Quali sono i tratti caratteriali più forti che gli scrittori possono utilizzare per creare protagonisti, antagonisti e cattivi più avvincenti e coinvolgenti?

Ci sono due diversi tipi di tratti che avranno i personaggi della tua storia: tratti della personalità e tratti del carattere. Entrambi sono fondamentali per creare personaggi tridimensionali che risaltano sulla pagina.

I tratti della personalità sono quelli che si riferiscono alla gamma di qualità personali distintive e attributi del carattere. Questi si riflettono nelle azioni esteriori di un personaggio, definendo chi pensiamo che siano. Possono riferirsi alla personalità esteriore del personaggio (eccentrico, affascinante, prepotente, pigro, ecc.) o alla sua fisicità (silenzioso, ridicolo, nervoso).

Questi tratti sono soggettivi e rappresentano solo l'aspetto esteriore e il comportamento del personaggio.

In breve, i tratti della personalità definiscono chi pensiamo sia il personaggio, almeno quello che ci dice il loro aspetto esteriore.

I tratti del carattere sono quelli che si riferiscono a un insieme di morali e credenze che definiscono il modo in cui i personaggi trattano o si comportano con gli altri e se stessi - chisono effettivamente i personaggi.

Questi tratti definiscono la vera essenza del personaggio e quindi sono i tipi di caratteristiche che possono davvero trasformare i personaggi in protagonisti, antagonisti e cattivi più avvincenti e coinvolgenti. E sì, c'è una differenza tra antagonisti e cattivi.

Qui presenteremo i tratti caratteriali più forti e intriganti che possono rendere i tuoi personaggi ancora migliori.

1. LEALTÀ

Quando un personaggio è fedele fino all'osso, ciò influenzerà drasticamente le sue azioni e reazioni quando il conflitto si farà strada. Se un eroe è fedele al suo mentore, farà di tutto per salvarlo.

Quando un antagonista o un cattivo è fedele ai suoi fratelli d'armi, farà di tutto per difendere il proprio onore.

2. AUTOCONTROLLO

Quando un personaggio può controllare le proprie emozioni, il suo approccio ai conflitti sarà alterato poiché gestisce le cose in modo diverso da qualcuno che non ha ritegno.

Ma il fattore interessante di questo tratto caratteriale si presenta quando non hanno altra scelta che agire, il che rende quel momento ancora più potente.

3. PERSISTENZA

Quando un personaggio mostra una tenacia incrollabile, puoi iniettare ancora più conflitto nella storia e lasciare che il pubblico provi l'emozione di vedere questo personaggio che non si arrende mai.

4. SPIRITUALITÀ

Quando un personaggio segue una particolare fede o ha una fede dominante nella spiritualità, ciò può trasformare l'approccio di un personaggio a qualsiasi conflitto, sfida o situazione.

5. IMPAZIENZA

Il chiaro opposto dell'autocontrollo. Quando un personaggio è impaziente, quel tratto può evocare un conflitto senza fine che tu, lo scrittore, puoi scrivere. Un gruppo può avere un piano di approccio a un conflitto, ma se anche solo un personaggio è troppo impaziente, ciò può portare al caos totale. Un antieroe è spesso uno che manca di autocontrollo: agiscono e affrontano le conseguenze in seguito.

6. AVIDITÀ

Uno dei tratti caratteriali più forti che un personaggio può avere è l'avidità. L'avidità provoca il peggior tipo di dolore e sofferenza a se stessi e agli altri.

Un antagonista può essere alimentato dall'avidità.

Come può un protagonista che parte con buone intenzioni, ma lentamente subisce le ripercussioni che l'avidità può causare.

7. CRUDELTÀ

Di solito si trova negli antagonisti e nei cattivi, la crudeltà è il tratto caratteriale più vicino al male. Denota un personaggio a cui piace fare del male agli altri o non può farne a meno. Indipendentemente da ciò, l'iniezione di questo tratto caratteriale in un personaggio può trasformare un antagonista o un cattivo anche già minaccioso e trasformarlo in qualcosa di ancora peggiore.

8. IMPLACABILE

Quando un personaggio, buono o cattivo, non perdona, il pubblico sa che una volta che un altro personaggio li attraversa, è finita. Questo tratto può offrire agli scrittori un eccellente arco narrativo e un tema da esplorare con i loro protagonisti: quando impareranno a perdonare? Il che crea anche un fantastico climax mentre il pubblico attende in attesa di vedere se il protagonista imparerà finalmente a perdonare. Funziona sia per i protagonisti, gli antagonisti e i cattivi.

9. AMBIZIONE

Non confondere l'ambizione con l'avidità. L'ambizione è un forte desiderio di fare qualcosa o raggiungerlo, mentre l'avidità è spesso un desiderio intenso ed egoistico per qualcosa. Pertanto, questo tratto caratteriale è spesso attribuito a un protagonista.

10. SENZA PAURA

Quando un personaggio è senza paura, non esita mai a mettersi in pericolo per raggiungere qualsiasi obiettivo lo scrittore gli abbia assegnato.

Un protagonista impavido può tenere il pubblico con il fiato sospeso.

Un cattivo senza paura può raffreddarli fino all'osso.

11. VENDICATIVO

Un personaggio che cerca vendetta incarnerà il coraggio, la tenacia e la natura spietata. Possono essere un pericolo per se stessi, ma sono molto più pericolosi per la persona che hanno nel mirino.

12. CALCOLO

Questo è un tratto caratteriale affascinante perché offre più profondità nell'intelligenza del personaggio. Se un personaggio è calcolatore, il pubblico sarà affascinato nel vedere e sapere che gli ingranaggi sono sempre in movimento nella testa di quel personaggio. Sembrano sempre essere due o più passi avanti rispetto agli altri.

13. DISPERATO

Quando un personaggio si trova in una situazione terribile da cui desidera disperatamente uscire, è disposto a fare qualsiasi cosa. E gli scrittori possono giocare con questo fatto quando hanno a che fare con un protagonista disperato. Puoi prendere un personaggio altrimenti ben educato e ben intenzionato, rapire sua figlia e chiedergli di assassinare un politico o guardare sua figlia morire.

14. PERSUASIVO

Se crei un personaggio che è inarrestabilmente persuasivo, può essere un tratto caratteriale intrigante da esplorare, che si tratti di un eroe o di un cattivo. Che tipo di conflitto, dramma o ilarità puoi evocare quando quel personaggio persuasivo non ottiene ciò che vuole? O cosa succede quando sembrano sempre ottenere quello che vogliono?

15. CONTORTO

Parole come pazzo e folle sono generalmente attribuite a disturbi psicologici o sono usate come termini o gerghi per profani per disturbi mentali. Quindi non sono realmente definiti come un tratto caratteriale.

Tuttavia, contorto è definito come spiacevolmente o malsano anormale - deformato. Quando un personaggio è contorto, aggiunge un certo caos alla storia.

Se stai lottando con i tuoi personaggi e trovi difficile infondere loro un po' di vita, l'iniezione di uno di questi quindici tratti caratteriali può fare una differenza sostanziale in meglio.

Un personaggio leale, autocontrollato, persistente, spirituale, impaziente, avido, crudele, spietato, ambizioso, senza paura, vendicativo, calcolatore, disperato, persuasivo o contorto è molto meglio di uno che segue solo i movimenti della trama all'interno della tua sceneggiatura o del tuo romanzo.

Quali altri tratti caratteriali forti mancano nella lista?

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Quali sono alcuni segreti per creare una migliore profondità del personaggio all'interno dei personaggi della tua sceneggiatura?

La profondità del personaggio è ciò che coinvolge il lettore della sceneggiatura e il pubblico nei tuoi personaggi e nelle storie in cui vivono. Se non si preoccupano dei tuoi personaggi o hanno già visto tipi di personaggi simili, si disimpegneranno.

L'elemento più cruciale della sceneggiatura è la catarsi . È un termine che è stato prevalente a Hollywood negli ultimi anni. Può anche essere trovato come categoria di classificazione nella copertura delle sceneggiature dell'industria cinematografica e televisiva.

Nell'interpretazione cinematografica odierna, la catarsi può tradursi come la sensazione che proviamo dopo la risoluzione della storia e il viaggio complessivo del protagonista.

E sentiamo quella catarsi perché siamo impegnati con i personaggi. Proviamo le emozioni che provano. Piangiamo quando piangono. Facciamo il tifo quando loro tifano. Gridiamo quando loro urlano. E lo facciamo perché i personaggi sono credibili e hanno profondità.

Quindi è necessario che ogni sceneggiatore faccia tutto il possibile per creare maggiore profondità nei propri personaggi.

Ecco cinque modi per migliorare i tuoi personaggi e la loro profondità.

1. DAI AI TUOI PERSONAGGI UN DIFETTO DI PERSONALITÀ

I personaggi devono essere rappresentati come esseri umani viventi e che respirano. E non esiste un essere umano perfetto. Purtroppo, la maggior parte delle sceneggiature scritte da sceneggiatori alle prime armi hanno protagonisti che vengono semplicemente usati come strumenti reazionari alla trama e al conflitto interno. Strumenti che hanno lo scopo di mantenere la trama e la storia in movimento.

I bravi ragazzi sono bravi ragazzi. I cattivi sono cattivi. Le brave ragazze sono brave ragazze. Le cattive ragazze sono cattive ragazze.

Questo non è abbastanza.

Uno dei modi migliori per creare personaggi riconoscibili e catartici è dare loro dei difetti. I difetti della personalità creano conflitto. Il conflitto crea dramma. Il dramma attira le emozioni. Ed è qui che viene messa in mostra la profondità del personaggio.

Forse il tuo cavaliere dall'armatura scintillante all'interno della tua commedia romantica ha una storia di spezzare il cuore di ogni donna con cui fa sul serio - ma dal momento che in fondo ha un cuore d'oro, fa del suo meglio per non fare sul serio con nessuno... fino a quando incontra quella ragazza.

Forse il tuo scontroso vecchio protagonista ha un cuore d'oro, ma il problema è che è un bigotto.

Qualunque sia il caso, un singolo difetto può offrire molta più profondità del personaggio.

2. DAI AI TUOI PERSONAGGI UNA DIPENDENZA

La dipendenza è davvero un difetto, ma c'è molto di più in gioco, motivo per cui distinguiamo le dipendenze dai difetti.

John Anderton in Minority Report avrebbe potuto essere un protagonista diretto che cercava di risolvere un crimine. Ma aveva più profondità perché era dipendente da una futura droga. Ed era dipendente da quella droga perché voleva sfuggire al dolore di aver perso suo figlio.

La maggior parte delle dipendenze sono legate alla droga, sì, ma puoi anche includere qualsiasi dipendenza fisica o emotiva, nota anche come dipendenza comportamentale .

Il tuo personaggio potrebbe essere dipendente dal gioco d'azzardo, dal sesso, dalla tecnologia (internet, televisione, videogiochi), dalla pornografia, dallo shopping o dall'esercizio fisico. Queste potrebbero essere tutte dipendenze usate per il dramma o l'ilarità. Ma l'importante è che siano riconoscibili.

3. DAI AL TUO PERSONAGGIO UNA DISABILITÀ FISICA

Comprendi che nessuna singola disabilità fisica aggiunge profondità immediata al personaggio. Il pubblico può e vedrà attraverso di te se zoppichi o togli un arto ai tuoi personaggi.

Una disabilità deve essere intrecciata con la storia. Deve collegarsi direttamente alle lotte e ai conflitti che stanno affrontando.

In A Quiet Place , la disabilità fisica della figlia maggiore in completa antitesi con la forza degli alieni. È sorda e hanno un udito ultra sensibile.

In un certo senso, la sua disabilità le dà forza. Può facilmente comunicare senza audio. Questo si estende alla sua famiglia che ora può fare lo stesso. Tuttavia, non riesce a sentire alcuna minaccia in arrivo. Se fa un errore e fa un rumore, non lo sa.

Noi, il pubblico, siamo messi nei suoi panni. Potremmo non essere in grado di relazionarci direttamente con la sua situazione, ma entriamo in empatia con essa.

Se gestisci correttamente la disabilità fisica e la intrecci attraverso la storia e gli archi del personaggio, può essere un modo semplice per dare più profondità al tuo personaggio.

4. DAI AL TUO PERSONAGGIO UNA DISABILITÀ MENTALE

Ancora una volta, una disabilità che un personaggio ha all'interno di una sceneggiatura deve in qualche modo far parte della storia complessiva.

Le disabilità mentali ti offrono la possibilità di esplorare la psiche di un personaggio e come si relaziona ai personaggi e al mondo che li circonda.

In As Good As It Gets , Melvin Udall è uno scrittore ossessivo-compulsivo di narrativa romantica che è scortese con tutti quelli che incontra. Una sceneggiatura minore lo avrebbe fatto essere solo uno stronzo chiuso che tratta tutti come sporcizia. Ha chiaramente un disturbo della personalità che è direttamente correlato alla sua disabilità mentale di essere un ossessivo-compulsivo.

Se fosse solo un idiota, sarebbe difficile per noi entrare in empatia con lui. Ma poiché lo vediamo lottare, permettiamo a noi stessi di provare compassione per lui e per la sua situazione, non importa quanto orribile tratti le persone. E l'arco del suo personaggio, così come l'arco principale della storia, è vedere come supera il suo disturbo mentale per innamorarsi e far innamorare qualcuno di lui.

E superare il suo disprezzo per un cane disordinato ma adorabile è solo la ciliegina sulla torta.

In Benny e Joon , due personaggi si innamorano nonostante il fratello iperprotettivo della giovane donna. Questa storia e questi personaggi sarebbero stati eccessivamente convenzionali se non fosse stato per il fatto che entrambi soffrono di disturbi mentali e sociali.

Joon mostra chiari segni di schizofrenia, disturbo ossessivo compulsivo, disturbo di Asperger e disturbo da stress post-traumatico, che si presume siano tutti avvenuti dopo la morte dei suoi genitori.

È probabile che Benny cada sotto l'ombrello del disturbo di Asperger. O forse è solo un individuo unico che lotta per adattarsi. Indipendentemente da ciò, le disabilità mentali presenti all'interno della relazione offrono una maggiore profondità del personaggio sia a Benny che a Joon.

Ancora una volta, se gestisci bene una disabilità e la rendi parte della storia ed essenziale per l'arco del personaggio, può offrire un modo semplice per creare più profondità del personaggio.

5. DAI UN SEGRETO AL TUO PERSONAGGIO

Questo è un trucco magistrale che può non solo aggiungere profondità al tuo personaggio ma anche alla tua storia. Quando dai a un personaggio un segreto che sta cercando di tenere lontano da coloro che lo circondano, il pubblico viene trascinato più a fondo nelle profondità del personaggio. Vogliono e hanno bisogno di saperne di più.

E mentre togli gli strati di quel segreto attraverso la tua storia e caratterizzazione, stai elevando sia il personaggio che la tua storia.

In Stranger Things , Undici fugge da un laboratorio e assiste gli amici di Will, Mike, Dustin e Lucas, nei loro sforzi per trovare il loro amico scomparso Will.

Lei è un mistero. Non vuole parlare del suo passato. E anche se ha chiaramente alcuni disturbi sociali e barriere linguistiche a causa di ciò che ha passato, fa del suo meglio per mantenere tutti i segreti sul suo passato, inclusi i suoi poteri e ciò che ne ha fatto.

In A History of Violence , Tom Stall è il proprietario di un ristorante di una piccola città. È anche un buon marito e padre. E poi un giorno due piccoli criminali tentano di rapinare la sua tavola calda. Li uccide entrambi con facilità. I media fanno esplodere la storia, il che attira alcuni loschi personaggi che affermano di conoscere Tom.

Tom ha chiaramente un segreto - o è solo un caso di identità errata?

Quel segreto attira il pubblico. Non importa quale sia il risultato, prestiamo ancora più attenzione a questo personaggio. Ha dato una profondità immediata. E ancora una volta, quel segreto arricchisce anche la storia.

Nove volte su dieci ti sbagli. I tuoi personaggi non sono abbastanza. Hanno bisogno di più. E un retroscena non è la profondità del personaggio. Sono solo informazioni. Al giorno d'oggi devi fare il possibile per avere un impatto con i lettori di sceneggiature e il pubblico.

Difetti di personalità, disabilità fisiche, disabilità mentali, dipendenze e segreti custoditi sono cinque semplici trucchi per evocare una maggiore profondità del personaggio.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

scrivere sceneggiatura Sono molto appassionata del fatto che se ti identifichi come regista, in particolare come regista emergente, dovresti sempre letteralmente fare Cortometraggi. Più facile a dirsi che a farsi, ma se sei veramente determinato a farlo, troverai un modo. Sono una sceneggiatrice/regista e, dopo aver completato il mio primo cortometraggio nel 2016, mi sono immersa profondamente nel mondo della scrittura di sceneggiature. Siamo consapevoli che, a meno che una comoda somma di denaro non ci sia caduta tra le mani, avremmo bisogno di fare qualcosa che costa quasi nulla. In particolare per i cortometraggi, sì, ci sono sovvenzioni, concorsi e altre opportunità per contribuire al budget del tuo progetto, per molti dei quali ho fatto domanda e continuerò a farlo.

Quali metodi di sceneggiatura possono utilizzare gli sceneggiatori per scrivere le pagine di apertura perfette per le loro sceneggiature?

Quando viene sollevato l'argomento delle prime pagine di una sceneggiatura, la maggior parte degli esperti, dei guru e degli addetti ai lavori passa immediatamente al concetto di "agganciare" il lettore della sceneggiatura.

"Devi catturare il pubblico."

"Le tue prime pagine devono catturare il lettore dello studio, o getteranno da parte la sceneggiatura."

"Una sceneggiatura è buona solo quanto il suo hook e il suo finale."

I ganci sono fantastici. E sono necessari per catturare l'attenzione del lettore di script.

Ma le tue pagine iniziali hanno bisogno di molto più di un succoso gancio. Ci sono elementi aggiuntivi necessari per le sceneggiature specifiche - sceneggiature scritte con la speculazione che saranno vendute, confezionate e prodotte - per vendere al lettore il concetto, il personaggio, la storia e il genere. Questo è qualcosa che deve essere realizzato il più rapidamente possibile prima che i lettori perdano interesse.

Qui trattiamo tre metodi di sceneggiatura per padroneggiare le tue pagine di apertura nei tuoi script specifici.

1. MOSTRA IL TUO PERSONAGGIO NEL LORO MONDO PRIMA CHE ARRIVI IL CONFLITTO CENTRALE

La maggior parte degli sceneggiatori interpreta erroneamente questo suggerimento come se utilizzasse l'intero primo atto per presentare i loro protagonisti e il mondo in cui vivono. Non puoi sprecare il prezioso patrimonio immobiliare delle prime 20-30 pagine della tua sceneggiatura facendo questo. Perderai il lettore.

Ma devi mostrare il tuo personaggio nel loro mondo prima che arrivi il conflitto centrale perché questo ci dà il contesto appropriato per attribuire quanto difficile sarà il conflitto per il tuo personaggio. E nella sceneggiatura, il conflitto è tutto.

Nelle prime pagine di ET vediamo Elliott nel suo mondo. Ha a che fare con il divorzio dei suoi genitori e non viene mai preso sul serio da sua madre, suo fratello o gli amici di suo fratello.

Questo mondo di Elliott è catturato in sole due scene. I momenti iniziali di Elliott che cerca di adattarsi agli amici di suo fratello, e il momento sottostante in cui apprendiamo qualcosa sul divorzio di sua madre e sull'effetto che sta avendo sulle loro vite.

E si potrebbe anche sostenere che l'apertura effettiva del film mette in mostra ET e il suo mondo prima del conflitto centrale. È un essere alieno che fa parte di una spedizione sulla Terra per raccogliere campioni di suolo e piante. Quello è il suo mondo. Lo ha fatto su più pianeti (come mostrato nelle immagini del laboratorio di botanica interno dell'astronave). Ma il conflitto centrale di lui che viene lasciato indietro con gli umani che lo cercano frantuma il suo mondo.

Mostrare il tuo personaggio nel loro mondo è vitale per la complessità del conflitto centrale e l'arco narrativo del personaggio.

Nella trilogia de Il Signore degli Anelli, da dove abbiamo iniziato con il protagonista centrale? Frodo viveva la vita semplice e allegra all'interno della Contea, un luogo che non conosceva l'oscurità e non aveva guerre. Poche scene dopo, si trova di fronte al compito di dover portare via l'anello da The Shire.

In Star Wars, vediamo Luke Skywalker nei panni di un semplice ragazzo di campagna che guarda le stelle in cerca di avventura. È solo quando R2-D2 lascia la fattoria che viene scosso dall'azione e dall'avventura che tanto desiderava, supplicando la frase " Stai attento a ciò che desideri".

In The Matrix, vediamo "Mr. Anderson" vivere la vita di un programmatore di giorno e di un hacker di notte. Quando si trova di fronte alla scelta di prendere la pillola rossa o la pillola blu, viene gettato nel conflitto centrale di rendersi conto che il mondo come lo conosce è una simulazione.

In A Star Is Born del 2018 , vediamo Ally vivere la sua vita normale come cameriera che si prende anche cura di suo padre. Vediamo anche il mondo in cui vive Jack: da solo e passando da un drink all'altro. Il conflitto centrale e l'inversione sono i loro due mondi molto diversi che si scontrano.

In The 40-Year-Old Virgin, ci viene presentato il mondo di Andy nelle prime immagini del film. Il conflitto centrale dei suoi colleghi che vogliono aiutarlo a scopare per la prima volta sconvolge la sua vita altrimenti soddisfatta.

In Pretty Woman, vediamo la vita lavorativa di routine di Edward, così come la vita oscura e senza speranza che Vivian conduce come prostituta. E poiché li abbiamo visti nei loro mondi prima del conflitto centrale o dell'inversione, sappiamo che una volta che i loro percorsi convergono e sperimentano com'è la vita al di fuori dei loro confini normali, le cose diventeranno interessanti.

Questo metodo di sceneggiatura per mostrare rapidamente il protagonista nel suo mondo è necessario per elevare il conflitto centrale della storia. I lettori vogliono e devono capire la posta in gioco e i conflitti che il protagonista dovrà affrontare. È un gancio in sé.

2. INSERISCI I TUOI ELEMENTI DI GENERE IN ANTICIPO

Se stai scrivendo una commedia e non ci sono momenti isterici nelle prime pagine, non stai preparando il lettore a scatenarsi e ridere.

Se stai scrivendo uno spettacolo d'azione e non c'è una sequenza d'azione introduttiva, non stai dicendo al lettore di allacciarsi le cinture e prepararsi per il giro sulle montagne russe che stanno per intraprendere.

Se stai scrivendo un racconto di fantascienza e non ci sono elementi di fantascienza nei momenti iniziali della tua sceneggiatura, non stai dichiarando il genere della tua sceneggiatura come dovrebbe fare ogni sceneggiatura di grandi dimensioni.

Qualunque sia il genere in cui è ambientata la tua storia, deve essere comunicato rapidamente nelle prime pagine della sceneggiatura. Questo è ciò che mette il lettore nell'umore o nella modalità corretta per la lettura. Più velocemente conoscono il genere, più velocemente fisseranno le loro aspettative per ciò che verrà.

Sebbene possa sembrare una semplificazione eccessiva del processo di lettura della sceneggiatura, non lo è. Quando il lettore - lettore di sceneggiature, giudice, produttore, agente, manager, dirigente dello sviluppo, regista o attore - si siede per leggere una sceneggiatura, devi informarli che tipo di sceneggiatura leggeranno il più rapidamente possibile perché il le domande per le quali hanno un occhio allenato devono trovare una risposta.

Che tipo di protagonista è?

Qual è il conflitto che stanno affrontando?

Qual è il genere?

Qual è il concetto generale?

Devono conoscere le risposte a queste domande per determinare se la sceneggiatura è qualcosa che vorranno perseguire. E a Hollywood, non c'è tempo per sedersi e scommettere su una lettura di una o due ore con ogni copione che incontra il loro tavolo. Se uno script non ha identificato le risposte a queste domande entro le prime 10-15 pagine, c'è un problema.

Parlando di concetto...

3. RAGGIUNGI RAPIDAMENTE IL TUO CONCETTO DI BASE

Quando sei uno sceneggiatore affermato con un sacco di successi alle spalle, puoi sicuramente impiegare un po' più di tempo per arrivare al concetto.

Ma stiamo parlando in particolare delle linee guida e delle aspettative di uno scrittore sconosciuto che scrive sulle specifiche e di cosa serve affinché gli script delle specifiche vengano notati.

Devi introdurre brevemente il personaggio nel loro mondo per dare al lettore un contesto su quanto sia alta la posta in gioco una volta che arriva il conflitto centrale.

Devi inserire quegli elementi specifici del genere per mostrare in quale genere rientra la storia.

E poi devi arrivare al concetto centrale (la logline) del tuo script il più rapidamente possibile.

Anche se questo potrebbe non sembrare giusto, è una dura verità che gli script delle specifiche hanno solo 10-15 pagine per coinvolgere un lettore. Se il tuo concetto non è chiaramente evidente entro 10-15 pagine (prima è meglio è), il lettore non sarà così investito nella lettura complessiva dell'intero copione.

Sì, molti grandi film si sono presi il loro tempo. Molti grandi film si aprono con una lenta combustione stilistica. Ma quei film sono spesso diretti da professionisti esperti e scritti da sceneggiatori esperti con una comprovata esperienza.

Nel mercato delle sceneggiature specifiche, devi arrivare al cuore di tutto - personaggi, genere, concetto - rapidamente. Devi rispondere a quelle domande chiave che il lettore è addestrato a far fluttuare nella sua mente.

Che tipo di protagonista è?

Qual è il conflitto che stanno affrontando?

Qual è il genere?

Qual è il concetto generale?

E le risposte a queste domande determineranno rapidamente se la sceneggiatura è giusta per loro o meno.

In un mondo perfetto, ogni copione riceverebbe le due ore di considerazione che merita. Ma gli sceneggiatori devono scendere dalle nuvole con aspettative realistiche. Una volta accettate le leggi del paese, non importa quanto possano sembrare ingiuste, puoi lavorare sul sistema e utilizzare quella conoscenza per scrivere copioni specifici che catturino l'attenzione di coloro che detengono le chiavi dei tuoi bisogni, desideri e sogni.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Quali sono le basi della sceneggiatura quando si tratta di come gli sceneggiatori dovrebbero - o non dovrebbero - usare il MAIUSCOLO all'interno delle loro sceneggiature? Alcuni sceneggiatori non sanno usare le MAIUSCOLE, alcuni non ne approfittano e altri semplicemente le usano troppo. Qui offriamo semplici spiegazioni ed esempi di come dovresti e non dovresti usare quel pulsante CAPS nei tuoi script.

Mappa Concettuale dei Personaggi di sceneggiatura La sceneggiatura è un processo da capogiro che richiede piena attenzione e dedizione. Se hai mai provato a scrivere una sceneggiatura, scommetto che sai cosa intendo. Con tutti quei personaggi, trame e azioni, è difficile prendersi cura di ogni singolo dettaglio senza rovinare l'intera struttura. È proprio qui che le mappe mentali tornano utili per salvare le tue idee di narrazione.

Quali sono le scene cinematografiche più catartiche e in che modo tali scene trasformano la tua sceneggiatura in qualcosa di ancora migliore?

Hai mai guardato un film o letto una sceneggiatura che è rimasta con te dopo? Esci dal teatro o chiudi quella sceneggiatura e ti senti veramente cambiato o influenzato in qualche modo.

Questa è la catarsi. Ed è l'elemento più importante della sceneggiatura.

Catarsi è un termine molto diffuso oggi a Hollywood. Puoi persino trovarlo come categoria di valutazione nella copertura delle sceneggiature dell'industria cinematografica e televisiva.

Quando una sceneggiatura o una scena è così ben scritta che in qualche modo ti sei sentito messo nei panni del protagonista e hai sentito la propria catarsi alla fine del film quando hanno raggiunto ciò per cui si erano battuti contro ogni previsione o hanno provato un po' di sollievo dal loro lotte in mezzo alla tragedia: hai realizzato qualcosa di eccezionale.

Questa è la magia di una sceneggiatura o di un film straordinario, che lascia il lettore o il pubblico veramente toccati, colpiti e talvolta cambiati: la catarsi .

Questo è ciò che vuoi provare a realizzare con quante più scene possibile all'interno delle tue sceneggiature.

La maggior parte delle sceneggiature specifiche - sceneggiature scritte con l'ipotesi che venderanno - mancano nella categoria della catarsi. Le sceneggiature e gli scrittori sono così ossessionati dalla trama che dimenticano di assicurarsi che il lettore e l'eventuale pubblico siano commossi in qualche modo, forma o forma. Ciò si traduce in sceneggiature noiose e film noiosi.

Ogni sceneggiatore dovrebbe concentrarsi su una cosa: muovere il lettore e il pubblico e offrire loro quella sensazione catartica quando mettono giù la sceneggiatura o escono da quel teatro.

Come si creano momenti così catartici?

Inizi guardandoti dentro e trovando ciò che ti muove.

Oltre a ciò, è una lezione che non ha regole di definizione e nessuna formula. Si tratta di emozione. Devi essere il burattinaio che tira le corde emotive del tuo pubblico.

Quindi, per qualche ispirazione su come sbloccare tali emozioni, qui presentiamo diciannove dei momenti più catartici della storia del cinema.

Avviso spoiler! Alcune scene possono divulgare una storia specifica e elementi della trama.

1. THE PURSUIT OF HAPPYNESS / LA RICERCA DELLA FELICITÀ

Trama: Un venditore in difficoltà prende in custodia suo figlio mentre è pronto a iniziare una carriera professionale che gli cambierà la vita.

Momento: Chris ha trascorso l'intero film lottando per realizzare il suo sogno di ottenere un lavoro ben pagato in modo da poter mantenere lui e suo figlio, entrambi senzatetto. Al termine del suo tirocinio non retribuito come agente di cambio, con scarse possibilità di avanzamento a una posizione retribuita, viene chiamato nell'ufficio del suo capo.

2. CHARIOTS OF FIRE / CARRI DI FUOCO

Trama: Due atleti britannici di atletica leggera, uno ebreo determinato e l'altro cristiano devoto, gareggiano alle Olimpiadi del 1924.

Momento: Eric Liddell, il devoto cristiano, è l'uomo più veloce in vita nel 1924. Durante ciascuna delle sue corse, all'ultima tappa, la sua testa torna sempre indietro, puntata verso il cielo. È qui che in qualche modo diventa ancora più veloce di quanto non sia già. In questo momento catartico verso la fine del film, finalmente impariamo il significato di questa azione.

3. RUDY / RUDI

Logline: a Rudy è sempre stato detto che era troppo piccolo per giocare a football universitario. Ma è determinato a superare le avversità e realizzare il suo sogno di suonare per Notre Dame.

Momento: durante l'atto di apertura del film, e anche nel secondo, Rudy ha lottato per aumentare i suoi voti per passare dal Junior College al college dei suoi sogni, Notre Dame. Viene rifiutato semestre dopo semestre...

... fino al suo ultimo semestre di idoneità.

4. MR. HOLLAND’S OPUS / L'OPERA DI MR. HOLLAND

Trama: Un compositore frustrato trova appagamento come insegnante di musica al liceo.

Momento: Glen Holland, un musicista che ha messo da parte i suoi sogni di diventare un compositore mentre cresceva una famiglia e insegnava musica in una scuola superiore, ha accettato un lavoro che non voleva ma ha imparato ad amare. Ha continuato a scrivere la sua sinfonia mentre svolgeva il lavoro quotidiano. Anno dopo anno e decennio dopo decennio. Mai una volta aver visto il suo sogno diventare realtà. Fino a…

5. THE SHAWSHANK REDEMPTION / LA REDENZIONE DI SHAWSHANK

Trama: Due uomini imprigionati si legano per un certo numero di anni, trovando conforto ed eventuale redenzione attraverso atti di comune decenza.

Momento: dopo aver passato l'intero film a testimoniare l'ingiustizia della prigionia di Andy, finalmente lo vediamo ricevere la giustizia che meritava.

6. DEAD POETS SOCIETY / L'ATTIMO FUGGENTE

Logline: L'insegnante di inglese John Keating ispira i suoi studenti a guardare alla poesia con una prospettiva diversa di conoscenza e sentimenti autentici.

Momento: Keating è stato licenziato dal suo lavoro di insegnante a causa del recente suicidio di uno dei suoi studenti. La scuola e i genitori dello studente attribuiscono la colpa agli insegnamenti e all'influenza di Keating, costringendo gli altri suoi devoti studenti a firmare un documento che gli attribuisce la colpa. Mentre Keating raccoglie le sue cose durante una lezione, accade questo momento catartico.

7. GOOD WILL HUNTING / CACCIA ALLA BUONA VOLONTÀ

Logline: Will Hunting, un custode del MIT, ha un talento per la matematica ma ha bisogno dell'aiuto di uno psicologo per trovare una direzione nella sua vita.

Momento: dopo essersi aperto a Sean e aver fatto dei progressi nella vita, Sean affronta Will dopo la loro ultima sessione, sperando di riuscire finalmente a sfondare con il giovane che ha condotto una vita violenta a causa dell'abuso fisico che ha subito da bambino.

8. UP / SU

Trama: Il settantottenne Carl Fredricksen si reca a Paradise Falls nella sua casa equipaggiato di palloncini, portando inavvertitamente un giovane clandestino.

Momento: dopo che un giovane Carl incontra Ellie, vediamo il loro matrimonio progredire nel corso degli anni, portando all'inevitabile verità con cui tutti dovremo affrontare una volta durante la nostra vita: la perdita di coloro che amiamo.

9. THE GREEN MILE / IL MIGLIO VERDE

Trama: Le vite delle guardie nel braccio della morte sono influenzate da una delle loro accuse: un uomo di colore accusato di omicidio e stupro di minori, eppure dotato di un dono misterioso.

Momento: abbiamo appreso che John è innocente dei suoi crimini. Eppure non può essere dimostrato ai tribunali. La sua esecuzione deve andare a buon fine, nonostante il fatto che le guardie carcerarie sappiano che stanno uccidendo un uomo innocente e che ha toccato le loro vite in tanti modi diversi.

10. CAST AWAY / GETTATO VIA

Trama: Un dirigente FedEx subisce una trasformazione fisica ed emotiva dopo un atterraggio di fortuna su un'isola deserta.

Momento: Dopo anni sull'isola, con solo una pallavolo - Wilson - che mantiene la sua sanità mentale, Chuck costruisce una barca e sfugge alla marea dell'isola. Mentre va alla deriva nell'oceano, ogni speranza persa, Chuck si sveglia e si rende conto che Wilson è caduto dalla barca e sta volando via. Ora deve fare una scelta: mettersi al sicuro o cercare di salvare Wilson e probabilmente morire nel processo.

11. I AM LEGEND / SONO LEGGENDA

Trama: Anni dopo che una piaga ha ucciso la maggior parte dell'umanità e trasformato il resto in mostri, l'unico sopravvissuto a New York City lotta valorosamente per trovare una cura.

Momento: Durante il primo atto del film, Robert ha avuto il suo fidato cane al suo fianco. Un cucciolo che è stato con lui dall'inizio della peste. Fino a un fatidico momento in cui sta difendendo Robert e viene morsa.

12. MANCHESTER BY THE SEA / MANCHESTER IN RIVA AL MARE

Logline: A uno zio depresso viene chiesto di prendersi cura del nipote adolescente dopo la morte del padre del ragazzo.

Momento: dopo la morte dei suoi figli a causa di un incendio domestico per colpa sua durante una notte di bevute, Lee viene interrogato dalla polizia. Mentre se ne va, addolorato, cerca di togliersi la vita dopo aver afferrato la pistola di un agente di polizia.

13. THE ELEPHANT MAN / L'UOMO ELEFANTE

Trama: Un chirurgo vittoriano salva un uomo gravemente sfigurato che viene maltrattato mentre si guadagna da vivere come un maniaco dello spettacolo. Dietro la sua facciata mostruosa si rivela una persona dotata di intelligenza e sensibilità.

Momento: John viene inseguito per le strade mentre gli spettatori curiosi e inorriditi guardano. Quando viene messo alle strette in un bagno e circondato da persone che vogliono solo dare un'occhiata allo strano uomo, John urla disperato: "Non sono un animale. Sono un essere umano".

14. SOPHIE'S CHOICE / LA SCELTA DI SOPHIE

Logline: Sophie è la sopravvissuta dei campi di concentramento nazisti, che ha trovato una ragione per vivere con Nathan, un ebreo americano brillante ma instabile ossessionato dall'Olocausto.

Momento: nei momenti finali del film, viene rivelato che Sophie è stata costretta a scegliere quale suo figlio portare alla morte.

15. E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL / ET L'EXTRATERRESTRE

Trama: Un bambino problematico trova il coraggio di aiutare un simpatico alieno a fuggire dalla Terra e tornare nel suo mondo natale.

Momento: ET ha finalmente telefonato a casa e sono arrivati a prenderlo dopo la sequenza culminante dell'inseguimento. È costretto a salutare il suo amico Elliott.

16. WARRIOR / GUERRIERO

Logline: Il figlio più giovane di un ex pugile alcolizzato torna a casa, dove viene allenato dal padre per competere in un torneo di arti marziali miste, un percorso che mette il combattente in rotta di collisione con il fratello maggiore.

Momento: fratello contro fratello. Ognuno merita di vincere. Ognuno di loro ha bisogno di vincere. Ma solo uno può.

17. INTERSTELLAR / INTERSTELLARE

Trama: Una squadra di esploratori viaggia attraverso un wormhole nello spazio nel tentativo di garantire la sopravvivenza dell'umanità.

Momento: Cooper riceve messaggi dai suoi figli nel corso degli anni in cui è stato via, realizzando le conseguenze della sua decisione di andare in missione.

18. FIELD OF DREAMS / CAMPO DEI SOGNI

Trama: un coltivatore di mais dell'Iowa, sentendo delle voci, le interpreta come un comando per costruire un diamante da baseball nei suoi campi; lo fa, e arrivano i Chicago White Sox del 1919.

Momento: Ray si rende conto che tutto ciò che ha fatto non è stato per Shoeless Joe. Era per ricongiungersi con suo padre e fare ammenda per il tempo che avevano perso prima della sua morte.

19. TOY STORY 3 / STORIA DEL GIOCATTOLO 3

Logline: I giocattoli vengono erroneamente consegnati a un asilo nido invece che in soffitta poco prima che Andy parta per il college, e tocca a Woody convincere gli altri giocattoli che non sono stati abbandonati e tornare a casa.

Momento: dopo anni insieme, si aggrappano l'un l'altro mentre cadono verso un certo destino.

Quali ci siamo persi?

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Domande sulla tua sceneggiatura di corto cortometraggio Quali sono tutte le domande sullo sviluppo della storia a cui gli scrittori devono rispondere mentre sviluppano e costruiscono le loro storie? Lo sviluppo della storia è la parte più vitale della scrittura. Quando hai un concetto che ti gira per la testa, non è abbastanza per afferrare il laptop, aprire il tuo software di sceneggiatura o scrittura e iniziare a digitare. Devi sviluppare quel concetto. Devi accertarti se si tratta di un concetto degno di una storia o solo di un espediente interessante. Devi dargli la carne che merita.

Come si distingue tra scrittura "buona" e "cattiva"? Non stiamo parlando del fatto che una sceneggiatura o un romanzo contenga errori di grammatica, ortografia e formato apparentemente infiniti. Questa è un'ovvia osservazione oggettiva. Al di là di tali errori, la scrittura è in realtà soggettiva, un fatto che la maggior parte delle persone online (e la maggior parte dei critici) dimentica. Se qualcuno ti dice che la sceneggiatura dietro The Hurt Locker è orribile, questa è la loro osservazione soggettiva. Non hanno né ragione né torto.

Il viaggio dell'eroe ci offre un solido modello di struttura della storia. Ci dice dove dovrebbero andare i nostri personaggi e chi dovrebbero incontrare lungo la strada. In effetti, ci dice cosa dovrebbe accadere esternamente a un personaggio lungo il suo viaggio.

Questa struttura della storia, tuttavia, dipinge solo metà del quadro. Spesso non riesce ad affrontare i ritmi che toccano una profonda corda emotiva con il pubblico: il viaggio emotivo del personaggio.

