sacco di fattori...
Non amo il processo di rottura della storia. È come mettere la crema solare quando tutto quello che voglio veramente fare è uscire e giocare con i miei figli. È come fare flessioni prima di colazione. Mi lamento, lo rimando, lo temo ogni volta. E ogni volta, sono davvero, davvero felice di averlo fatto.
Essere un pignolo riguardo alla rottura della mia storia è uno dei motivi principali per cui sono riuscito a sostenere una carriera di scrittore di successo di oltre 20 anni. All'inizio ero piuttosto informale su come l'ho fatto, ma col passare del tempo la mia rottura della storia ha iniziato a cristallizzarsi in un metodo che avrei ripetuto con ogni nuova funzionalità e pilota che ho iniziato. Il mio metodo è semplicemente questo: mi pongo una serie di domande che suggeriscono idee sui personaggi chiave e sui punti della storia. Una volta che ho risposto alle domande in modo soddisfacente, inizio a compilare la storia finché non ho uno schema dettagliato.
Ho iniziato con dieci domande. Molti di loro erano intuitivi, come “So di cosa parla la mia storia?" e "Che cos'è l'invito all'azione?" Storytelling 101 di sicuro, ma ho scoperto che dedicare del tempo a rispondere alle domande "facili" con uno o due paragrafi buoni e ponderati aggiunge sempre sostanza e sfumatura alle nozioni sottosviluppate che rimbalzano nella mia testa - e migliora sempre loro.
“So di cosa parla la mia storia?” è particolarmente importante perché la risposta finisce per essere la pietra angolare della mia sceneggiatura (o pilot o presentazione della serie). Se non riesco a distillare il mio concetto in un semplice, chiaro, logline di una frase - il post-it - potrei essere seduto su una storia che è debole, spezzata o troppo complicata.
Ecco un esempio di un buon logline: "Un re di buon cuore ma insicuro che soffre di una balbuzie debilitante è costretto a lavorare con un eccentrico logopedista per pronunciare il discorso che unificherà il suo regno". In quella frase ho riassunto il Personaggio Centrale (il re), il suo Difetto Fatale (l'insicurezza), la principale forza antagonista (la sua balbuzie), il Viaggio (lavorare con un logopedista), il Climax (il discorso) e la posta in gioco (unificando il suo regno).
Altre domande sono più impegnative e richiedono più riflessione. “Chi sono i miei personaggi centrali e qual è il loro desiderio conscio e inconscio?” è importante perché mi spinge a scrivere la biografia di un personaggio ea precisare il dilemma e il conflitto che guideranno il viaggio del personaggio centrale. Domande relative alla storia come “Qual è il conflitto generale?" e "Qual è il punto più basso del personaggio centrale?” sono buoni perché mi aiutano a sorvegliare gli sconcertanti calanchi del Secondo Atto.
Ho aggiunto un'undicesima domanda un paio di anni fa dopo una conversazione con lo sceneggiatore Billy Ray (The Hunger Games, Captain Phillips), con il quale faccio parte del consiglio di amministrazione di Writers Guild West. Ha ritenuto importante che tutte le storie avessero un'idea centrale , che è un'idea o un tema generale che spinge avanti la storia e viene testato in ogni scena. Non deve essere confuso con una logline.
Per citare alcuni esempi, l'idea centrale di The Matrix (a mio avviso) è: Neo può essere l'Uno solo quando crede di essere l' Uno. Per Selma: Martin Luther King sa che Selma è la chiave del movimento per i diritti civili. Per Mad Men: il peggior nemico di Don Draper è se stesso e il vergognoso passato da cui sta cercando di scappare. È come una tesi che la tua storia sta testando.
Uso le 11 domande per sottoporre a stress test ogni storia che sto rompendo e in ogni fase del processo di scrittura, sia che stia appena iniziando o che stia mettendo a punto una riscrittura. Lo uso per sceneggiature di lungometraggi, piloti e presentazioni di serie TV, e funziona altrettanto bene anche per libri, opere teatrali e serie web. Ma funziona solo se rispondo sinceramente alle domande. Se provo a "imbrogliare" e trovo una risposta vaga o che distorce un'idea che ho già in testa in modo che risponda in qualche modo alla domanda, non mi sto facendo alcun favore. È solo una scrittura pigra. Quando rispondo in modo veritiero, e con pensiero e sostanza, finisco con l'ossatura della storia più forte e, in definitiva, una sceneggiatura migliore.
