Se scrivere è il difficile sgobbare in salita e finire la tua prima bozza è il momento vittorioso in cui raggiungi la cima della vetta, la revisione è la parte in cui una gigantesca raffica di vento ti fa cadere a terra e ti fa precipitare fuori controllo verso il basso e di nuovo in fondo.

Metafore a parte, la revisione è un lavoro duro che può sembrare impossibile se non sai da dove cominciare. Quindi suggerisco di scomporre la tua sceneggiatura nella sua unità più piccola: le scene.

Parte del processo di revisione di ogni sceneggiatore dovrebbe esaminare la sceneggiatura scena per scena per determinare se ogni scena funziona in modo efficace o meno.

Per fare proprio questo, ecco 10 domande che ti aiuteranno a capire quali scene funzionano e, soprattutto, quali no.

DI COSA PARLA LA SCENA?

Questa prima domanda può essere doozy (stupida). Perché non stai cercando di capire di cosa tratta la scena in superficie - no, devi determinare di cosa tratta la scena nel grande schema delle cose.

Esamina la tua scena da una vista a volo d'uccello, per così dire. Cosa sta facendo la scena per la storia generale? E di cosa si tratta tematicamente? 

Forse la scena stabilisce una relazione chiave, introduce la forza antagonista o crea il conflitto interno del protagonista. Forse alza la posta in gioco, guida i personaggi in una nuova direzione o fa avanzare la trama in modo importante.

Tutti questi sono motivi completamente validi per l'esistenza di una scena. Ma se non hai una risposta a questa domanda o la risposta è: "È solo una scena divertente", è una buona indicazione che dovresti tagliare completamente la scena.

COSA SUCCEDE NELLA SCENA?

Per usare un termine teatrale, questa domanda riguarda il  business del palcoscenico . Cosa stanno facendo fisicamente i tuoi personaggi durante una scena particolare?

Il dialogo e l'azione sono i due elementi principali di una sceneggiatura, quindi ha senso che ciò che fanno i tuoi personaggi sia importante tanto quanto ciò che dicono.

Le azioni che i tuoi personaggi intraprendono possono aggiungere significato critico e sottotesto alla tua storia. Dopotutto, una cosa è per un personaggio convincere la sua ragazza che la ama veramente mentre sta sorseggiando il tè, un'altra cosa è se è impegnato ad affilare un coltello.

DI CHI È LA SCENA COMUNQUE?

Onnisciente in prima persona, seconda persona, terza persona: proprio come la letteratura, tutti i film e i programmi TV hanno un punto di vista. E mentre rivedi la tua sceneggiatura, è fondamentale esaminare il punto di vista di ogni singola scena.

Ora, non sto parlando di come scrivi le parole nella sceneggiatura stessa. Si tratta del punto di vista della storia in un senso più ampio.

Da quale prospettiva è la scena? Se dovessi assegnare un personaggio principale (o, meglio, una coppia di personaggi) come "leader" nella scena, chi sarebbe?

Alcune storie aderiscono all'equivalente di un punto di vista in prima persona, seguendo un personaggio per tutta la storia. In queste storie, il pubblico apprende le informazioni mentre il personaggio POV apprende le informazioni.

Altre storie possono saltare tra le prospettive di due personaggi, concentrarsi su vari personaggi in un gruppo più ampio o presentare una sorta di narratore onnisciente che sa tutto e può commentare la storia stessa.  

Non c'è una risposta giusta o sbagliata qui, ma dovresti cercare di individuare a quale personaggio appartiene ciascuna scena e in che modo ciò influisce sulla percezione della storia da parte del pubblico.

COSA VUOLE IL PERSONAGGIO?

Una volta che sai di chi è la scena, la prossima domanda da porre riguarda l'obiettivo. Cosa vuole il personaggio in questa scena?

Quando il tuo personaggio vuole qualcosa, anche se è solo un bicchiere d'acqua, quel desiderio crea intrinsecamente interessi, ostacoli e conflitti.

La posta in gioco e gli ostacoli sono essenziali per il tuo copione. Chi vuole vedere un film in cui tutto va per il verso del protagonista e lui non ha problemi a ottenere ciò che vuole? Nessuno, ecco chi.

Scruta l'obiettivo del tuo personaggio in ogni scena. Diventa davvero micro anche con esso. Il grande obiettivo di Indiana Jones in  I predatori dell'arca perduta  è quello di ottenere l'Arca dell'Alleanza prima dei nazisti, sì, ma ha un obiettivo più piccolo in ogni singola scena che lo porterà un passo più vicino (o più lontano) dal trovare effettivamente il Arca.

E se hai due personaggi principali in una scena, assicurati di rispondere a questa domanda per entrambi i personaggi. A volte il miglior dramma si verifica quando due personaggi vogliono cose completamente opposte.

'Predatori dell'arca perduta'

IN CHE MODO QUESTA SCENA FA AVANZARE LA STORIA?

Le scene nella tua sceneggiatura dovrebbero essere come una linea del domino. Quando spingi il primo dòmino, cade nel secondo domino, che cade e colpisce il terzo domino... e così via e così via. 

Vuoi che le tue scene si sovrappongano l'una all'altra come quella linea di domino, il che significa che ciò che accade in una scena dovrebbe dipendere da ciò che è accaduto nella scena precedente e dovrebbe influenzare direttamente ciò che accade nella scena successiva.