Vogliamo una struttura narrativa che non solo sia in grado di rendere conto del viaggio che avviene *fuori* da un personaggio, ma ne vogliamo anche una che sia in grado di rendere conto del viaggio che nasce *dentro* un personaggio.

FERISCI IL TUO PERSONAGGIO

I personaggi imperfetti tendono ad essere imperfetti per un motivo. Spesso è successo qualcosa nel loro passato (e spesso nella loro giovinezza) che ha avuto su di loro un effetto profondamente traumatico.

Questo trauma dà origine alla ferita di un personaggio. È il bagaglio emotivo che portano e portano in ogni relazione da quel momento in poi.

Alcuni personaggi sono più bravi a nascondere la loro ferita rispetto ad altri. Ma a prescindere, questi personaggi imperfetti tendono a sviluppare meccanismi di coping per affrontare la loro ferita.

I meccanismi di coping possono includere, tra gli altri, la negazione, la regressione, la proiezione (compreso lo sfogo) e la razionalizzazione. Questi meccanismi di coping sono le cose che danneggiano funzionalmente le relazioni del personaggio imperfetto, dando origine a quella che John Truby chiama la "debolezza morale" del personaggio.

In Good Will Hunting, Will affronta l'aggressività e la proiezione. In Alla ricerca di Nemo, Marlin è nevrotico e iperprotettivo nel tentativo di prevenire danni futuri.

FAI IN MODO CHE L'INCIDENTE ISTIGANTE COLPISCA LA FERITA

Alla fine nella vita del tuo personaggio si verifica un evento che non può essere ignorato. O è un problema o un'opportunità e spesso manda il personaggio in un viaggio che lo costringerà ad affrontare in qualche modo la sua ferita.

Questo è l'inizio del viaggio esterno che costringerà il personaggio a rendersi conto che la sua ferita è ciò che lo trattiene nelle loro relazioni.

La chiave per creare questo momento è pensare al tipo di viaggio che costringerà continuamente il tuo personaggio a trovarsi faccia a faccia con le conseguenze dei suoi meccanismi di coping. In che modo la loro ferita impedirà loro di compiere ciò che deve essere fatto nel viaggio? In che modo il personaggio saboterà se stesso?

Qual è la cosa peggiore che potrebbe capitare a Marlin in Alla ricerca di Nemo? Potrebbe perdere l'unica cosa che colpisce proprio al centro della sua ferita: suo figlio. Questo è l'incidente di incitamento perfetto per costringere Marlin a iniziare il viaggio per affrontare la sua ferita.

Questo momento cruciale nella tua storia bloccherà anche il desiderio principale del personaggio nel corso della storia. Spesso questo desiderio è quello di tornare all'equilibrio (ritrovare ciò che è stato tolto, restituire ciò che è arrivato o tornare a casa).

IL TUO PERSONAGGIO DOVREBBE AVERE UN PIANO INGENUO

Spesso i personaggi imperfetti non *vogliono* cambiare. Se chiedessi loro cosa c'è che non va nella loro vita, non direbbero nulla, grazie mille. Stanno proprio bene. Anche quando questi personaggi hanno dei desideri, si accontentano di tenerli lontani dai sogni.

E così qualunque problema o opportunità sia arrivata all'incidente scatenante spesso si rivela sgradita. Quindi il personaggio tende a voler annullare tutto ciò che è stato fatto! Vogliono tornare all'equilibrio.

A questo punto, il tuo personaggio escogita un piano. Se sono stati trascinati via da casa, questo piano è spesso un modo per tornare indietro. Se uno sconosciuto è arrivato in città, questo è spesso un piano per restituire lo sconosciuto e riportare le cose come prima.

Questo piano tende ad essere quello che il personaggio pensa lo riporterà alla sua zona di comfort in pochissimo tempo. Più di ogni altra cosa, il personaggio vuole evitare di dover affrontare la propria ferita o cambiare i propri meccanismi di coping. Questo è lo scenario da incubo per un personaggio imperfetto.

Agli occhi del personaggio, questo piano è spesso semplice e infallibile! (Certo, non lo è mai). "Farò solo questa cosa e le cose torneranno alla normalità in un batter d'occhio..." Dopo che il personaggio si è messo in moto con il suo piano ingenuo, potrebbe sperimentare quello che sembra un progresso, ma c'è quasi sempre una corrente sotterranea che non riesce a vedere.

In Good Will Hunting, Will pensa che passerà solo il suo tempo obbligatorio in terapia e la farà finita. Tornerà alla sua vita.

SVELA LA VERA NATURA DEL PROBLEMA

Il piano infallibile non è mai infallibile. È ingenuo. È stato creato partendo dal presupposto che il personaggio non ha effettivamente bisogno di affrontare la propria ferita. Il personaggio ha pianificato di affrontare i sintomi ma non la causa principale.

Il punto medio è il momento in cui il personaggio inizia a rendersi conto che il problema con cui ha avuto a che fare è molto più serio di quanto inizialmente previsto.

La vera natura e la forza dell'antagonista vengono alla luce. Tutto è molto più serio di quanto pensassero. Tornare a casa non sarà così facile. E il loro piano iniziale non funzionerà.

Questo è il momento in cui il Titanic colpisce l'iceberg.

Questo è anche il momento in cui il protagonista intravede come potrebbe essere la vita senza la sua ferita. Hanno un lampo di intuizione su come potrebbe essere il cambiamento, ma raramente sono in grado di alimentare quella fiamma. Hanno un fugace assaggio di accettazione e individuazione. Possono imbottigliarlo, ma non sanno ancora come usarlo.

In Good Will Hunting, Will inizia ad aprirsi per la prima volta e invita Skylar nella sua vita per incontrare i suoi amici.

IL TUO PERSONAGGIO DOVREBBE AVERE UN PIANO DISPERATO

Con il personaggio che solo ora inizia a comprendere appieno con cosa ha a che fare, devono escogitare un nuovo piano. Questa volta, il piano è più disperato.

Il personaggio sta iniziando a vedere con cosa ha a che fare e nello stesso momento in cui sta entrando in una "modalità guerriero" offensiva, spesso sta anche tornando emotivamente alla disperazione. Entrano in piena offesa nell'unico modo che conoscono: con la loro ferita che fa da apripista.

Questo è anche il punto in cui il protagonista inizia ad abbassarsi al livello dell'antagonista. Cominciano a credere (esplicitamente o implicitamente) che l'unico modo per battere l'avversario sia combatterlo al proprio gioco. Il guaio è che spesso questo gioco è uno di immoralità.

E così il personaggio imperfetto inizia il viaggio del decadimento morale. Le loro azioni diventano disperate e moralmente discutibili. Contro le proteste degli alleati, il personaggio cade sempre più giù per il pendio scivoloso dell'immoralità, tutto nel tentativo di sconfiggere l'antagonista.

DAI AL TUO PERSONAGGIO UN'AUTO-RIVELAZIONE

Naturalmente, anche il piano disperato tende a non funzionare. Il decadimento morale del personaggio li porta a prendere decisioni impulsive, irrazionali e dannose, spesso mettendo a repentaglio ciò che amano. È a questo punto che il personaggio spesso raggiunge un punto basso.

Questo è il momento di crisi della storia. Tutto ciò che il personaggio amava sembra essere perduto, ed è tutto dovuto alle sue stesse decisioni.

È anche a questo punto che il personaggio tende a non avere nessun altro da incolpare. Dopo aver passato la vita a incolpare gli altri oa razionalizzare le proprie azioni, alla fine non rimangono loro nient'altro e nessun altro se non se stessi.

Ed è solo in questo momento che il personaggio può iniziare a chiedersi se lui stesso sia la radice dei suoi problemi. Questo momento è l'auto-rivelazione.

Il personaggio inizia a vedere che la loro ferita è stata la fonte dei loro problemi. Cominciano a capire che se vogliono affrontare con successo questo problema apparentemente impossibile, devono prima risolvere la loro debolezza morale.

Ed è in questo momento che il protagonista ha un'idea del vero modo per sconfiggere l'antagonista.

FAI DI THE CLIMAX UNA BATTAGLIA DI SISTEMI DI VALORI

Con una nuova comprensione di se stessi e della natura del problema a portata di mano, il protagonista è ora in grado di combattere l'antagonista nel modo giusto: difendendo il sistema di valori morali.

Il culmine di una storia non è solo una battaglia tra due guerrieri, è una battaglia tra due sistemi di valori. È una battaglia interna tra chi era il personaggio una volta e il nuovo sistema di valori abbracciato durante l'auto-rivelazione.

Spesso è solo abbracciando il nuovo sistema di valori che il protagonista può sconfiggere l'antagonista. È in questo momento che il tema trionfa su tutto (a volte anche sulla logica, come sottolinea Brian McDonald).

Il cambiamento del personaggio è in realtà ciò che evidenzia il tema della storia.

CAMBIAMENTO INTERNO COME TEMA

Questo viaggio interiore di un personaggio dalla ferita al campionato della moralità è l'argomento morale del narratore. È la risposta alla domanda tematica del modo migliore di vivere la propria vita, come direbbe John Truby.

Se riesci a strutturare la tua storia per colpire questi battiti emotivi e puoi drammatizzare il cambiamento del tuo personaggio dalla debolezza morale alla moralità, avrai una storia con un tema forte.

Articolo di Ross Hartman per screencraft.org

Quali sono i punti di forza e di debolezza dell'archetipo del personaggio dell'amico secondario e in che modo gli sceneggiatori possono utilizzarli nelle loro sceneggiature?

Puoi trovarli nella maggior parte dei film e in qualsiasi genere: l'amico fedele. Non sono i protagonisti. Certamente non sono l'antagonista. Ma spesso rubano ogni scena in cui si trovano e diventano alcuni dei personaggi più amati del cinema.

Ci siamo ispirati a How to Write a Supporting Friend di StudioBinder mentre estraiamo i punti migliori dal loro video e offriamo alcune delle nostre elaborazioni.

Maverick aveva Goose.

Vivian aveva Kate in Pretty Woman .

Spongebob aveva Patrick.

Han Solo aveva Chewbacca.

Mia aveva Lilly in Princess Diaries .

Harry Potter aveva Ron.

Josh aveva Billy in Big .

Lady Bird aveva Julie.

Chris aveva Rod in Get Out .

Annie aveva Becky in Insonnia d'amore a Seattle .

Peter Parker ha Ned.

Frodo aveva Sam.

Anche Jon Snow ha avuto il suo Sam in Game of Thrones .

Questi archetipi di amici di supporto sono spesso indicati come il caregiver . Sono lì per aiutare il protagonista nei conflitti che sta affrontando, offrendo spesso una base morale ed etica per mantenere il protagonista onesto e alla pari con il suo vero carattere.

Sono la voce della ragione.

C'è uno scopo per il caregiver in quasi tutte le storie. In alcuni generi, sono il sollievo comico, offrendo momenti di leggerezza in situazioni altrimenti disastrose. In altri generi, sono importanti tanto quanto il protagonista nel grande schema delle storie cinematografiche.

Il protagonista fa affidamento sulla loro amicizia, a volte anche quando perdono di vista quel legame se i conflitti o le tentazioni che affrontano nel loro viaggio lo allontanano.

Sebbene questo archetipo del personaggio si trovi nella maggior parte dei film in qualche modo, forma o forma, ci sono modi particolari in cui aiutano e ostacolano sia la storia che il protagonista.

Il video scompone i punti di forza e di debolezza del caregiver.

PUNTI DI FORZA

I caregiver sono generosi, di buon cuore e perspicaci.

Possono individuare una cattiva influenza a un miglio di distanza, anche quando il protagonista sembra completamente cieco a qualsiasi negatività. E poiché questo archetipo è così affidabile, i protagonisti ne sono attratti per la loro lealtà e disponibilità. È l'istinto naturale del caregiver aiutare il proprio amico.

Ora, sebbene questi personaggi esistano per offrire supporto al protagonista e leggerezza per il pubblico, non sono perfetti. Hanno dei difetti.

DEBOLEZZE

Poiché il caregiver è così generoso, spesso è molto vulnerabile nelle situazioni. Non sempre, ma più spesso di quanto pensi.

Mentre Chewbacca non sembrava mai avere un momento vulnerabile che mettesse in pericolo Han Solo, Ron di Harry Potter, Sam di Frodo e Sam di Jon Snow non sembravano mai essere in grado di resistere in un combattimento - fino al possibile momento di redenzione nel terzo atto.

Ron non può lanciare un incantesimo solido. Il Sam di Frodo aveva il cuore, ma non avrebbe mai potuto eguagliare l'eroismo di coloro che lo circondavano. Il Sam di Jon Snow aveva l'intelletto, ma quando arrivava il momento critico e una battaglia era sull'orlo, Sam di solito scappava nell'ombra per concentrarsi su ciò che poteva fare nell'unico modo che conosceva: usando il suo intelletto.

Per questo motivo, questi tipi di caregiver mancano di fiducia. Ma un punto di forza di quella debolezza è il fatto che questo tratto è qualcosa che offre un arco del personaggio avvincente con cui giocare all'interno delle tue sceneggiature. Un arco per i personaggi secondari crea profondità nella tua sceneggiatura e nella tua storia.

EVITA DI OFFUSCARE I CONFINI TRA PROTAGONISTA E CAREGIVER

Ricorda che le debolezze possedute dai caregiver sono necessarie per differenziarle dal protagonista.

Non vuoi mai rendere l'amico di supporto più eroico del protagonista. Il protagonista deve sempre avere un vantaggio rispetto al caregiver in questo senso.

Inoltre, non vuoi mai che il pubblico sia confuso sull'appartenenza di questa storia. Sì, puoi giocarci strutturalmente per offrire qualcosa di più originale, ma la maggior parte delle volte vuoi attenerti a ciò che ha dimostrato di funzionare, mantenendo chiari i confini tra il protagonista e il caregiver.

Se quelle linee sono sfocate, probabilmente stai cercando di scrivere un Buddy Movie , che ha due forti protagonisti che sono amici ma condividono parti uguali nel conflitto e nei principali archi narrativi.

ACCOPPIARE IL CAREGIVER CON CATTIVI RAGAZZI/RAGAZZE E SEDUTTORI

Un elemento entusiasmante degli assistenti per le tue sceneggiature è che possono essere abbinati a personaggi aggiuntivi all'interno della tua storia.

Quando hai un cattivo ragazzo/ragazza nella tua storia, abbinarli al tuo caregiver è un modo eccellente per creare un dramma mettendo insieme queste qualità opposte. Poiché il caregiver è così positivo e si avvicina, spesso (ma non sempre) con un'elevata morale ed etica, quei personaggi ribelli nella tua storia possono confidarsi con loro, offrendo ancora più carattere e profondità della storia.

Quando hai un seduttore nella tua storia - un personaggio che a volte letteralmente e talvolta figurativamente seduce il protagonista - hai un immediato miglioramento del dramma e del conflitto mentre il caregiver lotta per proteggere il protagonista.

Sam ha protetto Frodo da Gollum.

Rod ha fatto del suo meglio per proteggere Chris da Rose.

Questi abbinamenti offrono alla tua sceneggiatura più livelli di storia e caratterizzazione.

L'amico di supporto - il caregiver - è un archetipo di personaggio che può migliorare la tua sceneggiatura e offrire al lettore e al pubblico un personaggio in più per cui tifare. Perché? Perché aiutano a tenere al sicuro il protagonista. E alla fine, il pubblico vuole vedere i propri protagonisti prosperare e sopravvivere.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Di seguito sono riportate i criteri e le linee guida utilizzate dai lettori per giudicare e valutare una sceneggiatura.

Le sceneggiature del regista STANLEY KUBRICK - soggetti, scalette, trattamenti, script, storyboard, produzioni Quali lezioni di sceneggiatura possiamo trarre dalle parole di uno dei registi più celebrati della nostra generazione, Stanley Kubrick? Il cinema è un mezzo collaborativo. Tutti, dalla troupe al regista, sono dei narratori. Lo sceneggiatore e la sceneggiatura sono solo l'inizio. Alcuni registi sono maestri del loro mestiere, mentre altri abbracciano l'intero spettro della narrazione cinematografica con passione e visione. Stanley Kubrick è uno di quei visionari che trascende la sua posizione di semplice regista.

Se guardi film o programmi TV su qualsiasi piattaforma di streaming, probabilmente sai che i contenuti basati IP (proprietà intellettuale) ono ancora incredibilmente popolari. Lo sviluppo di un nuovo spettacolo o film è un'impresa costosa, quindi è sempre una scommessa più sicura basare il progetto su un libro o un racconto esistente, il che è un'ottima notizia per quelli di noi che scrivono narrativa!

Ma c'è un segreto del settore sugli adattamenti cinematografici che potresti non conoscere: i racconti sono più facili da adattare in un film di due ore rispetto ai romanzi a figura intera. Vuoi una prova? The Invisible Man, Brokeback Mountain, Arrival, Breakfast at Tiffany's, 3:10 to Yuma, Apocalypse Now, Memento, All About Eve, Secretary, 2001: A Space Odyssey e The Shawshank Redemption sono tutti grandi film adattati da - hai indovinato - storie brevi.

Quindi, perché un racconto è più adatto per un film piuttosto che un romanzo a figura intera? Ecco cinque motivi principali.

NUMERO LIMITATO DI CARATTERI

I racconti in genere non hanno più di tre personaggi: un protagonista, un antagonista e un catalizzatore, un personaggio che accelera l'azione in una storia, costringendo il protagonista a cambiare. Poiché ci sono così pochi personaggi, la storia si concentra sul problema principale del protagonista, rendendo molto chiari il conflitto e gli ostacoli.

Un romanzo può presentare molti personaggi estranei e trame troppo complicate o che richiedono troppo tempo per essere rivelate. Una breve storia lo rende semplice e mirato.

LA STORIA INIZIA IL PIÙ VICINO POSSIBILE AL CLIMAX

Poiché i racconti sono molto più brevi di un romanzo (di solito da 3.000 a 10.000 parole), c'è solo il tempo sufficiente perché il protagonista si concentri su un evento, problema o compito principale. Iniziare la storia pochi giorni o ore (anche minuti) prima di quel climax aggiunge urgenza alla storia e mette immediatamente in conflitto il protagonista.

Con così poco tempo, sono costretti ad agire ora . Questo è fantastico per il film perché come pubblico sappiamo che il problema principale del film verrà risolto in circa due ore, il che rende l'esperienza cinematografica soddisfacente.

UN AMBIENTE DISTINTO E INTRIGANTE

I racconti sono pensati per essere letti in una sola seduta e funzionano come una fuga in un mondo diverso dal nostro, proprio come i film. Quindi gran parte del divertimento sta nell'esplorare il nuovo mondo in cui si svolge la storia. Che si tratti del vecchio West polveroso e grintoso nel film 3:10 to Yuma (basato sul racconto Three-Ten to Yuma) o di una gigantesca astronave futuristica nel 2001 (basato sul racconto The Sentinel), questi sono cinematografici, mondi visivamente accattivanti che si prestano facilmente al film.

Anche i romanzi possono avere ambientazioni interessanti, ma i racconti tendono a correre più rischi con il loro mondo, motivo per cui così tanti racconti di fantascienza vengono trasformati in film.

'2001: Odissea nello spazio'

NON C'È TEMPO PER I RETROSCENA

In un racconto, ogni singola parola conta. Eventuali dettagli del passato di un personaggio saranno molto limitati se inclusi. Semplicemente non c'è tempo per un personaggio di ricordare la propria infanzia se quel ricordo non ha un impatto diretto sulla storia. Se un protagonista menziona quella volta in cui sono quasi annegati nuotando nel lago Erie quando erano bambini, è probabile che il loro evento climatico riguardi il nuoto.

I film dovrebbero essere una serie di immagini emozionanti cucite insieme a linee di dialogo concise e azioni specifiche: più specifiche sono, meglio è. C'è una ragione per cui Leonard Shelby (Guy Pearce) scatta foto Polaroid in Memento (basato sul racconto Memento Mori) e quelle Polaroid sono una parte enorme del viaggio di Leonard.

EVOCA EMOZIONI PROFONDE

Forse l'elemento più potente di cui non abbiamo discusso finora è il modo in cui una storia suscita emozioni. Lo scopo di raccontare qualsiasi storia, indipendentemente dal mezzo, è far sentire qualcosa di profondo al lettore/pubblico e sperimentare la catarsi. Guardare qualcuno vivere un'esperienza traumatica e pericolosa sullo schermo ci aiuta a elaborare il nostro trauma e spesso a trovare la speranza. Esplorare bisogni primari come la sopravvivenza, l'amore, la libertà e la giustizia può evocare grandi emozioni in tutti i tipi di storie.

It's a Wonderful Life è un film di Natale (basato sul racconto The Greatest Gift), ma il problema principale del protagonista, George Bailey (James Stewart), è che vorrebbe non essere mai nato - una situazione piuttosto emotiva. Prepara anche il suo viaggio per scoprire perché dovrebbe sentirsi grato di essere nato. La redenzione è anche un tema potente in molti western e drammi giudiziari. Può anche essere abbastanza commovente vedere un personaggio fare un sacrificio per un altro, soprattutto se comporta la perdita della vita.

Un racconto può restringersi su un'emozione specifica e consentire ai personaggi della versione cinematografica di scavare davvero in profondità in quell'emozione e commuovere il pubblico.

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Ci sono molti tipi di storie che possono essere alla base di un buon film, ma quando esplori gli elementi di un racconto, è facile vedere quanto quel mezzo ha in comune con il film. La televisione è un'altra storia ...

di Shanee Edwards per screencraft.org

Ci sono molte regole di sceneggiatura e consigli disponibili sotto forma di libri, blog, clip e podcast, ma tutto ciò che stai imparando è accurato? Molti di questi sono utili se usati correttamente, ma alcuni faranno più male che bene.

Per quanto controverso sia questo argomento, ecco alcuni suggerimenti di "regole" che potresti voler ignorare!

SCRIVI QUELLO CHE SAI

Sei anche uno sceneggiatore se qualcuno non ti ha detto di “scrivere quello che sai”?

Ora, questa regola non è del tutto negativa, ma può esserlo se applicata in modo troppo letterale. È importante ricercare e conoscere il proprio argomento, ma non sottovalutare mai la necessità dell'immaginazione. Questo non vuol dire che tu non abbia vissuto esperienze eccezionali nella tua vita, tuttavia, dubito fortemente che tu sia dovuto sopravvivere a un'apocalisse di zombi o che al tuo undicesimo compleanno abbia scoperto di essere un mago molto famoso!

Sì, se desideri scrivere di esperienze personali, allora vai avanti, ma usa anche la tua immaginazione e questo eleverà la tua sceneggiatura.

INVIA LA TUA SCENEGGIATURA AL MONDO

Spesso agli sceneggiatori viene detto "porta la tua sceneggiatura là fuori" e mentre sono sicuro che la persona che dice questo ha il cuore nel posto giusto, lo spamming del mercato con le e-mail non solo può essere una perdita di tempo, ma può anche essere molto demoralizzante quando non ricevi la percentuale di successo che ti aspettavi.

Se ritieni che la tua sceneggiatura sia pronta per iniziare a essere inviata ad alcune persone/aziende, sii realistico e sii mirato. Forse iniziare con società di produzione indipendenti più piccole, per esempio?

SCRIVI OGNI GIORNO

Scrivere ogni giorno potrebbe essere un obiettivo irraggiungibile che ti fa esaurire o sentirti in colpa per i giorni liberi. Potrebbe anche significare che finisci per passare alcuni giorni a scrivere spazzatura per mantenere la tua striscia.

Tuttavia, questo non è sempre un male, ma può davvero essere dannoso se chiedi troppo a te stesso. Questa regola è difficile da rispettare e aspettarsi troppo è un modo per fallire.

Se stai cercando di inserire la scrittura nella tua routine, magari scrivi quotidianamente per un breve periodo di tempo. Inizia con una sfida di 7 giorni e poi prenditi un paio di giorni liberi o scrivi a giorni alterni?

Inoltre, ricorda che puoi fare regolarmente altre cose per raggiungere i tuoi obiettivi di scrittura, come leggere sceneggiature e guardare film!

MOSTRA, NON DIRE

"Mostra, non dire" è qualcosa che gli scrittori sentono spesso e sebbene questa regola della sceneggiatura possa essere utile in alcune situazioni, è una regola grintosa che potrebbe impedirti di mettere giù le tue idee, sviluppare i tuoi personaggi e divertirti a scrivere, specialmente con la tua prima bozza.

Ciò può portare gli scrittori a provare a scrivere in modo cinematografico e quando sei preoccupato per una regola come questa e ci provi troppo, è più probabile che la consegna sia scarsa.

Tieni a mente questa regola, ma non lasciare che ti dia il temuto blocco dello scrittore. Questo non è l'essenza e la fine della sceneggiatura. Aaron Sorkin è un ottimo esempio che SEMPRE "dice" quando avrebbe potuto "mostrare", ma nessuno oserà bussare ai capolavori che ha creato.

CREA PERSONAGGI SIMPATICI

Sì, è bello avere dei personaggi simpatici, ma il protagonista non deve essere impeccabile per piacere al pubblico. Dopo tutto, le persone perfette non esistono!

Non tutti i protagonisti devono essere coraggiosi, eroici, spiritosi, intelligenti o potenti. Invece, mira a rendere i personaggi più umani: emotivi, conflittuali e, si spera, imparano e crescono dai loro errori. Possono anche possedere altre qualità come essere sfacciati, alla Jack Sparrow: è un ubriacone egoista ma allo stesso tempo divertente e forse stranamente premuroso.

DEVI LAVORARE GRATIS PRIMA DI ESSERE PAGATO COME SCENEGGIATORE

Questo è relativamente semplice, PER FAVORE, non permettere alle persone di approfittare della tua passione per la sceneggiatura.

Alcune posizioni di volontariato che portano a opportunità retribuite potrebbero valerne la pena in quanto ciò potrebbe aprirti alcune porte, tuttavia, non lavorare instancabilmente per un individuo o un'azienda per poca ricompensa e niente soldi. Ci sono lavori retribuiti là fuori, anche per chi inizia!

LA PRIMA BOZZA DEVE ESSERE UNA "BOZZA DI GETTO"

Questa potrebbe essere una regola da infrangere se la interpreti male. Una "bozza di vomito" per una prima bozza è una cosa situazionale e se hai delle scadenze da rispettare per la produzione, allora scrivere senza alcuna struttura o scadenze potrebbe solo farti perdere tempo.

Quello che puoi fare è stabilire mini-scadenze per "vomitare la prima bozza" e poi un'altra per la seconda bozza, ecc.

HAI BISOGNO DI UN AGENTE PER AVERE SUCCESSO

Avere un agente è diventato un obiettivo per molti sceneggiatori . Tuttavia, non è l'unico modo per avere successo e ci sono alcune cose da tenere a mente quando concentri tutte le tue energie nel tentativo di ottenere un rappresentante dell'agenzia.

Uno dei problemi principali è che gli agenti lavorano su commissione, prendendo in media il 10% dalle vendite che effettuano, e questo significa che possono guadagnare solo se il contratto è abbastanza grande.

Sì, se la tua sceneggiatura è pronta per un grosso contratto a Hollywood, allora un agente potrebbe fare al caso tuo. Ma ci sono altri modi per avere successo, inclusa la vendita della tua sceneggiatura a società di produzione indipendenti più piccole. Ciò non richiede la rappresentanza dell'agente, che mantiene più soldi in tasca!

DEVI PRECISARE TUTTO PER IL PUBBLICO

Chi vuole pagare per guardare un film senza suspense e sorprese? Non io, questo è sicuro! Penso che neanche tu lo faresti. Questo è diverso dal dare fiducia al tuo pubblico nel viaggio che stai intraprendendo come sceneggiatore, ma consentire allo spettatore di navigare a modo suo attraverso il film.

Crea una situazione in cui il pubblico possa formarsi la propria opinione su ciò che seguirà e probabilmente vivranno un'esperienza cinematografica migliore.

TUTTI I FEEDBACK SONO BUONI FEEDBACK ... ANCHE QUELLI DI TUA MADRE

In primo luogo, questa non è una mancanza di rispetto per tua madre! Il problema è che non tutti i feedback sono feedback utili e utilizzabili e, se tutti quelli che conosci ti danno i loro due centesimi sulla sceneggiatura con pochi feedback preziosi, questo è dannoso per il tuo lavoro e potenzialmente per la tua fiducia.

Accetta solo critiche o suggerimenti da coloro che hanno esperienza nel settore o hanno una visione creativa. (In effetti, puoi prendere appunti sulla tua sceneggiatura proprio qui su ScreenCraft .)

CONCLUSIONE

Se prendi un consiglio da questo blog, dovrebbe essere che la regola più potente che dovresti seguire è quella di uscire e iniziare a scrivere! Puoi fare molto con una sceneggiatura non scritta.

di Alex Edge per screencraft.org

Qual è la principale differenza tra sceneggiature e romanzi? Si è scritto molto sulle differenze tra scrivere libri e scrivere sceneggiature. I romanzi sono narrazioni letterarie di storie e viaggi di personaggi che offrono una prosa dettagliata e dialoghi esistenti all'interno della comunicazione di temi vari o specifici.

Quali sono tre complessi problemi di sceneggiatura che possono essere risolti facilmente?

A volte i problemi più complessi possono essere risolti nel modo più semplice.

Il piccolo villaggio italiano di Viganella è posizionato in profondità all'interno di una valle in modo tale che ogni anno da novembre all'inizio di febbraio il sole è bloccato dalle alte cime delle montagne circostanti.

Per ottocento anni, il villaggio ha sofferto di inverni bui come la pece. Nel 2006, la gente del villaggio ha installato uno specchio di 26 piedi su un pendio per riflettere la luce del sole nella valle. Grazie agli specchi e alla tecnologia che traccia lo specchio in base al movimento del sole, il villaggio ora gode di otto ore di luce solare al giorno durante quei mesi invernali.

Nel 2012, la Stazione Spaziale Internazionale ha avuto il guasto di uno dei suoi quattro distributori di energia solare. Quando gli astronauti sono usciti per risolvere il problema, hanno scoperto che nessuno dei loro strumenti costosi e altamente tecnologici poteva fare il lavoro. Trucioli di metallo si erano accumulati attorno ai bulloni dell'unità. I loro strumenti non potevano portare a termine il lavoro. Quindi cosa hanno usato per risolvere il problema? Uno spazzolino.

Gli astronauti hanno eliminato i trucioli di metallo usando uno spazzolino da denti attaccato all'estremità di un'impugnatura di metallo. Hanno rimosso i trucioli metallici dai bulloni e sono stati quindi in grado di sostituire l'unità di energia solare rotta per ripristinare la piena potenza della stazione.

Soluzioni semplici per problemi apparentemente complessi.

Qui offriamo tre semplici soluzioni di sceneggiatura a tre problemi di sceneggiatura apparentemente complessi.

1. LA TUA SCENEGGIATURA È TROPPO BREVE

Uno dei problemi più comuni che gli sceneggiatori hanno in alcuni dei loro viaggi di sceneggiatura è finire con una sceneggiatura troppo breve.

Le linee guida standard e le aspettative del settore impongono che le sceneggiature debbano avere una lunghezza compresa tra 90 e 120 pagine. Questo è tratto dal vecchio, ma sorprendentemente accurato, adagio secondo cui una pagina di sceneggiatura equivale a un minuto di tempo sullo schermo. Non è affatto una scienza esatta, ma spesso si calcola in questo modo. E la maggior parte degli studi desidera o ha bisogno che i propri film abbiano tempi di esecuzione di 90-120 minuti (più o meno) per consentire il maggior numero possibile di proiezioni nelle sale.

E il pubblico a volte ha tempi di attenzione brevi. Il tempo di esecuzione da 90 a 120 minuti è la finestra di prima serata per mantenere gli spettatori coinvolti. E se il film è molto al di sotto di quel minimo di 90 minuti (da 70 a 80 minuti), il pubblico spesso ha la sensazione che al film manchi qualcosa, essendo finito molto prima del tempo medio del film a cui si sono abituati.

Ma a volte inizi quella sceneggiatura e prima che tu te ne accorga, hai raggiunto il finale che avevi immaginato molto al di sotto del minimo suggerito di 90 pagine. Potresti raggiungere le pagine 50, 60 o 70 e non avere più una storia sviluppata da raccontare.

Nota: Sì, la sceneggiatura di A Quiet Place era di 67 pagine drasticamente basse. Ma ciò era principalmente dovuto alla mancanza di dialoghi all'interno della sceneggiatura. E prima di tentare di usare quell'esempio come un modo per scusare la tua sceneggiatura drasticamente breve, ricorda che quegli scrittori erano già affermati. La sceneggiatura è stata ancora rifiutata da molti, ma erano professionisti esperti che avevano già messo piede nella porta di Hollywood, un luogo che, per necessità, cerca qualsiasi motivo per dire di no a una sceneggiatura solo per creare un processo di filtraggio per eliminare attraverso le migliaia di sceneggiature che non sono pronte o degne.

Una sceneggiatura troppo breve, per quanto riguarda il conteggio delle pagine? Succede. Forse hai scritto un primo e un secondo atto dal ritmo brillante. O forse non hai sviluppato abbastanza caratterizzazione o storia.

A molti, questo sembra un problema complesso che richiede allo scrittore di sviluppare più arco del personaggio, più trama e più arco narrativo per riempire quelle pagine.

È stato già abbastanza difficile arrivare a 50, 60 o 70 pagine: ora ne servono altre 40, 30 o 20?

Soluzione semplice:

Se le pagine che hai scritto sono altrimenti serrate, ben formattate e ben concepite, ma non sei ancora all'altezza, una soluzione semplice è aggiungere una svolta che faccia diventare il tuo finale attuale una falsa risoluzione - che è ciò che la maggior parte dei thriller, film d'azione e film horror impiegano. Anche i grandi drammi e le commedie lo utilizzano all'interno della struttura della loro sceneggiatura.

Tutti i film di Mission Impossible finiscono quella prima grande rapina/missione, ma è allora che le cose cambiano, avviene un colpo di scena, e poi la storia e la posta in gioco diventano davvero interessanti.

Sì, comporta un po' più di trama, e forse qualche aggiustamento aggiuntivo del personaggio e dell'arco narrativo, ma di solito è molto semplice – e divertente – aggiungere un nuovo finale.

E siamo onesti, è un buon problema da avere rispetto al nostro prossimo problema di sceneggiatura apparentemente complesso.

Trucchi per le ossa:

Shh. Non dirlo a nessuno. Ma se hai bisogno di altre 8-10 pagine, puoi sempre utilizzare il tuo software di sceneggiatura. In Final Draft , puoi regolare leggermente i margini andando su Documento> Layout di pagina> Opzioni> Interlinea> Sciolto.

Selezionando Loose, i margini verranno leggermente espansi. Questi cambiamenti sono quasi invisibili ad occhio nudo.

2. LA TUA SCENEGGIATURA È TROPPO LUNGA

Beh, dovresti essere tra le 90 e le 120 pagine, ma non riuscivi proprio a smettere di scrivere, e ora sei a 140, 150 o 160 pagine. Mi dispiace dirlo, ma sono troppe pagine per uno sceneggiatore non affermato.

Sì, le sceneggiature di Aaron Sorkin e David Mamet - così come molti altri sceneggiatori pluripremiati - spesso spingono 150 pagine (più o meno) in un punto o nell'altro, ma non hai il margine di manovra e il potere.

Ancora una volta, Hollywood è costretta a cercare motivi per dire di no. E dal punto di vista di un lettore di script, il 99,9% delle volte che vedono uno script oltre il segno 130, è perché è stato sovrascritto.

Se ti trovi in questa situazione, è intimidatorio e straziante. Ora devi uccidere i tuoi cari e tagliare molte pagine. E scoprirai che quando sei costretto a farlo, è come un castello di carte: muovi una carta e tutto crolla.

Soluzione semplice:

La maggior parte delle volte, le sceneggiature sono eccessivamente lunghe perché lo scrittore ha passato troppo tempo a presentare i personaggi e il loro mondo. Le peggiori sceneggiature si concentrano sul raccontare la storia del background del protagonista durante l'atto di apertura, invece di quello che dovrebbero fare con una sceneggiatura cinematografica, catapultando i personaggi nel concetto il più rapidamente possibile.

E questa è la soluzione semplice: tagliare l'introduzione e lo sfondo e inserire invece il personaggio nel concetto all'inizio. E da quel momento in poi, durante tutta la sceneggiatura, puoi rivelare la loro caratterizzazione attraverso le loro azioni e reazioni al conflitto che il concetto della tua storia getta loro addosso.

Sì, vuoi aprire la sceneggiatura con il personaggio nel suo mondo originale. Ciò consente al pubblico di vedere la propria zona di comfort o ciò a cui è abituato nella propria vita quando il conflitto del concetto del film lo colpisce. Ma puoi farlo con una singola scena o immagine, rispetto a venti o più pagine di costruzione e retroscena.

Trucchi bonus:

Shh. Non dirlo a nessuno. Ma se hai bisogno di tagliare altre 8-10 pagine (più o meno) dalla tua bozza, puoi sempre utilizzare il tuo software di sceneggiatura. In Final Draft, puoi regolare leggermente i margini andando su Documento> Layout di pagina> Opzioni> Interlinea> Stretto (o Molto stretto).

Quando si seleziona Stretto o Molto stretto, i margini verranno leggermente compattati. Questi cambiamenti sono quasi invisibili ad occhio nudo.

**3. IL TUO CONCETTO BASATO SU O ISPIRATO DA UNA STORIA VERA HA TROPPA STORIA**

Le storie vere sono difficili da affrontare perché spesso ci sono così tanti fatti, personaggi ed eventi in gioco. E più fatti, personaggi e circostanze affronti, più difficile sarà decidere quali parti della storia dovresti condividere e più lunga sarà probabilmente la tua sceneggiatura.

Soluzione semplice:

Steven Spielberg avrebbe certamente potuto provare a rappresentare l'intera presidenza di Abraham Lincoln in Lincoln, ma ha saggiamente deciso di scegliere una finestra all'interno della sua amministrazione - in questo caso, la lotta di Lincoln per emancipare gli schiavi.

L'elemento di raccontare una storia utilizzando piccole finestre di storia offre al lettore l'opportunità di avere meno da ricordare e immaginare. E quando hanno meno cose da ricordare e da immaginare, possono sperimentare più facilmente il concetto centrale del cinema e la storia che racconti.

Più aggiungi alla premessa, maggiore è il rischio che dovrai affrontare di perdere il lettore.

L'utilizzo di finestre di storie più piccole è una soluzione semplice. Funziona così bene anche per i racconti di fantasia.

Invece di lasciare che la tua sceneggiatura racconti la drammatica storia del tuo personaggio alcolizzato che cerca di diventare sobrio nel corso di un anno, perché non concentrarti sull'ultimo giorno dell'ultimo passo nel loro programma in 12 fasi?

Invece di lasciare che la tua sceneggiatura racconti la storia epica di una storica battaglia della seconda guerra mondiale, perché non concentrarti su un soldato mentre affronta il conflitto generale?

Invece di lasciare che la tua sceneggiatura racconti l'orribile storia di un serial killer che insegue e uccide più vittime, perché non incentrare la storia su una singola vittima nella loro casa che guarda i notiziari degli omicidi e poi sente uno scricchiolio del pavimento dall'alto?

In A Quiet Place, non apprendiamo mai come sia successo questo strano evento che apparentemente ha spazzato via gran parte dell'umanità. Tutto ciò a cui assistiamo sono un paio di giorni e notti nella vita dei personaggi.

In una bozza di sceneggiatura minore o in un montaggio finale, avremmo potuto presentare dei fermalibri che spiegano eccessivamente il concetto e la situazione. Avremmo potuto vedere da dove veniva questa famiglia e dove sono finiti. Invece, sperimentiamo solo una piccola finestra di tempo che ci consente di essere coinvolti dalla suspense a portata di mano senza soffrire per i dettagli.

Quando condenserai la portata della storia, troverai più spazio per concentrarti su una storia più serrata e dal ritmo più veloce.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Come possono gli scrittori trovare il tempo per scrivere quando sono a scuola, lavorano a tempo pieno o crescono i figli?

In questi giorni, gli adulti stanno facendo una combinazione di queste tre responsabilità della vita.

È difficile trovare tempo di qualità per la tua passione per la scrittura, per non parlare del perseguimento di una carriera di scrittore. Ma se vuoi davvero perseguire questo sogno di scrittura, devi trovare il tempo, trovare il tempo e abbracciare il tempo per scrivere.