Porsi le domande difficili, che siano il mio 11 o il tuo numero magico, è un ottimo modo per stimolare le idee e assicurarti che la tua storia sia sulla buona strada. Perché – per citare l'idea centrale di The Money Pit – senza solide fondamenta la casa crollerà.
Articolo di Aaron Mendelsohn per screencraft.org
Ogni storia inizia con il tuo stimolo iniziale, quella scintilla di un'idea che ha catturato la tua immaginazione. La cosa che ti ha fatto eccitare e mandare su di giri. Quel lampo iniziale di creatività che sapevi sarebbe stato un'ottima idea cinematografica.
Lo stimolo iniziale è anche qualcosa di molto più profondo. In poche parole, è la tua connessione ispirata a quell'idea di base della storia.
Avere una connessione ispirata con l'idea della tua storia è significativo perché l'ispirazione è significativa. È importante riconoscere che l'ispirazione viene dalla passione, mentre la motivazione no. Quando sei motivato a fare qualcosa, vuoi raggiungere quell'obiettivo e poi andare avanti.
L'ispirazione è molto più profonda della motivazione perché nasce dalla passione. In quanto tale, ti fa investire personalmente in ciò su cui stai lavorando. Per connettersi ad esso emotivamente. Insomma, la motivazione può essere fugace, mentre la passione dura sempre.
TIPI DI STIMOLO INIZIALE
Lo stimolo iniziale può arrivare a noi in molte forme diverse. Può essere un personaggio intrigante, come il lato oscuro di Tyler Durden in Fight Club. Può essere un argomento affascinante o un evento che ti interessa, come il movimento per i diritti civili guidato dal Dr. Martin Luther King, Jr. nel film, Selma, o l'attivismo stimolante di una donna ritratta in Erin Brockovich.
Oppure lo stimolo iniziale può essere solo un semplice "e se" che viene dall'etere della tua stessa immaginazione. E se un serial killer usasse i sette peccati capitali come suo modus operandi? Il "e se" dietro il film Seven con Brad Pitt e Morgan Freeman.
Non importa come ti viene in mente, però, è importante capire l'impatto psicologico che lo Stimolo Iniziale ha sul processo creativo complessivo. Avere una connessione ispirata con l'idea della tua storia è fondamentale per lo sviluppo della storia.
Perché? Perché è la forza trainante dietro il motivo per cui vuoi raccontare una storia particolare. È lo slancio che ti sosterrà durante il lungo processo di sviluppo e scrittura di una sceneggiatura per un lungometraggio. Ed è anche la cosa che può far crollare e bruciare la tua storia, uccidendo il tuo personaggio nel processo.
LA TRAPPOLA DELLO STIMOLO INIZIALE
Avendo insegnato Sceneggiatura a livello MFA per quasi due decenni, oltre ad essermi consultato professionalmente su oltre cinquecento sceneggiature e film, posso dire che un errore che vedo troppo spesso è che lo scrittore si entusiasma così tanto per il loro stimolo iniziale , che saltano all'istante e iniziano a complottare.
Non smettere mai di definire prima il singolo elemento costitutivo più importante della storia: il personaggio. Il personaggio è la pietra angolare narrativa nella costruzione di una sceneggiatura con risonanza emotiva con cui il pubblico può connettersi.
Entrare subito e tracciare la tua storia è l'equivalente di salire avidamente in macchina per andare in un posto bello ed eccitante... Solo per non avere idea di dove stai andando o di come arrivarci.
Non ha alcun senso. Allora perché gli sceneggiatori lo fanno allora? Due motivi.
Uno, perché la trama di un film è una delle parti più creativamente entusiasmanti dell'intero processo di sviluppo della storia. È una delle cose che fa pompare l'adrenalina artistica. È divertente da fare.