Un modo un po' più semplice di guardare a questo è considerare se una singola scena influisce sulla trama della storia o sull'arco del personaggio. Se influisce sulla trama o sull'arco del personaggio, bene; se ha un impatto su entrambi, bene.

Ogni scena di una sceneggiatura ha lo stesso compito: portare avanti la storia in qualche modo. Quello slancio in avanti può assumere molte forme, ma deve essere presente nella scena. In caso contrario, è meglio tagliare i ponti prima di attaccartici troppo. 

COSA RIVELA LA SCENA SUL PERSONAGGIO?

Alcune scene riguardano più il personaggio che altro: stabiliscono chi è il qualcuno, quali conflitti interni combattono e come sono le loro relazioni con gli altri.

Per queste scene, devi guardare in modo critico a ciò che la scena rivela sul personaggio. Questo può essere in azione, dialogo o la scena cumulativa nel suo insieme.

Con quella scena del viaggio in macchina all'inizio di  Lady Bird, Greta Gerwig stabilisce il teso rapporto madre/figlia che regge l'intero film in pochi minuti. Sentiamo quanto velocemente la conversazione di Lady Bird e Marion sul loro audiolibro si trasforma in una discussione a tutti gli effetti. E vediamo che la loro relazione è così tesa che Lady Bird è disposta a buttarsi fuori da un'auto in movimento piuttosto che continuare a parlare con sua madre.

Le cose che facciamo e diciamo rivelano chi siamo, che lo vogliamo o no. Assicurati che ciascuna delle tue scene riveli qualcosa di interessante.

"Lady Bird"

COSA VIENE (E NON VIENE) DETTO?

Ah, in che mondo vivremmo se tutti dicessero sempre esattamente cosa intendono. Sfortunatamente per noi - e per i nostri personaggi - quella terra fantastica non esiste.

Ciò che i personaggi dicono durante una scena è estremamente importante. L'ultima cosa che vuoi è un dialogo tortuoso e inutile. Ma d'altra parte, non vuoi che il discorso dei tuoi personaggi sia irrealistico.

Noi umani non siamo altro che comunicatori disordinati e alcuni dei migliori conflitti cinematografici possono derivare da problemi di comunicazione. Non aver paura di estrarre errori di comunicazione per conflitti nella tua sceneggiatura.  

Quindi durante la revisione, guarda il dialogo in ogni scena e poniti due domande...

1. Cosa viene detto?
2. Cosa non viene detto?

Ciò che non viene detto è il sottotesto. È il significato dietro le loro parole, spesso le cose che non possono - o non vogliono - dire ad alta voce. Usando il sottotesto, è del tutto possibile per i tuoi personaggi avere una conversazione a livello superficiale sui modelli di carta da parati quando ciò di cui stanno veramente parlando è il divorzio.

Non tutte le scene necessitano di un sottotesto pesante: a volte devi solo spiegare qualcosa in modo diretto o passare da una scena all'altra con dialoghi di transizione. Assicurati solo che la tua sceneggiatura non sia piena di queste semplici scene di dialogo.

LA "CARICA" ​​DELLA SCENA CAMBIA?

Per le ultime tre domande di questo elenco, fai un passo indietro rispetto alla scena. Smetti di sezionare le singole linee e guardale in modo più astratto. 

Innanzitutto, considera la "carica" ​​​​della tua scena. Con questo intendo la carica emotiva. Con quale emozione inizia la scena e con quale emozione finisce?

Pensa a una batteria: da un lato c'è una carica positiva, dall'altro una carica negativa. Proprio come quella batteria, la tua scena dovrebbe avere emozioni diverse su ciascuna estremità.

Puoi assegnare designazioni approssimative alle emozioni per tenere traccia della "carica". La chiave è che vuoi che questa "carica" ​​emotiva cambi durante una scena. 

Le scene potrebbero iniziare con gioia (positivo) e finire con disperazione (negativo), o l'esatto contrario. Le scene più lunghe possono subire diversi cambiamenti emotivi. 

Il cambiamento non ha bisogno di essere monumentale, ma dovrebbe essere rilevabile in qualche modo. Lo scenario peggiore è avere una scena in cui la "carica" ​​emotiva rimane semplicemente la stessa per tutto il tempo. Se non cambia nulla, che senso ha includerlo?

C'È UN INIZIO, UNA METÀ E UNA FINE?

Proprio come la tua storia più ampia, ciascuna delle tue scene ha bisogno di un inizio, una parte centrale e una fine. 

Ogni scena dovrebbe avere un arco, proprio come la tua storia più ampia e ciascuno dei tuoi personaggi principali. In ogni scena, qualcosa cambia, la posta in gioco aumenta, le informazioni vengono rivelate: ciò che accade varierà, ma la struttura dovrebbe rimanere la stessa.   

Quando rivedi il copione, cerca di identificare l'inizio, la parte centrale e la fine di ogni scena. Se non riesci a individuare una parte in particolare, scava nei meccanismi della scena. Stai finendo troppo in fretta senza impostare ciò che verrà? Non si verificano cambiamenti durante la scena? La scena si svolge apparentemente dal nulla, senza alcun collegamento con quelle precedenti e successive?

SEI IN RITARDO E FUORI PRESTO?

Infine, usa questo trucco di sceneggiatura per determinare se le tue scene sono troppo lunghe.

Hai iniziato la scena all'ultimo secondo possibile e l'hai conclusa il prima possibile?