Qui offriamo cinque semplici suggerimenti per trovare il tempo speciale per te stesso di cui hai bisogno per finire quella sceneggiatura, romanzo o racconto.

1. TROVA I REGGILIBRI DEL TUO PROGRAMMA

Non esiste una risposta univoca alla domanda "Quando dovresti scrivere?" Ognuno ha i propri programmi specifici nella vita. Alcuni fanno il turno A, il turno B o il turno C, mentre altri sono in balia dei loro figli e degli orari frenetici che accompagnano la loro crescita.

Ma ognuno ha due reggilibri ai propri giorni: i momenti prima dell'inizio della corsa podistica e quelli dopo.

Se lavori dalle nove alle cinque, forse puoi trovare un'ora in più prima del tuo tragitto giornaliero. Se non sei una persona mattiniera e hai bisogno di dormire, forse puoi guidare dal posto di lavoro a un bar dopo il tuo turno.

Puoi scrivere prima che i bambini si sveglino o dopo che si sono addormentati.

Forse il tuo programma ha più fermalibri mentre passi dalla scuola al tuo lavoro o dal tuo lavoro alla genitorialità.

Qualunque sia il tuo programma, il primo posto in cui cercare il tempo per scrivere è all'interno dei reggilibri del tuo programma giornaliero.

2. DUE GIORNI DI DISTANZA DAI SOCIAL MEDIA, DAI FILM E DAI PROGRAMMI TV

Secondo Social Media Today , la persona media trascorre due ore al giorno sui social media.

Sono due ore di scrittura ogni giorno. Se ti prendi solo due giorni liberi dai social media a settimana, apriresti quattro ore di tempo per scrivere. Questa è una buona settimana di scrittura per iniziare.

Se non sei un fanatico dei social media come la maggior parte della popolazione, probabilmente partecipi a canali di streaming, visione di film e abbuffate di programmi TV. Se scambi la visione di film e TV con la scrittura, anche solo per un giorno o due alla settimana, stai aprendo il tuo programma a molto più tempo creativo.

3. PRENDI APPUNTI SULLA STORIA E SUI PERSONAGGI DURANTE LA GIORNATA

Secondo Inc.com , la ricerca suggerisce che in una giornata di otto ore, il dipendente medio è produttivo solo per due ore e 53 minuti. Poiché sappiamo che lavori sodo, lo arrotonderemo a tre ore per turno di otto ore. L'articolo prosegue affermando che, secondo uno studio condotto su quasi 2.000 impiegati a tempo pieno, la maggior parte delle persone non lavora effettivamente per la maggior parte del tempo in cui è al lavoro.

Le attività improduttive più popolari elencate erano:

Lettura di siti Web di notizie: 1 ora e 5 minuti
Controllo dei social media - 44 minuti
Discutere di cose non legate al lavoro con i colleghi - 40 minuti
Alla ricerca di nuovi lavori — 26 minuti
Fare pause per fumare - 23 minuti
Effettuare chiamate a partner o amici: 18 minuti
Preparare bevande calde — 17 minuti
SMS o messaggistica istantanea: 14 minuti
Mangiare snack - 8 minuti
Preparare il cibo in ufficio - 7 minuti

Sebbene questi numeri rappresentino probabilmente gli estremi, immagina cosa potresti fare con soli venti minuti di appunti durante la tua giornata lavorativa altrimenti "produttiva".

Scrivere non significa sempre creare lunghe descrizioni accompagnate da dialoghi e caratterizzazioni spiritosi. A volte si tratta di raccogliere i tuoi pensieri.

E puoi raccogliere i tuoi pensieri in brevi note su un blocco note o all'interno di app sul tuo telefono.

La storia batte
Tratti caratteriali
Colpi di scena
Giri
Impianti
Guadagni
Note di scena
Note del capitolo

In effetti, potresti delineare un intero atto o capitolo di una storia con brevi elenchi puntati in un solo giorno di lavoro.

Sono cose importanti per il tuo libro, sceneggiatura o racconto.

4. VISUALIZZARE È SCRIVERE

Scrivere, inoltre, non significa solo mettere la penna sulla carta o le dita sui tasti.

La visualizzazione è una parte cruciale del processo. Come puoi comunicare e descrivere un'immagine attraverso la prosa senza prima vederla con gli occhi della tua mente creativa?

Quindi consolati sapendo che non devi scarabocchiare su un pezzo di carta o digitare freneticamente parole sul tuo laptop per scrivere "tecnicamente".

Puoi anche guardare fuori dalla finestra perso nei suoi pensieri mentre dai da mangiare al bambino, prepari il pranzo per i tuoi studenti delle scuole medie o aspetti che venga stampato quel rapporto di lavoro.

Quel lungo viaggio di lavoro può essere il tuo momento magico per inventare la tua storia, i tuoi personaggi e la tua narrativa. Quando ti alleni, fai una passeggiata o corri, o fai un giro in bicicletta, puoi scrivere nella tua testa, creare mondi e personaggi che abitano quei mondi.

Visualizzare è scrivere. Quando metti insieme le cose, puoi annotare quelle note sul tuo taccuino o sul tuo telefono.

5. TROVA BREVI SESSIONI DI SCRITTURA OGNI SETTIMANA

Sì, abbiamo letto tutti gli infiniti aneddoti e consigli di scrittori affermati e iconici. Si svegliano la mattina, fanno colazione, scrivono per otto ore e poi si riposano bene la notte. E lo fanno tutti i giorni della settimana.

La maggior parte delle volte, queste storie sono complete BS.

Certo, se sei uno sceneggiatore o un autore di successo che vende sceneggiature o libri, potresti avere una giornata aperta per scrivere. È fantastico. Ma la maggior parte di coloro che cercano di diventare scrittori professionisti non hanno questo lusso, quindi devono trovare il tempo nei loro programmi per scrivere.

Il primo passo è toglierti quel peso dalle spalle. No, non devi scrivere tutti i giorni. No, non è necessario scrivere per otto ore alla volta per essere produttivi.

Se prendi in considerazione i primi quattro suggerimenti di questo articolo, sei sulla buona strada con la tua storia. Ora è il momento di prendere tutto quel lavoro e metterlo tutto sulla pagina.

Due ore di scrittura, dita contro tasti, possono produrre un'immensa quantità di contenuti. Se hai eliminato i social media dal tuo programma per almeno due giorni alla settimana - e/o il tuo tempo medio di visione di film e programmi TV - puoi dedicare abbastanza tempo per scrivere una buona raffica ogni settimana.

Trova i reggilibri del tuo programma giornaliero per cercare finestre di opportunità per scrivere. Prendi solo un paio di giorni liberi dai social media, dalla visione di film e dalle abbuffate di programmi TV per aprire una quantità sorprendente di tempo all'interno del tuo programma. Concentrati sul prendere appunti durante la giornata per prepararti a scrivere la prosa. Non dimenticare che la visualizzazione è una parte significativa della scrittura. E poi trova quelle brevi sessioni di scrittura almeno un paio di volte a settimana per portare sulla pagina tutto quel contenuto ben concepito e meritato.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Cosa dovrebbe e non dovrebbe esserci nel frontespizio della tua sceneggiatura e perché? Il frontespizio della tua sceneggiatura è la prima cosa che un addetto ai lavori vede quando riceve la tua sceneggiatura. Quella prima impressione pone le basi per quello che stanno per leggere.

Il frontespizio creerà o interromperà la lettura della tua sceneggiatura? No. Ma quando hai a che fare con un settore che è alla ricerca di tutte le bandiere rosse che fanno risaltare la tua sceneggiatura in modo negativo, principalmente come metodo di filtraggio, è meglio tenere conto di tutto e fare del tuo meglio per evitare anche la più piccola delle bandiere rosse.

Ora trattiamo, beh, la copertina della tua sceneggiatura: il frontespizio .

LO SCOPO DI UN FRONTESPIZIO

Un frontespizio offre informazioni generali sulla sceneggiatura.

Il titolo annuncia l'identificatore della tua sceneggiatura, non diverso dal tuo nome che le persone usano per riferirsi a te. È importante perché un grande titolo è anche un fattore di marketing chiave della tua sceneggiatura. Può conquistare qualcuno subito o spegnerlo all'istante.

Le informazioni generali che accompagnano quel titolo, incluso il nome degli scrittori coinvolti, la loro rappresentazione e il loro numero di contatto, sono essenziali per il networking e le informazioni di contatto.

SCRITTO DA

Queste informazioni vengono utilizzate quando l'autore o il team di sceneggiatori ha diritto sia al credito "Storia di" (vedi sotto) che al credito "Sceneggiatura di".

Se c'è mai materiale sorgente preesistente per la sceneggiatura - racconto, romanzo, graphic novel, ecc. - questo credito non può essere utilizzato perché si riferisce al fatto che lo scrittore (i) accreditato è l'autore della storia del film. Il materiale di ricerca, a seconda di quanto viene utilizzato, non priva lo sceneggiatore di questo merito.

Nel complesso, questo è ciò che dovrebbe avere la maggior parte dei frontespizi sotto il titolo effettivo della sceneggiatura (vedere l'esempio alla fine di questo articolo). Le variazioni includono "Di" o "Sceneggiatura di"

STORIA DI

Se qualcuno ha fornito l'idea per la storia della sceneggiatura ma non ha effettivamente scritto la sceneggiatura, dovrebbero essere fornite queste informazioni.

NOME DEGLI SCRITTORI

Tutti gli sceneggiatori che hanno contribuito ad almeno il 33% della sceneggiatura (standard di Writers Guild of America per i crediti sullo schermo) devono essere elencati nelle righe "Written By" e "Story By", a seconda di quale sia applicabile e le relative variazioni.

& CONTRO E

Quando la parola e si trova tra i nomi di due o tre diversi sceneggiatori, quel merito sta identificando due o tre diversi scrittori che sono stati associati al progetto durante bozze separate. In alcuni casi, quegli sceneggiatori avrebbero potuto lavorare insieme per formare la bozza finale, ma di solito questo indica diversi sceneggiatori assegnati in momenti diversi per diverse bozze.

Quando vedi il simbolo della e commerciale tra i nomi degli sceneggiatori, quel simbolo li collega come un team di sceneggiatori.

ORDINE DEI NOMI

I contributori più sostanziali sono solitamente presenti per primi a meno che l'ordine prestabilito non sia dettato in anticipo dai contratti degli sceneggiatori. In caso di dubbio sull'esatta percentuale di contribuzione, o se tale percentuale è ritenuta uguale, i nomi vengono elencati cronologicamente.

RAPPRESENTAZIONE

Se un agente o un manager ti rappresenta, le sue informazioni di contatto dovrebbero essere condivise nell'angolo in basso a sinistra della sceneggiatura. Ciò fornisce all'individuo o all'azienda che legge un riferimento immediato al contatto.

Vuoi sempre essere sicuro di non falsificare queste informazioni. Non commettere gli errori che hanno commesso molti sceneggiatori, fino a creare falsi contatti di rappresentanza o includere nomi reali di aziende, agenti e manager stimati che non ti hanno firmato come cliente.

È sufficiente includere il nome del tuo agente, il nome dell'azienda, l'indirizzo e-mail e il numero di telefono.

INFORMAZIONI DI CONTATTO PERSONALI

Se non hai una rappresentanza, dovresti includere le tue informazioni di contatto personali in modo che chiunque legga il tuo copione possa contattarti in qualsiasi momento.

Il tuo nome, indirizzo email e telefono sono sufficienti.

Non è mai necessario che tu includa il tuo indirizzo postale. In effetti, può ostacolare le tue possibilità di essere preso sul serio se includi un indirizzo fuori dallo stato che non rientra nella portata geografica di Los Angeles. In breve, non vuoi dare loro un motivo per passare. Lascia che si innamorino della tua sceneggiatura prima di dare loro la notizia che in realtà non vivi a Los Angeles.

Anche se non vivere lì non è un problema, può influire sulla priorità della lettura. La maggior parte delle aziende, degli agenti e dei manager desidera o ha bisogno di lavorare con scrittori disponibili per riunioni in un batter d'occhio. Ci sono sicuramente soluzioni alternative per gli sceneggiatori fuori città, ma, ancora una volta, lascia che si innamorino prima della tua sceneggiatura.

Indipendentemente da ciò, non è necessario che il tuo indirizzo postale sia su quella pagina del titolo. È il segno di un dilettante, e non è la prima impressione che vuoi fare.

Prima che Internet e la posta elettronica fossero prevalenti, sì, c'era una valida ragione per includere il tuo indirizzo postale. Ma l'industria non usa più la posta ordinaria per spedire copioni o inviare corrispondenza.

NON INCLUDERE NOMI PERSONALI DI "SOCIETÀ DI PRODUZIONE".

Questo è un errore comune che vediamo non solo sui frontespizi ma anche sugli account dei social media, sui curriculum e sui profili LinkedIn.

Una società di produzione è una società di produzione quando produce e distribuisce film e spettacoli reali. Non ti qualifica automaticamente come proprietario di una società di produzione quando lo inserisci semplicemente su script e profili.

E certamente non aiuta la tua situazione includendo il nome di una società di produzione sul frontespizio per farlo sembrare ufficiale e controllato quando l'insider del settore cerca la società di produzione su IMDBPro e non vede crediti ufficiali.

Anche se hai prodotto alcuni cortometraggi, o forse anche un lungometraggio senza budget, non fa bene a te o alla tua sceneggiatura includere il nome di una società di produzione non stabilita sul frontespizio.

NON SONO NECESSARI NUMERI DI REGISTRAZIONE WGA O NUMERI DI COPYRIGHT

Questi sono più segni di un dilettante. Non vi è alcun uso applicabile per l'inclusione dei numeri di registrazione della Writers Guild of America o del copyright degli Stati Uniti nella pagina del titolo della sceneggiatura. (o SIAE per l'Italia)

Agli addetti del settore non importa se il materiale è registrato o meno.

Questi numeri vengono utilizzati solo a fini giudiziari o arbitrali. Non hanno alcun significato legale sul frontespizio.

NON INCLUDERE LE DATE DELLE BOZZE NEI FRONTESPIZI DEGLI SCRIPT DELLE SPECIFICHE

L'unico motivo per cui dovresti avere una data della bozza della sceneggiatura sul margine inferiore destro del frontespizio è se stai scrivendo su un incarico e devi indicare quando è stata scritta l'ultima bozza.

Le sceneggiature specifiche - sceneggiature scritte con la speculazione che verranno vendute - non dovrebbero avere date di bozza. Perché? Principalmente perché ci vuole così tanto tempo prima che la maggior parte degli script delle specifiche arrivi agli addetti ai lavori del settore che non vuoi datare il tuo script in alcun modo, forma o forma. Se hai scritto la sceneggiatura nel 2008 e ora è il 2020, questa è una piccola bandiera rossa che potrebbe far chiedere al contatto: " Perché questa sceneggiatura non è stata ripresa in 14 anni?"

E anche se sono solo un paio d'anni dalla data attuale, sono solo informazioni che non è necessario includere. Insomma, è uno spreco di spazio.

NESSUN LOGLINE O SLOGAN

Una logline è uno strumento di vendita per la tua sceneggiatura: uno schema di una frase del tuo film che utilizza solo 35-45 parole.

Uno slogan è breve (da tre a dieci parole) e viene utilizzato come strumento su poster e pubblicità, sempre scritto dallo staff di marketing dello studio di produzione o da un copywriter professionista di un'agenzia pubblicitaria.

Lo slogan di Alien è: Nello spazio nessuno può sentirti urlare.

La trama di Alien è: dopo che una nave mercantile spaziale ha percepito una trasmissione sconosciuta come una richiesta di soccorso, il suo atterraggio sulla luna sorgente trova uno dei membri dell'equipaggio attaccato da una misteriosa forma di vita, e presto si rendono conto che il suo ciclo di vita è appena iniziato.

Né un logline né uno slogan dovrebbero essere presenti sulla tua pagina del titolo.

Lo slogan non è il tuo lavoro da scrivere, e il logline è qualcosa che hanno già all'interno dell'e-mail di richiesta che hai inviato o attraverso la corrispondenza della tua rappresentazione.

NESSUNA IMMAGINE

Anche se la maggior parte dei contatti nel settore non stampa regolarmente i copioni (la stampa di frontespizi con immagini richiede molto inchiostro), non dovresti mai includere immagini nei frontespizi.

Ci sono certamente prove del contrario, ma sceneggiatori molto affermati hanno scritto la maggior parte di quelle sceneggiature di successo che utilizzavano immagini sui loro frontespizi.

Non c'è motivo di includere immagini.

TUTTAVIA, PUOI UTILIZZARE I CARATTERI DEI TITOLI CREATIVI

Contrariamente alla credenza popolare, puoi essere creativo e offrire una scelta di caratteri stilistici per il titolo effettivo della tua sceneggiatura.

L'unica preoccupazione è che deve essere leggibile. La maggior parte dei lettori apprezza un carattere interessante. Rappresenta una pausa dalla monotonia di ciò che guardano giorno dopo giorno. Ed è l'unica opportunità di creatività sul frontespizio. Assicurati solo che le dimensioni non siano eccessive e che il tipo di carattere non sia oltraggiosamente difficile da leggere.

IN CASO DI DUBBIO, MANTIENILO SEMPLICE

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Ho scritto con partner di scrittura professionalmente molte volte nella mia carriera di sceneggiatore. Solo un paio di quelle volte sono state esperienze positive. Scrivere con un partner è un impegno enorme. Ti sforzi di condividere la stessa visione. E non è facile da realizzare quando hai due menti creative che cercano di lavorare insieme.

Questo non vuol dire che non sia una buona idea lavorare con un partner di scrittura. Molti duetti di sceneggiatori hanno prosperato con grande successo. Dico solo che è dura.

Con questo in mente, ecco alcune linee guida e suggerimenti da considerare prima di decidere di assumere un partner di sceneggiatura per il tuo prossimo progetto.

CONOSCI IL MOTIVO SBAGLIATO PER COLLABORARE CON UN ALTRO SCENEGGIATORE

Molti sceneggiatori alle prime armi si rivolgono a partner di scrittura per le ragioni sbagliate . In cima a quella lista di motivi sbagliati c'è usarli come stampella.

Non vuoi fare affidamento su un partner di scrittura perché hai problemi a scrivere la tua sceneggiatura. Non è una buona ragione. È orribile, in realtà.

Non posso dirti quante richieste ho dovuto collaborare con gli sceneggiatori perché avevano problemi. La mia risposta a loro è di solito:

"Bene sì. Fa parte del processo. Scoprilo. Trova il tuo percorso e il tuo processo. Non hai bisogno di me. Non imbrogliare te stesso usando qualcun altro come stampella. I tuoi fallimenti e le tue lotte sono l'unico modo per crescere come sceneggiatore. Abbracciali.

IL MOTIVO GIUSTO PER FARLO

Se tu e un tuo coetaneo avete una passione condivisa per una storia e condividete la stessa passione per i tipi di storie che piacciono a entrambi, siete sulla strada giusta. I duetti di sceneggiatori di maggior successo sono entrati nel business insieme. Hanno iniziato in coppia.

Pochi sceneggiatori professionisti sono passati dal successo individuale a un ulteriore successo come parte di una coppia di sceneggiatori. Pochissimi.

Ma se stai salendo la scala con qualcuno al tuo fianco (fratelli, migliore amico, compagno di scuola di cinema, coetaneo), allora può essere un ottimo rapporto di collaborazione se condividi le stesse passioni .

Non cercare un partner per la sceneggiatura perché ne hai bisogno per aiutarti a raccontare la tua storia. Scegli di collaborare con qualcuno perché non puoi immaginare di raccontare quella storia senza di loro. C'è una differenza.

SCEGLI IL TUO PARTNER CON SAGGEZZA

Se sei ancora "verde" e c'è ancora tempo per collaborare con qualcuno, scegli saggiamente il tuo partner .

Discutere con un partner sceneggiatore è spesso necessario e può portare a un ottimo materiale. Tuttavia, molti sceneggiatori arrivano con il bagaglio della propria visione e un po' di ego. E l'ego è veleno in una collaborazione di scrittura.

Quando uno si sente più in alto dell'altro, che le intenzioni siano positive o meno, non funzionerà. Porterà a litigi inutili, mancanza di compromessi e risentimento.

Quindi scegli saggiamente il tuo partner.

Trova qualcuno con cui ti senti a tuo agio a discutere.
Trova qualcuno che rispetti la tua prospettiva.
Trova qualcuno che ascolti tanto quanto parla.

Se c'è qualche dubbio nella tua mente, non collaborare con loro. Deve davvero essere una partita fatta in paradiso. Dovrebbe sembrare che dovrebbe essere.

PROVALO PRIMA DA SOLO

Se non sei salito sulla scala con qualcun altro durante il tuo viaggio di sceneggiatore, fallo da solo . Non aver paura di accettare la sfida. Concediti alcune sceneggiature prima di cercare un partner per la sceneggiatura.

Chiediti perché hai bisogno di qualcun altro lì con te?
E non dimenticare anche la logistica di un partner per la sceneggiatura. Sei pronto a dividere eventuali vincite in denaro del concorso o a contrarre denaro con qualcuno? La maggior parte dei contratti introduttivi per i nuovi arrivati sono a cinque cifre basse. Sei disposto a rinunciare a quei soldi se e quando qualcuno avrà una possibilità con te?
Cosa succede se l'altra persona ottiene un lavoro di sceneggiatura da sola e non ti porta con te? Puoi scrivere una sceneggiatura da solo? E se volessi andare da solo? Sarai in grado di liberarli?

Questi sono i tipi di domande che devi porti.

Se hai iniziato questo viaggio da solo, considera di continuare in quel viaggio da solista e sviluppa le tue capacità, la tua voce e il tuo processo.

Se sei salito la scala con qualcuno ed entrambi non potete nemmeno immaginare di scrivere qualcosa senza l'altro, allora saprai che la tua collaborazione è il destino.

In tal caso, ecco alcuni semplici suggerimenti da considerare mentre sviluppi il processo di scrittura del tuo duo di sceneggiatori.

5 SUGGERIMENTI PER IL PROCESSO DI COPPIA DI SCENEGGIATORI

SUGGERIMENTO N. 1: DISCUTI I TUOI PUNTI DI FORZA E DI DEBOLEZZA

Uno di voi è probabilmente più forte in un'area rispetto all'altro. E viceversa. Prima ancora di pensare di scrivere insieme, dovresti identificare e parlare apertamente di questi punti di forza. E dovresti sentirti a tuo agio anche nel condividere le tue debolezze.

Se non sei d'accordo su chi è più forte in quale area, non dovresti scrivere partner. Non vale la pena.

SUGGERIMENTO N. 2: SCEGLI IL TUO PROCESSO

Scegli il tuo processo.

Hai intenzione di dividere le scene e dividerle l'una con l'altra?
Farai in modo che uno scrittore si concentri sui dialoghi mentre l'altro si concentri sulle immagini (descrizioni delle scene, luoghi, ecc.)?
Darai la libertà di porre il veto sul lavoro degli altri?

Quale sarà il tuo processo? Questo deve essere discusso molto prima ancora di iniziare a sviluppare una sceneggiatura.

SUGGERIMENTO N. 3: DIVIDERE I COMPITI

La scelta del processo è il primo passo. Decidere chi affronterà ogni elemento di quel processo è il prossimo.

Devi entrare nel processo di scrittura sapendo chi gestirà cosa.
Devi dividere tutto.
Devi essere d'accordo su chi ottiene cosa e perché.

Tutto questo dovrebbe essere discusso a lungo prima di iniziare a sviluppare una sceneggiatura.

SUGGERIMENTO N. 4: LE DOMANDE DEVONO VENIRE CON LE SOLUZIONI

Trova soluzioni alle domande e alle preoccupazioni che sollevi quando leggi il lavoro del tuo partner.

È molto facile separare la scrittura di qualcun altro.

Non è facile sviluppare più soluzioni ed elaborare perché sono migliori della versione originale.

Fai il lavoro difficile se hai intenzione di mettere in discussione una qualsiasi delle scelte del tuo partner.

Avere soluzioni e opzioni pronte, con un'elaborazione completa per sostenerle. Non può essere solo che tu pensi che la tua strada sia migliore. Devi essere in grado di spiegare perché è meglio. E devono essere in grado di fare lo stesso con il tuo lavoro.

E, sì, entrambi dovete essere in grado di farlo da una prospettiva positiva.

Ascoltatevi l'un l'altro.
Rispettatevi a vicenda.
Scegli le tue battaglie con saggezza.

SUGGERIMENTO N. 5: OGNI SCRITTORE RICEVE UNA BOZZA

Quando hai finito con la sceneggiatura e stai facendo la prima bozza di lucidatura prima di condividere la sceneggiatura con qualsiasi contenuto, associazione o insider del settore, consenti a ogni scrittore di avere un passaggio alla sceneggiatura.

Taglia le scene.
Espandi le scene.
Rimuovi le scene.
Riscrivi il dialogo.
Modifica dialogo.
Elimina il dialogo.
Taglia la descrizione della scena.
Aggiungi la descrizione della scena.
Elimina la descrizione della scena non necessaria.

Consenti una bozza polacca per ogni scrittore, una che non è pronta per un dibattito importante. Certo, puoi esaminare e coprire alcuni punti di discussione. Ma dovete darvi reciprocamente la possibilità di permettervi di dire qualcosa sull'intero copione, non solo sulle parti assegnate.

Quando lo fai, vedrai che un paio di occhi in più sull'intera sceneggiatura può essere utile, per cose grandi e piccole cose.

SUGGERIMENTO BONUS: SCEGLI UN CAPO PROGETTO

Decidi quale sceneggiatore avrà l'ultima parola. Se hai intenzione di scrivere insieme più volte, puoi alternare chi ha l'ultima parola in ogni questione. Ogni progetto ha bisogno di un project manager. Assegna quel vantaggio prima di iniziare. Aiuterà a lungo termine.

Questo non significa che non puoi dibattere e discutere. Dovresti. Ma se non sei d'accordo su qualcosa, avrai bisogno di qualcuno che finalmente decida - o avrai bisogno di qualcuno che dica:

"Okay, se non vogliamo andare per la mia strada o per la tua, dobbiamo trovare un terzo compromesso che funzioni."

Ed è quello che può fare un capo progetto. Aiutano a guidare la nave verso le acque più calme del compromesso.

di Ken Miyamoto per screencraft.org

Potresti trovare questo ironico o contraddittorio proveniente da un blog di sceneggiatori, ma la verità è che forse il modo più dannoso per gli sceneggiatori di imparare il mestiere è seguire il processo di sceneggiatura di esperti, guru e persino sceneggiatori di Hollywood di successo.

Mi permetta di spiegare.

UN PROCESSO DI SCENEGGIATURA È COME UNA DIETA

Ogni sceneggiatore deve creare un processo di scrittura che coinvolga struttura e disciplina, non diverso da quello che serve a qualcuno per implementare un programma di perdita di peso e una dieta.

Ma cosa abbiamo imparato sulle diete negli ultimi due decenni? Nessuna singola dieta funziona per tutti. Proprio come abbiamo tutti diversi tipi di corporatura, metabolismo, budget, disciplina, bisogni e desideri quando si tratta di un piano di perdita di peso, gli sceneggiatori hanno tutti stili di scrittura, preferenze, programmi di scrittura, disciplina, bisogni e desideri diversi quando si tratta di la loro sceneggiatura.

Ed è difficile per gli sceneggiatori creare un processo di sceneggiatura disciplinato e strutturato perché è come una dieta. Si deve:

Sii disciplinato
Devi fare cose che non ti piace fare
Non puoi mangiare quello che vuoi mangiare

È la stessa cosa con la scrittura di una sceneggiatura e la tua carriera di sceneggiatore nel suo insieme.

Devi svolgere il lavoro di front-end di concept, storia e sviluppo del personaggio.
Per scrivere la sceneggiatura in modo efficace, devi disciplinarti con obiettivi e scadenze.
Devi tagliare scene e personaggi che ami dalla tua sceneggiatura per creare una bozza compatta e più mirata.

Proprio come una singola dieta non funziona per tutti, né un singolo processo di sceneggiatura, anche se è annunciato da esperti, guru e sceneggiatori di Hollywood di successo.

In breve, solo perché funziona per loro non significa che funzionerà anche per te.

Con questo in mente, ecco tre semplici passaggi per sviluppare il tuo processo di sceneggiatura di successo.

1. SCEGLI I CERVELLI DEGLI ESPERTI, DEI GURU E DEGLI ADDETTI AI LAVORI DI HOLLYWOOD

Devi ricercare il tuo mestiere. E quando lo fai, devi gettare una rete ampia, invece di seguire le direttive di una singola persona che hai scoperto o ammirato.

Non ti serve scegliere il primo processo di scrittura che trovi e seguire quei passaggi e le direttive all'interno.

Uno dei libri di sceneggiatura più popolari è Save the Cat!. Una generazione di sceneggiatori ha utilizzato questo libro e la sua strada beat come processo di sceneggiatura. Tuttavia, come qualsiasi formula o battuta, le pratiche "provate" all'interno possono essere altrettanto facilmente confutate.

Ancora una volta, nessuna singola "dieta" funziona per tutti.

Quindi la tua missione continua durante il tuo viaggio di sceneggiatore dovrebbe essere quella di leggere e ingerire quanti più articoli , libri e interviste di esperti / guru / addetti ai lavori che puoi. C'è una ragione per cui la maggior parte di queste persone, in particolare gli sceneggiatori di Hollywood di successo, sono considerati autorità in materia di sceneggiatura.

Alcuni provengono dallo sviluppo dello studio.
Altri provengono dal mercato indipendente.
Gli sceneggiatori di successo di Hollywood stanno dove vorresti essere un giorno.

E non si tratta nemmeno di trovare un processo all'interno di quel gruppo che implementi al 100% nel tuo processo di sceneggiatura. Si tratta più di scegliere ciò che risuona meglio con te.

Potrebbe piacerti il modo in cui un processo gestisce la storia e lo sviluppo del personaggio, ma il resto è per gli uccelli.
Potresti non apprezzare la maggior parte di ciò che leggi in un libro, ma trovare una singola pepita di saggezza che risuoni con il tuo stile.

Quali libri di sceneggiatura dovresti leggere?

Leggili tutti.
Trova ciò che risuona di più con te.
Crea il tuo ibrido.

2. FAI UN FAVORE A TE STESSO DEL FUTURO ALLENANDOTI A SCRIVERE COME UN PROFESSIONISTA

Come sceneggiatore di Hollywood, devi imparare a scrivere rispettando scadenze rigorose.

Il contratto standard per un incarico di sceneggiatura prevede generalmente che lo sceneggiatore avrà solo dalle dieci alle dodici settimane per finire la prima bozza.

Ciò significa che potresti avere meno di tre mesi per scrivere una sceneggiatura dall'inizio alla fine. Ed ecco l'altro problema: se ciò che dai non è all'altezza delle loro aspettative, puoi e sarai sostituito rapidamente. Quella prima bozza deve essere sorprendente e devi imparare a scrivere una bozza eccezionale entro tre mesi, una bozza che è l'equivalente di quella che considereresti una bozza finale nel tuo normale processo di sceneggiatura, scrivendo da solo senza scadenze contrattuali.

Per metterlo in una prospettiva professionale ancora più specifica, sappi che il contratto a carattere generale che ti verrà dato prevederà varie fasi di pagamento. Quindi, se ti è stato offerto un importo X, non essere troppo eccitato perché l'importo del contratto si divide in livelli di bozza.

Ecco una ripartizione del pagamento di un contratto, basata esclusivamente sulle disposizioni minime della gilda per le società firmatarie WGA (le società non firmatarie non devono conformarsi a questo).

Quindi, come puoi vedere, ci sono molte volte all'interno di un contratto generale in cui lo scrittore può essere sostituito e perdere l'importo in dollari inizialmente offerto.

Con le scadenze, avrai dalle dieci alle dodici settimane per finire quella prima bozza, sì. Ma per le bozze finali, le riscritture e le rifiniture (SE vieni trattenuto per quelle), le scadenze generalmente scendono a sole due settimane per ciascuna.

Quindi, inutile dirlo, devi imparare a scrivere entro tali scadenze.

I giorni in cui ci sono voluti quattro, cinque, sei mesi o oltre per finire quella sceneggiatura devono essere finiti proprio ora mentre leggi questo se vuoi allenarti per diventare uno sceneggiatore professionista. Non puoi semplicemente aspettare di essere in quella posizione e aspettarti di imparare dalla prova del fuoco. Una volta che fallisci sotto quella pressione, il ponte per cui hai lavorato così duramente verrà bruciato e la tua reputazione per altri potenziali lavori vacillerà.

Quindi inizia a creare qualsiasi processo di sviluppo e scrittura di cui hai bisogno per completare la prima bozza in non più di tre mesi, e poi solo una o due bozze aggiuntive entro due settimane per ciascuna.

Una volta che inizi a imporre quelle scadenze standard del settore, puoi prendere il processo di sceneggiatura che hai creato dal passaggio n. 1 e applicarlo ai confini delle inevitabili strutture, esigenze e desideri del settore per creare il tuo processo di sceneggiatura professionale evoluto. E quando lo fai da solo, sarai anni luce avanti rispetto alla maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi e sconosciuti.

3. ADATTA IL TUO PROCESSO DI SCENEGGIATURA A OGNI SCENEGGIATURA CHE AFFRONTI

Cambiare il tuo processo di scrittura con ogni storia che scrivi ti aiuterà a evitare l'autocompiacimento, evitare la noia e creare una diversa comprensione del mestiere di cui hai bisogno per avere successo come scrittore professionista.

Margaret Atwood - famosa autrice di The Handmaid's Tale e del suo sequel più venduto The Testaments - ha parlato con Entertainment Weekly del suo processo di scrittura, dove ha rivelato una posizione sorprendente sull'argomento.

"Ecco un segreto profondo e oscuro che ho intenzione di condividere con te: tutti quelli che continuano a parlare del loro processo di scrittura probabilmente lo stanno solo inventando perché in realtà non riesci a ricordare molto di come hai scritto le cose, a meno che tu non stia una persona molto meglio organizzata di me.[Il mio processo] è sciare giù per una collina.Quando scendi da una collina, cerchi di non cadere e prendi automaticamente molte decisioni inconsce. Non stai pensando a loro perché se lo fai, cadrai".

Ecco i motivi per cui dovresti cambiare il tuo processo di sceneggiatura ogni volta che inizi una nuova storia.

PER EVITARE L'AUTOCOMPIACIMENTO

Quando sei a tuo agio, sei compiacente. E quando sei eccessivamente compiacente, non stai sfidando quei muscoli creativi.

Un bodybuilder non esegue gli stessi pochi esercizi ogni giorno. Perché? I muscoli si conformano ai movimenti. Si adattano alle attività che si ripetono più e più volte. L'ipertrofia muscolare si verifica quando le fibre all'interno dei muscoli sono ferite o danneggiate. Il tuo corpo ripara quelle fibre danneggiate fondendole insieme. Questo è ciò che aumenta la massa e le dimensioni dei tuoi muscoli.

Quando il tuo corpo si abitua agli stessi esercizi eseguiti più e più volte, le fibre non vengono sfidate e certamente non cresceranno. Lo stesso si può dire per i tuoi muscoli creativi. Non stai sfidando quei muscoli creativi se scrivi sempre nello stesso posto, con gli stessi stimoli, mentre usi lo stesso processo di scrittura. E lo stesso si può dire per le scelte che stai facendo. Se sei soddisfatto dei generi in cui scrivi, non stai sfidando la tua immaginazione e le tue capacità di narrazione. E quando non metti alla prova te stesso, non sei in grado di crescere come scrittore.

Scrivi in una nuova posizione per ogni storia o hai più posizioni tra cui scegliere durante il processo di scrittura. Gli stimoli intorno a te ti guideranno inconsciamente verso diverse decisioni creative. Anche la musica che ascolti quando scrivi dovrebbe essere diversa ogni volta. L'autocompiacimento può uccidere il tuo potenziale di scrittore. Cambia il tuo processo di scrittura con ogni storia per costruire quei muscoli creativi.

PER EVITARE LA NOIA

Le vecchie abitudini sono dure a morire. Il pensiero di cambiare il tuo processo di scrittura può essere intimidatorio, ma è necessario. Cosa c'è di peggio dell'autocompiacimento per uno scrittore? Essere annoiato. Per concepire, sviluppare e scrivere una storia avvincente e coinvolgente, hai bisogno di energia ed entusiasmo. L'energia e l'entusiasmo si traducono attraverso il materiale al lettore o al pubblico.

Qualsiasi lettore o editore di sceneggiature può sentire quando uno scrittore è - o non è - appassionato di ciò che sta scrivendo. E se non c'è passione presente, nessun rischio corso e nessuna energia evidente tra le righe, la tua storia non genererà molto interesse. Sembrerà uno sforzo dipinto con i numeri.

Cambiare il tuo processo di scrittura ti manterrà entusiasta della scrittura. Ti sfiderà in molti modi diversi. Se sei abituato a delineare molto, immagina l'emozione di entrare in una storia con una preparazione minima o nulla. Se sei abituato a fare molte ricerche, considera di adottare un approccio essenziale o pensa di concentrarti su una storia più personale che non richieda le informazioni esterne fornite dalla ricerca. Se sei abituato a rispondere a tutte le domande difficili sulle tue storie e sui tuoi personaggi, immagina come sarebbe scoprire quelle risposte in modo organico mentre scrivi. E sì, se non delineate, ricercate o capite mai le vostre storie prima di iniziare il vostro processo di scrittura, forse è il momento di considerare di dedicare quel lavoro extra per focalizzare maggiormente le vostre storie e i vostri personaggi.

La noia ucciderà la tua creatività. Non vuoi mai pensare alla scrittura come a un lavoro in cui arrivi alla stessa catena di montaggio, timbra il cartellino, svolgi gli stessi compiti che svolgi giorno dopo giorno, e poi timbra il cartellino dopo, solo per ripetere lo stesso schema ogni giorno che scrivi Avere. Non è questo lo scopo della scrittura. Cambia il tuo processo di scrittura con ogni storia e vedrai la differenza nel modo in cui ti senti e nel modo in cui il lavoro si traduce per il lettore o il pubblico.

PER CREARE UNA DIVERSA COMPRENSIONE DEL MESTIERE

Ci sono molti modi per scrivere storie meravigliose e sorprendenti. Non esiste un singolo processo di scrittura creativa che ti porti chiarezza o successo. Storie diverse richiedono strumenti e pratiche diversi.

Se sei un romanziere, le scadenze varieranno e le esigenze del tuo processo di scrittura cambieranno una volta che gli editori se ne accorgeranno e ti prepareranno per quel settore.
Se sei uno sceneggiatore, gli incarichi di scrittura sono il pane quotidiano della tua carriera. Dovrai essere in grado di adattarti a molte diverse personalità di produzione e regia. Alcuni avranno bisogno di rapide riscritture al volo. Altri vorranno abbattere meticolosamente ogni parola che scrivi e come la scrivi.

Quando cambi il tuo processo di sceneggiatura con ogni storia che affronti, costruisci un set di strumenti diversi che puoi portare in qualsiasi situazione. Se un editore o un produttore vede che puoi adattarti a una data scadenza, vincolo o collaborazione, le tue azioni come scrittore affidabile non faranno che aumentare.

Creare il proprio processo di sceneggiatura è un must. Non puoi fare affidamento sulle pratiche degli altri. Perché? Perché non sono te . Hai diverse simpatie, antipatie, abitudini, punti di forza, debolezze, stili di vita, situazioni familiari, limiti di tempo, tempo libero, ecc.

Trova il tuo processo di sceneggiatura e il tuo viaggio.

di Ken Miyamoto per screencraft.org

Ci sono molti modi in cui uno sceneggiatore può avvicinarsi alla strutturazione di una sceneggiatura. Inutile dire che la giusta misura dipende dallo scrittore. Una taglia non va bene per tutti. Le strutture formulaiche che si trovano in innumerevoli libri di testo e teorie sulla sceneggiatura sono pensate per essere utilizzate come strumenti per aiutare a guidare gli scrittori attraverso il viaggio dei loro personaggi. Alcuni scrittori evitano l'idea della struttura come nemica dell'espressione creativa, ma non è sempre tutto qui.