In secondo luogo, come persone tendiamo ad essere pensatori verticali, quindi mettere in sequenza e creare ordine (o tracciare) è qualcosa di intuitivo, ci viene naturale. Pensaci: se una persona guarda le stelle di notte, la prima cosa che farà la sua mente sarà formare forme e schemi dalle stelle.
Come esseri umani, siamo cablati per cercare intuitivamente di fare ordine nel caos. Si chiama Pareidolia, che è dove la mente percepisce uno schema familiare di qualcosa dove in realtà non esiste.
L'EFFETTO NEGATIVO DI TRACCIARE PRIMA
Questo istinto naturale di voler entrare e creare istantaneamente ordine tracciando la nostra sceneggiatura può finire per causare ogni sorta di ripercussioni narrative.
In particolare, ovviamente, finiamo con personaggi poco avvincenti che sono ripensamenti, quelli che mancano di autenticità. Invece, diventano ampie caratterizzazioni che sono dispositivi necessari esclusivamente per servire la nostra trama. Pezzi degli scacchi umani vengono spostati in una storia per obbligare il risultato finale di una trama. Che è senza dubbio il modo più rapido per abbreviare la vita della tua sceneggiatura.
Per non parlare del fatto che, mettendo il carro (trama) davanti ai buoi (personaggio), spesso finiamo per perdere di vista quella connessione ispirata (Initial Stimulus) che avevamo con l'idea di base della storia con cui cominciare!
Tutto questo è il motivo per cui ci sono più sceneggiature non finite che finite. Più prime bozze che non vedono mai la luce di quante ne facciano. E là fuori ci sono più semplici script con specifiche scadenti che buoni.
Quindi, quando inizi a sviluppare l'idea della tua storia, ricorda sempre che una volta che hai il tuo stimolo iniziale in atto... Fermati!
Resisti all'impulso di saltare e iniziare a tracciare la storia. Combatti quella sensazione di voler lavorare immediatamente sulla trama. Invece, prima sviluppa e definisci l'elemento chiave di tutte le storie di successo: il personaggio.
In tal modo, sarai in grado di creare meglio una trama che abbia una risonanza emotiva con cui il pubblico possa connettersi.
Articolo di Tim Long per screencraft.org
Prima di avviare il software di sceneggiatura e affrontare quella pagina vuota, c'è un sacco di pianificazione, trama e ingegneria della storia che ha luogo, per una buona ragione. La parte "pre-scrittura" o "storia" della scrittura di una sceneggiatura è vitale. Ma discutere di tutte quelle idee iniziali può sembrare travolgente.
C'è uno strumento che probabilmente ha aiutato più sceneggiatori attraverso il loro processo di sviluppo della storia rispetto a qualsiasi altro. È stato utilizzato per anni e lo è ancora oggi, da decine di dilettanti e professionisti. Che cos'è?
NOTECARD!
Giusto. Notecard. Sono tattili, il che aiuta ad attingere a una parte diversa della tua creatività rispetto alla digitazione in un documento, una che sembra più giocare che lavorare. Sono non lineari, quindi è facile spostarli e mescolarli quanto necessario. Inoltre sono disponibili in diversi colori, il che è ottimo per visualizzare la storia.
Le notecard sono uno strumento flessibile che puoi creare tu stesso. Non è probabile che due scrittori li utilizzino esattamente allo stesso modo, e anche da progetto a progetto possono esserci variazioni basate sulle esigenze di un particolare progetto. Ecco alcuni suggerimenti per aiutarti a iniziare:
BRAINSTORMING
Iniziare un nuovo progetto? Annota ogni scena che ti viene in mente per il tuo film, una scena per carta. In questa prima fase di brainstorming, non limitarti o giudicare le tue idee. Portali tutti là fuori.
Quindi, inizia a organizzare le tue carte in quattro pile: Atto 1, Atto 2A, Atto 2B, Atto 3. Non è ancora necessario metterle in ordine; ordina semplicemente ogni biglietto nella pila che pensi possa andare. Prendi una pila alla volta e vedi se riesci a formare un flusso lineare con le carte che hai. Se una nota sembra fuori posto, spostala in un'altra pila. Se un biglietto ti sembra inutile, mettilo da parte. Una volta posizionate alcune scene, inizierai a vedere quali altre scene sono necessarie per collegarle.