Taglia i convenevoli e passa alle cose buone: nessuno ha bisogno o vuole sentire i personaggi fare "Ciao", "Ciao", "Come stai?" routine. E non lasciare che le tue scene indugino troppo a lungo. Una volta che le cose belle sono finite, chiudi la scena e vattene.

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Infine, sarei negligente se non menzionassi che l'ultima cosa che devi fare quando provi le tue scene è controllare l'ortografia e la grammatica.

Potresti scrivere una sceneggiatura piena di scene perfette dopo scene perfette, ma se hai dimenticato la punteggiatura cruciale o hai scritto male una parola importante, questo è tutto ciò che il lettore della sceneggiatura o il dirigente sarà in grado di ricordare.

di Britton Perelmann per screencraft.org

di Ken Miyamoto  per  screencraft.org

PLOT VS. STORY La trama e la storia sembrano intercambiabili, ma ci sono differenze molto nette che dovresti conoscere. 

Questa è una delle domande più comuni nella sceneggiatura e nella letteratura. Alcuni credono che i termini siano intercambiabili mentre altri non riescono a cogliere la differenza.

Con questo in mente, qui presentiamo una semplice suddivisione delle differenze e delle sfumature tra trama e storia e come puoi usarle per creare sceneggiature e storie letterarie coinvolgenti e avvincenti.

LA STORIA COPRE CHI, COSA E DOVE

E' così semplice.

La storia comprende chi sono i personaggi, quali conflitti stanno affrontando e dove tutto questo sta avvenendo. Di solito puoi trovare la storia di base di un film o di un libro all'interno della cronologia generale .

Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio devono dare la caccia alla bestia prima che uccida di nuovo.

Questa è la storia di Lo squalo di Steven Spielberg . È basilare. Copre:

• Chi : uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio
• Cosa : squalo assassino che scatena il caos che deve essere cacciato prima che uccida di nuovo
• Dove : una comunità sulla spiaggia

Quindi, se qualcuno ti chiede di cosa tratta la tua storia, la logline è un ottimo punto di partenza. Copre gli elementi di base della tua storia. Non entra nei dettagli su come, quando e perché tutto accade. Questo è salvato per la trama.

'Lo squalo' (Universal Pictures)

LA TRAMA COPRE IL COME, IL QUANDO E IL PERCHÉ

Cos'è una trama?

Ancora una volta, è molto semplice, giusto?

La trama è il modo in cui la storia viene raccontata all'interno di una sceneggiatura o di un libro. Copre:

• Come i personaggi si confrontano con i conflitti che vengono lanciati contro di loro.
• Quando la storia si svolge all'interno delle vite dei personaggi
• Perché i personaggi si confrontano con il conflitto e perché reagiscono in quel modo.

Nel caso di Jaws , conosciamo la storia generale:

Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio devono dare la caccia alla bestia prima che uccida di nuovo. 

Ma la trama ci fornisce maggiori dettagli.

Durante una festa in spiaggia al tramonto ad Amity Island, una giovane donna, Chrissie Watkins, si tuffa magra nell'oceano. Mentre calpesta l'acqua, viene trascinata violentemente sotto. Il giorno successivo, i suoi resti parziali vengono ritrovati a terra. La conclusione del medico legale che la morte sia dovuta a un attacco di squalo porta il capo della polizia Martin Brody a chiudere le spiagge. Il sindaco Larry Vaughn lo convince a revocare la sua decisione, temendo che l'economia estiva della città venga rovinata e sottolinea che la città non ha mai avuto problemi con gli squali. Il medico legale concorda provvisoriamente con la teoria del sindaco secondo cui Chrissie è stata uccisa in un incidente in barca. Brody accetta con riluttanza la loro conclusione finché lo squalo non uccide un ragazzino, Alex Kintner, in piena vista di una spiaggia affollata. Una taglia viene posta sullo squalo, provocando una frenesia amatoriale di caccia allo squalo. Il pescatore di squali professionista locale Quint si offre di catturarlo e ucciderlo per $ 10.000. Nel frattempo, il consulente oceanografo Matt Hooper esamina i resti di Chrissie e conferma che la sua morte è stata causata da uno squalo, uno squalo insolitamente grande.

Quando i pescatori locali catturano uno squalo tigre, il sindaco proclama che la spiaggia è sicura. La signora Kintner, la madre di Alex, incolpa pubblicamente Brody per la morte di suo figlio. Hooper esprime dubbi sul fatto che lo squalo tigre sia responsabile degli attacchi e i suoi sospetti vengono confermati quando al suo interno non vengono trovati resti umani. Hooper e Brody trovano una nave semiaffondata mentre cercano nelle acque notturne la barca di Hooper. Sott'acqua, Hooper rimuove un grosso dente di squalo bianco dallo scafo della barca, ma lo lascia cadere spaventato dopo aver incontrato il cadavere parziale del pescatore locale Ben Gardner. Vaughn respinge le affermazioni di Brody e Hooper secondo cui un enorme grande squalo bianco è responsabile delle morti e si rifiuta di chiudere le spiagge, consentendo solo maggiori precauzioni di sicurezza. Nel fine settimana del 4 luglio, i turisti affollano le spiagge. A seguito di uno scherzo giovanile con uno squalo finto, il vero squalo entra in una laguna vicina, uccidendo un barcaiolo e provocando lo shock del figlio maggiore di Brody, Michael. Brody quindi convince un Vaughn tormentato dai sensi di colpa ad assumere Quint.