Una cosa che molti scrittori cercano di evitare è il consolidamento: non sempre vogliono portare le loro idee in forma ridotta. Questo può essere ancora più vero per coloro che si sono trovati costretti a scrivere una logline. Lo so, la tua idea è speciale. Non può essere scomposto in elementi così essenziali, perché c'è molto di più, giusto? Sbagliato. Ogni storia ha un cuore, ed è a questo che arriva il logline.

Molti creativi usano i termini "Narrazione" e "Voce fuori campo" in modo intercambiabile e, date le definizioni di cui sopra, chi potrebbe biasimarli? Sembrano essenzialmente la stessa cosa. Tendo a pensarla in questo modo: Voiceover è più un dispositivo per la realizzazione di film, mentre Narration è più un dispositivo per la narrazione. Ogni volta che la voce di un personaggio di una scena viene sovrapposta ad un'altra scena, è Voiceover.

Lo sviluppo del personaggio è uno dei compiti più difficili che uno sceneggiatore deve affrontare quando si siede a scrivere. Tuttavia, ScreenCraft ha recentemente tenuto un panel virtuale che ha presentato alcuni dei più grandi successi della TV e del cinema e hanno condiviso alcuni consigli di livello esperto su come creare personaggi dimensionali, intriganti e stimolanti.

Qual è la differenza tra scrivere una sceneggiatura animata e una sceneggiatura live-action e cosa dovrebbero sapere gli sceneggiatori sull'intraprendere una carriera nella scrittura di animazione?

Scrivere sceneggiature di lungometraggi e perseguire una carriera come sceneggiatore di lungometraggi è un viaggio piuttosto semplice quando lo rompi. Ma scrivere sceneggiature animate e perseguire una carriera nell'animazione aggiunge ulteriori elementi al viaggio. Le sceneggiature devono essere leggermente diverse e l'approccio alla carriera presenta sfumature aggiuntive di cui devi essere a conoscenza.

Qui offriamo una semplice guida per informarsi e comprendere queste sfumature.

COME INIZIARE NELL'ANIMAZIONE

CONSIDERA L'IDEA DI DIVENTARE UN ANIMATORE

C'è una verità ineludibile che provare a vendere sceneggiature di animazione su specifica (scrivendole con la speculazione che le venderai a qualcuno) può essere molto più difficile che provare a vendere una sceneggiatura specifica destinata a essere un lungometraggio dal vivo.

Le case di animazione di solito sviluppano progetti animati dall'interno. E quei progetti sono solitamente sviluppati da animatori. L'animazione è il mezzo di un animatore. Non c'è modo di evitarlo.

Quindi, prima di iniziare a perseguire una carriera nella scrittura per l'animazione, considera di provare a diventare tu stesso un animatore. Questo è il modo più semplice e diretto per scrivere animazioni.

Puoi conseguire una laurea in animazione o computer grafica.
Disney offre programmi di tirocinio per studenti universitari e offre opportunità di crescita entry-level per neolaureati e nuovi arrivati nel settore dell'animazione.
E ci sono anche molte altre opportunità online.

Ma non preoccuparti, anche i non animatori sono riusciti a scrivere animazioni.

Aphton Corbin, Story Artist alla Pixar

SALTO DAL LIVE-ACTION ALL'ANIMAZIONE

Sì, essere un animatore ti aiuta dieci volte quando si tratta di scrivere sceneggiature animate che vengono prodotte. Tutti i titani della Pixar (Unkrich, Lasseter, Docter, Stanton) hanno iniziato nell'animazione prima di scrivere i più grandi successi della Pixar. Ma questo non significa che essere un animatore sia l'unica via d'uscita.

Dopo essersi laureato al college, lo sceneggiatore premio Oscar Michael Arndt ha iniziato come lettore di sceneggiature per società di produzione. Poi è diventato l'assistente a tempo pieno dell'attore di Hollywood Matthew Broderick. Nel 1999, ha deciso di dedicarsi alla sceneggiatura a tempo pieno.

Arndt ha scritto e rivisto la sceneggiatura di Little Miss Sunshine nel corso di un anno. Ha portato la sceneggiatura a un produttore e ha finito per venderla per $ 250.000. La sceneggiatura è stata quindi in fase di sviluppo per alcuni anni fino a quando non è stata finalmente prodotta, ottenendo il plauso della critica, il successo al botteghino e un Oscar per Arndt.

La Pixar ha quindi assunto Arndt per scrivere la sceneggiatura di Toy Story 3, basata sul trattamento di Andrew Stanton. È stato candidato all'Oscar per la migliore sceneggiatura adattata.

Se scrivere per l'animazione è il tuo sogno, ma non vuoi diventare un animatore per farlo, ci sono opzioni. Puoi impressionare una casa di animazione con un successo live-action o con una forte animazione e sceneggiature live-action come campioni.

"Toy Story 3"

PERCHÉ LA TUA SCENEGGIATURA DOVREBBE ESSERE ANIMATA?

Troppi sceneggiatori hanno inviato sceneggiature agli studi di animazione senza l'intenzione iniziale di creare una storia nata per l'animazione. L'animazione non è un ripiego o un'opzione secondaria per il marketing della tua sceneggiatura.

Ma forse dovresti considerare di scrivere per l'animazione .

Devi esplorare ciò che l'animazione può apportare alle tue sceneggiature e alle tue storie. Devi chiederti perché la tua sceneggiatura dovrebbe essere animata e perché dovresti rivolgerti a case di animazione e produttori. Una delle prime cose che ti chiederanno è: "Perché questo dovrebbe essere un film d'animazione?"

Le migliori opzioni di genere per l'animazione includono:

Fantasia
Fantascienza
Adattamenti di libri per bambini
Adattamenti comici

L'animazione può dare vita a questo tipo di storie in un modo che l'azione dal vivo non può fare, anche al giorno d'oggi della CGI. Il mezzo consente a immagini e immagini creative e stilistiche di prendere vita - immagini e immagini che non si tradurrebbero altrettanto bene in live-action. E alcuni che non sarebbero possibili in live-action.

Ci deve essere una ragione, però. Deve esserci un tono comunicabile sul motivo per cui la tua storia è perfetta per l'animazione. L'animazione non può essere solo un'opzione di marketing per la tua sceneggiatura.

FORMATTAZIONE DELLA SCENEGGIATURA: LIVE-ACTION VS. ANIMAZIONE

Il formato iniziale della sceneggiatura dell'animazione non è diverso da quello che vedresti con una sceneggiatura di un film dal vivo.

Utilizzi gli stessi elementi fondamentali del formato della sceneggiatura:

Intestazione della scena
Descrizione scena
Nomi dei personaggi per il dialogo
Dialogo

Estratto della sceneggiatura da 'Toy Story 3'

E puoi aspettarti lo stesso anche scrivendo episodi di serie TV animate.

Tuttavia, ci sono sfumature di base che dovresti considerare di aggiungere alle tue sceneggiature animate.

DESCRIZIONE DEL PERSONAGGIO VISIVAMENTE MIGLIORATA

Questo richiama il fatto di mostrarci perché la tua sceneggiatura dovrebbe essere un film d'animazione. Quando presenti i tuoi personaggi all'interno della sceneggiatura, cerca opportunità per aggiungere un tocco visivo.

Forse il tuo personaggio ha:

Grandi occhi
Grandi orecchie esagerate
Una cornice estremamente piccola
Abiti dai colori vivaci

È bello avere solo una riga o due di descrizione che urla l'animazione. Tuttavia, non vuoi oltrepassare i tuoi limiti. È il mezzo di un animatore. Gli animatori porteranno la tua sceneggiatura a livello di animazione con il loro design dei personaggi, ma puoi offrire un paio di tratti generali su cui lavorare.

DESCRIZIONE DELLA SCENA SENZA LIMITI

Il bello di scrivere per l'animazione è che tutto è possibile. Non devi più preoccuparti dei vincoli delle funzionalità live-action, dove puoi (e dovresti) preoccuparti di avere troppi luoghi esotici, sequenze d'azione irrealistiche, ecc.

Andare fuori di testa. Esplora e crea mondi vibranti. Metti i tuoi personaggi attraverso cerchi e ostacoli che l'azione dal vivo non consentirebbe. Crea mondi che gridano per l'animazione ed entusiasmano gli animatori. Dai loro una ragione non solo per voler accettare la sfida di dare vita a un mondo così unico e originale, ma fagli sentire il bisogno di farlo creando qualcosa di così unico e speciale.

PUNTELLI E VEICOLI FANTASTICI

Non aver paura di essere strano e strano. Riempi il tuo mondo di cose che non abbiamo mai visto prima o variazioni diverse ed esagerate di ciò che abbiamo visto. Gli animatori possono creare qualsiasi cosa tu immagini.

Una normale sceneggiatura live-action direbbe semplicemente auto. Puoi portarlo al livello successivo con una o due righe aggiuntive di descrizione per acquisire una visuale migliorata.

Il film Lego 2

COSA TENERE A MENTE MENTRE CREI LA TUA STORIA

LEGGI MOLTI SCRIPT DI ANIMAZIONE

Se vuoi sapere come scrivere una fantastica sceneggiatura animata, uno dei modi migliori per imparare è leggere fantastiche sceneggiature animate.

Quali sono i tuoi film d'animazione preferiti? Trova quegli script e leggili! Molti di loro provengono dalla stessa casa di produzione? Scopri qual è la filosofia di quella particolare azienda sulla narrazione, che si tratti di Pixar, Laika Studios o Studio Ghibli. ( Nota veloce: Pixar è molto esplicita riguardo al suo approccio al racconto di storie e Hayao Miyazaki è anche incredibilmente generoso con la sua visione del metodo di narrazione dello Studio Ghibli .)

Al contrario, però, non leggere solo grandi sceneggiature, leggi anche quelle meno che fantastiche. Diagnostica cosa manca a questi script. Il dialogo è innaturale? I personaggi sono piatti e unidimensionali? L'esposizione è troppo pesante? I punti della trama sono poco organizzati e difficili da seguire? Capire come altre sceneggiature mancano il bersaglio può davvero aiutarti a evitare di perderlo tu stesso.

Se vuoi leggere alcune fantastiche sceneggiature animate, dai un'occhiata a The Script Lab dove puoi scaricarle e leggerle GRATIS! Eccone alcuni per iniziare.

Wall-E
Anima
Storia del giocattolo
Alla rovescia
Kubo e le due corde
Shrek

DETERMINA CHI È IL TUO PUBBLICO

Non lancerai una serie animata o un film sulla linea di Family Guy o Sausage Party alla Pixar o alla Disney. E devi anche capire quanto sarà difficile far decollare un progetto di animazione per adulti.

Le principali case di animazione come Pixar, Disney e Dreamworks hanno un marchio. Non arriveranno all'improvviso con l'animazione orientata agli adulti.

Quindi, sia che tu voglia creare film per famiglie a quattro quadranti, serie animate per bambini, azione / horror a livello di anime o serie animate per adulti, scopri quali sono i tuoi dati demografici e fai del tuo meglio per studiarli e soddisfare quel pubblico .

ESPLORA I TEMI COMUNI

Qualche anno fa, Vox ha creato una griglia per mostrare i temi presenti nella maggior parte dei film Pixar .

I temi sono importanti in ogni narrazione. Possono essere sviluppati all'inizio del processo di scrittura e utilizzati come bussola per guidare la storia e i personaggi. Possono essere inseriti durante il processo di scrittura per toccare meglio e coinvolgere un pubblico.

Questi temi principali trovati nei film Pixar dimostrano che, poiché sono così ampiamente utilizzati in tutto il loro catalogo di film e poiché Pixar ha avuto così tanto successo, gli sceneggiatori dovrebbero prendere nota e considerare di esplorare tali temi all'interno delle proprie sceneggiature animate.

Anche Disney e Dreamworks hanno abbracciato temi simili. La cosa migliore che gli sceneggiatori possono fare è conoscere e comprendere il regno dell'animazione. Esistono temi comuni di successo. E quei temi hanno successo per un motivo. Non aver paura di abbracciarli.

PRESENTA UN MONDO CHE NON ABBIAMO MAI VISTO PRIMA

Abbiamo visto giocattoli prendere vita, animali domestici scatenare il caos e animali dello zoo esplorare la città.

Se vuoi avere successo nella scrittura di animazioni, dovrai darci qualcosa di nuovo. Se vuoi invogliare gli studi di animazione a prendere atto della tua scrittura, dovrai andare agli estremi per distinguerti dai loro stessi animatori e dal resto degli sceneggiatori che cercano di sfondare proprio come te.

Il modo più semplice per coinvolgerli è offrire qualcosa che non hanno mai visto prima. E lo fai esplorando mondi che l'animazione non ha ancora.

Prima di Toy Story, non avevamo mai sperimentato il concetto di un mondo in cui i nostri giocattoli prendono vita quando non li guardiamo.

Prima di Shrek, non avevamo mai pensato a un mondo in cui tutti i personaggi e le creature delle fiabe con cui siamo cresciuti vivessero insieme nello stesso regno.

Prima di Inside Out, non avremmo mai immaginato un mondo in cui le nostre emozioni fossero personaggi viventi e respiranti.

Cosa c'è di così speciale nel mondo nella tua sceneggiatura animata? Ci stai dando più o meno lo stesso o verremo trasportati in un mondo che non avremmo mai pensato di immaginare? Questa è la salsa segreta di qualsiasi film o serie animata di successo.

di Ken Miyamoto per screencraft.org

"Il concetto è tutto." Questo è il mantra che senti spesso a Hollywood e dintorni - e di solito porta a discussioni su concetto alto, concetto basso e punti di forza o difficoltà dei due. Ma per quanto riguarda la commedia di alto concetto? Che cos'è? Come lo scrivi? Quali sono alcuni esempi di film di grande successo?

Immergiamoci subito!

QUAL È LA DIFFERENZA TRA CONCETTO ALTO E BASSO ?

ALTO CONCETTO

L'alto concetto può essere definito come un tipo di lavoro artistico che può essere facilmente presentato con una premessa succinta, tipicamente caratterizzata da uno scenario generale "What If ..." che funge da catalizzatore per gli eventi e le caratterizzazioni ritratte all'interno della sceneggiatura .

CONCETTO BASSO

E se c'è un concetto alto , deve esserci un concetto basso , giusto?

Molti esperti del settore definirebbero le sceneggiature di bassa concezione come più interessate allo sviluppo del personaggio e ad altre sottigliezze che non sono così facilmente riassumibili . Troverai molte di queste commedie nel mercato indipendente perché sono più economiche da girare e possono essere realizzate da talenti non di prima categoria.

"Poliziotto dell'asilo"

COMMEDIE DI ALTO CONCETTO

Ma quando si tratta di commedie di alto livello, è lì che gli studi e le principali società di produzione amano recitare. Perché?

Appello del pubblico di massa
Campagne di marketing più semplici
Più incassi al botteghino
Potenziale casting di serie A
Altre risate

Le commedie di alto livello sono alcuni dei tipi di film più desiderabili per questi motivi. La risata è universale. Metti un personaggio in uno scenario divertente e ne consegue l'ilarità. E la risata è la migliore forma di intrattenimento per il pubblico di massa perché è il miglior tipo di evasione dal mondo reale.

Ci piace ridere. E preferiamo che le scelte che facciamo nei cinema o durante lo streaming a casa siano le scelte più semplici possibili. Ci sono meno rischi coinvolti nelle commedie di alto livello per il pubblico e gli studi, le società di produzione e i distributori.

**QUALI SONO I MIGLIORI ESEMPI DI COMMEDIE DI ALTO CONCETTO ?**

Le commedie di alto livello di solito si concentrano su scenari "E se ..." o concetti "Pesce fuor d'acqua" .

E se un avvocato veloce non potesse mentire per 24 ore? ( Bugiardo Bugiardo )
Un bracconiere di coccodrilli dell'entroterra australiano va a New York City ( "Crocodile" Dundee )
E se tre amici si svegliassero da un addio al celibato a Las Vegas senza alcun ricordo della notte precedente e lo scapolo fosse scomparso? ( La sbornia )
Un duro poliziotto della polizia di Los Angeles deve fingere di essere un insegnante d'asilo per individuare l'ex moglie di un pericoloso criminale ( Kindergarten Cop )
E se un dirigente pubblicitario arrogante e sciovinista avesse la capacità di ascoltare ciò che pensano le donne? ( Cosa vogliono le donne )
Il desiderio di un adolescente di diventare adulto diventa realtà ( Grande )
E se un meteorologo egoista si ritrovasse a vivere inspiegabilmente lo stesso giorno più e più volte? ( Il giorno della marmotta )
Un poliziotto di Detroit a ruota libera persegue un'indagine per omicidio all'interno della cultura molto diversa di Beverly Hills ( Beverly Hills Cop )
E se a un ragazzo che si lamenta troppo spesso di Dio vengono dati poteri onnipotenti per insegnargli quanto sia difficile governare il mondo? ( Bruce Onnipotente )

Questi sono solo alcuni esempi di commedie di alto livello che Hollywood ama realizzare. E scoprirai che le commedie di alto livello sono alcune delle sceneggiature più richieste sul mercato.

Ma cosa c'è nello sviluppo e nella scrittura di questo tipo di sceneggiature?

"Il poliziotto di Beverly Hills"

COME SCRIVERE SCENEGGIATURE DI COMMEDIE DI ALTO LIVELLO

PASSO N. 1 : TROVA IL CONCETTO ELEVATO

La guida più semplice per completare questo passaggio è cercare i concetti "E se..." e "Pesce fuor d'acqua" . Divertiti con esso. Apri un nuovo documento e inizia a scrivere scenari intriganti e concetti esilaranti.

Cosa c'è di così assurdo da essere divertente?
Quali personaggi non appartengono a un determinato ambiente o situazione?

Cerca ciò che ti fa ridere. Non puoi controllare ciò che gli altri troveranno divertente. Ma puoi fidarti che ciò che ti fa ridere risuonerà anche con un buon numero della popolazione.

PASSAGGIO N. 2: CREA UN PERSONAGGIO IMPERFETTO MA SIMPATICO

Molti sceneggiatori sembrano avere difficoltà a creare personaggi avvincenti. In realtà non è così difficile. Dai dei difetti al tuo protagonista. Questo è il modo più semplice per creare profondità. Ma allo stesso tempo, assicurati di bilanciarlo con caratteristiche simpatiche.

In Liar Liar , Fletcher è un avvocato che non ha problemi a mentire per vincere o risolvere i suoi casi. Trascura anche suo figlio a causa delle pressioni del suo lavoro mentre cerca di impressionare il suo capo. Tuttavia, è un padre straordinario che ama moltissimo suo figlio. E quando trova il tempo per stare con suo figlio, non c'è padre migliore là fuori. Questo è un perfetto equilibrio tra difetti e simpatia.

PASSAGGIO N. 3: INIZIA CON IL PROTAGONISTA NEL SUO MONDO ORDINARIO

Mostrare il tuo protagonista all'interno del suo mondo ordinario all'inizio della tua storia ti consente di mostrare quanto il conflitto centrale che affronta sconvolge il suo mondo.

"Crocodile Dundee"

E ti permette di creare e prefigurare gli elementi necessari di empatia e catarsi di cui la tua storia ha bisogno.

Bisogna vederli comodi e poi scomodi.
Abbiamo bisogno di vedere i loro difetti nel loro mondo ordinario per vederli crescere al di fuori di esso.

In Crocodile Dundee, ci viene presentato Mick nel suo elemento: l'entroterra australiano. Vediamo le abilità che ha. Vediamo come si adatta bene a quell'ambiente. Quando viene portato fuori da quel mondo e nel mondo americano attraverso la New York City degli anni '80, capiamo immediatamente la commedia che sta per seguirne.

STEP #4: DEFINISCI GLI ARCHI INTERNI ED ESTERNI DEL TUO PROTAGONISTA

Le commedie di alto livello devono avere temi universali. È così che raggiungi il pubblico più vasto (che è ciò che gli studi vogliono fare). Per farlo al meglio, è importante definire gli archi interni ed esterni del tuo protagonista. Perché? Perché è così che i membri del pubblico li identificano e si relazionano con loro.

Un arco del personaggio interno comprende le emozioni interiori inconsce o ignorate del tuo protagonista e il modo in cui cambiano nel corso della storia.

Un arco del personaggio esterno è l'arco narrativo specifico del tuo protagonista principale. Comprende tutto ciò che viene mostrato esternamente entro i confini della tua storia cinematografica.

Se un arco esterno è ciò che vediamo attraversare fisicamente dal personaggio, l'arco interno è ciò che sentiamo attraversare dal personaggio, principalmente perché gli archi interni offrono al protagonista la possibilità di connettersi con il pubblico attraverso l'empatia e la catarsi.

In Bruce Almighty , l'arco interiore di Bruce è la sua lotta per avere successo nella sua carriera mentre è anche con Grace, la sua ragazza devota e comprensiva. Non sa come bilanciare le due cose. E quando le cose vanno male dopo essere stato licenziato dal suo lavoro, si lamenta con Dio che la sua vita è così orribile, anche se è fortunato ad avere qualcuno come Grace.

Il suo arco esterno ha a che fare con Dio che gli consegna le chiavi onnipotenti per mostrare quanto sia difficile rendere tutti felici. Questo arco esterno ci invita nel suo arco interno quando tenta di usare i suoi poteri per risolvere tutti i suoi problemi con la sua carriera e Grace. Ma commette lo stesso errore. Mette la sua carriera davanti alla sua relazione con lei. E l'arco interno è lui che finalmente se ne rende conto.

'Una settimana da Dio'

PASSAGGIO N. 5: ALZA SEMPRE LA POSTA IN GIOCO COMICA

Alzare la posta in gioco nella tua sceneggiatura è tutta una questione di conflitto . Più conflitti hai e più i personaggi devono perdere a causa di quel conflitto, più la posta in gioco aumenta. E più la posta in gioco aumenta, più opportunità avrai di inserire azioni e reazioni comiche in tutta la tua sceneggiatura.

Mentre evochi questi conflitti da lanciare ai tuoi personaggi, devi porti queste domande:

Cosa rischiano di perdere i miei personaggi a causa del conflitto centrale?
Cosa hanno da guadagnare?
Qual è la posta in gioco (libertà, vite, relazioni)?
Quali sono le conseguenze di ogni singola azione che intraprendono in reazione al conflitto in corso?

In The Hangover , i ragazzi si svegliano dopo un selvaggio addio al celibato a Las Vegas. Il problema è che non ricordano niente. A peggiorare le cose dieci volte, non riescono a trovare lo sposo.

La posta in gioco comica aumenta durante tutto il film, dal dente mancante di Stu al ritrovamento di Mr. Chow nel bagagliaio della loro auto, fino alla confessione di Alan di aver aggiunto alcolici a tutti per assicurarsi che si divertissero.

La posta in gioco è ammucchiata. Non riescono a trovare lo sposo. E più lo cercano, più scoprono della loro notte. Più scoprono sulla loro notte, più la posta in gioco aumenta a causa del crescente conflitto.

E nelle commedie, è qui che brilla l'ilarità. Ogni poche pagine, stai peggiorando ulteriormente le cose per il protagonista, il che significa che ci sono più opportunità per continuare ed evolvere la commedia.

PASSAGGIO N. 6: EVITARE CLICHÉ E TROPI GIOCANDO CON LE ASPETTATIVE DEL PUBBLICO

Questo è un passo fondamentale nella scrittura di una commedia di alto concetto desiderabile. I cliché e i tropi della commedia sono in abbondanza. Il segreto per scrivere una sceneggiatura comica di alto livello che si distingue (e al di sopra) del resto è usare quei cliché e tropi comici a tuo vantaggio come narratore cinematografico.

Anticipare le aspettative del pubblico/lettore. E poi vai nella direzione opposta a quella che si aspettano.

Va bene usare cliché e tropi. Il pubblico e i lettori di sceneggiature li adorano. Ma è bello sorprenderli il più possibile.

PER RICAPITOLARE

Le commedie di alto concetto possono essere l'oro della sceneggiatura.

Trova l'Alto Concetto
Crea un personaggio imperfetto ma simpatico
Inizia con il protagonista nel loro mondo ordinario
Definisci gli archi interni ed esterni del tuo protagonista
Alza sempre la posta in gioco comica
Evita cliché e tropi giocando con le aspettative del pubblico

di Ken Miyamoto per screencraft.org

film cortometraggi genere fantascientifico Vuoi scrivere nel genere fantascientifico ma hai bisogno di aiuto per evocare storie e concetti avvincenti? A volte leggere semplici suggerimenti di genere è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi.

Otteniamo le nostre idee da molte fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc. Possono provenire da una scena o un momento in un film che non è stato completamente esplorato. Possono provenire da un singolo elemento visivo che attira la mente creativa, un seme che continua a crescere e crescere fino a quando lo scrittore non è costretto a metterlo finalmente su carta o schermo.

Nello spirito di aiutare gli scrittori a trovare quei semi, qui offriamo 101 suggerimenti per storie di fantascienza originariamente concepiti che puoi utilizzare come ispirazione per la tua prossima storia di fantascienza.

Possono ispirare sceneggiature, romanzi, racconti o anche momenti più piccoli che puoi includere nelle storie che stai già scrivendo.

Nota: poiché siamo tutti collegati alla stessa cultura pop, titoli di notizie e ispirazioni, qualsiasi somiglianza con sceneggiature, romanzi, racconti, pilot televisivi, serie televisive, opere teatrali passate, presenti o future o qualsiasi altra opera creativa è puramente casuale. Questi suggerimenti per la scrittura di storie sono stati concepiti al volo senza alcuna ricerca o ricerca di ispirazione su Google.

101 EPICHE STORIE DI FANTASCIENZA

1. E se il sole iniziasse a morire e gli esseri umani sopravvissuti viaggiassero indietro nel tempo per sopravvivere?

2. E se il sole iniziasse a morire e gli umani sopravvissuti viaggiassero in un'altra dimensione per sopravvivere?

3. Uno scienziato clona la sua famiglia che è morta in un incidente aereo, ma presto apprende le ripercussioni di interpretare Dio.

4. La Terra subisce un'ondata EMP planetaria e tutta la tecnologia è persa per sempre.

5. Un astronauta e un cosmonauta sono sulla Stazione Spaziale Internazionale quando i loro paesi entrano in guerra nucleare l'uno con l'altro. I loro ultimi ordini sono di eliminare l'altro.

6. Un astronauta lanciato nel freddo dello spazio in una missione andata male appare improvvisamente alla porta della sua famiglia.

7. Qualcuno scopre che in realtà siamo tutti robot: chi ci ha creati e perché?

8. Un astronauta è l'unico sopravvissuto a un allunaggio andato male, solo per scoprire che la luna è infestata da strane creature.

9. Un'Intelligenza Artificiale inizia a comunicare online con una famiglia per terrorizzarla attraverso la sua tecnologia.

10. Anni dopo che l'apocalisse di zombi si è placata, i sopravvissuti scoprono che l'epidemia è stata causata da alieni che sono apparsi per rivendicare il pianeta.

11. Una donna ricorda di essere stata rapita dagli alieni, ma scopre presto che non erano alieni. Li avevamo ____.

12. Una città è avvolta da un'oscurità inspiegabile per settimane.

13. Un'invasione aliena aveva lo scopo di impedire agli umani di autodistruggersi.

14. La tecnologia è stata un test datoci dagli alieni per vedere cosa ne avremmo fatto.

15. I robot erano in realtà qui molto prima degli umani.

16. Gli esseri umani sono stati clonati dagli scienziati per decenni.

17. La nostra realtà è in realtà l'immaginazione di un essere alieno che scrive una storia.

18. Un'azienda tecnologica scopre di poter inviare e-mail a persone del passato.

19. Viene scoperta una specie sotterranea su Marte.

20. Il viaggio nel tempo è reale ed è stato utilizzato dal governo per anni.

21. Un gruppo privato di scienziati e storici sta usando il viaggio nel tempo per creare la registrazione storica definitiva degli eventi umani.

22. Una piccola città in mezzo al nulla è in realtà uno zoo umano in un mondo alieno.

23. L'Area 51 nasconde un wormhole verso mondi alieni.

24. Gli esseri umani sono in realtà robot organici che hanno ucciso i loro creatori molto tempo fa.

25. Un wormhole si apre improvvisamente vicino alla Terra.

26. Un neoeletto presidente degli Stati Uniti cerca di scoprire la verità su Roswell.

27. Un fan di Star Wars scopre che l'universo di Star Wars non era frutto dell'immaginazione di George Lucas.

28. Qualcuno si sveglia in una strana astronave senza ricordare come ci sia arrivato.

29. Un papà casalingo scopre di essere in realtà un robot creato da sua moglie.

30. Un papà casalingo scopre di essere in realtà un clone creato dal suo sé originale.

31. Il primo volo spaziale su Marte scopre che l'universo non è quello che pensavano fosse.

32. Una famiglia scopre un'astronave sepolta nel cortile di casa.

33. Una bambina sogna una formula per viaggiare nel tempo e cerca di portarla agli scienziati.

34. I fratelli scoprono che la loro tata è un alieno.

35. I fratelli scoprono che la loro tata è un robot.

36. Gli Homosapiens sono alieni che hanno conquistato il pianeta.

37. Dopo che il mondo è stato cancellato dalla guerra nucleare, gli umanoidi alieni lo rivendicano come loro.

38. Quelli che pensiamo siano rapimenti alieni sono in realtà la futura razza umana alla ricerca di una cura per una piaga che sta uccidendo tutti gli umani tra 200 anni.

39. Una guerra interstellare tra razze aliene si fa strada sulla Terra.

40. Un uomo scopre il vero motivo per cui sogniamo.

41. I nostri sogni sono in realtà un portale in un universo parallelo.

42. Un alieno si atteggia al ritorno di Cristo, sapendo che gli umani seguiranno lui e la sua razza.

43. Una donna scopre che la nostra realtà è in realtà un gioco simulato come The Sims.

44. Un gruppo di amici emarginati crea il proprio robot.

45. Un pirata spaziale si schianta sulla Terra.

46. Un agente di borsa di successo accusato di insider trading afferma di provenire dal futuro.

47. Uno scienziato che inventa il viaggio nel tempo per viaggiare nel futuro viene trasportato nel passato dove la tecnologia non esiste.

48. Uno studente delle superiori crede che i suoi compagni di classe siano dei robot.

49. Un team della fiera della scienza crea accidentalmente una tecnologia di teletrasporto.

50. Un uomo che ha caricato la sua coscienza in una realtà simulata combatte per tornare al suo corpo e mondo reali.

51. Una lavoratrice di un'azienda scopre di essere in realtà un cyborg.

52. Un nerd emarginato scopre di essere in realtà un venerato principe di un altro pianeta, nascosto dalla sua famiglia reale per sfuggire a un malvagio signore dello spazio.

53. La storia del Titanic, ma il Titanic è un lussuoso incrociatore spaziale che ha colpito una meteora fatta di ghiaccio.

54. Un astronauta bloccato nel criosonno si sveglia in orbita attorno alla Terra durante la corsa allo spazio degli anni '60.

55. Un atleta che perde le gambe in un incidente crea le proprie gambe cibernetiche per competere di nuovo.

56. Il primo super soldato cyborg al mondo diventa AWOL per sperimentare la vita di una persona normale.

57. La luna è in realtà una stazione spaziale di osservazione aliena.

58. La luna è stata una stazione spaziale della NASA per decenni.

59. Il lato oscuro della luna è un resort per alieni simile a Las Vegas.

60. Una studentessa delle elementari crede che i suoi compagni di classe siano alieni.

61. Uno scienziato scopre che le malattie sono in realtà difetti in un programma per computer che è in realtà il nostro mondo simulato.

62. Il cyberspazio è in realtà un mondo reale che vive e respira.

63. Gli esseri umani vivono su un'isola protetta da un campo di forza che fluttua nello spazio.

64. 200 anni dopo che il mondo è stato distrutto dalla guerra nucleare, gli umani sopravvissuti fuggono dal loro mondo sotterraneo per scoprire un nuovo ecosistema.

65. Gli esseri umani possono scaricare qualsiasi set di abilità nei loro cervelli.

66. Due astronauti uomo e donna sono bloccati su un mondo alieno: i loro nomi sono Adamo ed Eva.

67. I criminali vengono ora spediti nello spazio su navi prigione spaziali.

68. Un giocatore scopre che il soldato che sta controllando è in realtà un vero soldato in una vera guerra.

69. Un uomo umano e una donna aliena hanno il primo figlio interstellare.

70. Un aguzzino sadico tiene in ostaggio le persone in un mondo virtuale.

71. Un genio del liceo scopre la tecnologia antigravitazionale, solo per essere braccato dagli agenti del governo.

72. I minatori di asteroidi lottano per sopravvivere a un incidente.

73. I minatori di asteroidi scoprono un'astronave aliena incorporata in un asteroide.

74. Uno scienziato crea un modo per scaricare la coscienza umana in un computer.

75. Un genio del liceo scopre la tecnologia di occultamento, solo per essere braccato dagli agenti del governo.

76. Un uomo è così perso nella realtà virtuale che non riesce a comprendere cosa sia reale e cosa no.

77. Le guerre sono combattute in simulazione per proteggere vite umane.

78. Uno studente fannullone delle superiori si imbatte in una nuova fonte di energia, solo per essere braccato dagli agenti del governo.

79. Gli astronauti hanno il compito di preparare un pianeta alieno per la colonizzazione.

80. Un'astronave generazionale finalmente arriva a destinazione dopo centinaia di anni.

81. Un camionista spaziale che consegna merci a una stazione spaziale scopre che i robot di servizio hanno preso il controllo della stazione.

82. Un camionista spaziale che consegna merci a una stazione spaziale scopre che la stazione è vuota.

83. Un futuro pilota spaziale torna sulla Terra dopo una missione per trovarla distrutta.

84. Un futuro pilota spaziale torna sulla Terra dopo una missione, solo per scoprire di essere in qualche modo tornato indietro nel tempo ai suoi anni d'infanzia.

85. Uno studente delle elementari scopre di essere in realtà un robot.

86. Un pilota si sveglia su una nave che galleggia in uno strano mondo organico, solo per scoprire che in realtà è microscopico all'interno del corpo del Presidente degli Stati Uniti che dovrebbe salvare tramite la nanochirurgia.

87. Un adolescente scopre il potere di creare wormhole.

88. Uno strano vecchio che si è trasferito accanto alla famiglia di un bambino è in realtà il sé più anziano di quel bambino che ha viaggiato indietro nel tempo per rivisitare la sua infanzia prima della sua morte.

89. Un gruppo di amici del liceo scopre portali per il passato e il futuro e li usa per superare gli esami di storia e scienze.

90. Due versioni dello stesso studente delle superiori provenienti da diversi universi paralleli si scoprono attraverso un portale e decidono di scambiarsi vite per una settimana prima che il portale si chiuda definitivamente.

91. Un astronauta si sveglia dal criosonno con un'amnesia su una nave che viaggia alla velocità della luce.

92. Una donna aliena sempre alla ricerca delle stelle scopre uno strano singolo proveniente da un pianeta chiamato Terra.

93. Un equipaggio spaziale scopre un pianeta speculare alla Terra.

94. Un equipaggio spaziale scopre che l'universo in realtà non è altro che l'immaginazione di un bambino alieno.

95. Un uomo disincantato geneticamente progettato senza difetti lotta per trovare un difetto mentre fa l'autostop attraverso l'America.

96. Un ragazzo salva un cane nel bosco e presto scopre che si tratta di un robot.

97. Un ragazzo salva un cane nel bosco e presto scopre che si tratta di una creatura aliena.

98. Un robot alieno cade dallo spazio nel cortile della casa di una ragazza.

99. Gli astronauti atterrano su un possibile pianeta di colonizzazione, solo per scoprire un bambino umano che vive da solo nel mondo selvaggio del mondo alieno.

100. Gli scienziati tornano nel mondo dei dinosauri per trovare una pianta morta da tempo che potrebbe salvare l'umanità dall'estinzione.

101. Un sismologo scopre uno strano segnale umano proveniente dalle profondità del nucleo terrestre.

di Ken Miyamoto per screencraft.org

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KUBO E LE DUE CORDE

Un giovane ragazzo di nome Kubo deve trovare un'armatura magica indossata dal suo defunto padre per sconfiggere uno spirito vendicativo del passato.

KUNG FU PANDA

Il Guerriero Dragone deve scontrarsi con il selvaggio Tai Lung mentre il destino della Cina è in bilico. Tuttavia, si suppone che il mantello del Guerriero Dragone sia stato erroneamente conferito a un panda obeso che è un novizio nelle arti marziali.

LABIRINTO

Alla sedicenne Sarah vengono concesse tredici ore per risolvere un labirinto e salvare il suo fratellino Toby quando il suo desiderio che venga portato via viene esaudito dal Re dei Goblin Jareth.

IL RE LEONE *

Un principe ereditario cucciolo di leone viene ingannato da uno zio traditore facendogli credere di aver causato la morte di suo padre e fugge in esilio in preda alla disperazione, solo per apprendere in età adulta la sua identità e le sue responsabilità.

LOONEY TUNES: DI NUOVO IN AZIONE

I Looney Tunes cercano il padre scomparso di un uomo e il mitico diamante Blue Monkey.

IL LORACE

Un ragazzo di 12 anni cerca l'unica cosa che gli permetterà di conquistare l'affetto della ragazza dei suoi sogni. Per trovarlo deve scoprire la storia del Lorax, la creatura scontrosa ma affascinante che combatte per proteggere il suo mondo.

MALEFICA

Una fata vendicativa è spinta a maledire una principessa neonata, solo per scoprire che la bambina potrebbe essere l'unica persona in grado di riportare la pace nella loro terra travagliata.

IL RITORNO DI MARY POPPINS

Decenni dopo la sua visita originale, la tata magica torna per aiutare i fratelli Banks e i figli di Michael in un momento difficile della loro vita.

MEGAMENTE

Il supercriminale Megamind finalmente sconfigge la sua nemesi, il supereroe Metro Man. Ma senza un eroe, perde ogni scopo e deve trovare un nuovo significato alla sua vita.

MINION

I servitori Stuart, Kevin e Bob vengono reclutati da Scarlet Overkill, un supercriminale che, insieme al marito inventore Herb, escogita un complotto per conquistare il mondo.

MONSTERS INC. *

Per alimentare la città, i mostri devono spaventare i bambini in modo che urlino. Tuttavia, i bambini sono tossici per i mostri e, dopo che un bambino è passato, 2 mostri si rendono conto che le cose potrebbero non essere ciò che pensano.

UNIVERSITÀ DEI MOSTRI

Uno sguardo al rapporto tra Mike e Sulley durante i loro giorni alla Monsters University, quando non erano necessariamente ottimi amici.

I PINGUINI DI MR. POPPER *

La vita di un uomo d'affari inizia a cambiare dopo che ha ereditato sei pinguini e mentre trasforma il suo appartamento in un paese delle meraviglie invernale, il suo lato professionale inizia a sgretolarsi.

I MUPPET *

Un fanatico dei Muppet con l'aiuto dei suoi 2 compatrioti umani deve riorganizzare la banda dei Muppet per impedire a un avaro magnate del petrolio di abbattere uno dei loro preziosi tesori per tutta la vita.

DINAMITE DI NAPOLEONE *

Un adolescente svogliato e alienato decide di aiutare il suo nuovo amico a vincere la presidenza di classe nel loro piccolo liceo occidentale, mentre lui deve affrontare la sua bizzarra vita familiare a casa.

VACANZE DI NATALE DI NATIONAL LAMPOON *

I piani della famiglia Griswold per un grande Natale in famiglia si trasformano prevedibilmente in un grande disastro.

L'INCUBO PRIMA DI NATALE

Jack Skellington, re di Halloween Town, scopre Christmas Town, ma i suoi tentativi di portare il Natale a casa sua creano confusione.

IL GRANDE E POTENTE OZ

Un frustrato mago da circo del Kansas viene trasportato in una terra magica chiamata Oz, dove dovrà adempiere una profezia per diventare il re e liberare la terra dalle Streghe Malvagie usando i suoi grandi (ma falsi) poteri.

PADDINGTON 2

Paddington, ora felicemente sistemato con la famiglia Brown e un membro popolare della comunità locale, raccoglie una serie di lavoretti per acquistare il regalo perfetto per il centesimo compleanno di sua zia Lucy, solo per il regalo che viene rubato.