Niente è scolpito nella pietra e puoi sempre spostare le carte o buttarne via alcune completamente e sostituirle con altre. Ma passa attraverso questo processo con ciascuna delle tue quattro pile e quando avrai finito avrai fatto un brainstorming per l'intero film. È un modo semplice per creare un punto di partenza, che a volte è la parte più difficile.
DELINEARE
Ci sono molti modi per affrontare il contorno con le notecard. Alcuni scrittori sono dettagliati con le loro carte, creandone una per ogni scena. Altri seguono un paradigma strutturale preferito e creano schede per ciascuna delle battute della storia o dei punti di svolta a cui si fa riferimento con quel particolare sistema. Dipende davvero da te.
In un post sul blog del 2010, lo sceneggiatore John August (Big Fish, Frankenweenie) ha fornito questi 10 suggerimenti per il suo metodo di utilizzo delle schede:
- Sii breve. Massimo sette parole per carta.
- Una carta rappresenta un punto della storia, sia esso una scena o una sequenza. Non hai bisogno di una carta per ogni piccola cosa.
- Mantieni le carte abbastanza generali da poter essere riorganizzate. ("Battaglia nella palude" piuttosto che "Resa dei conti finale")
- L'orizzontale (un tavolo o un bancone) spesso funziona meglio di un verticale (una bacheca).
- I post-it sono una buona alternativa alle schede.
- Considera un codice lettera per il quale i caratteri sono presenti nella sequenza. Utile per capire chi manca.
- La maggior parte dei film può essere riassunta in meno di 50 carte.
- Le carte costano poco. Non esitate a rielaborarli.
- Considera un secondo colore per le sequenze d'azione. Aiuta a mostrare il ritmo.
- Scrivi in grande. Vuoi essere in grado di leggerli a distanza.
Vuoi vedere un altro metodo? Questo video dello sceneggiatore Dustin Lance Black (Milk, J. Edgar) offre ispirazione con uno sguardo all'interno del suo processo creativo, utilizzando i biglietti da visita.
USANDO I COLORI
Anche il colore può essere completamente personalizzato in base alle preferenze di uno scrittore. Alcuni scrittori scelgono di utilizzare notecard di colori diversi, mentre altri scrittori usano tutte notecard bianche insieme a evidenziatori o pennarelli Sharpie per indicare quali carte contengono determinati elementi. È possibile utilizzare colori diversi per aiutare a tenere traccia di emozioni, personaggi, luoghi, ora del giorno o qualsiasi altra cosa di cui una particolare storia potrebbe beneficiare.
Uno degli usi più comuni per le carte colorate potrebbe essere il tracciamento di singole trame o archi narrativi. Dare a ciascuno il proprio colore aiuta a visualizzare il ritmo del film, come le trame si intersecano e dove un filo della trama potrebbe non essere visibile per troppo tempo.
Le notecard sono uno strumento senza tempo con infinite variazioni sui suoi usi. E poiché sono economici, offrono un modo a bassa pressione per sperimentare sia la tua storia che il tuo metodo. Porta un po' di divertimento nella tua scrittura! Gioca con i suggerimenti qui, trovando ciò che funziona meglio per te e il tuo processo.
Articolo di Naomi Beaty per screencraft.org
In breve: la tua sceneggiatura dovrebbe avere un tema avvincente e stimolante e, idealmente, uno che illustri attraverso la sua storia, i suoi personaggi e le scelte che fanno. Detto questo... Parliamo di tema. Laddove i personaggi, i dialoghi e la trama sono tutti elementi concreti e facilmente comprensibili da avvicinare, il tema può essere un concetto abbastanza sfuggente per i nuovi scrittori, principalmente perché il termine è un po 'vago e ha altri significati oltre il regno del dramma. Voglio dire, il "tema" di una festa in maschera sono i costumi, quindi il calcio non sarebbe il "tema" di un film sul calcio?
Nota: Concorso ILCORTO 2025
Diventare FilmMaker - PCTO 2025 per il Liceo RIPETTA Roma
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