Quint, Brody e Hooper salpano sulla barca di Quint, l'Orca, per cacciare lo squalo. Mentre Brody stabilisce una linea di amicizia, Quint attende un'opportunità per agganciare lo squalo. Senza preavviso, appare dietro la barca. Quint, stimando la sua lunghezza a 25 piedi (7,6 m) e il peso a 3 tonnellate (3,0 tonnellate lunghe; 3,3 tonnellate corte), lo arpiona con una lenza attaccata a un barile galleggiante, ma lo squalo trascina il barile sott'acqua e scompare.

Al calar della notte, Quint e Hooper si scambiano storie ubriache sulle loro cicatrici assortite e Quint rivela di essere sopravvissuto alla USS Indianapolis. Lo squalo ritorna inaspettatamente, speronando lo scafo della barca e disattivando l'alimentazione. Gli uomini lavorano tutta la notte, riparando il motore. Al mattino, Brody tenta di chiamare la Guardia Costiera, ma Quint, che è diventato ossessionato dall'idea di uccidere lo squalo senza assistenza esterna, spacca la radio. Dopo un lungo inseguimento, Quint arpiona lo squalo con un altro barile. La lenza è legata alle bitte di poppa, ma lo squalo trascina indietro la barca, sommergendo il ponte e allagando il vano motore. Quint si prepara a recidere la lenza per evitare che lo specchio di poppa venga estratto ma le bitte si staccano, mantenendo le canne attaccate allo squalo. Quint si dirige verso la riva per attirare lo squalo in acque meno profonde,

Con l'Orca che affonda lentamente, il trio tenta un approccio più rischioso. Hooper indossa l'attrezzatura subacquea ed entra in acqua in una gabbia a prova di squalo, con l'intenzione di iniettare letalmente allo squalo stricnina, usando una lancia ipodermica. Lo squalo attacca la gabbia, facendo cadere la lancia a Hooper, che affonda e si perde. Mentre lo squalo si dimena nei resti aggrovigliati della gabbia, Hooper riesce a scappare sul fondo del mare. Lo squalo fugge e salta sul ponte della barca che affonda. Quint poi scivola giù dal ponte e viene divorato dallo squalo. Intrappolato sulla nave che affonda, Brody infila una bombola pressurizzata nella bocca dello squalo e, arrampicandosi sul nido del corvo, spara al carro armato con il fucile di Quint. L'esplosione risultante cancella lo squalo. Hooper affiora, e lui e Brody tornano a remi a Amity Island aggrappandosi ai barili rimanenti.

Tutte le domande su chi, quando e perché in Jaws trovano risposta all'interno di quella suddivisione della trama. Le storie possono essere raccontate in molti modi diversi. Ed è la trama che funziona come strumento strutturale per poterlo fare.

Un'altra possibile (e unica) trama all'interno della storia di base di Jaws potrebbe mostrare la prospettiva dello squalo mentre lo vediamo farsi strada attraverso l'oceano, attaccando varie comunità di spiagge oceaniche.

'Lo squalo' (Universal Pictures)

Oppure potremmo cambiare i personaggi e rendere i personaggi secondari il protagonista principale invece di Brody.

La storia di Jaws sarebbe molto diversa se Hooper fosse il protagonista.

E sarebbe ancora più diverso con Quint come protagonista.

Potremmo farne una storia di sopravvivenza, vendetta, amore o salvataggio. Ed è la trama che lo impone. È qui che entrano in vigore i fotogrammi della trama .

12 FOTOGRAMMI DI TRAMA CHE PUOI USARE PER LA TUA STORIA

Cos'è un frame della trama? Secondo Dan Hoffman (ex dirigente dello sviluppo e analista di sceneggiature per i principali studi e società di produzione di Hollywood), i frame della trama sono uno strumento che può aiutarti a identificare e mettere a fuoco la tua storia.

Inquadrare la tua storia con una certa cornice della trama ti aiuta a:

• Definisci i principali conflitti della storia
• Identifica qual è lo scopo o l'obiettivo del protagonista

Ci sono generalmente dodici frame della trama in cui rientra la maggior parte delle storie:

1. Quest -  Il protagonista cerca un tesoro o un obiettivo e affronta i conflitti lungo la strada.
2. Indovinello -  Il protagonista affronta un enigma o un mistero che deve risolvere.
3. Minaccia -  Il protagonista è minacciato da qualcosa o qualcuno e deve sconfiggere la minaccia.
4. Trappola -  Il protagonista si ritrova intrappolato da qualche parte o in qualche modo (fisicamente o mentalmente) e deve trovare una via d'uscita.
5. Vendetta/Giustizia -  Il protagonista cerca giustizia o vendetta per atti illeciti o ingiustizie e deve affrontare conflitti per ottenerla.
6. Rivalità -  Il protagonista affronta una persona o un'entità rivale che sconvolge il loro mondo e deve essere affrontata.
7. Tentazione —  Il protagonista è tentato da qualcosa o qualcuno e deve subire le conseguenze di tale tentazione.
8. Scoperta -  Il protagonista scopre qualcosa di intrigante e deve affrontare qualsiasi conseguenza di quella scoperta, buona o cattiva.
9. Perdente -  Il protagonista è un perdente in una situazione e deve superare tutte le probabilità per sopravvivere o vincere.
10. Amore -  Il protagonista si innamora e deve superare il conflitto interiore ed esteriore per raggiungere o mantenere quell'amore.
11. Inseguimento -  Il protagonista sta inseguendo qualcuno o qualcosa e deve affrontare i conflitti che devono affrontare durante tale ricerca.
12. Salvataggio -  Il protagonista ha il compito di salvare qualcuno o qualcosa oppure sono loro che devono essere salvati.