PADELLA

L'orfano dodicenne Peter viene portato via nel magico mondo di Neverland, dove trova divertimento e pericolo, e alla fine scopre il suo destino: diventare l'eroe che sarà per sempre conosciuto come Peter Pan.

LA SPOSA PRINCIPESSA *

Mentre è a letto malato, il nonno di un ragazzino gli legge la storia di un contadino diventato pirata che incontra numerosi ostacoli, nemici e alleati nella sua ricerca per ricongiungersi con il suo vero amore.

RATATOUILLE

Un topo che sa cucinare stringe un'insolita alleanza con un giovane addetto alla cucina di un famoso ristorante.

IL SANDLOT

Nell'estate del 1962, un nuovo ragazzo in città viene preso sotto l'ala di un giovane prodigio del baseball e della sua turbolenta squadra, dando vita a molte avventure.

LA VITA SEGRETA DEGLI ANIMALI DOMESTICI

La vita tranquilla di un terrier di nome Max viene sconvolta quando il suo padrone accoglie Duke, un randagio che a Max non piace subito.

SHREK *

Un signore meschino esilia le creature delle fiabe nella palude di un orco scontroso, che deve andare in missione e salvare una principessa per conto del signore per riavere la sua terra.

SHREK TERZO

Quando il suo nuovo suocero, re Harold, si ammala, Shrek viene visto come l'erede della terra di Molto, molto lontano. Per non rinunciare alla sua amata palude, Shrek recluta i suoi amici Ciuchino e Il gatto con gli stivali per insediare il ribelle Artie come nuovo re. La principessa Fiona, tuttavia, raduna una banda di amiche reali per respingere un colpo di stato del principe azzurro abbandonato.

I PUFFI

Quando il malvagio mago Gargamella insegue i piccoli Puffi blu fuori dal loro villaggio, precipitano dal loro mondo magico a New York City.

STUART PICCOLO 2

Stuart e Snowbell attraversano la città per salvare un amico.

STORIA DEL GIOCATTOLO *

Una bambola da cowboy è profondamente minacciata e gelosa quando una nuova figura di astronauta lo sostituisce come top toy nella stanza di un ragazzo.

STORIA DEL GIOCATTOLO 2 *

Quando Woody viene rubato da un collezionista di giocattoli, Buzz ei suoi amici intraprendono una missione di salvataggio per salvare Woody prima che diventi una proprietà di giocattoli del museo con la sua banda di rastrellamento Jessie, Prospector e Bullseye.

STORIA DEL GIOCATTOLO 3

I giocattoli vengono consegnati per errore a un asilo nido invece che in soffitta poco prima che Andy parta per il college, e spetta a Woody convincere gli altri giocattoli che non sono stati abbandonati e tornare a casa.

UP - SU *

Il settantottenne Carl Fredricksen si reca a Paradise Falls nella sua casa dotato di palloncini, portando inavvertitamente un giovane clandestino.

WALL-E

In un lontano futuro, un piccolo robot raccoglitore di rifiuti intraprende inavvertitamente un viaggio nello spazio che alla fine deciderà il destino dell'umanità.

ABBIAMO COMPRATO UNO ZOO*

Ambientato nel sud della California, un padre trasferisce la sua giovane famiglia in campagna per rinnovare e riaprire uno zoo in difficoltà.

CHI HA INCASTRATO ROGER RABBIT?

Un detective che odia i cartoni animati è l'unica speranza di un coniglio dei cartoni animati di provare la sua innocenza quando viene accusato di omicidio.

IL MAGO DI OZ

Dorothy Gale viene trascinata via da una fattoria del Kansas nella magica terra di Oz in un tornado e intraprende una ricerca con i suoi nuovi amici per vedere il Mago che può aiutarla a tornare a casa in Kansas e aiutare anche i suoi amici.

DISTRUGGILO RALPH *

Un cattivo di un videogioco vuole essere un eroe e si propone di realizzare il suo sogno, ma la sua ricerca porta il caos nell'intera sala giochi in cui vive.

ZOOTROPOLIS

In una città di animali antropomorfi, un poliziotto alle prime armi e una volpe cinica e truffatrice devono lavorare insieme per scoprire una cospirazione.

Fine Seconda Parte - Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Link alla Prima Parte

Leggere manuali e articoli sulla sceneggiatura non può che portarti lontano. Il modo migliore per imparare a scrivere una sceneggiatura, in particolare un genere specifico, è guardare grandi film e, cosa più importante, leggere fantastici copioni cinematografici. Grazie ai nostri partner di The Script Lab puoi leggere e scaricare dozzine di script per famiglie. Studia il formato e lo stile di queste sceneggiature pluripremiate e usa ciò che impari per scrivere la tua sceneggiatura.

Ecco 70 sceneggiature incentrate sulla famiglia, inclusi drammi familiari, commedie, animazioni o storie di azione e avventura, che puoi utilizzare come roadmap per creare le tue storie cinematografiche per famiglie. E ricorda, non esiste un unico modo per scrivere una sceneggiatura. Sì, c'è un formato e una struttura generali da seguire per la maggior parte, ma la cosa migliore che puoi fare è leggere quante più sceneggiature puoi per vedere cosa funziona meglio per te e per le tue storie per famiglie.

Nota: molte delle sceneggiature differiranno dal montaggio finale dei film a causa del montaggio del film, delle modifiche alle bozze delle riprese e del fatto che alcune sono bozze precedenti. Inoltre, alcune delle sceneggiature non aderiscono alle linee guida e alle aspettative contemporanee generali a cui dovrebbero attenersi gli sceneggiatori alle prime armi. In caso di dubbio, pecca sempre su quelle linee guida e aspettative. Alcuni script seguono un formato datato, mentre altri sono scritti da professionisti affermati che hanno margine di manovra nel formato e sono autorizzati ad andare oltre la linea guida generale di conteggio delle pagine 90-120.

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ALICE NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE

La diciannovenne Alice torna nel mondo magico dalla sua avventura d'infanzia, dove si riunisce con i suoi vecchi amici e scopre il suo vero destino: porre fine al regno del terrore della Regina Rossa.

FORMICA

Una formica piuttosto nevrotica cerca di rompere con la sua società totalitaria mentre cerca di conquistare l'affetto della principessa che ama.

LA BELLA E LA BESTIA

Un principe condannato a trascorrere i suoi giorni come un orribile mostro si propone di riconquistare la sua umanità guadagnandosi l'amore di una giovane donna.

UNA STORIA DI NATALE *

Negli anni '40, un ragazzino di nome Ralphie tenta di convincere i suoi genitori, il suo insegnante e Babbo Natale che una pistola BB Red Ryder è davvero il regalo di Natale perfetto.

NUVOLOSO CON POSSIBILITÀ DI POLPETTE

Uno scienziato locale è spesso considerato un fallito finché non inventa una macchina in grado di far cadere il cibo dal cielo. Ma non sa che le cose stanno per prendere una brutta piega.

COCCO

L'aspirante musicista Miguel, confrontato con il divieto ancestrale della sua famiglia sulla musica, entra nella Terra dei Morti per trovare il suo bis-bisnonno, un leggendario cantante.

I CROODS

Dopo che la loro caverna è stata distrutta, una famiglia di uomini delle caverne deve attraversare un mondo fantastico sconosciuto con l'aiuto di un ragazzo pieno di inventiva.

DETESTABILE ME

Quando una mente criminale usa un trio di ragazze orfane come pedine per un grande piano, scopre che il loro amore lo sta cambiando profondamente in meglio.

CATTIVISSIMO ME 2

Quando Gru, il super-papà più cattivo del mondo, è stato reclutato da una squadra di funzionari per fermare muscoli letali e una schiera di Gru, deve reagire con nuovi gadget, auto e altra follia di minion.

DIARIO DI UNA SCHIAPPA

Le avventure di un dodicenne che ha appena finito le elementari e passa alla scuola media, dove deve imparare le conseguenze e la responsabilità per sopravvivere all'anno.

ELFO *

Dopo aver scoperto di essere umano, un uomo cresciuto come un elfo al Polo Nord decide di recarsi a New York City per trovare il suo vero padre.

ET L'EXTRATERRESTRE *

Un bambino problematico trova il coraggio di aiutare un simpatico alieno a fuggire dalla Terra e tornare al suo pianeta natale.

FANTASTICO SIGNOR FOX

Una volpe urbana non può fare a meno di tornare ai suoi modi di razziare la fattoria e quindi deve aiutare la sua comunità a sopravvivere alla rappresaglia dei contadini.

CAMPO DEI SOGNI *

Un coltivatore di mais dell'Iowa, sentendo delle voci, le interpreta come un comando per costruire un diamante da baseball nei suoi campi; lo fa, e arrivano i Chicago White Sox del 1919.

CONGELATO

Quando la regina Elsa appena incoronata usa accidentalmente il suo potere per trasformare le cose in ghiaccio per maledire la sua casa in un inverno infinito, sua sorella Anna si allea con un uomo di montagna, la sua renna giocosa e un pupazzo di neve per cambiare le condizioni meteorologiche.

IL BUON DINOSAURO

In un mondo in cui dinosauri e umani vivono fianco a fianco, un apatosauro di nome Arlo fa un improbabile amico umano.

I GOONIES *

Un gruppo di giovani disadattati che si fanno chiamare I Goonies scopre un'antica mappa e si mette alla ricerca del tesoro perduto da tempo di un leggendario pirata.

PIEDI FELICI

Nel mondo dei pinguini imperatori, che trovano la loro anima gemella attraverso il canto, nasce un pinguino che non sa cantare. Ma può ballare il tip tap in qualcosa di feroce!

HOCUS POCUS *

Un giovane curioso si trasferisce a Salem, dove lotta per adattarsi prima di risvegliare un trio di streghe diaboliche giustiziate nel XVII secolo.

A CASA DA SOLO *

Un piantagrane di otto anni deve proteggere la sua casa da una coppia di ladri quando viene accidentalmente lasciato a casa da solo dalla sua famiglia durante le vacanze di Natale.

TESORO, HO RIMPICCIOLITO I BAMBINI *

Lo scienziato, padre di un'adolescente e di un ragazzo, rimpicciolisce accidentalmente suo e altri due adolescenti del vicinato alle dimensioni di insetti. Ora i ragazzi devono combattere piccoli pericoli mentre il padre li cerca.

GANCIO *

Quando Capitan Uncino rapisce i suoi figli, un Peter Pan adulto deve tornare sull'Isola che non c'è e reclamare il suo spirito giovanile per sfidare il suo vecchio nemico.

ALBERGO TRANSILVANIA 2

Dracula ei suoi amici cercano di far emergere il mostro nel nipote mezzo umano e mezzo vampiro per impedire a Mavis di lasciare l'hotel.

COME MANGIARE I VERMI FRITTI

Durante il primo giorno del suo nuovo anno scolastico, un ragazzo di quinta elementare affronta un bullo e finisce per accettare una sfida che potrebbe cambiare gli equilibri di potere all'interno della classe.

COME ADDESTRARE IL TUO DRAGO

Uno sfortunato giovane vichingo che aspira a dare la caccia ai draghi diventa lui stesso l'improbabile amico di un giovane drago e scopre che potrebbe esserci di più nelle creature di quanto pensasse.

COME ADDESTRARE IL TUO DRAGO 2

Quando Hiccup e Sdentato scoprono una grotta di ghiaccio che ospita centinaia di nuovi draghi selvaggi e il misterioso Dragon Rider, i due amici si ritrovano al centro di una battaglia per proteggere la pace.

UGO

Nella Parigi del 1931, un orfano che vive tra le mura di una stazione ferroviaria viene coinvolto in un mistero che coinvolge il suo defunto padre e un automa.

GLI INCREDIBILI

Una famiglia di supereroi sotto copertura, mentre cerca di vivere la tranquilla vita suburbana, è costretta ad agire per salvare il mondo.

INSIDE OUT - ALLA ROVESCIA

Dopo che la giovane Riley è stata sradicata dalla sua vita nel Midwest e si è trasferita a San Francisco, le sue emozioni - Gioia, Paura, Rabbia, Disgusto e Tristezza - sono in conflitto su come navigare al meglio in una nuova città, casa e scuola.

IL GIGANTE DI FERRO

Un ragazzino fa amicizia con un robot gigante venuto dallo spazio che un paranoico agente del governo vuole distruggere.

È UNA VITA MERAVIGLIOSA *

Un angelo viene inviato dal cielo per aiutare un uomo d'affari disperatamente frustrato mostrandogli come sarebbe stata la vita se non fosse mai esistito.

IL BAMBINO DEL KARATE *

Un ragazzo e sua madre si trasferiscono in California per un nuovo lavoro. Lotta per adattarsi, poiché un gruppo di studenti di karate inizia a maltrattarlo per aver frequentato una ragazza ricca della loro cricca. Tocca al padrone di casa giapponese, Miyagi, insegnargli il karate.

Fine prima parte - Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Link alla Seconda Parte

Hai bisogno di aiuto per evocare idee comiche avvincenti? A volte leggere semplici suggerimenti di storie comiche è il modo più semplice per trovarli. Alla maggior parte degli scrittori viene spesso chiesto: "Da dove prendi le tue idee?" La maggior parte delle volte, gli scrittori trovano difficile rispondere a questa domanda. Otteniamo le nostre idee da una pletora di fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc.

Cosa significa "meet-cute" e come possono gli sceneggiatori far "incontrare carinamente" i loro personaggi nelle loro storie romantiche?

Se hai visto una commedia romantica in un dato decennio di cinema, probabilmente sei stato testimone di molte forme di incontro carino.

È dove due personaggi che alla fine formeranno un legame romantico si incontrano per la prima volta in circostanze divertenti, divertenti, imbarazzanti o insolite. Insomma, si incontrano in modo carino e memorabile.

Il meet-cute è uno strumento che consente al pubblico di innamorarsi all'istante dell'idea che siano una coppia. Ci piace romanticizzare e vivere in modo vicario attraverso tali relazioni. Quindi, quando vediamo due personaggi incontrarsi per la prima volta in un modo memorabile e carino, siamo immediatamente coinvolti dall'idea che si innamorino.

A volte sappiamo immediatamente che sono fatti l'uno per l'altro. Altre volte, vediamo due opposti e ci chiediamo come possano diventare una coppia.

Ecco i quattro modi in cui il tuo personaggio può incontrarsi in modo carino nei tuoi racconti cinematografici romantici.

**1. PULL/PULL MEET-CUTE**

Il tipo Pull/Pull di meet-cute è quando due personaggi sono immediatamente attratti l'uno verso l'altro, altrimenti noto come amore a prima vista.

Molti possono riguardare questo tipo di incontro romantico. E quelli che spesso non desiderano trovare l'anima gemella.

Poiché i migliori tipi di storie cinematografiche offrono esperienze empatiche e catartiche per il pubblico, il Pull/Pull meet-cute è sia facile che difficile da realizzare. Alcune persone sono solo romantiche nel cuore e accetteranno completamente il concetto di amore a prima vista. Altri potrebbero avere una visione più realistica dell'amore e credere che questo tipo di esperienza non avvenga da nessuna parte se non nei film.

Dove il Pull/Pull meet-cute vacilla di più è la mancanza di conflitto. Non c'è molto conflitto con due personaggi che mostrano amore e attrazione l'uno per l'altro. Ma il segreto per superare questo problema è iniettare questa attrazione istantanea con barriere che si frappongono tra loro e il loro amore istantaneo.

In Romeo + Giulietta, i due piccioncini provengono da famiglie in guerra, quindi il loro amore è proibito da tutti coloro che li circondano.

E quando si rendono conto del conflitto a portata di mano, ora sono costretti a combattere contro o per il loro amore per tutta la storia.

West Side Story offre anche una versione contemporanea di quel tema shakespeariano.

Se hai intenzione di scrivere quell'amore a prima vista Pull/Pull meet-cute, assicurati che ci sia qualche conflitto o barriera importante che inizialmente li trattiene dal perseguire quell'amore.

**2. PUSH/PUSH MEET-CUTE**

Il tipo Push / Push di meet-cute è l'esatto opposto di un amore a prima vista . Di solito comprende un incontro di odio a prima vista.

Questo tipo di incontro carino offre un po' di ilarità o imbarazzo tra due personaggi, costringendo il pubblico a chiedersi come diamine questi due possano innamorarsi l'uno dell'altro. Ed è esattamente ciò che è così coinvolgente in questo tipo di incontro carino.

Se il Pull/Pull gioca con le nostre fantasie romantiche, il Push/Push ci coinvolge rispondendo alla domanda su come questi opposti si attrarranno.

C'è un conflitto immediato tra due personaggi perché sono così antagonisti l'uno verso l'altro, quindi non devi iniettare così tanto conflitto esterno nella loro relazione - è già lì.

In La La Land, Mia e Sebastian iniziano la loro relazione in modo negativo. Non c'è attrazione immediata. Invece, sono in contrasto tra loro sin dall'inizio. Si incontrano per la prima volta sull'autostrada 405 a Los Angeles durante un momento di rabbia per strada. Mia lo ribalta e Sebastian le suona il clacson.

Più tardi quella notte, Mia è innamorata della musica che Sebastian sta suonando in un ristorante. Quando lei è attratta da lui ed è pronta a dirgli quanto sia incredibile la sua musica, lui le passa accanto dopo essere stato licenziato per aver suonato proprio quella musica.

Quando si incontrano di nuovo, è un incontro ufficiale carino con momenti e dialoghi pieni di conflitto.

Sono lontani, lontani dall'amore. Ed è così che si svolge il simpatico incontro Push/Push. Stanno spingendo l'uno contro l'altro piuttosto che l'uno contro l'altro.

Dal momento che il conflitto tra i personaggi è già presente, ciò che devi fare ora è approfondire ciascuna delle loro storie e caratterizzazioni per trovare ciò che li indurrà ad innamorarsi. Con Mia e Sebastian, apprendiamo che entrambi stanno lottando per realizzare i loro sogni. Sono entrambi artisti e si battono per lo stesso tipo di riconoscimento professionale, unito al desiderio e alla necessità di mostrare i loro talenti in forma pura senza le variazioni annacquate che Hollywood - La La Land - di solito spinge su attori e musicisti.

**3. PUSH/PULL MEET-CUTE**

A un'estremità dello spettro, abbiamo il simpatico incontro Pull/Pull in cui i personaggi sono immediatamente attratti l'uno dall'altro. All'altra estremità dello spettro c'è l'incontro carino Push / Push, dove gli eventuali amanti si allontanano all'istante l'uno dall'altro.

Ma a volte abbiamo l'incontro carino in cui uno è più interessato dell'altro: il Push / Pull. È qui che prevale il momento imbarazzante dell'incontro. Un personaggio sta facendo del suo meglio per impressionare mentre l'altro inizialmente ha poco o nessun interesse.

In Scott Pilgrim vs. the World, Scott insegue Ramona per tutto il corso della storia. Dal punto di vista della trama, offre una sfida immediata da superare per il protagonista. E può anche rivelare le loro lotte interiori durante il loro viaggio emotivo per dimostrarsi degni dell'altro.

L'incontro iniziale di Scott con Ramona è terribilmente imbarazzante, il che offre al pubblico un momento di vera ilarità e ci costringe a entrare in empatia con la difficile situazione di Scott.

Ancora una volta, ci chiediamo come questi due possano connettersi, in questo caso, dato che uno è interessato e l'altro chiaramente no.

La cosa grandiosa di questo tipo di incontro carino è che più tipi di personaggi possono essere lanciati in questa situazione. Tutto ciò che comporta è un interessato che persegue un altro disinteressato.

**4. INCONTRO NEUTRO/NERVOSO-CARINO**

Il tipo Neutro/Nervoso di meet-cute non è utilizzato così spesso come i tre precedenti, ma offre una miscela perfetta di ilarità e dolcezza.

Un personaggio è estremamente nervoso durante il primo incontro, mentre l'altro è piuttosto neutrale rispetto alla situazione attuale.

In Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Joel e Clementine sono esempi perfetti di Neutral vs. Nervous. Joel è quello nervoso. È piuttosto introverso a prima vista, mentre Clementine è neutrale al momento, mentre allo stesso tempo è in qualche modo estroverso.

Quando hai un personaggio che è completamente a suo agio nella situazione di fronte a un altro che è chiaramente nervoso al suo interno, c'è un conflitto istantaneo. E quel conflitto non deve essere sempre negativo. Nel caso della scena sopra, è giocosa. Poiché è estroversa, è neutrale rispetto al conflitto. Non vede il grosso problema della loro interazione. Joel, tuttavia, è a disagio per tutto il tempo perché non sa come reagire alla sua immediata apertura.

Gli incontri carini non sono solo momenti insignificanti pensati per risate o romanticismo. Sono i trampolini di lancio delle tue storie romantiche. Dettano gli archi narrativi, gli archi dei personaggi e le caratterizzazioni tra i due protagonisti.

Quindi scegli saggiamente i tuoi incontri.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Come fanno gli sceneggiatori a sapere se stanno sovrascrivendo le loro sceneggiature?

La sovrascrittura è il primo e più comune ostacolo che gli sceneggiatori devono superare nella loro sceneggiatura.

PERCHÉ LA SOVRASCRITTURA È DANNOSA?

Le sceneggiature sono un tipo diverso di piattaforma di scrittura rispetto ai racconti e ai romanzi.

Con racconti e romanzi, devi concentrarti sui dettagli e sulla descrizione. Ti viene data la libertà di elaborare ed espandere immagini altrimenti semplici e dirette, principalmente perché con la piattaforma letteraria, sono solo l'autore e il lettore.

Le sceneggiature, d'altra parte, sono progetti letterari utilizzati per la collaborazione su larga scala per comunicare le immagini della sceneggiatura attraverso mezzi cinematografici e televisivi. Non è solo da autore a lettore: è sceneggiatore per agente/manager, dirigente/produttore dello sviluppo, regista, talento, scenografo, scenografo, direttore di scena, disegnatore di costumi, supervisore degli effetti speciali, coordinatore degli stunt, direttore della fotografia e montatore.

Poiché le sceneggiature non vengono pubblicate come manoscritti letterari, ci vogliono tutte quelle persone (e molte altre) per portare il contenuto dallo sceneggiatore al pubblico. E ciascuno di quegli individui - e i loro team - apporta la propria collaborazione stilistica al mix in questo senso.

Quindi dettagli e descrizioni elaborati non sono necessari - o desiderati - per le sceneggiature perché le sceneggiature sono solo l' inizio del processo cinematografico collaborativo. Pertanto, gli script richiedono solo tratti ampi. I tratti ampi sono tutto ciò che è necessario o desiderato.

Quello che vuoi realizzare nella tua sceneggiatura è creare un'esperienza cinematografica all'interno della lettura della tua sceneggiatura. Vuoi che quelle immagini volino fuori dalla pagina, piuttosto che serpeggiare nei dettagli della descrizione.

Vuoi che la lettura della sceneggiatura sembri come se il film fosse riprodotto nella mente e nell'immaginazione del lettore della sceneggiatura alla stessa velocità con cui sta leggendo.

Se sovrascrivi la sceneggiatura, non stai offrendo al lettore della sceneggiatura quell'esperienza, rendendogli difficile vedere la sceneggiatura come un potenziale film. E, sì, le sceneggiature sovrascritte sono una seccatura da leggere, il che può influenzare la decisione di un lettore di sceneggiature su quali script consigliare e quali script trasmettere.

Con questo in mente, ecco sette segni che stai sovrascrivendo le tue sceneggiature. Utilizzare questo elenco come rilevatori di sovrascrittura, sapendo che questi elementi non sono richiesti o desiderati.

1. MANCANZA DI SPAZIO BIANCO NELLA DESCRIZIONE DELLA SCENA

Qualsiasi bravo scrittore può scrivere una pagina intera descrivendo una stanza. Puoi essere articolato descrivendo i luoghi, i suoni, l'atmosfera e poi diventare poetico su ognuno di quei dettagli.

Non c'è spazio in una sceneggiatura per questo. Se elimini quegli elementi dalla descrizione della scena, sarai sulla buona strada per padroneggiare la scrittura di immagini compresse.

Devi prima pensarla in questo modo: ogni blocco di descrizione della scena è un'immagine che stai cercando di trasmettere. E devi trasmetterlo il più rapidamente possibile affinché il lettore sia in grado di vederlo con gli occhi della mente. Realizzi con il meno è più mantra che abbiamo dettagliato sopra.

Mentre scrivi, devi interpretare ogni blocco della descrizione della scena come un'immagine che stai lanciando contro di loro:

Questo è quello che voglio che tu veda.

Ora vedi questo.

Adesso succede questo.

C'è un ritmo. Quando hai lunghi paragrafi di descrizione della scena, il cervello del lettore lo registra in modo diverso nonostante dica la stessa cosa. Anche quando inseriamo quelle tre brevi frasi in un blocco di descrizione, il ritmo cambia.

Questo è quello che voglio che tu veda. Ora vedi questo. Adesso succede questo.

Stesse informazioni, ma se confuse insieme, si leggono in modo diverso. Ma quando lo spazio bianco viene utilizzato per differenziare ogni immagine che stai lanciando contro di loro, come nel primo esempio, senti un ritmo che scorre.

Possiamo fare un ulteriore passo avanti nella direzione del contesto musicale, dal punto di vista del ritmo. Quel primo esempio in cui queste tre linee sono separate crea un ritmo.

Boom Bada.

Boom.

C'è un ritmo. Ma quando combini quei battiti togliendo quello spazio bianco - quella pausa - ottieni un'esperienza ritmica molto diversa.

Boombadaboombadaboom .

Vedi e senti la differenza? La tua mente ha appena letto quel secondo esempio più come una frase confusa che come una serie di battiti fluidi. La tua mente è stata costretta a rallentare, se non per un breve momento, per assicurarsi che stesse elaborando correttamente le lettere.

Tieni presente che questi sono semplici frammenti. Quando applichi questa lezione alle pagine del copione effettivo e alle descrizioni delle scene all'interno, vedrai rapidamente quanto sia importante lo spazio bianco. Crea quel ritmo di sceneggiatura che dà alla sceneggiatura quella sensazione di "buona lettura".

Ecco un chiaro esempio.

In realtà non è così male. Due frasi per il primo paragrafo di descrizione della scena, uno spazio bianco e poi una frase più lunga per la descrizione della scena. Ma dai un'occhiata a questa prossima versione della stessa scena.

Breve, dolce, al punto, e ora sei pronto per passare al prossimo.

Se scopri che le tue sceneggiature hanno grandi blocchi di inchiostro ogni volta che c'è la descrizione della scena, stai sovrascrivendo la tua sceneggiatura.

2. INTESTAZIONI DI SCENE ECCESSIVAMENTE LUNGHE

Un altro errore commesso da molti sceneggiatori all'interno dei titoli delle scene è essere eccessivamente specifici.

Semplificare, semplificare, semplificare. Salva i dettagli per la descrizione della scena.

3. DIREZIONI MULTIPLE DELLA TELECAMERA

Sì, vuoi scrivere una sceneggiatura cinematografica che offra al lettore l'esperienza di vedere il film con gli occhi della mente mentre lo legge, ma questo non ha nulla a che fare con l'inclusione di più direzioni e angolazioni della telecamera.

Non abbiamo bisogno di leggere ogni angolo, ogni taglio, ogni transizione, ogni inserto e ogni effetto sonoro.

Non lo menzioneremmo se non accadesse nella stragrande maggioranza delle sceneggiature dei nuovi arrivati là fuori. Succede - molto.

Non sprecare l'immobilismo della sceneggiatura descrivendo quando e dove la telecamera si sposta, quando e dove siamo in un primo piano o campo lungo, ecc.

È compito del regista e del direttore della fotografia prendere queste decisioni. Stai rallentando la lettura chiedendo al lettore di script di prevedere i dettagli. Ricorda, a grandi linee.

Se un angolo, un taglio, una transizione, un inserto o un effetto sonoro è fondamentale per la storia, piuttosto che solo lo stile visivo generale, utilizzali di tanto in tanto. Oltre a ciò, se la tua sceneggiatura ha molte indicazioni della telecamera, stai sovrascrivendo la sceneggiatura.

4. DESCRIZIONE DELLA POSIZIONE ECCESSIVAMENTE DETTAGLIATA

Ora, questo è diverso dalla mancanza di spazio bianco menzionata sopra.

Nei racconti e nei romanzi, un autore può entrare nei dettagli specifici sull'ambientazione e sulla posizione di ogni momento all'interno della storia: aiuta a dipingere il quadro per il lettore.

Nelle sceneggiature, non è il tuo lavoro. Abbiamo solo bisogno delle linee generali. Ciò non significa che non puoi creare l'atmosfera. Devi solo padroneggiare l'arte di farlo in fretta.

Il confronto della descrizione della cella di prigione sopra è un esempio perfetto. Mentre la descrizione più lunga e dettagliata ha una prosa meravigliosa e offre più dettagli, il secondo esempio vende l'atmosfera con poche parole nel corpo di alcuni brevi frammenti di frasi.

Non abbiamo bisogno di conoscere ogni elemento sullo sfondo di una scena a meno che non sia fondamentale per la trama. Non abbiamo bisogno di conoscere la combinazione di colori della stanza. Non abbiamo bisogno di conoscere i tipi di sedie, piatti, elettrodomestici e decorazioni.

Inoltre, non abbiamo bisogno di sapere quale marca o tipo di auto, computer, smartphone o altri oggetti sta utilizzando il personaggio.

E non abbiamo bisogno di conoscere descrizioni eccessivamente dettagliate di mostri, alieni, robot o creature. Lascia che i professionisti in quei campi gestiscano tutto ciò per te mentre offri al lettore della sceneggiatura i tratti generali, che poi consentono loro di impiegare la propria immaginazione per riempire i dettagli.

5. DESCRIZIONE DEL GUARDAROBA ECCESSIVAMENTE DETTAGLIATA

Sì, gli attori ti diranno che il guardaroba di un personaggio è una parte importante dello sviluppo di ogni personaggio. Tuttavia, all'interno della sceneggiatura, dobbiamo solo leggere una descrizione generale, se presente.

Il guardaroba entra in gioco quando un costumista mette le mani sulla sceneggiatura. E poi il regista e l'attore entrano per mettere a punto la selezione.

Se stai introducendo un personaggio e vai nei dettagli specifici su cosa indossa, stai sovrascrivendo quella descrizione del guardaroba. La maggior parte delle volte non è necessario entrare nei dettagli.

Descrivi solo capi di abbigliamento o guardaroba specifici che sono parziali rispetto alla storia e alla caratterizzazione. Tutto il resto sarà ipotizzato o dettagliato dal capo del reparto guardaroba e costumi.

6. AVVERBI E VOCABOLARIO DI FANTASIA

Stephen King ha scritto: “L'avverbio non è tuo amico. Si consideri la frase 'Egli chiuse saldamente la porta.' Non è affatto una frase terribile, ma chiediti se 'fermamente' deve esserci davvero. E il contesto? Che dire di tutta la prosa illuminante (per non dire emotivamente commovente) che è venuta prima di "Ha chiuso la porta con fermezza"? Questo non dovrebbe dirci come ha chiuso la porta? E se la prosa precedente ce lo dice, allora "fermamente" non è una parola in più? Non è ridondante?"

Certo, gli avverbi hanno un posto nella scrittura, ma è quando li usi in modo eccessivo che la sceneggiatura viene sovrascritta.

E questo ci porta a un vocabolario eccessivamente complicato o elaborato.

Se vuoi mettere insieme una bella frase, scrivi un romanzo.

Anche allora, è sconsiderato cercare di impressionare qualcuno con il tuo vocabolario. Le sceneggiature riguardano il mettere le cose in parole povere con le parole più basilari in modo che il lettore della sceneggiatura possa elaborare la descrizione per vedere quel film attraverso gli occhi della mente il più rapidamente possibile.

7. ANALISI DELLE AZIONI COLPO DOPO COLPO, COLPO DOPO COLPO ED ESPLOSIONE DOPO ESPLOSIONE

I guasti colpo dopo colpo, colpo di pistola dopo colpo di pistola ed esplosione dopo esplosione diventano noiosi. E occupano molto spazio per la sceneggiatura.

Perderai rapidamente un lettore con quel tipo di descrizione dettagliata.

La scrittura dell'azione riguarda la visualizzazione dei tratti ampi per il lettore. Gli elementi importanti che spostano le sequenze di combattimento o inseguimento nella marcia successiva.

Dimentica i piccoli scambi di pugni, piedi o proiettili. Riguarda il pugno, il calcio e lo sparo principali che fanno avanzare la sequenza.

Se guardi una sequenza di combattimento come l'iconica battaglia di Bruce Lee contro Chuck Norris in Way of the Dragon, noterai i principali cambiamenti nel combattimento.

Quei colpi iniziali non sarebbero stati elencati uno per uno all'interno della sceneggiatura. Lo script leggerebbe semplicemente:

Calci violenti e abili vengono scambiati finché COLT (CHUCK NORRIS) COLLEGA FORTE CON UN CALCIO AL FRONTE DI TANG LUNG, facendolo volare a terra.

Questo è il primo momento chiave della lotta.

L'eroe viene abbattuto, sorpreso.

Questo è un cambiamento importante nella lotta, quindi è il tratto ampio che deve essere caratterizzato.

Poi prende più di un pestaggio e va giù. Colt scuote il dito, che è un altro momento chiave che cambia la sequenza del combattimento: Tang Lung ora cambia il suo stile e inizia a dominare.

Qualsiasi descrizione che scrivi all'interno delle tue sequenze d'azione dovrebbe concentrarsi su tratti ampi fino a quando non è il momento di presentare grandi momenti che spostano lo slancio.

Dai un'occhiata a questa iconica sequenza d'azione di The Matrix.

Stanno succedendo un sacco di cose, vero? Un sacco di proiettili, salti, colpi, ricariche e movimenti. Tuttavia, all'interno della sceneggiatura, la sequenza d'azione è solo un quarto di pagina della descrizione generale della scena.

Meno è meglio. Concentrati sui tratti generali e sulla descrizione dei momenti principali, quindi lascia che il resto dei collaboratori del film faccia il proprio lavoro.

Esamina le tue sceneggiature e vedi se riesci a trovare qualcuno di questi sette segni di sovrascrittura, quindi esegui una riscrittura lucida per eliminarli.

Per i nuovi script, leggi questo elenco prima di iniziare a scrivere e assicurati di non cadere in nessuna di queste trappole di sovrascrittura.

Le tue sceneggiature saranno migliori e alle persone che leggeranno le tue sceneggiature verrà offerta una straordinaria lettura cinematografica, entrambe le quali aumenteranno ulteriormente le tue probabilità di successo.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

film, corto, cortometraggi, sceneggiature

Quali sono i migliori film che dovresti studiare se vuoi utilizzare la narrazione e la voce fuori campo nelle tue sceneggiature?

Benvenuti in un'altra puntata della nostra serie 15 film che gli sceneggiatori dovrebbero guardare in cui esploriamo diversi argomenti di sceneggiatura e presentiamo alcuni dei migliori esempi cinematografici che gli sceneggiatori possono studiare e da cui imparare.

Qui presentiamo il tema della narrazione e della voce fuori campo.

La narrazione e la voce fuori campo nelle sceneggiature sono diventate un argomento tabù per molti, principalmente a causa di un racconto fittizio dei seminari di Robert McKee nel film Adaptation.

Nel film, Robert McKee, interpretato dallo schermo, si lamenta degli sceneggiatori che usano la voce fuori campo.

"E che Dio vi aiuti se usate la voce fuori campo nel vostro lavoro, amici miei. Dio vi aiuti! È una scrittura flaccida e sciatta. Qualsiasi idiota può scrivere una narrazione fuori campo per spiegare i pensieri di un personaggio. Devi presentare i conflitti interni del tuo personaggio nell'immagine, in simbolo. Il film è un mezzo di movimento e di immagine."

Il vero Robert McKee crede davvero nell'uso della voce fuori campo, ma solo se la sceneggiatura non dipende da questo.

Nei suoi insegnamenti, McKee restringe la narrazione a due tipi specifici: narrazione narrativa e narrazione contrappuntistica.

Telling Narration è una forma di narrazione che sostituisce la drammatizzazione. Invece di creare scene che drammatizzano la storia, la caratterizzazione e l'esposizione, Telling Narration recita la storia attraverso la voce fuori campo di un personaggio mentre le immagini sullo schermo illustrano o decorano la verbosità.

La narrazione contrappuntistica è la forma di narrazione preferita di McKee, in cui la voce fuori campo arricchisce il film mentre la storia e la sua esposizione sono completamente drammatizzate sullo schermo.

Se prendi la narrazione del film che usa la voce narrante e la elimini, probabilmente perderai molti dettagli della storia e del personaggio.

Ma per un film che utilizza la voce fuori campo contrappuntistica, se la elimini scoprirai che la storia e la caratterizzazione sono ancora molto efficaci dal punto di vista cinematografico: la narrazione contrappuntistica arricchisce la già eccellente drammatizzazione sullo schermo.

Eppure anche una sceneggiatura con un'eccellente narrazione e voce fuori campo come Goodfellas infrange le preferenze di McKee. Taylor Sheridan, che ha scritto Sicario , Hell or High Water e Wind River, ha detto a Vulture che quando ha studiato sceneggiature, si è reso conto che non doveva essere guidato da regole arbitrarie.

"Mi sono appena reso conto che nessuno sa cosa sta facendo. La nostra attività dice: 'Dammi la sceneggiatura che controlla tutte le scatole', ma i film che risuonano di solito non lo fanno... pensa a Goodfellas. Potrebbe essere un libro di testo su come non scrivere una sceneggiatura. Si basa sulla voce fuori campo all'inizio, poi la abbandona per un po', poi alla fine il personaggio parla direttamente alla telecamera. Quella struttura è così insolita che non ne hai senso di ciò che accadrà dopo. E per me, questo è l'obiettivo di uno sceneggiatore: permettere al pubblico di entrare in un mondo in cui non può prevedere cosa accadrà".

Come potete vedere, è un argomento molto dibattuto.

Da un punto di vista più obiettivo, la narrazione e la voce fuori campo vanno davvero male all'interno di una sceneggiatura quando lo sceneggiatore usa quegli elementi come una stampella per mostrare pensieri interiori e una cattiva esposizione.

Qui offriamo quindici film - senza un ordine specifico - che gli sceneggiatori dovrebbero guardare per studiare la narrazione e la voce fuori campo nelle sceneggiature. Analizzeremo anche brevemente ciò che puoi imparare da ciascuno.

Attenzione agli spoiler!

1. MEMENTO

Memento di Christopher Nolan è un film rivoluzionario, unico e del tutto originale che racconta una storia in ordine cronologico inverso e utilizza la narrazione attraverso la voce fuori campo per portare il pubblico nella mente di una persona con perdita di memoria a breve termine.

Senza la voce fuori campo, saremmo persi perché l'intero concetto della storia è comprendere la totale confusione di non essere in grado di conservare la memoria a breve termine, mentre stai cercando di risolvere un mistero di omicidio. Così la voce fuori campo gioca un ruolo fondamentale nella storia. Sì, si potrebbe sostenere che utilizza la voce fuori campo per condividere i pensieri interiori di un protagonista. Ma questo è il punto dell'intero film, cercare di capire il mistero in mezzo a questo disturbo mentale insieme al protagonista.

2. ADAPTATION

Nella vita reale, Charlie Kaufman è stato incaricato di adattare il romanzo The Orchid Thief per lo schermo. Nel tentativo di farlo, ha scritto se stesso nella sceneggiatura dopo aver fallito nel decifrare il codice di come adattare il romanzo senza cadere nelle molte trappole dei film di Hollywood. Mentre continua a scrivere, abbraccia ogni trappola e tropo di Hollywood che denuncia, incluso l'uso della voce fuori campo.

Questo crea una brillante forza di ironia in tutto il film. All'interno del film, Kaufman si oppone alle regole della sceneggiatura e della narrazione cinematografica e fa solo ciò che ritiene giusto. E il punto della narrazione e della voce fuori campo è comprendere il suo processo di pensiero creativo mentre le immagini dell'ironia si dispiegano davanti ai nostri occhi.

3. TAXI DRIVER

Martin Scorsese utilizza la voce fuori campo in molti dei suoi film, due dei quali saranno menzionati in questo elenco. In Taxi Driver, la voce fuori campo viene utilizzata per entrare nella testa di un individuo disturbato: Travis Bickle.