Ogni fotogramma della trama crea i propri conflitti all'interno della storia. E ognuno definirà anche quale sia l'obiettivo o l'obiettivo del protagonista all'interno della storia.

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Quindi, riassumendo il tutto:

La storia parla di chi, cosa e dove all'interno del tuo concetto.

La trama parla di come, quando e perché accade tutto all'interno di quella storia.

I frame della trama possono essere usati per aiutarti a capire tutto questo.

Articolo di Ken Miyamoto  per screencraft.org

 I cortometraggi (in genere meno di 30 minuti) sono molto simili ai lungometraggi – hanno la stessa struttura in tre atti – meno la storia “b”, e coprono lo stesso terreno emotivo che si trova in un film di due ore, solo che riescono a tutto molto, molto più veloce.

La cosa che spicca davvero di un grande cortometraggio, tuttavia, è che la narrazione è il più serrata e concisa possibile con la storia principalmente raccontata attraverso immagini, non dialoghi. Studiare cortometraggi può aiutarti a migliorare il tuo gioco di narrazione visiva, scoprire di cosa tratta veramente la tua storia e persino mostrarti come usare il tuo cortometraggio per mettere piede nella porta.

Quindi, mentre attendiamo con impazienza le nomination agli Oscar del 2022, vediamo cosa possiamo imparare dai cortometraggi vincitori di Oscar del recente passato. 

"LA FINESTRA DEI VICINI"

VINCITORE DEL MIGLIOR CORTOMETRAGGIO LIVE-ACTION, 2020

SCRITTO/DIRETTO DA MARSHALL CURRY

La finestra dei vicini è una versione moderna del classico La finestra sul cortile di Hitchcock. Solo che qui non vediamo un omicidio attraverso la finestra, vediamo semplicemente una giovane coppia impegnata in una vita tonificante e piena di passione. 

Quando ho digitato per la prima volta il titolo del film, ho pensato che l'apostrofo fosse fuori posto (pensavo che dovesse essere prima della 's, non dopo). Dopo aver visto il film, mi sono reso conto che l'apostrofo è esattamente dove deve essere, imparando che l'osservatore a volte può anche essere l'osservato. Analizziamo il primo dei nostri cortometraggi in termini di struttura. 

L'ALLESTIMENTO (ATTO I)

L'inquadratura iniziale è New York City. Come pubblico, ci aspettiamo un film su vite frenetiche, quartieri affollati e tutto frenetico. Il film offre. 

PRESENTAZIONE DEI PROTAGONISTI

Incontriamo la mamma che va a prendere i suoi figli prima che entrino papà, che ha appena messo a letto i due bambini. Entrambi sembrano stressati e stanchi per essersi presi cura di due bambini, ma dopo un momento di dialogo, è chiaro che il loro legame è amorevole. 

INCITAMENTO ALL'INCIDENTE: 1:12

Mamma e papà possono vedere attraverso le finestre nell'appartamento del vicino. Sia la mamma che il papà sono ipnotizzati dalla coppia alla finestra mentre si strappano i vestiti a vicenda e iniziano un incontro sessuale. 

CONFLITTO: 1:09

La mamma si chiede ad alta voce se i vicini non dovrebbero avere le tende o se amano essere osservati. Li giudica per la loro esibizione sessuale e dallo spirito libero, ma non riesce a staccare gli occhi di dosso. Ora il conflitto diventa chiaro: la responsabilità dell'età adulta, in particolare il dovere della genitorialità, si scontra con la leggerezza e la libertà della giovinezza. 

IL NUOVO MONDO (ATTO II): 3:50

Ora il rapporto tra mamma e papà inizia a farsi sentire quando la mamma, che è stata fuori con i bambini tutto il giorno, nota che papà non sta lavorando nel suo ufficio, ma dalla sala da pranzo dove ha una visuale completa dei vicini lascivi. Ma con il passare dell'anno (segnato dalle decorazioni natalizie), lo spettacolo nella finestra del vicino diventa la loro nuova normalità. Lentamente, lo stile di vita a ruota libera del vicino diventa una gradita fuga dalle vite monotone di mamma e papà. 

"La finestra dei vicini"

IL PUNTO MEDIO: 11.00

Mamma e papà notano che il vicino maschio dall'altra parte della strada non ha più i capelli. Si è rasato la testa? Sembrano non riuscire a capire che qualcosa di terribile è accaduto al loro vicino. 

UN CAMBIAMENTO DI CIRCOSTANZE: 14.00

La mamma si rende conto che le cose sono cambiate per i vicini quando la vicina striscia nel letto con il suo amante, ma non è per il sesso. 

Il climax: 14:48

La vita spensierata del vicino maschio ha preso un corso inaspettato ed è ormai finita. Dall'altra parte della strada, la mamma reagisce alla sua morte. 

La svolta finale (Atto III): 15:47

La mamma lascia il suo appartamento e va dalla vicina dall'altra parte della strada dove esprime le sue condoglianze e cerca di confortare la vicina. La mamma poi scopre qualcosa di sorprendente: proprio come aveva guardato la coppia attraverso la finestra, anche la coppia ha guardato lei e la sua famiglia. È questa svolta, l'ultima piccola informazione, che implica speranza nonostante la morte perché convalida la loro esperienza di vita, non importa quanto banale.

CONSIDERAZIONI

Questo film inizia come una storia apparentemente familiare, ma si trasforma senza sforzo in un'altra storia più toccante sulla vita urbana, l'amore e la morte. Questo film stratificato si muove rapidamente attraverso la storia, ma ogni momento sembra reale e meritato, e i comportamenti dei personaggi hanno un senso. Sebbene sia una sorpresa che entrambi i vicini si guardassero a vicenda, la rivelazione è molto radicata e affermativa.  

Lezioni da applicare ai lungometraggi: come sceneggiatore, è emozionante giocare con le aspettative del pubblico. Questo film racconta la storia da un lato, dimostrando che non c'è bisogno di rivelare in anticipo tutto ciò che sta accadendo in una storia. Certo, avrebbero potuto esserci scene in cui vediamo la giovane coppia che guarda la famiglia dall'altra parte della strada per stabilire i punti di vista di entrambi i gruppi di vicini, ma non era necessario. Non includendo queste scene, l'impatto emotivo è molto più forte quando la verità viene rivelata.   

"PELLE"

VINCITORE DEL MIGLIOR CORTOMETRAGGIO LIVE-ACTION, 2018

SCRITTO DA GUY NATTIV E SHARON MAYMON; DIRETTO DA GUY NATTIV

Questo film approfondisce il razzismo e l'ignoranza in modi che espongono sia la brutalità che la vulnerabilità dell'umanità. 

L'ALLESTIMENTO (ATTO I)

Un ragazzo caucasico senza scarpe, Troy, si fa rasare la testa da suo padre, Jeffrey. Apprendiamo che Troy e Jeffrey si stanno preparando per una giornata fuori con i loro duri amici della banda. 

Nel deserto, Jeffrey scommette che Troy può sparare a un'anguria da lontano. Troy ci riesce, dando al pubblico informazioni preziose: come in tutti i cortometraggi, non c'è spazio per eventi accessori o extra. Il fatto che Troy sia un ottimo tiratore tornerà più avanti nel film. 

INCITAMENTO ALL'INCIDENTE: (5:43) 

Nella fila alla cassa del negozio di alimentari, un uomo di colore tiene in mano una action figure che attira l'attenzione di Troy. Ma Troy non vede il colore della pelle dell'uomo, solo il giocattolo che ha in mano. Ma il padre di Troy vede solo la differenza razziale e diventa ostile. La scena diventa violenta con Bronny, il figlio dell'uomo nero che ha all'incirca la stessa età di Troy, che osserva l'assalto di suo padre dall'auto. 

PUNTO MEDIO: (12:24)

Jeffrey viene preso da una banda di uomini di colore. Jeffrey è fuori di testa e gli uomini di colore accendono una pistola per tatuaggi mentre il giovane Bronny guarda.  

NARRAZIONE VISIVA

Si noti che il dialogo si interrompe dalle 12:36 alle 18:05, con la storia raccontata solo attraverso immagini per quasi otto minuti. 

'Pelle'

LA RIVELAZIONE: (17:45)

Sebbene Jeffrey sia tornato a casa, scopre che la sua pelle bianca è stata tatuata di nero.  

IL CLIMAX: (20:09)

Jeffrey si fa strada all'interno della sua casa, tornando dalla sua famiglia ma non è un felice ritorno a casa. Troy, con un'ottima mira, vede la pelle nera sull'uomo che pensa sia un intruso e gli spara alla schiena. Jeffrey viene ucciso per mano di suo figlio. 

CONSIDERAZIONI

Sebbene Jeffrey sia l'istigatore iniziale di questo incidente di matrice razzista, questa è una vera tragedia, il che significa che non ci sono vincitori in questa storia, solo perdenti. La brutalità incontra la brutalità e tutti ne subiscono le conseguenze. 

Sebbene questa sia una storia con una dura realtà, mostra quanto velocemente i tavoli possono essere capovolti quando ci fidiamo della nostra percezione umana difettosa . Solo perché una situazione sembra in un modo, non significa necessariamente che sia così. Questa storia espone il fatto che il colore della propria pelle è in realtà solo un costrutto sociale e può facilmente cambiare a seconda di una moltitudine di circostanze. Mentre scriviamo le nostre sceneggiature, è bene tenere a mente che il punto di vista di una persona (cioè, Troy vede la pelle nera) non è necessariamente la realtà. 

"AMORE PER I CAPELLI"

VINCITORE DEL MIGLIOR CORTOMETRAGGIO D'ANIMAZIONE, 2020

SCRITTO DA MATTHEW A. CHERRY; DIRETTO DA MATTHEW A. CHERRY, EVERETT DOWNING JR. E BRUCE W. SMITH.

Questo film è pieno di una magia amorevole che si svolge magnificamente nell'animazione. Ti consigliamo di tenere il tuo Kleenex vicino per questo. 

IL SET UP

Una ragazzina afroamericana (Zuri) viene svegliata dal suo gatto e scopre che oggi è un giorno speciale come segnato sul suo calendario. 

INCIDENTI SCATENANTI: 0,51

Zuri si toglie il berretto da notte ei suoi capelli si espandono in una grande, abbondante ma ribelle massa di capelli ricci (i suoi capelli ora diventano la fonte del conflitto per il film ma hanno anche il potenziale per la magia). 

MAGIA VISIVA: 0:57

Sul vlog, possiamo vedere infinite immagini di acconciature incredibili e intricate, ognuna più divertente dell'altra. Non c'è bisogno di parole o dialoghi qui: le immagini dicono tutto.