Mentre camminiamo e guidiamo attraverso la vita di Travis, sperimentiamo i suoi pensieri interiori, la maggior parte dei quali sono oscuri, cupi e sinistri, eppure possiamo relazionarci con molto di ciò che sta osservando. Questo crea un personaggio che non è solo un individuo malato che fa cose violente. Diventa una sorta di antieroe.

Allo stesso tempo, ci sentiamo anche spaventati da queste osservazioni. Ci fanno capire che le persone che vediamo camminare e guidare intorno a noi potrebbero benissimo avere pensieri che sono in oscuro contrasto con ciò che vediamo da queste persone all'esterno.

4. QUEI BRAVI RAGAZZI (GOODFELLAS)

Passeremo subito al nostro secondo film di Martin Scorsese che utilizza la voce fuori campo, anche se in un modo molto diverso.

In questo film, la voce fuori campo è narrazione, ci racconta una storia. In Memento, Taxi Driver e Adaptation, la voce fuori campo viene utilizzata per farci entrare nella testa dei personaggi. In Quei bravi ragazzi ci viene raccontata una storia. Sì, stiamo anche ricevendo alcuni pensieri interiori all'interno della voce fuori campo, ma la narrazione esiste per raccontarci una storia interessante. Ci vengono offerti ulteriori dettagli e informazioni di ritorno che accompagnano ciò che stiamo vedendo sullo schermo.

Ci vengono anche fornite alcune definizioni e approfondimenti sul mondo di questi bravi ragazzi.

Sì, Scorsese inganna quella narrazione passando brevemente dalla narrazione di Henry a sua moglie Karen. Tuttavia, in quel momento, ci sta raccontando una storia dal suo punto di vista, quindi è una scelta stilistica di Scorsese leggermente giustificata.

E poi alla fine accade qualcosa di unico. La narrazione fuori campo si trasforma improvvisamente nella rottura del quarto muro mentre Henry parla direttamente alla telecamera. Ciò conferma l'idea che ci viene raccontata una storia, che la narrazione è una confessione, il resoconto di un testimone e una storia che viene raccontata.

5. FIGHT CLUB

La voce fuori campo è stata uno strumento essenziale nell'adattamento del romanzo di Chuck Palahniuk. Senza di esso, non abbiamo il senso della narrazione in prima persona del libro, né possiamo assaporare il disgusto della rappresentazione del consumismo dell'autore.

La voce fuori campo del narratore ci accompagna nel viaggio dall'essere un consumatore al lamento del consumismo. Sentiamo una possibile scivolata nella follia, solo per poi renderci conto che stiamo assistendo solo a un lato della sua mente mentre afferra ciò che sta facendo l'altro lato.

Ci viene anche fornito un altro esempio della scelta stilistica di abbattere la quarta parete. Questo fa sobbalzare il pubblico perché passiamo da una narrazione fuori campo altrimenti di routine ai personaggi che ci parlano direttamente. È diverso. È originale. Ed è un po' rinvigorente essere coinvolti nell'azione.

6. THE USUAL SUSPECTS

Un elemento unico che questo film apporta al mix di voci fuori campo è l'idea se dovremmo o meno fidarci del narratore.

Alla fine di Fight Club capiamo di essere stati in qualche modo ingannati. Alla fine di The Usual Suspects, siamo stati apertamente mentiti e fuorviati. Ma questo è il punto. La confessione di Verbal e il resoconto del testimone sono uno stratagemma, pensato per guadagnare tempo e allontanare il detective dal vero profumo.

È un uso brillante della voce fuori campo e della narrazione. Abbiamo stabilito che Verbal è stato interrogato. I flashback della storia sono la storia che sta raccontando. Ascoltiamo come ascolta il detective. Mentre guardiamo lo svolgersi dell'azione, è pensata per essere l'elaborazione di quel racconto che non è evidente nella voce fuori campo e nella narrazione.

E alla fine, la rivelazione ci sconvolge. Ci siamo cascati, proprio come ha fatto il detective.

7. BADLANDS

Terence Malick è un autore che usa la voce fuori campo in modo quasi onirico. In Badlands , la narrazione di Holly ci offre un'idea dell'innocenza del suo personaggio, nonostante la violenza di cui siamo testimoni. Ed è inquietante sentire la sua giustificazione delle azioni sue e del suo amante.

8. THE ROYAL TENENBAUMS

Wes Anderson utilizza la voce fuori campo in modo più affidabile e autorevole. Ci fidiamo del narratore - doppiato da Alec Baldwin - perché non è mai un personaggio che vediamo sullo schermo. Invece, è un'autorità sui Tenenbaum, ci fornisce i dettagli e imposta il tono giusto per ogni scena a venire.

Ciò rende la voce fuori campo unica rispetto alla maggior parte dei film che utilizzano questo strumento. Eleva il contenuto della narrazione e conferisce un'atmosfera e un tono originali al film.

9. KISS KISS BANG BANG

Questo film, scritto da Shane Black ( Lethal Weapon, The Last Boy Scout, The Long Kiss Goodnight ), utilizza la satira della voce fuori campo. Il mistero poliziesco e il film noir sono due stili specifici di narrazione cinematografica maturi con tropi, incluso l'uso della voce fuori campo.

Black decide di inviare quel tropo facendo in modo che il personaggio di Robert Downey Jr. rompa il quarto muro al punto in cui il personaggio riconosce effettivamente che stanno narrando un film. È una scelta stilistica che migliora la storia del giallo altrimenti convenzionale, dandoci qualcosa di diverso all'interno di un giallo altrimenti convenzionale e di un film di genere noir.

Rimani fino alla fine di questa clip.

10. BULL DURHAM

La voce fuori campo all'interno di questo film è condivisa dai due protagonisti. Apriamo con Annie che spiega la tradizione del baseball e il suo posto unico all'interno del gioco. È la voce principale della voce fuori campo per tutto il film.

Ma poi passiamo a un momento in cui Crash sta arrivando per battere. La voce fuori campo è la sua, che ora mette in mostra i pensieri interiori di un giocatore di baseball mentre cercano di ottenere un successo.

Dal momento che il film è una lettera d'amore all'amore per il baseball - e all'amore stesso - perdoniamo il cambio di voce fuori campo mentre sperimentiamo i pensieri di un giocatore di baseball.

11. PIÙ STRANO DELLA FINZIONE (STRANGER THAN FICTION)

Uno degli usi più originali della voce fuori campo si presenta sotto forma di un protagonista la cui vita diventa sconvolta quando inizia a sentire nella sua testa la narrazione della sua vita da parte di un autore.

Questa voce fuori campo di Emma Thompson indica i vari difetti e passi falsi del personaggio, che, a sua volta, lo fa mettere in discussione ogni singola parte della sua vita.

Anche se sarebbe difficile emulare questo tipo di voce fuori campo in un'altra sceneggiatura senza derivare eccessivamente da questo concetto originale, apre alcune porte a pensare fuori dagli schemi quando si tratta di narrazione e voce fuori campo.

12. EASY A

La storia è narrata da Olive mentre parla alla sua webcam. La vediamo rivolgersi alla telecamera e la sentiamo anche attraverso la voce fuori campo.

La narrazione è unica perché fa parte della trama del film. Alla fine della storia, convince le persone a guardare il suo webcast, che si rivela essere la storia del film a cui abbiamo appena assistito in cui dichiara che con chi va a letto non sono affari di nessuno.

13. ELECTION

La voce fuori campo è condivisa da una manciata di personaggi principali e secondari per tutto il film, spostando la prospettiva e dandoci uno sguardo nei vari contesti della storia dell'elezione della scuola.

Per Tracy Flick, l'elezione è un suo diritto di nascita.

Per il signor McAllister, è una seccatura che gli rovina la vita.

Per Paul e sua sorella Tammy, è solo un passo che fanno attraverso le loro prove e tribolazioni adolescenziali.

Lo spostamento della voce fuori campo tra più personaggi offre una visione del personaggio e una prospettiva che altrimenti non avremmo avuto.

14. STAI VICINO A ME (STAND BY ME)

Il romanzo originale di Stephen King, The Body, è stato magistralmente adattato in questo lungometraggio, mantenendone il tono, l'atmosfera e la narrazione originale di Gordy che racconta la storia della sua avventura giovanile con i migliori amici che abbia mai avuto.

Apriamo con la narrazione, rivelando un personaggio che ripensa alla sua giovinezza dopo aver letto un articolo su un avvocato recentemente ucciso.

"Avevo dodici anni e tredici la prima volta che vidi un essere umano morto."

Quel live di apertura della voce fuori campo è il concetto della storia.

La voce continua a narrare la storia, rivelando linee di dialogo che arricchiscono le scene drammatizzate, proprio come preferisce Robert McKee.

Alla fine del film, viene rivelato che la voce fuori campo era in realtà il testo di una storia che il narratore stava scrivendo.

15. LA REDENZIONE DI SHAWSHANK (THE SHAWSHANK REDEMPTION)

Un'altra novella di Stephen King che è stata magistralmente adattata per lo schermo, mantenendo il tono, l'atmosfera e la struttura narrativa originali. Molte delle battute all'interno del libro sono state prese alla lettera e utilizzate all'interno della sceneggiatura.

La voce di Morgan Freeman ha sicuramente migliorato la voce fuori campo, come fa la sua voce praticamente con tutto ciò che legge. Ma il fatto che il personaggio di Red stesse narrando questa presa di speranza indica la forza dell'uso della prospettiva per migliorare il tema e la caratterizzazione.

Se la storia fosse stata narrata da Andy, avremmo perso la sua stravagante caratterizzazione. Ma con Red come narratore, Andy rappresentava una figura di speranza, resilienza e, infine, perseveranza.

Le nostre selezioni si basano esclusivamente sul merito dell'argomento in questione, con la piena consapevolezza che molti altri film meritano di essere presentati: stiamo solo selezionando i nostri quindici.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

WALT DISNEY, SCENEGGIATORE, cortometraggio, lungometraggi

Quali sono le citazioni più sagge e stimolanti del visionario pioniere e narratore Walt Disney che gli sceneggiatori possono applicare al loro viaggio nella sceneggiatura?

Se hai guardato Disney+, potresti esserti imbattuto nella fantastica serie di docu The Imagineering Story , creata, diretta e prodotta da Leslie Iwerks.

La serie si concentra su Walt Disney Imagineering e dà uno sguardo approfondito alla storia e alla creazione dei parchi a tema e delle attrazioni Disney in tutto il mondo. Il primo episodio si concentra principalmente su Walt Disney, i suoi primi lavori di animazione, la creazione delle società Walt Disney, la sua produzione cinematografica e la creazione di Disneyland e Disney World.

Ispirati da questa eccezionale serie, qui presentiamo quindici citazioni sagge e stimolanti di uno dei più grandi narratori del mondo, Walt Disney.

1. "TUTTI I NOSTRI SOGNI POSSONO DIVENTARE REALTÀ, SE ABBIAMO IL CORAGGIO DI PERSEGUIRLI".

Offriremo un'altra citazione che può aiutare a mettere in prospettiva la citazione di Walt.

“Un sogno scritto con una data diventa un OBIETTIVO. Un obiettivo suddiviso in passaggi diventa un PIANO. Un piano sostenuto da ACTION realizza i tuoi sogni.” — Greg Reid

I sogni sono realizzabili. Ma richiedono l'impegno per un obiettivo, la creazione di un piano e l'azione. E ci vuole coraggio per inseguire un sogno.

La maggior parte delle persone in questo mondo non insegue un sogno. Si guadagnano da vivere, crescono una famiglia e muoiono, forse affrontando il rimpianto più tardi nella vita o sul letto di morte, chiedendosi: " E se avessi inseguito quel sogno".

Se stai leggendo questo, non sei quella persona. Siete una razza insolita per il semplice fatto che ci state provando. Questo significa qualcosa. In effetti, questo significa molto perché stai facendo ciò che la maggior parte della popolazione non fa e non farà mai. Stai inseguendo un sogno nonostante tutte le avversità contro di te. Ci vuole coraggio.

2. "LA RISATA È SENZA TEMPO, L'IMMAGINAZIONE NON HA ETÀ, I SOGNI SONO PER SEMPRE."

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Walt ha abbracciato tre cose per tutta la vita: risate, immaginazione e sogni.

Era noto per il suo sorriso e le sue risate. Lo ha portato nella sua vita in ogni momento possibile. Quando sei in grado di ridere e goderti la vita, sei in grado di evitare di prendere le cose troppo sul serio, anche quando probabilmente sono molto serie nel grande schema delle cose. Il punto è avere un po' di leggerezza nelle situazioni difficili. E come sceneggiatore, dovrai affrontare molte difficoltà e rifiuti. Essere in grado di ridere in quei momenti è essenziale.

E guarda cosa ha fatto Walt con le sue altre parole preferite: immaginazione e sogni. Ha creato personaggi senza tempo. Ha costruito un impero incentrato sui sogni e la meraviglia. Ha creato i luoghi più felici della Terra.

Abbraccia ciò che Walt ha abbracciato e andrai benissimo nella vita e nel tuo viaggio di sceneggiatore.

3. "PERCHÉ PREOCCUPARSI? SE HAI FATTO DEL TUO MEGLIO, PREOCCUPARTI NON MIGLIORERÀ LE COSE."

Preoccuparsi se questo insider del settore o quell'insider del settore ameranno la tua sceneggiatura è energia sprecata. Non hai alcun controllo su questo.

Non hai alcun controllo su chi risponde al tuo copione e chi no.

Non hai alcun controllo su chi lo acquista e chi lo respinge.

Tutto quello che puoi fare è renderlo il miglior copione possibile. E se nessuno risponde, vai avanti e continui quel processo di apprendimento.

Preoccuparsi è uno spreco di energia e di tempo. Perché preoccuparsi di qualcosa su cui non hai il controllo in primo luogo? Basta scrivere la sceneggiatura, scriverla bene, pubblicarla e lasciare che il destino decida il resto mentre si passa alla successiva.

4. "IL MODO PER INIZIARE È SMETTERE DI PARLARE E INIZIARE A FARE".

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La maggior parte può parlare, ma non può camminare. Parlare è economico. Non significa niente finché non fai il lavoro.

A nessuno importa quanto tu possa essere bravo come lanciatore o donna di lancio. A nessuno importa quanto bene puoi analizzare un film o una sceneggiatura come sceneggiatore. Se non riesci a sederti, fare il lavoro e portare a termine tutti quei discorsi, non sei uno sceneggiatore.

Meno chiacchiere, più azioni.

5. "CONTINUIAMO AD ANDARE AVANTI, APRENDO NUOVE PORTE E FACENDO COSE NUOVE, PERCHÉ SIAMO CURIOSI E LA CURIOSITÀ CONTINUA A PORTARCI SU NUOVE STRADE."

Un tratto sottovalutato di un grande sceneggiatore è la curiosità. La curiosità ti porterà a concetti sorprendenti. La curiosità guiderà il tuo processo di ricerca. La curiosità ti aiuterà a esplorare e scoprire i migliori archi narrativi e dei personaggi.

Nella sceneggiatura e nella vita, la curiosità è ciò che ci tiene vivi, respiranti e fiorenti, sempre alla ricerca e alla scoperta. Abbraccia la curiosità.

6. "QUANDO CREDI IN UNA COSA, CREDICI FINO IN FONDO, IMPLICITAMENTE E INDISCUTIBILMENTE."

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Walt credeva nell'impossibile e ha reso possibile il possibile.

L'interpretazione dei profani di questa citazione è: "Non fare niente di stupido".

Se vuoi essere uno sceneggiatore, devi andare all-in. Devi credere che sia possibile. Quella convinzione ti spingerà a fare tutto il necessario per realizzare quel sogno. Non ti lascerai dissuadere dagli oppositori. Non lascerai che le probabilità contro di te ti sconfiggano. Non accetterai un no come risposta. Non ti arrenderai finché non avrai realizzato quel sogno. Perché? Perché ci hai creduto fino in fondo, implicitamente e indiscutibilmente.

7. "PRENDITI UNA BUONA IDEA E MANTIENILA. PERSEGUILA E LAVORACI FINO A QUANDO NON È FATTA BENE."

Non abbandonare un concetto o una sceneggiatura.

Senti, sarà difficile decifrare la storia. Sarà difficile decifrare i personaggi. Ci vuole sforzo. Ci vuole immaginazione. Ci vuole esplorazione.

Quando il gioco si fa duro e ti ritrovi in una carreggiata, non commettere l'errore di dire: "Questo non funziona". Fallo funzionare. Fai il lavoro in modo che tu possa farlo funzionare. E non smettere di farlo finché non è fatto bene!

**8. "QUALUNQUE COSA TU FACCIA, FALLA BENE. "**

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Evita la trappola di essere compiacente e accontentarti della media o meno.

Ogni sceneggiatura che scrivi dovrebbe essere la migliore versione possibile che puoi concepire, anche se stai scrivendo concetti semplici o sceneggiature di genere stereotipate. Fai del tuo meglio per elevare quei concetti e quei tipi di script. Scrivine la migliore versione possibile.

Qualunque cosa tu scriva, rendila fantastica.

9. "TUTTE LE AVVERSITÀ CHE HO AVUTO NELLA MIA VITA, TUTTI I PROBLEMI E GLI OSTACOLI, MI HANNO RAFFORZATO. POTRESTI NON RENDERTENE CONTO QUANDO SUCCEDE, MA UN CALCIO NEI DENTI POTREBBE ESSERE LA COSA MIGLIORE DEL MONDO PER TE."

Devi fallire prima di poter prevalere. Il fallimento ti insegna le cose necessarie che devi imparare per avere successo.

Quindi, quando il fallimento e il rifiuto sono evidenti (e lo saranno la maggior parte delle volte), accettali. Impara da loro. Cavalca le onde di qualsiasi problema, ostacolo o avversità, perché quando esci da quel tunnel delle onde, ne uscirai uno sceneggiatore migliore e una persona migliore.

10. "UNA PERSONA DOVREBBE FISSARE I SUOI OBIETTIVI IL PRIMA POSSIBILE E DEDICARE TUTTA LA SUA ENERGIA E TALENTO PER ARRIVARCI."

Non intraprendere il tuo viaggio di sceneggiatore senza sapere cosa vuoi ottenere da esso. Sì, i tuoi obiettivi possono evolversi, adattarsi e cambiare man mano che scopri sempre di più su te stesso come scrittore. Ma devi iniziare da qualche parte.

Non aspettare troppo a lungo, fluttuando nel vento senza meta. Metti gli occhi su un obiettivo, fai un piano e agisci per implementarlo.

11. "LA FELICITÀ È UNO STATO D'ANIMO. È SOLO IN BASE AL MODO IN CUI GUARDI LE COSE."

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Puoi scegliere di essere infelice perché stai lottando con una sceneggiatura, provando e fallendo a farla leggere dagli addetti ai lavori di Hollywood e avendo la pressione sulle spalle di trovare un grande (e commerciabile) concetto da scrivere.

Oppure puoi essere felice sapendo che stai facendo ciò che la maggior parte delle persone al mondo non farà mai: inseguire il tuo sogno.

12. "GUARDO SEMPRE IL LATO OTTIMISTA DELLA VITA."

Se scegli di guardare a Hollywood e al tuo viaggio di sceneggiatore con un punto di vista pessimista, non durerai molto a lungo in questo settore. Ti brucerai e sprecherai tutto il talento che hai.

Hai presentato una sceneggiatura a un concorso importante, sei arrivato in finale, ma non hai vinto. Puoi gridare contro il concorso e diventare cinico nei confronti del processo, oppure puoi guardare il lato ottimista della vita e dire: "Sono arrivato alla finale di un concorso importante!"

Un produttore ha letto la tua sceneggiatura ma ha detto che non era per loro ed è passato. Puoi crogiolarti nell'autodisperazione, oppure puoi guardare il lato ottimista della vita e dire: "Ho un produttore che legge la mia sceneggiatura!"

Quando ti concentri sugli aspetti positivi della vita, non sarai accecato dal cinismo e dal pessimismo che spesso offuscano la visione della maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi.

13. "FAI UN BUON LAVORO. NON DEVI PREOCCUPARTI DEI SOLDI - SI PRENDERÀ CURA DI SE STESSO."

Ancora una volta, non perdere tempo a preoccuparti.

C'è un detto comune nello sviluppo di Hollywood quando si tratta di sceneggiature: la crema salirà . Le sceneggiature meglio scritte ricevono sempre il dovuto preavviso. Il tuo obiettivo principale non dovrebbe essere quello di ottenere il grande stipendio. Dovrebbe essere quello di scrivere la migliore sceneggiatura possibile.

Il resto verrà da sé.

14. "SOGNI, IDEE E PIANI NON SOLO SONO UNA VIA DI FUGA, MA MI DANNO UNO SCOPO, UN MOTIVO PER RESISTERE."

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Il tuo sogno di sceneggiatore dà alla tua vita uno scopo in più. I tuoi concetti ti permettono di scappare e diventare costruttori di mondi. I tuoi piani ti danno un obiettivo ogni giorno, settimana, mese e anno.

Avere sogni, idee e progetti è essenziale per una vita sana e appagante.

15. "LA DIFFERENZA TRA VINCERE E PERDERE È MOLTO SPESSO NON ARRENDERSI".

Perdi quando smetti. Non puoi vincere quando perdi. Se continui con questo viaggio di sceneggiatura e senti sinceramente che è giusto per te, alla lunga vincerai. Troverai un modo.

E saprai quando la sceneggiatura è giusta per te quando affronti gli ostacoli, i dolori, le lotte e il rifiuto - e vuoi ancora il sogno nonostante tutto ciò.

Non mollare.

CITAZIONE BONUS: "HO IMPARATO CHE IL MIGLIOR TRIONFO CHE POSSO AVERE È AVERE IL DIRITTO DI CHIAMARE QUALCUNO 'MIO AMICO'. HO SCOPERTO CHE L'AMORE È PIÙ DI UN SENTIMENTO DI ESSERE INNAMORATO, 'L'AMORE È UNA FILOSOFIA DI VITA.' QUEL GIORNO HO SMESSO DI ESSERE UN RIFLESSO DEI POCHI TRIONFI DEL MIO PASSATO, E HO COMINCIATO AD ESSERE LA MIA TENUE LUCE DEL PRESENTE; HO IMPARATO CHE NON IMPORTA SE SEI ACCESO... SE NON ILLUMINERAI LA STRADA DI UN ALTRO. QUEL GIORNO HO DECISO DI CAMBIARE TANTE COSE... QUEL GIORNO HO IMPARATO CHE I SOGNI ESISTONO SOLO PER ESSERE REALIZZATI. DA QUEL GIORNO NON DORMO PIÙ PER RIPOSARE... ORA SOGNO SOLO PER I SOGNI. E HO COMINCIATO AD ESSERE LA MIA TENUE LUCE DEL PRESENTE; HO IMPARATO CHE NON IMPORTA SE SEI ACCESO... SE NON ILLUMINERAI LA STRADA DI UN ALTRO. QUEL GIORNO HO DECISO DI CAMBIARE TANTE COSE... QUEL GIORNO HO IMPARATO CHE I SOGNI ESISTONO SOLO PER ESSERE REALIZZATI. DA QUEL GIORNO NON DORMO PIÙ PER RIPOSARE... ORA SOGNO SOLO PER I SOGNI." E HO COMINCIATO AD ESSERE LA MIA TENUE LUCE DEL PRESENTE; HO IMPARATO CHE NON IMPORTA SE SEI ACCESO... SE NON ILLUMINERAI LA STRADA DI UN ALTRO. QUEL GIORNO HO DECISO DI CAMBIARE TANTE COSE... QUEL GIORNO HO IMPARATO CHE I SOGNI ESISTONO SOLO PER ESSERE REALIZZATI. DA QUEL GIORNO NON DORMO PIÙ PER RIPOSARE... ORA SOGNO SOLO PER I SOGNI."

Grazie per averci insegnato come abbracciare i nostri sogni, Walt.

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Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Indiana Jones, arco narrativo, cortometraggio, film

Quando parliamo di archi dei personaggi, ci riferiamo alla trasformazione o al viaggio emotivo interiore che un personaggio attraversa nel corso della storia. Il personaggio è un tipo di persona all'inizio della storia e alla fine si evolve in un diverso tipo di persona come risultato del conflitto con cui hanno avuto a che fare nel corso della trama.

Il perdente si trasforma in un vincitore.

I deboli si trasformano in forti.

I riluttanti si trasformano in uomini o donne d'azione.

Chi non è amato o non ama trova l'amore.

Gli arroganti o gli ignoranti sono umiliati o risvegliati.

Lo scettico diventa credente.

Tuttavia, alcuni film non sono scritti per insegnare ai loro protagonisti lezioni di vita. Alcuni film non sono pensati per far cambiare i loro personaggi in meglio o in peggio.

Ci sono molti racconti cinematografici fantastici e divertenti che si concentrano sul portare un particolare protagonista senza arco attraverso prove di conflitto al solo scopo di vedere come quel tipo di personaggio fallisce o prevale entro la fine: Il lupo di Wall Street, Il grande Lebowski, Il buono, il brutto e il cattivo e Non è un paese per vecchi sono alcuni possibili esempi (anche se si potrebbero fare discussioni) di film che hanno protagonisti senza archi di personaggi. Non si trasformano né intraprendono un viaggio interiore-emotivo che li cambia.

Reagiscono semplicemente al conflitto, lottano per superarlo, o l'aspetto intrigante della storia è osservare come il loro tipo di personaggio affronta qualunque conflitto venga loro lanciato.

E di solito in cima alla lista No Character Arc c'è uno dei più grandi eroi cinematografici: Indiana Jones. Molti esperti sono irremovibili sul fatto che Jones non abbia un arco. Non cambia nel corso di un film. Non impara nulla e certamente non applica la conoscenza e l'esperienza acquisite per prevalere alla fine. È solo Indiana Jones in un'altra avventura - ed è emozionante da guardare.

Qui ci tufferemo brevemente nel personaggio di Indiana Jones e troveremo un arco per sfatare gli oppositori.

E si spera che tu, lo sceneggiatore, possa usarlo come lezione per trovare modi - grandi o piccoli - per inserire almeno un arco di personaggi nelle tue storie che, in superficie, potrebbero non richiederne. Perché le storie migliori sono quelle che hanno la massima profondità del personaggio possibile, anche quelle che potrebbero non richiederlo per creare un film altrimenti divertente.

"ODIO I SERPENTI, JOCK. LI ODIO!"

Se non avessimo nient'altro di cui scrivere, questo arco del personaggio potrebbe essere percepito come una forzatura. Ma se così tanti diranno che Indiana Jones ha un archetipo piatto senza arco del personaggio, allora dobbiamo sottolineare anche l'esempio più sottile.

All'inizio di I predatori dell'arca perduta, Indy è sfuggito a un gruppo di guerra di indigeni mentre sale sull'aereo del suo pilota Jock. È inorridito nel trovare il serpente domestico di Jock in grembo.

"C'è un grosso serpente nell'aereo, Jock!"

"Oh, quello è solo il mio serpente domestico Reggie."

"Odio i serpenti, Jock. Li odio!"

"Oh andiamo, mostra un po' di spina dorsale."

Anche se questa è chiaramente una sottile prefigurazione della cripta di cui parleremo; crea anche un leggero arco di carattere.

Più avanti nella storia, Indy, Sallah e gli scavatori aprono l'ingresso della cripta che custodisce l'Arca dell'Alleanza.

Sallah nota qualcosa sul pavimento.

"Indy, perché il pavimento si muove?"

Indy guarda in basso e lancia una torcia sul fondo, illuminando un pavimento infinito di serpenti mortali. Terrorizzato, Indy rotola via dall'ingresso alla sua schiena.

"Serpenti. Perché dovevano essere serpenti."

Nonostante tutto quello che ha passato, non ha ancora la "spina dorsale" quando si tratta di affrontare i serpenti.

Tuttavia, li affronta una volta che Sallah e Indy scendono nella cripta.

Dopo aver rispedito l'Arca, Sallah si arrampica sulla corda fuori dalla cripta, lasciando Indy da sola con centinaia di serpenti ancora striscianti. Ma poi c'è un colpo di scena. Belloq ei suoi amici nazisti lanciano la corda e alla fine mandano anche Marion nella cripta.

Sigillano l'ingresso, intrappolando Indy e Marion per quella che credono sarà un'eternità.

Quindi, mentre Indy è sopravvissuto con successo alla minaccia della sua più grande paura, ora deve proteggere Marion dai serpenti mentre trova una via d'uscita dalla cripta, il tutto mentre il loro fuoco si sta spegnendo e i serpenti si stanno avvicinando a loro.

Nonostante questa avversità, Indy prevale. In effetti, affronta i serpenti senza paura e trova una via d'uscita.

Per definizione, questo è un arco di caratteri. Indy si è trasformata da una persona che in precedenza aveva paura dei serpenti e in una persona che potrebbe affrontare quella paura a testa alta. Potrebbe ancora temerli molto bene, ma è cresciuto un po' di spina dorsale quando si tratta di affrontarli.

DA SCETTICO A CREDENTE

In I predatori dell'arca perduta, Indy viene avvicinata all'università da due agenti dell'intelligence dell'esercito. Per farla breve, vogliono offrire a Indy il compito di andare a trovare l'Arca dell'Alleanza prima che lo facciano i nazisti.

Mentre si parla molto del mito soprannaturale biblico, Indy non è un credente. È uno scettico. È presente nelle sue discussioni con gli agenti dell'intelligence dell'esercito mentre spiega cosa cercano Abner Ravenwood e i nemici nazisti.

"Sì, i veri Dieci Comandamenti. Le tavole di pietra originali che Mosè fece scendere dal monte Horeb e fracassò... se credi in quel genere di cose."

Mentre Marcus discute il potere soprannaturale dell'Arca, Indy cammina pensierosa ed eccitata, respingendo il discorso del "hocus pocus" e, invece, si concentra sull'emozione di poter trovare l'Arca dell'Alleanza - quello che sarebbe storicamente un importante ritrovamento archeologico.

Più avanti nel film, Indy respinge persino l'esitazione di Marcus e, poi, di Sallah, poiché entrambi avvertono Indy che l'Arca potrebbe essere troppo pericolosa per essere trovata.

Indy è alla ricerca di un ritrovamento archeologico, un altro manufatto storico. Non ha alcun interesse che gli avvertimenti biblici o le minacce di qualsiasi potere soprannaturale cadano nelle mani sbagliate. Vuole prendere l'Arca.

Tuttavia, quando lui e Marion sono legati a un palo dietro i soldati nazisti che guardano l'apertura dell'Arca durante una cerimonia guidata da Belloq, Indy sceglie di credere nel potere dell'Arca. Vede che sta succedendo qualcosa e dice a Marion di chiudere gli occhi, qualunque cosa accada.

Il potere dell'Arca viene scatenato e Indy apprende rapidamente che le forze soprannaturali incentrate dentro e intorno all'Arca sono reali.

Questo lo trasforma da scettico a credente.

FORTUNA E GLORIA

In Indiana Jones e il tempio maledetto, vediamo una versione precedente di Indiana Jones, poiché questo film è un prequel degli eventi di I predatori dell'arca perduta.

Indy è un cacciatore di tesori. Sembra più interessato alla fortuna e alla gloria che ai manufatti stessi. È anche materialista. Il film si apre con lui che cerca di scambiare un manufatto cinese con un diamante.

Proprio come in I predatori dell'arca perduta, Indy è scettica. Non crede che la sfortuna che il villaggio ha avuto da quando le pietre sono state rubate abbia qualcosa a che fare con forze soprannaturali. A lui non importa. Dice al suo aiutante Short Round che le pietre non rappresentano altro che fortuna e gloria.

Ma alla fine della storia, quando Indy li ha recuperati, li restituisce al villaggio. Non li tiene e li incassa per quella fortuna e gloria.

Questa è una trasformazione. È cambiato internamente a causa degli eventi che lui e quegli abitanti del villaggio hanno attraversato. Libera i bambini e restituisce loro e le pietre al villaggio per qualcosa di più rappresentativo della fortuna e della gloria emotiva interiore.

Nota: gli eventi di Indiana Jones e il Tempio del Destino in realtà confutano in qualche modo l'arco Da Scettico a Credente di Indy, perché, in questo prequel, ha chiaramente sperimentato eventi soprannaturali reali. Ma lo lasceremo scivolare perché il concetto e la storia del prequel sono stati concepiti dopo il debutto di Raiders of the Lost Ark.

PER AMORE DELLE DONNE

In I predatori dell'arca perduta, viene rivelato che Indy e Marion avevano una relazione precedente, anni prima. L'ha lasciata con il cuore spezzato. La loro relazione è ora tornata al punto di partenza poiché Indy ha bisogno di Marion per aiutarla a trovare l'Arca.

Mentre inizialmente litigano, presto iniziano a mostrare sentimenti l'uno per l'altro. Vediamo questa relazione svolgersi.

Quando Marion presumibilmente muore, vediamo l'angoscia che Indy prova mentre beve via il suo dolore.

Quando la trova viva - prigioniera di Belloq e dei nazisti - mostra il suo amore.

Alla fine del film, si avviano verso una nuova vita insieme, a braccetto.

Se applichiamo retroattivamente la relazione di Indy con Willie Scott in Indiana Jones e il tempio maledetto, vediamo che un anno prima era una specie di donnaiolo. Mentre il personaggio di Willie è stato scritto come una damigella in pericolo, Indy non ha mai mostrato alcun amore nei suoi confronti, come ha fatto con Marion. C'è un'attrazione, sì. Ma in realtà tratta Willie piuttosto male per tutto il tempo.

Quindi, alla fine de I predatori dell'arca perduta, vediamo che ha trovato l'amore della sua vita. Se teniamo conto del tanto diffamato quarto capitolo del franchise (questa sarà l'unica menzione di quel film), Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo, vediamo dove i due finiscono finalmente: sposati.

Quindi Indy si è trasformata da un po 'di donnaiolo in un altro significativo amorevole e premuroso.

E in Indiana Jones e l'ultima crociata, incontra un'altra donna durante un periodo in cui lui e Marion si sono separati. Tuttavia, Indy la sta corteggiando più come un'avventura. Non c'è una connessione così forte. Tuttavia, alla fine del film, nonostante abbia scoperto che Ursa sta lavorando con i nazisti, Indy mostra rimorso per il suo personaggio e lotta per salvarsi la vita.

Passa dal soffocarla a morte di rabbia mentre i nazisti bruciano libri sullo sfondo per stringerle la mano, implorandola di dimenticare il Santo Graal e aiutarlo a tirarla su.

Il vero arco romantico ed emotivo di Indy e del suo interesse amoroso è più presente in I predatori dell'arca perduta. E quando è unito alla storia del prequel, quell'arco è ancora più presente e poi chiude il cerchio nel quarto capitolo.

Passa da professore donnaiolo e avventuriero a marito devoto nell'arco di quattro film.

L'ULTIMA CROCIATA DI INDY

Il titolo Indiana Jones e l'ultima crociata aveva un doppio significato nel 1989. Il titolo si riferiva all'ultima crociata alla ricerca del Santo Graal e accennava all'ultima puntata del franchise di Indiana Jones.

Ed è questo film che ha dato a Indy la massima profondità del suo personaggio.

Lo incontriamo da giovane adolescente, imparando presto da dove provenivano i suoi oggetti distintivi e le sue paure.

Ci viene quindi presentato il suo rapporto con suo padre, che ora è scomparso mentre cercava il suo obiettivo finale nella vita: trovare il Santo Graal.

Non c'era molto amore mostrato tra i due nella giovinezza di Indy e quando li vediamo insieme per la prima volta. Osserviamo persino Indy che si rivolge a suo padre, sperando in un orgoglioso riconoscimento mentre sconfigge i nazisti intorno a loro. Non l'ha preso da suo padre.

Non è fino al viaggio sullo zeppelin che vediamo cambiare l'arco della loro relazione.

E mentre Indy si avvicina sempre di più al Santo Graal, Indy comprende l'ossessione di suo padre per esso. Si vede negli occhi e nelle azioni di suo padre.

LE AVVENTURE DI INDIANA JONES NON AVEVANO BISOGNO DI UN ARCO NARRATIVO, MA...

I miti di ogni McGuffin, le avventure e le emozioni sarebbero stati più che sufficienti per offrire al pubblico un viaggio divertente nei cinema.

Ma poiché gli sceneggiatori hanno dato abbastanza profondità e arco al personaggio per il protagonista, ci è rimasto un nome iconico che ha superato la prova del tempo.

Abbina queste trasformazioni e i viaggi emotivi interiori di Indiana Jones con le sue connessioni emotive con altri personaggi, così come le chiare tendenze umane al fallimento e alla vulnerabilità (fisica ed emotiva), e avrai uno dei migliori personaggi nella storia del cinema - completo con profondità e arco.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

MEMENTO

Memento è stato il secondo lungometraggio di successo del poco conosciuto duo di sceneggiatori e registi, Jonathan e Christopher Nolan, e il nostro primo assaggio delle loro tecniche di narrazione non convenzionali.

Un mistero su chi l'ha fatto con un protagonista alla ricerca dell'assassino di sua moglie. Questa sarebbe la nostra introduzione ufficiale allo stile Nolan in quanto nulla può essere così semplice. No, per aggiungere un po' di complessità, il protagonista soffre di amnesia anterograda a causa dell'attacco (non ha una nuova memoria a lungo termine). Il personaggio deve risolvere il mistero scattando polaroid e tatuando importanti informazioni sul suo corpo. Oh, e ci sono due linee temporali intrecciate e una sta andando al contrario.

Ecco il punto, Christopher Nolan è un antico orologiaio in un'era di orologi digitali. Smonta le sue trame e le ricostruisce. Armeggia e mappa le progressioni della sua storia con ritmi lirici e crea grafici che mostrano il viaggio che un personaggio intraprenderà attraverso la mente subconscia. È molto. Dicono che una sceneggiatura sia il progetto di un film. Bene, anche le sceneggiature di Nolan hanno dei progetti .

Andy Klein ha scritto un fantastico articolo per Salon che decostruisce la struttura della scena di Memento e offre uno sguardo penetrante nella mente brillante di Christopher Nolan.

NIGHT OF THE LIVING DEAD - LA NOTTE DEI MORTI VIVENTI

Quando The Motion Picture Production Code crollò nel 1967, risvegliò un gruppo di zombi in George A. Romero e John Russo. Il peso delle restrizioni che erano state tolte dalle spalle dei cineasti era mostruoso. Cineasti come Alfred Hitchcock hanno eluso per anni il sistema di censura con effetti visivi e audio intelligenti.

Il nuovo sistema di classificazione dei film MPAA non sarebbe stato in vigore fino al novembre 1968, lasciando appena il tempo necessario a La notte dei morti viventi per entrare nelle sale nell'ottobre di quell'anno. Senza un sistema di classificazione in atto, anche i bambini piccoli hanno avuto accesso al film, aumentando le polemiche che si sono diffuse come una piaga. Il pubblico non aveva mai visto niente del genere. Era sangue a bizzeffe.

Il film è stato anche considerato rivoluzionario all'epoca perché il protagonista del film era un uomo di colore che guidava la lotta contro un'orda di zombi carnivori. Al culmine del movimento per i diritti civili, è stato incoraggiante vedere un uomo di colore prendere il comando sullo schermo.

I critici hanno sputato contro il film, ma nel giro di cinque anni è diventato il film horror di maggior incasso realizzato al di fuori del sistema dello studio. L'eredità del film persiste in tutta la cultura pop fino ad oggi.

ADAPTATION

Charlie Kaufman, il protagonista immaginario dell'ultra-meta-opera geniale di Charlie Kaufman, partecipa a un seminario di sceneggiatura. Ha raggiunto un punto di disperazione e lo ammette in un monologo di autocommiserazione totale, come fanno tutti gli scrittori a un certo punto.

McKee ribolle dal palco, “...e Dio vi aiuti se usate la voce fuori campo nel vostro lavoro, amici miei. Che Dio ti aiuti. È una scrittura flaccida e sciatta. Qualsiasi idiota può scrivere una narrazione fuori campo per spiegare i pensieri di un personaggio.

Charlie sprofonda nel suo sedile.

Questo è un film che utilizza il viaggio autoreferenziale di uno scrittore attraverso il dubbio, la gelosia e la disperazione per creare un meraviglioso pasticcio che si combina perfettamente. È una sceneggiatura scritta da e per gli sceneggiatori. Un vero inno all'artigianato.