PAPÀ COMBATTE I CAPELLI: 2:40

Papà cerca di conquistare i capelli potenti e ingombranti ma perde la battaglia. Come dominerà i capelli di sua figlia?   

IL PUNTO MEDIO: 3:51

Zuri e papà guardano il vlog sui capelli di sua madre su Internet. Il vlog è l'elisir magico che può trasformare la sfida dei capelli ribelli in un potere magico. Ma cosa è successo alla mamma? Dobbiamo essere pazienti per scoprirlo.

IL COLPO DI SCENA/RIVELAZIONE: 5:11

La mamma, un'esperta nel trattare con i capelli, ora non ha capelli, probabilmente a causa del cancro. Ma in questo film, i capelli rappresentano la nostra forza vitale. Senza i suoi capelli, cosa spingerà la mamma ad andare avanti? 

"Amore per i capelli"

IL CLIMAX: 5:45 

Zuri va a trovare la mamma in ospedale. Zuri mostra a sua madre un disegno della mamma senza capelli ma con indosso una corona. La mamma si toglie il copricapo e, grazie all'amore di sua figlia, ora può accettare la sua situazione. La fonte della magia è cambiata dai capelli all'amore.

CONSIDERAZIONI

Come nel film precedente, qui è presente un bambino piccolo. Solo che possiamo vedere la storia attraverso i suoi occhi (di Zuri). Utilizzando la prospettiva di un bambino, possiamo facilmente accedere a un mondo magico in cui i capelli possono essere sia incantati che ostili. È un mondo in cui solo l'amore può guidare i nostri personaggi.

Guardando il film, sappiamo solo quello che sa Zuri ed è una grande lezione di prospettiva: lo scrittore deve solo rivelare ciò che sta vivendo il protagonista, proprio come nel primo film. Ma è la rivelazione – che la mamma ha il suo viaggio – che purtroppo non coinvolge i capelli, che rende il film così potente. 

I capelli diventano una metafora di molte cose in questo film, tra cui l'identità, il controllo, la bellezza e persino la vita. La mamma che non ha i capelli avvia un viaggio di resilienza e sovranità. Pensa alla "magia" nella tua storia. Chi ce l'ha e cosa ci fa? 

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I cortometraggi, se fatti bene, hanno un grande impatto emotivo in pochissimo tempo. Mentre scrivi la sceneggiatura del tuo lungometraggio, un esercizio potrebbe essere quello di immaginare il tuo film come un cortometraggio: chi o cosa ha la vera agenzia (magia?) nella storia? Quali elementi della storia taglieresti o condenseresti? Quali personaggi elimineresti? Quali scene potresti raccontare visivamente senza dialoghi? C'è un punto di vista che può aspettare di essere rivelato fino alla fine della storia? 

Anche solo pensare a questo esercizio potrebbe aiutarti a distillare davvero la tua storia fino ai suoi elementi più basilari e importanti e aiutarti a raccontare la storia più forte e potente possibile. 

di Shanee Edwards   per  screencraft.org

La caratterizzazione di un personaggio è difficile, ma queste sono alcune idee su come descrivere i tuoi PERSONAGGI in modo unico. 

Molte persone dicono di cosa parlano: ti raccontano i loro valori, ti dicono quali sono i loro obiettivi nella vita e sicuramente non vedono l'ora di dirti cosa hanno raggiunto ultimamente. Ma, come ogni scrittore sa, parlare costa poco. Ciò che conta quando si guarda una persona sono le cose che rimangono non dette.

A parte la coda di cavallo, la barba, un brillante paio di occhi castani o una cicatrice sul viso, altre cose possono descrivere un personaggio senza che parli. Quei modi non verbali di comunicare la personalità di un personaggio e simili sono inestimabili quando il dialogo è scarso (o quando dovrebbe esserlo), quindi fai attenzione!

POSTURA E COME SI PORTANO

Sebbene non sia necessario dire tutto sull'aspetto fisico, ci sono alcuni tratti visibili che hanno un certo significato a seconda del personaggio che stai descrivendo.

Quando introduci per la prima volta una nuova persona nella tua storia, pensa a come si comportano. Non tutti i personaggi richiederanno questo pensiero, ovviamente, ma quelli più importanti spesso lo fanno. Sono una persona orgogliosa? Una persona pericolosa? Una donnola connivente di una persona? Il modo in cui si muovono nel loro mondo, e persino la loro postura generale, è un modo per notarlo. Qualcuno con una postura scorretta sarà visto come oberato di lavoro o forse un tipo di persona intrigante, mentre qualcuno in piedi sarà qualcuno di fiducia, che sia il tuo eroe o il tuo cattivo.

Questo tipo di dettaglio è solo un modo fantastico per far risaltare i tuoi personaggi l'uno dall'altro con la sola grafica. 

IGIENE (PERSONALE O ALTRO)

Per quanto riguarda le presentazioni dei personaggi, c'è un'altra strada non tradizionale quando si tratta di nominare i tratti fisici, vale a dire, puoi parlare della pulizia del loro aspetto.

Sono trasandati o si agghindano e si pavoneggiano così tanto da sembrare immacolati? Sono orribilmente sporchi (e possibilmente puzzolenti) o emanano un aroma e un'aura ben oliati allo stesso modo? Il tuo personaggio potrebbe anche non essere una persona sporca, ma mantiene le cose in disordine nella loro casa. Qualunque sia il modo in cui descrivi la loro igiene (personale o meno), sappi solo che si riflette su chi sono.