(500) DAYS OF SUMMER

Per continuare l'intera conversazione sulla voce fuori campo, in questo film il narratore esagerato dice: “Questa è una storia di un ragazzo che incontra una ragazza. Ma dovresti sapere in anticipo che questa non è una storia d'amore.

Ancora una volta troviamo una storia non lineare in un genere che di solito non si discosta dalle convenzioni. Tutte le migliori commedie romantiche hanno i due piccioncini che si uniscono per un periodo di luna di miele, litigano per un problema di comunicazione, si lasciano, vanno avanti, realizzano il loro unico vero amore e tornano di corsa l'uno dall'altro. Il suo stile non convenzionale trova i flash mob che irrompono in numeri musicali.

(500) Days of Summer lo mantiene reale. È costruito sulle aspettative di Tom mentre si convince di aver trovato il suo unico vero amore in Summer, e sulle conseguenze che ne derivano quando si rende conto di non averlo trovato. Proietta il suo amore su Summer, che all'inizio dichiara chiaramente le sue intenzioni di non cercare niente di serio.

Poiché entrambi rinunciano ai propri desideri e bisogni per soddisfare l'altro, è chiaro che non sono destinati a durare. Tuttavia, considerando che si tratta di una commedia romantica, vogliamo che si riconcilino. Quindi, quando le cose inevitabilmente vanno a rotoli, gli spettatori si aggrappano alla delusione di Tom per il fatto che i loro desideri non sono stati soddisfatti, nonostante sapessero fin dalla prima riga che "questa non è una storia d'amore".

Il fascino del film è come mostra le parti delle relazioni che di solito non vediamo nelle commedie romantiche. Il pubblico può relazionarsi con i personaggi perché sono stati lì. Abbiamo tutti avuto relazioni fallite e amori non corrisposti e (500) Days of Summer attinge a questo.

UNA SEMPLIFICAZIONE ECCESSIVA DELLA SUA BELLEZZA

Il che ci porta a un'opera meno conosciuta che è una pura espressione creativa di un amore non corrisposto. L'uomo del Rinascimento Terence Nance ha scritto, diretto, prodotto, montato, recitato e animato questa esplorazione mista nella mente di un uomo dopo che un interesse romantico gli ha impedito un appuntamento.

Questo film rompe tutti i muri delle convenzioni ed è veramente libero in ogni modo immaginabile. È una danza poetica di brillantezza visiva e uditiva. Quando le persone chiedono una raccomandazione per un film che infrange tutte le regole e attinge a una forma inconscia di astrazione, questo è il film a cui mi rivolgo sempre.

Oh, e l'intero film è intriso di narrazione fuori campo.

*MENZIONE D'ONORE

FRIDAY NIGHT LIGHTS

Vediamo una squadra di giovani uomini superare devastanti battute d'arresto e arrivare fino ai campionati statali, solo per perdere. Questo segna un grande cambiamento nei film sportivi in cui la squadra per cui fai il tifo non esce in cima.

Per non parlare del fatto che i film sportivi non approfondiscono spesso le vite domestiche dei giocatori. Vediamo quanto significa il calcio per i ragazzi di Odessa. Per molti di loro, il venerdì sera sotto quelle luci sarà il più bello della loro vita.

Il calcio è uno stile di vita in molte piccole città del Texas. È una via d'uscita per pochi eletti e per il resto fornisce un senso di orgoglio o vergogna per tutta la vita. La pressione esercitata sui giocatori dai loro genitori e vicini aggiunge un altro strato dietro la necessità di vincere. Il film fa un ottimo lavoro nel mostrare quanto siano fugaci quei momenti e come il calcio incombe sulla città come una sorta di fardello.

"Impara le regole come un professionista, così potrai infrangerle come un artista." (Pablo Picasso)

Seconda parte finale dell'Articolo di Kevin Nelson per screencraft.org

Qui il link alla Prima parte

I film stanno diventando sempre più difficili da definire per genere. Mentre fiorisce il cinema indipendente e una nuova ondata di creatori ottiene l'accesso a una tecnologia incredibile, sta emergendo un paradigma artistico più intimo.

Un accresciuto senso di realismo ha portato a una fusione di generi che aiuta il nostro intrattenimento a riflettere meglio la vita. È quello che vuole il pubblico. Un solo giorno contiene montagne russe di emozioni, così come il nostro intrattenimento. Al giorno d'oggi una sitcom animata non è solo una serie di barzellette, ma attirerà anche le corde del tuo cuore. Ogni cosa ha un significato più profondo o una ragione d'essere.

Ecco alcuni film che hanno rotto il soffitto di vetro, abbattuto le prigioni della teoria del cinema, ricostruito capolavori, tirato fuori dai confini finché non ce n'erano più, e anche inavvertitamente creato un po' di caos nel processo.

CASABLANCA

Togliamoci di mezzo questo, va bene? C'è una ragione per cui questo film è in cima a ogni lista e, "Frankly Scallop, non me ne frega niente". Quando questo piccolo successo dormiente sconosciuto è stato rilasciato, ha infranto tutte le regole. Era una storia d'amore, ma il ragazzo non ha avuto la ragazza. Non c'era un finale da favola. Con due degli attori più famosi dell'epoca nel tendone, di certo non ha soddisfatto le aspettative del pubblico.

Questo è stato un film realizzato in un periodo in cui tutto era convenzionale, quindi è stato strabiliante che un blockbuster potesse deviare così tanto dalla norma. Tuttavia, il film stesso rifletteva molto il tempo. Il mondo ordinato era sull'orlo di un futuro incerto mentre la violenza e lo spionaggio prendevano piede. Rick ha dovuto superare la sua apatia e il suo conforto per intraprendere una giusta causa, e alla fine sacrifica l'amore per il dovere. Il finale era in anticipo sui tempi pur essendo interamente del suo tempo.

Tuttavia, Casablanca non è stata all'altezza a causa del suo tempo. Il destino di una donna dipendeva ancora da un uomo.

Sembra che proprio ora l'industria stia uscendo da questo modo di pensare arcaico, portandoci a...

FROZEN

Donne che prendono il controllo del proprio destino - in un film Disney nientemeno? Oh, che tempo per essere vivi. Frozen ha intenzionalmente capovolto la falsa nozione del principe azzurro cavalleresco (un tropo classico che i film Disney hanno contribuito a creare, nientemeno). Eppure la scrittrice Jennifer Lee ci ha fatto pensare che sarebbe stato proprio come ogni altro film Disney. Osserviamo mentre Anna si innamora ciecamente di Hans. È una storia d'amore da favola ideale. Sembrano fatti l'uno per l'altra.

L'amore a prima vista si rivela il peggior errore della vita di Anna quando scopre che lui l'ha usata. Hans, il perfetto cavaliere dall'armatura scintillante, ha secondi fini per sottrarre il potere alle sorelle. Invece di salvarla, la tradisce e Lee prepara magistralmente i vecchi tropi come trappole.

Non è una relazione romantica che alla fine pone fine alla maledizione dell'eterno inverno: è l'amore tra sorelle. Quando tutto è stato detto e fatto, Anna sceglie un uomo alle sue condizioni.

In un certo senso, Frozen ha rotto un incantesimo gelido che perdurava da tempo su Hollywood, ed è stato rilasciato all'inizio di un movimento che continua a far luce sui punti di forza, i talenti e il potere della femminilità in un settore tradizionalmente contrario alla parità di retribuzione per uguale lavoro.

BLADE, THEN DEADPOOL

Todd McFarlane ha combattuto per anni per portare sullo schermo il suo oscuro fumetto Spawn e alla fine ha realizzato il suo desiderio nel 1997. Come si suol dire, fai attenzione a ciò che desideri. Il problema era che all'epoca il materiale originale era considerato troppo oscuro. Per realizzare il film, sono state fatte molte concessioni per accontentare i produttori. Silly Rabbit, i film sui fumetti dovrebbero essere per bambini, giusto?

L'anno successivo, Blade è stato rilasciato e ha ottenuto un successo internazionale al botteghino. Essendo la prima grande uscita cinematografica della Marvel, ha dimostrato che un personaggio dei fumetti relativamente sconosciuto può spingere numeri reali con una valutazione R. Con i successivi successi di X-Men (2000) e Spider-Man (2002), la Marvel si stabilì in un modello di costruzione dell'universo adatto alle famiglie.

L'effetto valanga della crescita della Marvel ha reso ogni film più redditizio del precedente. Hanno evitato le valutazioni R per attirare il pubblico più vasto possibile. Chiunque poteva acquistare un biglietto con un rating PG-13 e l'obiettivo era quello di vendere i cinema. I dirigenti pensavano che le restrizioni avrebbero significato meno soldi. Sarebbero smentiti.

The Dark Knight Trilogy (2005, 2008, 2012) ha portato la torcia di film di supereroi oscuri, grintosi e realistici attraverso gli anni, ma ha comunque mantenuto le valutazioni al di sotto della linea. Non è stato fino a quando Deadpool (2016) non ha girato la scena che qualsiasi preoccupazione sul fatto che un film di supereroi oscuro e violento potesse incassare tanto denaro quanto Vendicatori è stata delusa. Gli sceneggiatori Rhett Reese e Paul Wernick hanno dimostrato che un film di supereroi può abbattere ogni convenzione fino ai titoli di coda e comunque fare un omicidio con un sacco di omicidi.

Tornando al punto di partenza, McFarlane ha un'altra possibilità per realizzare il film Spawn che ha sempre immaginato. La versione del 1997 non ha del tutto colpito nel segno, ma ha inevitabilmente spianato la strada ai film sui fumetti per continuare a spingere i confini, concedendo infine a McFarlane un'altra possibilità di creare il suo violento e cupo incubo esistenziale.

PULP FICTION

Pulp Fiction non ha in alcun modo inventato la trama non lineare, ma ha sicuramente portato la tecnica in primo piano con il grossolano grunge dei primi anni '90. Hollywood negli anni '80 era dominata da classici che inducono nostalgia istantanea: John Hughes, Harold Ramis, Cristoforo Colombo, Steven Spielberg. Quindi, quando un nuovo ragazzo è arrivato in città con la forza di un tornado, è stato difficile non accorgersene.

Overdose e aghi al cuore, parolacce che escono dalla bocca dei personaggi tanto spesso quanto le loro pistole, una scena che rivaleggia con l'infamia di Deliverance , un numero di danza che ha ispirato innumerevoli costumi di Halloween per le coppie. Il contenuto di Pulp Fiction è pesante e la struttura del film riduce quella pesantezza in pezzi digeribili.

Nonostante l'esclusiva disposizione non lineare degli eventi di Pulp Fiction, Tarantino segue ancora una struttura a 5 punti della trama in 3 atti.

Per un'analisi approfondita della struttura di Pulp Fiction , dai un'occhiata a Structure of Pulp Fiction: Method in the Madness di Keaton Ziem su The Script Lab.

BLACK CHRISTMAS (1974)

L'originale Black Christmas non ha infranto le convenzioni tanto quanto le ha create. Questo classico di culto è responsabile della creazione di molti dei tropi che definiscono il sottogenere slasher come lo conosciamo oggi. Si potrebbe sostenere che Nosferatu e Psycho siano stati davvero i primi film slasher, ma questo film è certamente considerato il Trope Maker.

Ecco alcuni tropi (trasposizioni) che il Black Christmas ha contribuito a originare:

Il colpo di scena Bolivian Army Ending successivamente utilizzato in venerdì 13. Il POV killer successivamente utilizzato in Halloween. Lo spavento del gatto, la soffitta inquietante, la polizia che arriva dopo la battaglia finale, la voce inquietante dall'altra parte del telefono, il poliziotto che sta di guardia è già morto quando hai bisogno di aiuto, le chiamate arrivano dall'interno della casa, l'ultima ragazza, l'assassino non viene mai mostrato o spiegato in alcun modo, la polizia non aiuta perché non crede agli amici della vittima iniziale, l'ultima ragazza corre su per le scale verso il pericolo invece che fuori dalla porta, rintracciando una telefonata contro il tempo , l'assassino della falsa pista. Tutti questi tropi e altri trovano radice nel Black Christmas.

Halloween ha continuato a codificare il sottogenere slasher includendo una maschera e un retroscena per l'assassino attingendo all'altro creatore di slasher The Texas Chainsaw Massacre. Halloween è diventato molto popolare e ha stabilito tendenze, ma si è basato sulle fondamenta costruite da Black Christmas.

Prima parte dell'Articolo di Kevin Nelson per screencraft.org

Se stai lottando per trovare il tuo posto come scrittore o regista, non sei solo. Lo showrunner (lo showrunner è lo scrittore capo di uno show, quindi comanda e cooordina la macchina complessa dello sviluppo di una serie) Tze Chun ha trascorso anni in trincea come regista a budget ultra basso e condivide costantemente lezioni di regia ispiratrici su Twitter.

Prima di diventare lo showrunner di Gremlins (WarnerMedia) e sceneggiatore/produttore/regista di spettacoli come Gotham (FOX) e Once Upon A Time (ABC), Tze ha realizzato cortometraggi con pochi soldi e ha ricevuto molti rifiuti prima che finalmente trovare successo al Sundance.

Goditi questi frammenti del viaggio stimolante di Tze e ricorda: non mollare mai!

NON AVER PAURA DI INIZIARE IN PICCOLO.

“15 anni fa ho diretto un cortometraggio intitolato Windowbreaker. Il budget era di $ 600, l'ho girato nella casa della mia infanzia e la troupe era composta da 3 persone, incluso il mio produttore che ha anche recitato nel film. Mia madre ha recitato nel film. Ho noleggiato il kit di illuminazione da $ 70 dal negozio di noleggio dove ho noleggiato le luci per il mio progetto di scuola superiore.

NON LASCIARE CHE LA MANCANZA DI DENARO TI IMPEDISCA DI INSEGUIRE IL TUO SOGNO.

“Dopo essermi laureato al college, mi sono prefissato un programma per scrivere e dirigere un cortometraggio senza budget ogni sei mesi e scrivere un lungometraggio ogni nove mesi invece di andare alla scuola di specializzazione, che era troppo costosa. A quel tempo, dipingevo ritratti e scrivevo DVD come principale fonte di reddito... Negli anni successivi alla laurea, ho realizzato dieci cortometraggi [prima di Windowbreaker]. Sono dieci film per i quali avevo pregato i miei amici di fare la troupe gratuitamente.

IL RIFIUTO FA PARTE DEL GIOCO.

“…Ho attraversato l'arduo processo di scrittura, casting, riprese, montaggio e invio ai vari festival. E nessuno dei miei cortometraggi è stato accettato in un solo festival cinematografico. Non uno. Significava che non avevo niente da mostrare per tutto il lavoro fatto. Ogni giorno era pieno di ansia. Mi svegliavo ogni notte torturandomi e chiedendomi se stavo facendo la cosa giusta e sentendo di aver fallito nella professione che mi ero prefissata. … Ricevi molti rifiuti, quindi non sai mai se stai facendo la cosa giusta. C'è molta confusione e abbattimento che sperimenterai lungo la strada. Ma sono grato per gli anni in cui ero così preoccupato, abbattuto e scoraggiato. Perché mi fa apprezzare la carriera che ho adesso”.

SPESSO È PIÙ BUIO PRIMA DELL'ALBA.

“Quando abbiamo iniziato a presentare Windowbreaker ai festival, sembrava che la stessa cosa che era successa ai miei cortometraggi precedenti sarebbe accaduta identica. Nei primi sei mesi abbiamo ricevuto oltre 25 rifiuti. C'erano giorni in cui aprivo la cassetta della posta e trovavo due o anche tre rifiuti uno sopra l'altro. A questo punto, tutto era come al solito, quindi ho iniziato a lavorare al mio cortometraggio successivo.

Ma poi, siamo stati accettati al Woods Hole e al Woodstock Film Festival, e nel novembre del 2006 ho ricevuto una telefonata dal programmatore del Sundance Kim Yutani e ho scoperto che eravamo stati accettati al Sundance Film Festival del 2007.

APPROFITTA DELLE TUE OPPORTUNITÀ QUANDO ARRIVANO.

“Questo cortometraggio è stata la prima cosa che mi ha aperto le porte e mi ha aiutato a incontrare persone dell'industria cinematografica. Ho incontrato il mio primo manager al Sundance e lui mi ha procurato il mio primo lavoro televisivo. Un anno dopo ho realizzato un lungometraggio basato su questo cortometraggio intitolato Children of Invention, che è stato proiettato al Sundance nel 2009. Nel circuito dei festival con Windowbreaker ho incontrato la mia produttrice di lunga data Mynette Louie, che ha prodotto Children of Invention e il mio secondo lungometraggio Cold Comes the Night. Guardando indietro, tutte le opportunità che ho avuto nel cinema e in televisione sono avvenute grazie a questo cortometraggio da 600 dollari".

NON MOLLARE.

“Conosco un sacco di persone che stanno cercando di farsi strada nell'industria cinematografica… e so in prima persona che questo percorso di carriera a volte è una cosa terribile, solitaria e difficile da portare a termine. Ci sono molte persone là fuori che stanno lottando per ritagliarsi un posto nell'industria cinematografica come scrittore o regista. E per quelle persone voglio dire: non importa quante volte sei stato rifiutato e rifiutato. Non importa se hai macinato per anni senza nulla di tangibile da mostrare. Sei solo e sempre una persona che cerca di entrare in una porta difficile da superare. Quindi non mollare”.

Articolo di Rebecca Norris per screencraft.org

Quali sono i migliori tipi di personaggi secondari che possono creare un protagonista migliore?

La maggior parte delle grandi storie ha un protagonista forte , spesso accompagnato da un antagonista ben concepito , un personaggio che lavora in opposizione ai desideri, ai bisogni e agli obiettivi del protagonista.

Ma i personaggi più trascurati sono quelli che rafforzano le storie tra i due: i personaggi secondari.

Molti esperti indicano aiutanti, migliori amici, interessi amorosi, scagnozzi, subalterni, mentori e personaggi comici come archetipi per personaggi secondari che gli scrittori devono usare per riempire una determinata storia. Ma ci sono tre grandi tipi di personaggi secondari in cui gli scrittori possono classificare quegli individui specifici. E quei tipi sono necessari per creare un protagonista migliore.

Qui condividiamo i tre tipi di personaggi secondari che sono necessari in ogni storia per aiutare a creare un protagonista migliore. E quando hai un protagonista migliore, la tua storia prospera ancora di più.

SOSTENITORI

Questo va oltre il tag del personaggio di supporto. I sostenitori sono quelli che, beh, supportano il protagonista.

Quasi tutti i protagonisti hanno bisogno di qualcuno che li sostenga durante i loro viaggi emotivi e fisici. Spesso indicati come caregiver, i sostenitori esistono per aiutare il protagonista attraverso i conflitti che stanno affrontando, offrendo spesso una base morale ed etica per mantenere il protagonista onesto e alla pari con il suo vero carattere.

Senza di loro, non abbiamo la possibilità di capire cosa sta succedendo nella mente dell'eroe. Nei romanzi, puoi esplorare quell'elemento attraverso il dialogo interiore e i pensieri interiori. Ma come sceneggiatore, non hai questo lusso. Tutto deve essere sullo schermo. Sì, la narrazione e la voce fuori campo sono strumenti che gli sceneggiatori possono utilizzare in modo efficace per servire la storia e il personaggio, purché non vengano utilizzati come stampelle.

Ma i sostenitori e gli operatori sanitari offrono la possibilità di sfidare le decisioni e le reazioni del protagonista. E impariamo a conoscere i loro archi caratteriali interni ed esterni attraverso gli scambi tra loro e il loro gruppo di supporto.

C'è uno scopo per questo tipo di personaggio secondario in ogni storia. In alcuni generi, possono essere il sollievo comico, offrendo momenti di leggerezza in situazioni altrimenti terribili. In altri generi, sono importanti tanto quanto il protagonista nel grande schema delle storie cinematografiche. Il protagonista fa affidamento sulla loro amicizia, a volte anche quando perdono di vista quel legame se i conflitti o le tentazioni che affrontano nel loro viaggio lo allontanano.

Dove sarebbe Harry Potter senza Ron e Hermione?

Dove sarebbe Frodo senza Sam, Pipino e Merry?

Dove sarebbe Maverick senza Goose e Charlie?

Dove sarebbe Indiana Jones senza Marcus, Sallah e Short Round?

Questi tipi di personaggi secondari creano un protagonista migliore.

Quindi dai un'occhiata al cast di personaggi della tua sceneggiatura e chiediti: "Ho abbastanza sostenitori? "

ANTAGONISTI

Sì, l'antagonista nella tua storia è l'ultimo individuo che sfida il protagonista. Ma un solo antagonista non è sufficiente.

Le migliori sceneggiature sono piene di conflitti a ogni pagina. Il conflitto è ciò che guida la storia, la trama e il protagonista. Quindi devi fare la dovuta diligenza per gettare più conflitto possibile sul protagonista. Gli antagonisti non sono sempre necessariamente cattivi. Sì, puoi usarli sotto forma di scagnozzi e simili, ma spesso possono solo fornire un modo per far arrabbiare, alienare, allontanare, infastidire, provocare, offendere, aggravare, irritare, irritare o irritare il protagonista in qualsiasi modo, forma , o forma.

Possono sfidare il protagonista mettendo in discussione le loro scelte, il che rivela una maggiore profondità del personaggio per il protagonista mentre li osserviamo manovrare attraverso questi disaccordi, discussioni, dibattiti e test caratteriali. Possono far dubitare il protagonista del proprio valore e delle proprie capacità. Possono farli sentire alienati e soli.

Sono fondamentalmente l'antitesi dei sostenitori, il che aiuta a bilanciare gli effetti che il conflitto ha sul protagonista.

Harry Potter ha dovuto fare i conti con Malfoy e la sua banda.

Frodo ha avuto a che fare con molti diversi tipi di antagonisti, grandi e piccoli.

Maverick ha avuto a che fare con Ice Man, Slider, Jester e Stinger.

Indiana Jones ha dovuto fare i conti con Belloq, i nazisti e infiniti scagnozzi.

È meglio avere quanti più antagonisti possibili all'interno della tua storia. Alcuni appariranno solo in una singola scena, mentre altri potrebbero assumere un ruolo più significativo. Dai un'occhiata alla tua sceneggiatura e chiediti: "Chi farà arrabbiare, alienare, allontanare, infastidire, provocare, offendere, aggravare, irritare, irritare o irritare il tuo protagonista?"

INFORMATORI

Gli informatori fanno proprio questo: informano. Sono il tipo di personaggio di supporto che aiuta a far avanzare la storia fornendo al protagonista informazioni, ispirazione e guida informativa.

Insegnanti, mentori, saggi, guardiani, detentori di reliquie, tecnici, antagonisti catturati e interrogati e una miriade di altri esempi sono personaggi secondari che popolano la tua sceneggiatura al solo scopo di fornire al tuo protagonista informazioni per portare avanti la trama e per offri loro l'opportunità di rivelare il loro arco attraverso il modo in cui usano tali informazioni.

Gli informatori possono presentarsi sotto le spoglie di sostenitori, antagonisti o personaggi secondari che non hanno un posto diretto nel viaggio del protagonista oltre ad avere una qualche forma di informazione, ispirazione o guida informativa.

In Home Alone, il vicino spaventoso di Kevin gli dà l'ispirazione di cui ha bisogno per apprezzare veramente la famiglia che ha perso.

In Star Wars: The Force Awakens, Maz aiuta a offrire a Rey una visione della Forza.

Nella trilogia del Signore degli Anelli, Gandalf assume un ruolo di personaggio secondario più significativo, sia come sostenitore che come informatore (sotto forma di mentore), proprio come fa Ben Kenobi per Luke nell'originale Star Wars .

Sebbene sia positivo che il protagonista sia proattivo all'interno della storia trovando da solo le informazioni necessarie, le migliori storie - che risalgono alla mitologia - offrono al protagonista rivelazioni, rivelazioni e scoperte da parte dei personaggi secondari che incontra lungo la strada.

Rivedi il tuo copione e vedi se ci sono opportunità per presentare informazioni, ispirazione e guida informativa attraverso interazioni convincenti e coinvolgenti con informatori.

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Mentre ripercorri la tua storia, sii sempre consapevole di chi sono i tuoi sostenitori, antagonisti e informatori. Se non riesci a trovarli o non ne hai abbastanza, creali. Se non sai in quale categoria rientra un personaggio secondario, trova dei modi per definire il ruolo che ricopre all'interno della storia del protagonista.

E se hai personaggi che non sono sostenitori, antagonisti o informatori, forse non hanno bisogno di essere affatto nella storia. Questo processo di designazione dei tuoi personaggi secondari può essere utilizzato come strumento per assicurarti che tutti i personaggi presenti all'interno della sceneggiatura abbiano uno scopo. Per quelli che non lo fanno, ti sei appena salvato il bene immobile della sceneggiatura principale sotto forma di pagine di sceneggiatura.

È bene sapere chi sono i tuoi personaggi secondari e quale scopo hanno nel contesto della storia. E i personaggi secondari con cui circondi il tuo protagonista aprono molte più porte per una maggiore profondità e arco del personaggio.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Hai appena finito la tua prima sceneggiatura: cosa dovresti fare dopo?

Sei eccitato. Sei ansioso. E con tutti i mezzi, dovresti essere orgoglioso. Hai fatto un enorme passo avanti e hai realizzato ciò che la maggior parte non riesce a ottenere: hai effettivamente fatto il lavoro e finito una sceneggiatura.

Ma adesso cosa fai?

Questo è il momento in cui gli sceneggiatori più promettenti commettono errori che possono condurli lungo molte strade tortuose, la maggior parte delle quali portano a vicoli ciechi o tornano indietro all'inizio del loro viaggio, proprio dove hanno iniziato.

Anni sprecati. Occasioni sprecate. Ponti bruciati.

Guarderò "nella telecamera" qui mentre apro un po' il sipario. Scrivo di sceneggiature perché sono stato in "schifo" per quasi due decenni - su entrambi i lati del tavolo come sceneggiatore professionista (uno in difficoltà prima) e nello sviluppo in studio come lettore di sceneggiature e analista di storie.

Il mio obiettivo come blogger del settore non è quello di predicare la mia formula segreta per il successo (non ce n'è una), dichiarare le regole fondamentali della sceneggiatura (non ce ne sono - solo linee guida e aspettative), o stare su un piedistallo affinché tutti ascoltino il mio punto di vista (va bene, fa parte di esso, lo ammetto).

È per aiutare. È per dare agli altri le informazioni per le quali avrei metaforicamente ucciso quando stavo iniziando tra la fine degli anni '90 e l'inizio degli anni 2000.

Poiché il viaggio nel tempo deve ancora essere uno scenario plausibile - e probabilmente porterebbe a ramificazioni catastrofiche del continuum spazio-temporale - mi rivolgo a te, lo sceneggiatore che ha appena terminato la sua prima sceneggiatura. Sei una versione del mio io passato, insieme a tutti quelli che sono venuti prima di te.

E quello che offro può valere anche per quelli di voi là fuori che hanno appena finito il secondo copione, o forse anche il terzo. Ma ti senti ancora un po' perso nel vento nel tuo viaggio di sceneggiatore.

Quello che offro è amore duro, dura verità e undici passaggi necessari che, in retrospettiva, credo che tutti gli sceneggiatori alle prime armi dovrebbero compiere. Anche se molti probabilmente all'inizio rifiuteranno questi passaggi, agendo d'impulso e sentendo il brusio di finire quella prima (o seconda) sceneggiatura.

Quindi, hai appena finito la tua prima (o seconda) sceneggiatura. Cosa dovresti fare ora?

PASSO 1

Mettilo via per due settimane. Non pensarci, non parlarne o darlo a nessuno. Prenditi una vacanza dal tuo copione. Prenditi una vacanza dalla sceneggiatura. Non lavorare nemmeno su nient'altro.

Vai a festeggiare - vino, liquori, cibo, conversazione - tutto con amici e familiari. Oppure rimani con i piedi per terra e concediti una meritata pacca sulla spalla.

Ma per ora, da almeno due settimane a un mese, nessuna sceneggiatura - e questo include scrivere nella tua testa, mettere insieme un piano di marketing, ecc. Niente di tutto questo.

PASSO 2

Torna alla sceneggiatura e leggila dall'inizio alla fine in una sola seduta. Nessuna distrazione. Metti via il telefono. Devi sperimentare lo script come farebbe un lettore di script.

PASSAGGIO N. 3

Si spera che noterai quali scene non funzionano, quali scene sono ridondanti, quali scene sono inutili, quali linee di dialogo sono una cattiva esposizione solo per raccontare la storia al lettore (eliminale tutte nel passaggio successivo), ecc. leggilo e pensi che sia perfetto (non lo è), vai al passaggio successivo.

PASSAGGIO N. 4

Prenditi un paio di settimane per modificare e riscrivere la sceneggiatura come ritieni necessario. Non darlo ancora a nessuno, perché la dura verità è che devi imparare l'indipendenza molto presto nel tuo viaggio di sceneggiatore. Non preoccuparti, lo vedrai presto. Ma costruire la tua fiducia senza dover usare consulenti, amici, colleghi e mentori come stampella sarà un consiglio che ti aiuterà a lungo termine.

E non vuoi mai dare a qualcuno una prima bozza. Solo ciò che ritieni sia una finale. Perché? Perché se vuoi un feedback, dovresti mostrare il tuo lavoro migliore , non un work-in-progress. Certo, tecnicamente è un work-in-progress, ma fidati di me, per favore resisti all'impulso di inviare quella prima bozza. Mi ringrazierai per questo.

Prenditi almeno un paio di settimane e mettiti al lavoro.

PASSAGGIO N. 5

Dai la sceneggiatura a un amico o collega fidato, preferibilmente qualcuno che non salirà su un piedistallo e ti dirà tutto ciò che non va nella sceneggiatura e come lo realizzerebbero. Vuoi qualcuno che ti dica cosa funziona per loro, cosa no e forse alcune opzioni o suggerimenti.

Consiglio vivamente di saltare l'amico personale e di inviare invece la tua sceneggiatura a un grande concorso, borsa di studio o competizione (Nicholl Fellowship, ScreenCraft Fellowship, ScreenCraft Contests, Tracking Board's LaunchPad, solo per citarne alcuni) che ha la possibilità di pagare un extra per copertura. Otterrai un punto di vista del lettore del settore della tua sceneggiatura, che è molto più obiettivo che andare con qualcuno che conosci.

PASSAGGIO N. 6

Prendi ciò che ottieni da quel feedback e vedi se puoi applicarlo al tuo script. Considera TUTTO il feedback, ma non tenerlo come l'ultima parola in tutto.

PASSAGGIO N. 7

Inizia a sviluppare il tuo prossimo script. Non commercializzare il tuo primo script.

Un'altra dura verità è che la tua prima sceneggiatura è la peggiore. La tua scrittura migliora solo con ciascuno di questi passaggi.

La cosa peggiore che puoi fare è provare a commercializzare quella prima sceneggiatura. Farai molto lavoro, invierai molte e-mail, perderai molto tempo solo per bruciare molti ponti una volta letto. Non sei pronto. Fidati di me. E se potessi dirlo al me stesso del passato, lo farei. Ma non posso, quindi eccoci qui.

Detto questo, puoi certamente testare l'acqua sottoponendoti a concorsi, ma non provare a venderlo o inviarlo per considerazione da parte di agenti o dirigenti.

Agenti e manager vogliono clienti che abbiano un corpo di lavoro. Uno script è solo un arto.

Quindi inizia a sviluppare la prossima sceneggiatura.

PASSAGGIO N. 8

Scegli il tuo prossimo concetto molto saggiamente.

Prenditi il tempo per trovare qualcosa che qualcuno vorrà comprare. Non scrivere una piccola commedia o un dramma stravagante: sono inutili nel mercato delle sceneggiature specifiche.

Invece, trova un concetto originale convincente. Un giallo. Un film dell'orrore. Un thriller d'azione contenuto. Una storia di fantascienza unica.

Evita di scrivere una ricostruzione del tuo film preferito o dell'ultimo successo. Sviluppa qualcosa di originale o qualcosa che sia una nuova interpretazione di ciò che ha avuto successo in precedenza.

PASSAGGIO N. 9

Prima di iniziare a scrivere quella sceneggiatura, prenditi un mese per fare il lavoro di front-end per sviluppare quell'idea.

Assicurati di avere una bella storia da raccontare. Scopri i personaggi. Guarda il film nella tua testa. Scrivere non è sempre digitare. Visualizza il film. Sogno ad occhi aperti. Guarda film e programmi TV simili per tono, genere e atmosfera. Nutri il tuo cervello. Fai crescere quel seme di un concetto.

PASSO N. 10

Non impiegare più di tre mesi per scrivere quella seconda sceneggiatura.

Lo so. "Ognuno ha il proprio programma e il proprio processo..."

Ecco un'altra dura verità. Se vuoi allenarti per diventare uno sceneggiatore professionista, è meglio iniziare ora. I giorni in cui impiegavi sei mesi o più per scrivere uno script specifico dovrebbero essere finiti da tempo.

Sali sul piatto e consegna una sceneggiatura in non più di tre mesi. È così che impari. È così che affini il tuo mestiere. È così che ti prepari per il successo.

PASSO N. 11

Questo è forse il passo più difficile da compiere. Preparati. Siete pronti?

Quando hai finito il secondo copione, ripeti i passaggi da 1 a 10. Ok, non era poi così male, vero? Però ne ho un altro per te. Questo pungerà un po'.

Devi impiegare più di un anno, un anno e mezzo o due anni per ripetere questi passaggi . Il punto è affinare la tua scrittura e collezionare da tre a cinque fantastiche sceneggiature. Perché questo è ciò di cui hai bisogno per avere successo in questo settore: quell'ambito corpo di lavoro eccellente.

Puoi certamente utilizzare concorsi, competizioni e borse di studio per sondare le acque e cercare opportunità lungo il percorso, ma ti sfido a non commercializzare alcuna sceneggiatura ad agenti, manager, dirigenti dello sviluppo, produttori o talenti fino a quando non avrai tre a- cinque sceneggiature eccezionali.

Perché? Perché la prima domanda che riceverai dopo aver incontrato gli addetti ai lavori del settore su una sceneggiatura è: "Cos'altro hai?"

Preferiresti essere quello che dice: "Beh, ci sto lavorando..." o preferiresti essere lo sceneggiatore confidente che risponde: "Sì, ho alcune ottime specifiche che potrebbero piacerti". ?

Come fai a sapere quali sono quei fantastici copioni da tre a cinque? Saranno sceneggiature che stanno iniziando a essere inserite in concorsi e borse di studio o sceneggiature che stanno ottenendo costantemente feedback positivi e positivi.

Oppure saranno sceneggiature che il tuo istinto ti dice che sei pronto perché parte di questo viaggio sta guadagnando fiducia (non ego) ed essere in grado di essere obiettivo riguardo al tuo lavoro. Questo è l'apice proprio lì.

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Fidati di me. Lavoro in questo settore da 20 anni, su entrambi i lati del tavolo. Ho fallito più di quanto abbia avuto successo, come nel caso di ogni sceneggiatore che cammina sulla Terra oggi, ma ho imparato da quei fallimenti.

Tra qualche anno mi ringrazierai per averti risparmiato anni di vicoli ciechi e crepacuore.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

Quali sono le migliori logline di film che gli sceneggiatori possono studiare per imparare a creare logline per le proprie sceneggiature? Per molti film di Hollywood, il concetto è tutto. Non si tratta di high concept o low concept, blockbuster o indie, questo genere o quello. Quando diciamo che il concetto è tutto, stiamo dicendo che il tuo logline è il tuo punto di forza. Imparare l'arte e il mestiere di scrivere una logline è essenziale per gli sceneggiatori, ma non è un compito facile. Devi preparare e poi condensare il concetto, il genere, la storia, i personaggi e la trama della tua sceneggiatura in solo una o due frasi usando solo da 25 a 50 parole.

La tua sceneggiatura potrebbe essere fantastica. Diavolo, potrebbe essere il prossimo Citizen Kane . Ma ammettiamolo, se mancano i tuoi dialoghi, molto probabilmente lo è anche la tua sceneggiatura. Se il tuo dialogo è espositivo, al naso, privo di sfumature, sovrascritto o tonalmente fuori, il tuo pubblico avrà davvero difficoltà ad accettarlo e relazionarsi con esso.

Quindi, se questo è il caso, considera i seguenti otto suggerimenti per scrivere dialoghi autentici e scattanti... che non fanno schifo.

DIALOGO DECOSTRUITO

LEGGI LE SCRITTURE di scrittori come Richard Linklater , Spike Lee , Noah Baumbach , Quentin Tarantino , Diablo Cody e Aaron Sorkin per vedere come i grandi scrittori fanno cantare le parole. Come appare il loro dialogo sulla pagina? C'è molto bianco o è denso di prosa? Quanto dialogo c'è? È scarso e lento o denso di ritmo di mitragliatrice? E il ritmo e la cadenza? Il dialogo è sfumato con fluff, balbuzie, silenzi, ecc.?

GUARDA FILM e ascolta film come Juno, Pulp Fiction, The Social Network e Before Sunrise , ecc. Scopri i diversi stili; come i dialoghi corrispondono al tono di un film; come diversi scrittori hanno i loro suoni distinti. Quindi leggi le sceneggiature dei film che guardi. Impara dai grandi.

RIMANI FEDELE AL PERSONAGGIO

Ogni personaggio della tua sceneggiatura è una persona che vive, respira e pensa con desideri, bisogni, idiosincrasie e nature diverse. Ergo, ognuno di loro dovrebbe beneficiare della propria voce e punto di vista indipendenti. È precisa e accondiscendente. È eccessivamente dispiaciuto e insicuro. Questi due personaggi dal suono diverso creerebbero dinamiche eccellenti all'interno di una scena. Inoltre, i personaggi dovrebbero suonare come il mondo del pezzo in cui vivono. Non metteresti i dialoghi di Andy Samberg da Brooklyn Nine-Nine in Glengarry Glen Ross.

SCRIVI DIALOGHI CHE SUONANO COME CONVERSAZIONI REALI

Eves-goccia. Sintonizzati su quel coglione che mastica l'impiegato della drogheria; poi nota come lo porta al tappeto. Che dire di quegli innamorati al bar, quella donna d'affari al telefono, quegli skateboarder che raccontano una barzelletta in gergo da skater... E fortunatamente per noi, il nonno di tutte le risorse di dialogo è proprio dietro l'angolo: LA CENA DI RINGRAZIAMENTO DELLA TUA FAMIGLIA.

Tutti parlano l'uno sopra l'altro? Lo zio Paul sta pontificando con lunghe pause per marinare nel suono della propria voce? E l'appassionata discussione di tua sorella con il suo ragazzo? O il flaccido tentativo di tua nonna di raccontare la sua folle storia sul povero John-Henry e il serpente a sonagli nella canonica della chiesa. La cugina Marcia l'ha sentito così tante volte che continua a finire le frasi della nonna. Sospiro.

I seguenti sono alcuni dispositivi, sviluppati su numerosi tacchini del Ringraziamento, che contribuiranno a portare una "realtà" al tuo dialogo:

Parlando l'uno sull'altro
Due persone che portano avanti due cose diverse allo stesso tempo (Ancora meglio, ognuno ha la propria sottotrama che sta portando avanti.)
Interruzione
Frasi di "dirottamento" in cui qualcuno prende i pensieri di qualcun altro e li prende per se stessi. "Pensi di star male... Dovresti sapere come è morta la mia nonna."
Alla ricerca di parole e pensieri
Imprecare

Riferendosi alla sua frustrazione per l'uso proibito delle parole “Dannazione”, Aaron Sorkin si lamenta: “È solo nelle commedie, nei film e in televisione che qualcuno inizia una frase con 'Dannazione'. Nessuno nella vita dice mai: 'Dannazione, come è potuto succedere?' Diranno "Maledizione". Ma non comincerà con "Dannazione". Inoltre non finirà con dannazione. 'Come è potuto succedere, dannazione!'”

Uffa. Fa schifo.

NO, BOB NON LO SA

Il fin troppo familiare e abusato espediente "Come sai, Bob" si riduce a un personaggio che dice a un altro personaggio qualcosa che entrambi già sanno e che noi, il pubblico, non sappiamo. È il dialogo espositivo che funziona come comodità per la sceneggiatura, invece di consentire all'esposizione di svilupparsi organicamente dall'azione o dal personaggio. C'è una scena in Blade Runner che lo dimostra abbastanza perfettamente: una scena in cui Rick Deckard, un esperto cacciatore di replicanti o "Blade Runner" per la polizia di Los Angeles, riceve informazioni sulle qualità e caratteristiche dei replicanti dal Capitano Bryant.

Supponi che il pubblico sia più intelligente di quanto diamo loro credito e chiediti se hai bisogno del dialogo. Se lo fai, trova un altro modo, perché non sembra reale. Prendi in considerazione un approccio più sfumato.

SFUMATURA

Nuance ti aiuterà a evitare i problemi che hai con Bob. Usa cose come sottotesto, implicazioni e insinuazioni per dialoghi più autentici, meno espositivi e ovvi.

Nei film, come nella vita, le persone spesso non dicono esattamente cosa intendono. Dice Shonda Rhimes: "Nessuno dice tutte le cose perfette in tutti i momenti perfetti". Le conversazioni non sono sempre quello che pensiamo siano. Il testo è ciò che diciamo, il sottotesto è come ci sentiamo veramente . (Questo è un ottimo dispositivo quando si scrivono conflitti.)

Inoltre, prova a mostrare il sottotesto in azione, invece di dircelo a parole. Lascia che gli attori recitino. Dice: "Stai bene?" Lei risponde, trattenuta, tesa: "Sto bene". Chiaramente, non sta bene, ma si sta trattenendo. Con il sottotesto, i personaggi parlano di ciò che intendono, invece di dire esattamente ciò che intendono .

SUONA I SILENZI

È vero. Le azioni parlano più forte delle parole. Tuttavia, a volte sono i momenti tranquilli, gli spazi tra le parole, che dicono molto di più . Il silenzio è un dispositivo potente. È un'insinuazione, un'allusione, un'ipotesi. È una pausa nella conversazione che dà peso alle parole che vengono dette. Basta guardare The Crown per capire come la grandezza del dialogo derivi spesso dalla mancanza di dialogo.

BLA BLA BLA BLA BLA BLA BLA BLA BLA...

Quante volte sei rimasto bloccato in un angolo a una festa a fare chiacchiere - parole senza senso, noiose, inutili... solo parole? Bene, se odi farlo nella vita, immagina di pagare soldi per ascoltarlo. Le chiacchiere non hanno nulla a che fare con il tuo film, quindi non è necessario che ci siano affatto. Non fraintendetemi, storie o piccoli aneddoti che sembrano irrilevanti per la narrazione possono tornare indietro per essere esattamente ciò di cui parla il film, soprattutto dal punto di vista tematico. Paddy Chayefsky e Aaron Sorkin sono professionisti in questo, quindi se vuoi imparare a usare il dialogo come riempitivo di conversazione, dai un'occhiata al loro lavoro.

Ma devi stare molto attento: usare quel tipo di tecnica può diventare confuso molto velocemente se non sai come farlo. Quindi, finché non riesci a padroneggiarlo, assicurati che il tuo dialogo abbia una sorta di scopo e significato nel più ampio schema delle cose. In caso contrario, riparalo o taglialo. Impegnati a memoria:

Se non spinge la trama o rivela il personaggio...

NON TI SERVE!

Infine, il modo più efficace per scrivere dialoghi autentici è...

ASCOLTA IL TUO DIALOGO

Leggi il tuo dialogo ad alta voce. Poi chiedi ad altri di leggerlo ad alta voce. E ascolta.

Leggi una tabella. Riunisci i tuoi amici e tua madre, dai a ogni persona una parte, inclusa la prosa in azione, quindi stai zitto e ASCOLTA. Come suona il tuo dialogo? È goffo, ovvio, artificioso? Le tue battute falliscono? È sul naso? Ci sono ripetizioni? I tuoi amici pensano che il tuo dialogo faccia schifo? O peggio, tua madre pensa che faccia schifo?

È probabile che il tuo dialogo non faccia schifo. È probabile che, se esegui gli hack di cui sopra, il tuo dialogo sarà realistico. In effetti, molto probabilmente il tuo dialogo sarà fantastico. E i grandi dialoghi sono probabilmente l'unico elemento che può vendere una sceneggiatura da solo.

Quindi, presta attenzione, rendilo reale, dagli un significato e abbi qualcosa da dire. Sei uno sceneggiatore. Questo è il tuo lavoro. Quindi, inizia a parlare!

di Kathleen Laccinole per screencraft.org

Quali sono alcune semplici linee guida che gli sceneggiatori possono seguire per scrivere logline efficaci?

Scrivere una logline avvincente e coinvolgente è una forma d'arte a sé stante. Ma proprio come la sceneggiatura, non esiste una formula segreta per il successo.

Qui ci allontaniamo da direttive, teorie e regole approfondite per offrire semplici linee guida che puoi applicare al tuo processo per aiutarti a scrivere la logline più efficace per la tua sceneggiatura.

CONDIVIDI IL CONCETTO DI BASE, NON LA STORIA

Le logline sono un male necessario a Hollywood. E molti li percepiscono come "cattivi" perché sentono che l'industria sta chiedendo loro di condensare il loro copione di cento pagine (più o meno) a 25-50 parole.

Niente potrebbe essere più lontano dalla verità - e questa è la prima lezione di logline che gli sceneggiatori devono imparare.

Non stai raccontando una storia in una logline. Stai presentando il concetto centrale della tua sceneggiatura. E a Hollywood, il concetto è tutto.

È il primo punto di forza della tua sceneggiatura.

È ciò che ti fa entrare nella conversazione.

È ciò che tu, manager, agenti, dirigenti dello sviluppo e produttori utilizzerai inizialmente per far considerare, presentare, acquistare, sviluppare, impacchettare, finanziare, produrre e distribuire la tua sceneggiatura.

È il primo contatto che Hollywood avrà con te e la tua sceneggiatura.

Quando gli addetti ai lavori del settore leggono una logline, devono essere presentati con:

I protagonisti)
Il mondo in cui vivono
L'incidente scatenante
Il grande conflitto che devono affrontare
La posta in gioco.

Questi sono gli elementi che compongono il concetto di una storia.

Se lasci andare la falsa idea che devi raccontare tutta la tua storia in una o due frasi, ignorerai la necessità di includere elementi che non sono centrali per il concetto centrale della storia che stai cercando di raccontare.

Personaggi secondari, storie di serie B, storie di serie C, colpi di scena, svolte e rivelazioni? Salva tutto questo per il tono e la sceneggiatura stessa.

INIZIA CON UNA STRUTTURA LOGLINE GENERALE

Per avere un'idea di come dovrebbe essere letto un logline, inizia con una struttura di base.

Quando [SI VERIFICA UN INCIDENTE INCITANTE]...
UN [TIPO DI CARATTERE]...
Deve [OBIETTIVO]...
Prima di [PUNTI].

Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio devono dare la caccia alla bestia prima che uccida di nuovo.

Questa, insieme ad altre varianti, è la formula logline di base che può aiutarti a iniziare. Tuttavia, questo non è un semplice processo di riempimento del vuoto. Ti consente semplicemente di identificare l'incidente scatenante/il conflitto principale, i protagonisti, l'obiettivo che hanno all'interno della storia e la posta in gioco principale.

Dopodiché, si tratta di modificare la verbosità e la struttura per renderla breve, dolce, pertinente e lasciare che il lettore desideri di più.

RESTA ENTRO 25-50 PAROLE

Meno è meglio.

Gli addetti ai lavori non hanno tempo per leggere una sinossi o un trattamento. Devono prendere decisioni rapidamente perché ci sono così tante sceneggiature a cui devono arrivare durante il loro programma quotidiano.

Hollywood utilizza un processo di filtraggio per eliminare centinaia e centinaia di sceneggiature all'interno del mercato. Prima di quel processo di filtraggio di lettori di sceneggiature, segnalazioni e concorsi/concorsi/borse di studio, leggere le logline è il modo più veloce per loro di capire se la tua sceneggiatura ha un concetto, un personaggio e una storia che vogliono perseguire.

E le logline ti aiutano a comunicare ciò che stai cercando di vendere senza andare in tangenti e spiegazioni troppo lunghe.

Quindi resta il più vicino possibile a venticinque parole. Ci vorrà del tempo per padroneggiarlo, ma una volta che inizi a identificare gli elementi fondamentali di una logline, sarà più facile eliminare quelle parole.

EVITA I NOMI DEI PERSONAGGI

Questa regola può essere modificata, ma puoi avere un impatto più immediato utilizzando i tipi di carattere piuttosto che i nomi dei personaggi. Questo offre al lettore una descrizione istantanea del protagonista che può immaginare per il casting.

Un detective in pensione
Un poliziotto alle prime armi
Un insegnante del centro città
Una madre single
Uno scrittore in difficoltà

Concentrarsi sui tipi di carattere crea anche un contesto di conflitto istantaneo per il lettore.

Un detective in pensione non avrà più l'autorità che aveva una volta per risolvere il caso
Un poliziotto alle prime armi dovrà lottare con l'inesperienza e il respingimento da parte di figure autoritarie
Un insegnante del centro città potrebbe avere a che fare con la mancanza di fondi e altre lotte
Una madre single potrebbe dover superare ulteriori lotte per raggiungere un obiettivo
Uno scrittore in difficoltà dovrà fare i conti con la povertà e l'insicurezza

CERCA L'IRONIA NEI TUOI CONCETTI

L'ironia è un modo semplice per trasmettere un concetto.

Se metti insieme personalità o tipi di personaggi sconosciuti o introduci uno scenario di pesce fuor d'acqua, questa è una forte ironia concettuale e un conflitto che viene facilmente comunicato con il minor numero di parole possibile.

Un avvocato veloce non può mentire per 24 ore a causa del desiderio di compleanno di suo figlio dopo che l'avvocato ha rifiutato suo figlio per l'ultima volta.

Un aristocratico diciassettenne si innamora di un artista gentile ma povero a bordo del lussuoso e sfortunato RMS Titanic.

Un detective che odia i cartoni animati è l'unica speranza di un coniglio dei cartoni animati di provare la sua innocenza quando viene accusato di omicidio.

Non tutti i concetti mostrano grande ironia, ma se il tuo lo fa, utilizzalo.

SCRIVI PIÙ OPZIONI CON FRASI DIVERSE

Scrivere la giusta logline è tutta una questione di tentativi ed errori.

Inizia con una struttura, come menzionato sopra, e identifica gli elementi all'interno del tuo concetto che devi condividere. Quindi modifica ciò che hai spostando il posizionamento di quegli elementi all'interno della struttura della frase.

Scrivi dieci, venti o trenta versioni dello stesso logline, poi rivedile tutte e crea ibridi di alcune che risaltano di più. Troverai spesso che due o tre versioni hanno elementi che puoi combinare per creare la logline più efficace.

SCRIVI LA LOGLINE PRIMA DELLA SCENEGGIATURA

Questa pratica ti aiuterà a prendere due piccioni con una fava.

Innanzitutto, quando inizi con una logline, ti stai aiutando a identificare il nucleo della tua storia, rendendo più facile concentrarti sulla finestra della storia della tua sceneggiatura.

Guarda un film come Star Wars.

Nasce una ribellione per combattere la tirannia di un impero galattico.

Non è una finestra della storia molto ristretta su cui concentrarsi mentre sviluppi una sceneggiatura.

Ma quando presenti un protagonista specifico (Luke Skywalker), mostri il mondo in cui vive (fattoria) e presenti loro un conflitto centrale e un incidente incitante (consegnare piani per una stazione spaziale che sta minacciando la galassia), hai una finestra della storia verso cui lavorare. Questo è il nucleo della tua sceneggiatura.

Il lavoro di sviluppo che svolgi dopo - visualizzazione, contorni, trattamenti, suddivisione dei punti elenco, elenchi di scene o qualunque cosa il tuo processo comporti - è costruito da quel nucleo mentre crei la storia e i rami del personaggio da esso.

E poi, quando la sceneggiatura è finita, hai già una logline su cui lavorare mentre la rielabori per adattarla alla bozza finale.

LEGGI LOGLINE SU IMDB

Leggere i loglines è il modo migliore per imparare.

Vai su IMDb e cerca film simili per genere, soggetto, tono o tipo di personaggio. Quindi estrai semplicemente il tipo di personaggio, l'incitamento all'incidente, il conflitto principale, l'obiettivo e la posta in gioco da quelle logline e inserisci il tuo. Questo è forse il modo più semplice per trovare la struttura che meglio si adatta al tuo concetto.

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org

BUGIARDO BUGIARDO

Un avvocato veloce non può mentire per 24 ore a causa del desiderio di compleanno di suo figlio dopo che lo ha deluso per l'ultima volta.

LA PICCOLA SIGNORINA SUNSHINE

Una famiglia determinata a portare la loro giovane figlia alle finali di un concorso di bellezza, intraprende un viaggio attraverso il paese sul loro autobus VW.

MAC GRUBER

L'ex agente speciale MacGruber viene richiamato in azione per abbattere il suo acerrimo nemico, Dieter Von Cunth, che è in possesso di una testata nucleare e deciso a distruggere Washington, DC

CATTIVE RAGAZZE

Cady Heron è un successo con The Plastics, la cricca di ragazze di primo piano nella sua nuova scuola, fino a quando non commette l'errore di innamorarsi di Aaron Samuels, l'ex fidanzato dell'alfa Plastic Regina George.

POLPETTE

Stravaganti dirottamenti di consiglieri e campeggiatori in un campo estivo inferiore alla media.

UOMINI IN NERO

Un agente di polizia si unisce a un'organizzazione segreta che controlla e monitora le interazioni extraterrestri sulla Terra.

IL MATRIMONIO DEL MIO MIGLIORE AMICO

Quando l'amico di lunga data di una donna rivela che è fidanzato, lei si rende conto di amarlo lei stessa e decide di prenderlo, con solo pochi giorni prima del matrimonio.

UOMINI MISTERIOSI

Un gruppo di inetti supereroi dilettanti deve cercare di salvare la giornata quando un supercriminale minaccia di distruggere un grande supereroe e la città.

NAPOLEONE DINAMITE

Un adolescente svogliato e alienato decide di aiutare il suo nuovo amico a vincere la presidenza di classe nel loro piccolo liceo occidentale, mentre affronta la sua bizzarra vita familiare a casa.

VACANZE DI NATALE DI NATIONAL LAMPOON

I piani della famiglia Griswold per un grande Natale in famiglia si trasformano prevedibilmente in un grande disastro.

VACANZA NAZIONALE DI LAMPOON

Il viaggio attraverso il paese della famiglia Griswold fino al parco a tema Walley World si rivela molto più arduo di quanto avessero mai previsto.

SPAZIO UFFICIO

Tre impiegati dell'azienda che odiano il proprio lavoro decidono di ribellarsi al loro avido capo.

PIXELS

Quando gli alieni interpretano erroneamente i feed video dei classici giochi arcade come una dichiarazione di guerra, attaccano la Terra sotto forma di videogiochi.

INTONAZIONE GIUSTA

Beca, una matricola alla Barden University, viene convinta a unirsi a The Bellas, il gruppo a cappella di sole ragazze della sua scuola. Iniettando un po' di energia tanto necessaria nel loro repertorio, i Bellas affrontano i loro rivali maschi in una competizione universitaria.

AEREI, TRENI E AUTOMOBILI

Un uomo deve lottare per tornare a casa per il Ringraziamento con un odioso venditore di anelli per tende da doccia come suo unico compagno.

AMORE UBRIACO

Un fornitore di novità psicologicamente turbato viene spinto verso una storia d'amore con una donna inglese, mentre viene estorto da una linea telefonica per il sesso gestita da un venditore di materassi disonesto e acquista quantità incredibili di budino.

DÌ QUALSIASI COSA

Una nobile underachiever e una bella valedictorian si innamorano l'estate prima di andare al college.

SCUOLA DI ROCK

Dopo essere stato espulso dalla sua rock band, Dewey Finn diventa un supplente in una rigida scuola elementare privata, solo per provare a trasformarli in una rock band.

DI LATO

Due uomini che raggiungono la mezza età con poco da mostrare se non la delusione si imbarcano in un viaggio di una settimana attraverso la regione vinicola della California, proprio mentre uno sta per fare un viaggio lungo il corridoio.

A QUALCUNO PIACE CALDO

Quando due musicisti maschi assistono a un colpo di mafia, fuggono dallo stato in una band tutta al femminile travestita da donne, ma si verificano ulteriori complicazioni.

MOLTO MALE

Due liceali co-dipendenti sono costretti ad affrontare l'ansia da separazione dopo che il loro piano di organizzare una festa intrisa di alcol è andato storto.

TED

Un uomo il cui desiderio d'infanzia di dare vita al suo orsacchiotto si è avverato, deve ora decidere se mantenere la relazione con l'orso o con la sua ragazza, Lori.

TUTTI PAZZI PER MARY

Un uomo ha la possibilità di incontrare la ragazza dei suoi sogni al liceo, anche se il suo appuntamento con lei è stato un completo disastro.

QUESTO È 40

Pete e Debbie stanno entrambi per compiere 40 anni, i loro figli si odiano, entrambi i loro affari stanno fallendo, sono sul punto di perdere la casa e la loro relazione minaccia di andare in pezzi.

TRE UOMINI E UN BAMBINO

Tre scapoli si trovano costretti a prendersi cura di un bambino lasciato da una delle fidanzate dei ragazzi.

COPPA DI LATTA

Un professionista di golf in rovina che lavora in un campo pratica cerca di qualificarsi per gli US Open per conquistare il cuore della fidanzata del suo rivale di successo.

TOOTSIE

Un attore senza successo si traveste da donna per ottenere un ruolo in una trasandata soap opera ospedaliera.

TUONO TROPICALE

Attraverso una serie di eventi bizzarri, un gruppo di attori che girano un film di guerra ad alto budget sono costretti a diventare i soldati che stanno interpretando.

GEMELLI

Un uomo fisicamente perfetto ma innocente va alla ricerca del fratello gemello perduto da tempo, che è basso, donnaiolo e piccolo truffatore.

CRASHERS DI NOZZE

Una coppia di donnaioli impegnati che si intrufolano ai matrimoni per approfittare della sfumatura romantica nell'aria, si trovano in disaccordo l'uno con l'altro quando uno di loro incontra e si innamora di una donna.

QUANDO HARRY HA INCONTRATO SALLY

Harry e Sally si conoscono da anni e sono ottimi amici, ma temono che il sesso rovini l'amicizia.

SELVAGGIO SELVAGGIO OVEST

I due migliori agenti speciali del selvaggio West devono salvare il presidente Grant dalle grinfie di uno scienziato confederato diabolico, in sedia a rotelle, esperto di steampunk, deciso a vendicarsi per aver perso la guerra civile.

C'È POSTA PER LEI

Due rivali in affari che si disprezzano a vicenda nella vita reale si innamorano inconsapevolmente su Internet.

ZOMBIELAND

Uno studente timido che cerca di raggiungere la sua famiglia in Ohio, un duro armato che cerca di trovare l'ultimo Twinkie e una coppia di sorelle che cercano di raggiungere un parco di divertimenti uniscono le forze per viaggiare attraverso un'America piena di zombi.

ZOOLANDER

Alla fine della sua carriera, un modello di moda all'oscuro subisce il lavaggio del cervello per uccidere il Primo Ministro della Malesia.

Parte Terza Finale - di Ken Miyamoto per screencraft.org

Link alla Prima Parte

Link alla Seconda Parte

SCEMO E PIÙ SCEMO

Dopo che una donna ha lasciato una valigetta al terminal dell'aeroporto, uno stupido autista di limousine e il suo amico più stupido partono per un esilarante viaggio attraverso la campagna fino ad Aspen, per restituire la valigetta al suo proprietario.

FACILE A

Una studentessa delle superiori si affida ai pettegolezzi della scuola per migliorare la sua posizione sociale e finanziaria.

IL LIMITE DEI DICIASSETTE

La vita al liceo diventa ancora più insopportabile per Nadine quando la sua migliore amica, Krista, inizia a frequentare il fratello maggiore.

ELEZIONE

La vita personale di un insegnante di scuola superiore si complica mentre lavora con gli studenti durante le elezioni scolastiche, in particolare con un ossessivo overachiever determinato a diventare presidente del corpo studentesco.

TEMPI VELOCI ALLA RIDGEMONT HIGH

Un gruppo di studenti delle scuole superiori della California meridionale si stanno divertendo con le loro materie più importanti: sesso, droga e rock'n'roll.

UN PESCE CHIAMATO WANDA

A Londra, quattro persone molto diverse si uniscono per commettere una rapina a mano armata, quindi cercano di incrociarsi a vicenda per il bottino.

IL GIORNO LIBERO DI FERRIS BUELLER

Un saggio del liceo è determinato a prendersi un giorno libero da scuola, nonostante quello che ne pensa il preside.

DIMENTICARE SARAH MARSHALL

Peter, devastato, si prende una vacanza alle Hawaii per affrontare la recente rottura con la sua ragazza star della TV, Sarah. Non sa che Sarah sta viaggiando nello stesso resort e sta portando con sé il suo nuovo fidanzato.

PERSONE DIVERTENTI

Quando il comico esperto George Simmons viene a sapere della sua condizione di salute terminale e inoperabile, il suo desiderio di stringere un'amicizia genuina lo porta a prendere un attore relativamente verde sotto la sua ala come atto di apertura.

GALASSIA QUEST

Il cast di alunni di una serie televisiva di opera spaziale deve interpretare i loro ruoli come la cosa reale quando una razza aliena ha bisogno del loro aiuto per difendere sia la Terra che la razza aliena da un signore della guerra rettiliano.

ACCHIAPPA FANTASMI

Tre ex professori di parapsicologia hanno aperto un negozio come unico servizio di rimozione dei fantasmi.

ACCHIAPPAFANTASMI 2

La scoperta di un enorme fiume di ectoplasmi e una ripresa dell'attività spettrale consente allo staff di Ghostbusters di rilanciare l'attività.

VIAGGIO PER RAGAZZE

Quando quattro amiche di una vita si recano a New Orleans per l'annuale Essence Festival, le sorelle si riaccendono, si riscoprono lati selvaggi e ci sono abbastanza balli, bevute, risse e storie d'amore da far arrossire Big Easy.

GIORNO DELLA MARMOTTA

Un meteorologo si ritrova inspiegabilmente a vivere lo stesso giorno più e più volte.

IL DOPO-SBORNIA

Tre amici si svegliano da un addio al celibato a Las Vegas, senza alcun ricordo della notte precedente e lo scapolo scomparso. Fanno il giro della città per trovare il loro amico prima del suo matrimonio.

HOCUS POCUS

Un giovane curioso si trasferisce a Salem, dove lotta per adattarsi prima di risvegliare un trio di streghe diaboliche giustiziate nel XVII secolo.

BOSS TERRIBILI

Tre amici cospirano per uccidere i loro terribili capi quando si rendono conto che stanno ostacolando la loro felicità.

BOSS TERRIBILI 2

Dale, Kurt e Nick decidono di avviare un'attività in proprio, ma le cose non vanno come previsto a causa di un astuto investitore che spinge il trio a portare a termine un piano di rapimento folle e fuorviante.

FUZZ CALDO

Un abile agente di polizia londinese viene trasferito in una piccola città con un oscuro segreto.

SPAZIO INTERNO

Uno sventurato commesso deve sventare dei criminali per salvare la vita dell'uomo che, miniaturizzato in un esperimento segreto, gli è stato accidentalmente iniettato.

GIUNONE

Di fronte a una gravidanza non pianificata, una giovane donna insolita prende una decisione insolita riguardo al suo bambino non ancora nato.

BUSSARE

Per l'animale da festa amante del divertimento Ben Stone, l'ultima cosa che si sarebbe mai aspettato era che la sua avventura di una notte si presentasse alla sua porta otto settimane dopo per dirgli che era incinta di suo figlio.

LADY BIRD

Una ragazza di diciassette anni con inclinazioni artistiche diventa maggiorenne a Sacramento, in California.

ULTIMO EROE D'AZIONE

Con l'aiuto di un biglietto magico, un giovane fan del cinema viene trasportato nel mondo immaginario del suo personaggio preferito dei film d'azione.

LEGALMENTE BIONDA

Elle Woods, una sorellanza regina alla moda viene scaricata dal suo ragazzo. Decide di seguirlo alla facoltà di giurisprudenza, e mentre è lì capisce che c'è di più in lei oltre al semplice aspetto.

Parte Seconda - di Ken Miyamoto per screencraft.org

Link alla Prima Parte

Link all Terza ed ultima Parte

Quali sono alcune delle sceneggiature comiche più esilaranti da cui gli sceneggiatori possono imparare?

Leggere manuali e articoli sulla sceneggiatura non può che portarti lontano.

La migliore educazione che puoi ricevere per prepararti alla grandezza della sceneggiatura è guardare film e, cosa più importante, leggere le sceneggiature dei film. I nostri partner di The Script Lab comprendono l'importanza di questo e scoprirai che molti degli script disponibili in questo elenco (in ordine alfabetico dei titoli originali) provengono da loro.

Man mano che leggi più sceneggiature, vedrai rapidamente che non esiste un unico modo per scrivere una sceneggiatura. Sì, c'è un formato e una struttura generali da seguire per la maggior parte, ma la cosa migliore che puoi fare è leggere quante più sceneggiature puoi per vedere cosa funziona meglio per te e per le tue storie.

Qui presentiamo ottantacinque sceneggiature comiche che puoi utilizzare come road map per creare le tue esilaranti storie cinematografiche.

Nota: molte delle sceneggiature differiranno dal montaggio finale dei film a causa del montaggio del film, delle modifiche alle bozze delle riprese e del fatto che alcune sono bozze precedenti. Inoltre, alcune delle sceneggiature non aderiscono alle linee guida e alle aspettative contemporanee generali a cui dovrebbero attenersi gli sceneggiatori alle prime armi. In caso di dubbio, pecca sempre di seguire quelle linee guida e aspettative. Alcuni script seguono un formato datato, mentre altri sono scritti da professionisti affermati che hanno margine di manovra nel formato e sono autorizzati ad andare oltre la linea guida generale di conteggio delle pagine 90-120.

CLICCA SU OGNI IMMAGINE PER LEGGERE IL COPIONE!

VIA SALTO 21

Una coppia di poliziotti con scarsi risultati viene rimandata in una scuola superiore locale per mimetizzarsi e abbattere un giro di droghe sintetiche.

VIA SALTO 22

Dopo essersi fatti strada al liceo (due volte), grandi cambiamenti sono in serbo per gli agenti Schmidt e Jenko quando vanno sotto copertura in un college locale.

VERGINE DI 40 ANNI

Spinto dai suoi amici, un ragazzo nerd che non ha mai "fatto l'atto" sente aumentare la pressione quando incontra una madre single.

500 GIORNI D'ESTATE

Un'insolita commedia romantica su una donna che non crede che il vero amore esista e sul giovane che si innamora di lei.

LA FAMIGLIA ADDAMS

I truffatori hanno in programma di spennare una famiglia eccentrica usando un complice che afferma di essere il loro zio perduto da tempo.

AEREOPLANO

Un uomo che ha paura di volare deve assicurarsi che un aereo atterri sano e salvo dopo che i piloti si sono ammalati.

ANALIZZA QUESTO

Una commedia su uno psichiatra il cui paziente numero uno è un boss mafioso insicuro.

ANCHORMAN: LA LEGGENDA DI RON BURGUNDY

Ron Burgundy è il giornalista più quotato di San Diego nel mondo televisivo dominato dagli uomini degli anni '70, ma tutto sta per cambiare per Ron e i suoi compari quando una donna ambiziosa viene assunta come nuova conduttrice.

ANNIE HALL

Il comico nevrotico di New York Alvy Singer si innamora dello spirito libero Annie Hall.

MAMME CATTIVE

Quando tre mamme oberate di lavoro e poco apprezzate vengono spinte oltre i loro limiti, abbandonano le loro responsabilità convenzionali per una scossa di libertà, divertimento e comica autoindulgenza attesa da tempo.

GRANDE

Dopo aver desiderato di diventare grande, un adolescente si sveglia la mattina dopo per ritrovarsi misteriosamente nel corpo di un adulto.

IL GRANDE LEBOWSKI

Jeff "The Dude" Lebowski, scambiato per un milionario con lo stesso nome, chiede la restituzione del suo tappeto rovinato e arruola i suoi compagni di bowling per aiutarlo a recuperarlo.

IL GRANDE MALATO

Il comico nato in Pakistan Kumail Nanjiani e la studentessa Emily Gardner si innamorano ma lottano mentre le loro culture si scontrano. Quando Emily contrae una misteriosa malattia, Kumail si trova costretto ad affrontare i suoi grintosi genitori, le aspettative della sua famiglia e i suoi veri sentimenti.

BILLY MADISON

Per ereditare l'impero alberghiero del padre stufo, un uomo immaturo e pigro deve ripetere di nuovo i gradi 1-12.

SELLE ARDENTI

Per rovinare una città occidentale, un politico corrotto nomina uno sceriffo nero, che diventa subito il suo più formidabile avversario .

IL CIRCOLO DELLA COLAZIONE

Cinque studenti delle scuole superiori si incontrano durante la detenzione di sabato e scoprono di avere molto più in comune di quanto pensassero.

DAMIGELLE D'ONORE

La competizione tra la damigella d'onore e una damigella d'onore su chi sia la migliore amica della sposa minaccia di sconvolgere la vita di un pasticcere disoccupato.

UNA SETTIMANA DA DIO

A un ragazzo che si lamenta troppo spesso di Dio vengono dati poteri onnipotenti per insegnargli quanto sia difficile governare il mondo.

CADDYSHACK

Un esclusivo campo da golf ha a che fare con un nuovo membro sfacciato e un distruttivo gopher danzante.

IMPIEGATI

Un giorno nella vita di due commessi di nome Dante e Randal mentre infastidiscono i clienti, discutono di film e giocano a hockey sul tetto del negozio.

ALL'OSCURO

Un ricco studente delle superiori cerca di aumentare la popolarità di un nuovo allievo, ma non conta che gli affari di cuore si mettano di mezzo.

PAZZI RICCHI ASIATICI

Questa commedia romantica contemporanea, basata su un bestseller globale, segue la nativa newyorkese Rachel Chu a Singapore per incontrare la famiglia del suo ragazzo.

DISORIENTATO E CONFUSO

Le avventure degli studenti delle superiori e delle medie nell'ultimo giorno di scuola del maggio 1976.

PISCINA MORTA

Un mercenario spiritoso viene sperimentato e diventa immortale ma brutto, e si propone di rintracciare l'uomo che ha rovinato il suo aspetto.

IL DIAVOLO VESTE PRADA

Un neolaureato intelligente ma sensibile trova lavoro come assistente dell'esigente caporedattore di una rivista di alta moda.

Parte Prima - di Ken Miyamoto per screencraft.org

Link alla Seconda Parte

“Lascia che i tuoi personaggi parlino tra loro e facciano le cose. Trascorri del tempo con loro: ti diranno chi sono e cosa stanno facendo (Greta Gerwig). Lo sviluppo dei personaggi è senza dubbio una delle parti più difficili della scrittura. Come scrittori, miriamo a creare personaggi, non caricature. Grandi personaggi saltano fuori dalla pagina: si sentono persone reali, non immaginarie.

Qual è la differenza tra dramma e melodramma nei lungometraggi e in televisione? Questo è uno degli argomenti più dibattuti nella sceneggiatura: il dramma contro il melodramma. Quando cerchi la definizione centrale di queste due parole, il dibattito non fa che intensificarsi. Qui esploriamo le definizioni di ciascun termine e offriamo un'unica differenza fondamentale tra loro.

Se ti senti come se i tuoi succhi creativi si fossero prosciugati, non c'è bisogno di farsi prendere dal panico. A partire dal 1 gennaio 2020, negli USA, ci sono un sacco di nuove storie da rubare legalmente perché il loro copyright è scaduto. Attualmente, qualsiasi opera teatrale, romanzo, film o canzone pubblicata tra il 1923 e il 1977 ha un copyright di 95 anni, quindi a partire dal 2020 qualsiasi cosa dal 1924 o prima è gratuita per il furto.

Se il furto non fa per te, considera le parole di TS Elliott: "I buoni scrittori prendono in prestito, i grandi scrittori rubano". Quindi, se rubi un personaggio o una storia, almeno sei in ottima compagnia.

Se l'utilizzo di una proprietà di dominio pubblico non sembra ancora un'opportunità straordinaria, prenditi un momento per considerare la Disney. The Mouse House ha letteralmente guadagnato miliardi di dollari realizzando film animati e live-action basati su storie di dominio pubblico. Frozen (2013) è stato ispirato da Ice Queen (1845) di Hans Christian Anderson e Aladdin (2019 e 1992) è stato tratto da Le mille e una notte (1706). Ma non preoccuparti, l'elenco di pubblico dominio non è tutto favole.

ECCO ALCUNE DELLE NOSTRE PROPRIETÀ DI DOMINIO PUBBLICO PREFERITE DAL 1924.

Se i misteri sono la tua passione, The Man in the Brown Suit di Agatha Christie e tutti i racconti di Poirot Investigates sono ora disponibili per riscrivere, rifare e mescolare in cortometraggi o lungometraggi. Perché non seguire le orme del Dr. Who e rendere Poirot una donna (forse interpretata da Phoebe Waller Bridge?) Se non ti piacciono le differenze di genere, forse prendi alcune note tecniche. Christie è stata una maestra nel creare false piste dando ai suoi personaggi sfondi misteriosi, quindi questa è la tua opportunità per prendere di mira i migliori.

Se l'azione/avventura fa per te, considera The Land That Time Forgot di Edgar Rice Burroughs e Tarzan and the Ant Men. E se Tarzan vivesse nel moderno Central Park di New York City? Tarzan è un personaggio così ricco e amato, non c'è fine a ciò che potresti creare con lui. O forse Tarzan and the Ant Men sono una cover band degli anni '80, che canta le canzoni di Adam Ant. Ok, forse non è una buona idea, ma ci sono così tante possibilità.

Se la commedia è la tua passione, ora ci sono tre commedie di Noel Coward disponibili per te da aggiornare e creare le tue: The Vortex, Hay Fever e Easy Virtue. Tutte e tre le commedie sono state precedentemente adattate per lo schermo, ma ora hai la possibilità di scrivere la tua interpretazione unica della storia senza doverti assicurare i diritti.

Se le storie del crimine sono la tua passione, The Rat , la commedia di Ivor Novello (e più tardi, il film), parla di una donna francese di classe superiore che cerca brividi uscendo con un noto criminale. Un aggiornamento potrebbe essere una storia che inizia a Beverly Hills ma porta il pubblico nel mondo di una pericolosa banda che opera a Compton.

Se ti piace la fantascienza, ti potrebbe piacere The Fatal Eggs di Mikhail Bulgakov, su uno scienziato che alleva accidentalmente centinaia di serpenti, struzzi e coccodrilli eccessivamente aggressivi. Se segui questa storia, considera di dargli un titolo più piccante in modo che i lettori non pensino che si tratti di una brutta frittata.

Un altro motivo molto convincente per adattare una proprietà di dominio pubblico è perché quella proprietà è stata testata e ha dimostrato di essere redditizia con un pubblico integrato. Intrattiene i lettori o il pubblico da 95 anni e se è abbastanza riconoscibile, attirerà più attenzione da parte dei produttori rispetto alle tue specifiche sconosciute, specialmente se sei uno scrittore sconosciuto. Il libro Billy Budd, Sailor di Herman Melville è ora di dominio pubblico e pronto per un adattamento moderno. Scrivere una sceneggiatura con le ossa di Melville sarebbe qualcosa che molte persone sarebbero interessate a leggere.

Trovare la proprietà di pubblico dominio perfetta per te richiederà alcune ricerche, lettura e visione di film, ma potrebbe essere proprio ciò di cui hai bisogno per dare il via alla tua carriera di scrittore. Tieni presente, tuttavia, che la maggior parte delle persone non vuole leggere una sceneggiatura che è un adattamento letterale di Old Maid di Edith Wharton . Non devi ambientarlo ai giorni nostri, ma devi farlo tuo. Forse invece di ambientare la storia nella guerra civile, potrebbe essere ambientata durante la guerra del Vietnam. Qualunque cosa tu decida, assicurati che sia fresco e attiri un pubblico molto esperto e moderno.

Un'altra cosa da considerare è che altri paesi potrebbero avere leggi sul copyright diverse rispetto agli Stati Uniti, quindi fai le tue ricerche, soprattutto se vuoi scrivere un lungometraggio da riprodurre in tutto il mondo. In caso di dubbio, consultare un avvocato.

Articolo di Shanee Edwards per screencraft.org

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♥ dalle Idee alle Sceneggiature • Consigli e Suggerimenti

1. LEALTÀ

2. AUTOCONTROLLO

3. PERSISTENZA

4. SPIRITUALITÀ

5. IMPAZIENZA

6. AVIDITÀ

7. CRUDELTÀ

8. IMPLACABILE

9. AMBIZIONE

10. SENZA PAURA

11. VENDICATIVO

12. CALCOLO

13. DISPERATO

14. PERSUASIVO

15. CONTORTO

1. DAI AI TUOI PERSONAGGI UN DIFETTO DI PERSONALITÀ

2. DAI AI TUOI PERSONAGGI UNA DIPENDENZA

3. DAI AL TUO PERSONAGGIO UNA DISABILITÀ FISICA

4. DAI AL TUO PERSONAGGIO UNA DISABILITÀ MENTALE

5. DAI UN SEGRETO AL TUO PERSONAGGIO

1. MOSTRA IL TUO PERSONAGGIO NEL LORO MONDO PRIMA CHE ARRIVI IL CONFLITTO CENTRALE

2. INSERISCI I TUOI ELEMENTI DI GENERE IN ANTICIPO

3. RAGGIUNGI RAPIDAMENTE IL TUO CONCETTO DI BASE

1.

THE PURSUIT OF HAPPYNESS / LA RICERCA DELLA FELICITÀ

2.

CHARIOTS OF FIRE / CARRI DI FUOCO

3.

RUDY / RUDI

4.

MR. HOLLAND’S OPUS / L'OPERA DI MR. HOLLAND

5.

THE SHAWSHANK REDEMPTION / LA REDENZIONE DI SHAWSHANK

6.

DEAD POETS SOCIETY / L'ATTIMO FUGGENTE

7.

GOOD WILL HUNTING / CACCIA ALLA BUONA VOLONTÀ

8.

UP / SU

9.

THE GREEN MILE / IL MIGLIO VERDE

10.

CAST AWAY / GETTATO VIA

11.

I AM LEGEND / SONO LEGGENDA

12.

MANCHESTER BY THE SEA / MANCHESTER IN RIVA AL MARE

13.

THE ELEPHANT MAN / L'UOMO ELEFANTE

14.

SOPHIE'S CHOICE / LA SCELTA DI SOPHIE

15.

E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL / ET L'EXTRATERRESTRE

16.

WARRIOR / GUERRIERO

17.

INTERSTELLAR / INTERSTELLARE

18.

FIELD OF DREAMS / CAMPO DEI SOGNI

19.

TOY STORY 3 / STORIA DEL GIOCATTOLO 3

FERISCI IL TUO PERSONAGGIO

FAI IN MODO CHE L'INCIDENTE ISTIGANTE COLPISCA LA FERITA

IL TUO PERSONAGGIO DOVREBBE AVERE UN PIANO INGENUO

SVELA LA VERA NATURA DEL PROBLEMA

IL TUO PERSONAGGIO DOVREBBE AVERE UN PIANO DISPERATO

DAI AL TUO PERSONAGGIO UN'AUTO-RIVELAZIONE

FAI DI THE CLIMAX UNA BATTAGLIA DI SISTEMI DI VALORI

CAMBIAMENTO INTERNO COME TEMA

PUNTI DI FORZA

DEBOLEZZE

EVITA DI OFFUSCARE I CONFINI TRA PROTAGONISTA E CAREGIVER

ACCOPPIARE IL CAREGIVER CON CATTIVI RAGAZZI/RAGAZZE E SEDUTTORI

NUMERO LIMITATO DI CARATTERI

LA STORIA INIZIA IL PIÙ VICINO POSSIBILE AL CLIMAX

UN AMBIENTE DISTINTO E INTRIGANTE

NON C'È TEMPO PER I RETROSCENA

EVOCA EMOZIONI PROFONDE

SCRIVI QUELLO CHE SAI

**3. IL TUO CONCETTO BASATO SU O ISPIRATO DA UNA STORIA VERA HA TROPPA STORIA**