"Psyco americano"

PROFONDITÀ DELLE REAZIONI EMOTIVE/FISICHE

Ora, non devi farlo ogni volta, perché dovresti lasciare che gli attori facciano il loro lavoro. Tuttavia, ogni tanto, è utile informare il lettore su quanto profonda può essere la reazione emotiva o fisica del tuo personaggio a determinati stimoli.

L'affetto mette fisicamente a disagio il tuo eroe? C'è qualche tipo di piccolo inconveniente che rende il tuo antagonista molto più arrabbiato di quanto lo sarebbero le persone normali? Anche la mancanza di profondità può essere rivelatrice, come un antieroe che sembra non reagire affatto alla scoperta di un tradimento.

Ricorda, le persone sono imprevedibili fino a un certo punto, quindi se riesci a pensare a un "motivo per cui", hai tutto il diritto di sorprendere il tuo pubblico con azioni/reazioni sproporzionate dei tuoi personaggi.

ATTIVITÀ ABITUALI

Eccone una facile: il tuo personaggio fa qualcosa regolarmente per abitudine? Alcuni possono essere bugiardi abituali, certo, ma se stai cercando versioni non verbali di questo metodo di caratterizzazione, puoi optare per altre abitudini riconoscibili: vizi come tossicodipendenze, abuso di alcol o fumo; virtù come abitualmente "porgere l'altra guancia"; e persino abitudini moralmente neutre come lo schiocco delle nocche, il masticare gomme o recidive involontarie come la narcolessia.

Le abitudini e altri comportamenti ricorrenti dicono molto sulle persone e aiutano a distinguerle dagli altri. Alla fine, questo è tutto ciò che stiamo cercando di fare!

Violet Beauregarde in "Charlie e la fabbrica di cioccolato"

DOVE VA LA LORO ATTENZIONE

Che tu ci creda o no, ogni personaggio ha un bisogno. I personaggi più importanti lo fanno conoscere nel corso della storia, ma ognuno ha qualcosa che desidera, di cui ha bisogno o che mira a raggiungere per se stesso. Ecco perché hanno sempre la loro attenzione su qualcosa di specifico.

Quel personaggio minore che hai scritto che è un odioso flirt? Fisserà regolarmente altri personaggi, cercando il prossimo caso di molestie o il prossimo periodo di auto-convalida. L'eroe della tua storia, che sta cercando di tenere i suoi genitori fuori di prigione, si concentrerà sul grande obiettivo: provare l'innocenza dei suoi genitori. Ciò significa che presterà attenzione quando le persone menzionano i suoi genitori, o anche quando gli indizi del contrario iniziano a spuntare dal nulla.

Qualunque sia l'esempio, la prova è nella motivazione. Dove va la loro attenzione, ci saranno anche i tuoi personaggi.

LA COMPAGNIA CHE TENGONO

Quindi hai sentito il vecchio adagio: "Una persona è giudicata dalla compagnia che tiene". È vero. Non c'è mai un caso in cui non è vero. In effetti, le persone con cui ti trovi possono sempre essere utilizzate per decifrare la tua stessa personalità fino a un certo punto, che tu sia come loro o che tu sia l'esatto contrario.

Questa è anche l'idea alla base della conoscenza dei personaggi che circondano il tuo personaggio. Anche un personaggio circondato da amici violenti può essere un prepotente, oppure può essere emotivamente stentato a causa di tutti quegli abusi. Non c'è un modo per disegnare l'immagine perché la vita lancia ogni sorta di palle curve. Ma quello che devi trarre è una conclusione: in base a chi è sempre presente il tuo personaggio, ha il tratto X o il tratto Y. È un esercizio di psicologia, quindi ricorda, ci sono molte risposte "giuste".

EPITETI E STRANI FATTI UNICI

Infine, ci sono aspetti di un personaggio che si distinguono per la loro natura insolita. Dai loro una qualità descrittiva simile a un epiteto, come Atena dagli occhi grigi, il cui sguardo sui mortali è noto per essere freddo e calcolatore. Un personaggio il cui volto è descritto come "quello di un bulldog umano" si è guadagnato una descrizione così specifica, unica e simile a un epiteto, non diresti?

Lo stesso si potrebbe dire per il cattivo della tua storia che è identificato solo dalla sua cicatrice spalancata sul viso, o da una pettinatura semplicemente indimenticabile come Zorg di Gary Oldman in  Il quinto elemento . Diavolo, lo fa anche l'accento, se siamo onesti. Non si dimentica facilmente, e nemmeno il capitano pirata dall'uncino di Neverland, né molti altri personaggi si distinguono unicamente per un loro tratto unico all'interno della storia.

CONCLUSIONE

È facile dire solo quello che intendi. Ci vuole molto più lavoro per metterlo in mostra. Tuttavia, con questo elenco di metodi per condividere in modo non verbale i tratti dei tuoi personaggi, hai un vantaggio sulla parte difficile! Allora, cosa stai aspettando? Inizia a scrivere su chi sono i tuoi personaggi. E ricorda: mostra, non dire!

di David Wayne Young  per screencraft.org 

Quando inizi per la prima volta il tuo viaggio di sceneggiatore, tendi a saltare rapidamente nel fuoco per l'eccitazione e l'anticipazione. Hai quell'idea in testa e vuoi realizzarla. Hai quell'eccitante scena o sequenza di apertura visualizzata. Puoi vedere i tratti generali della storia e pensare di essere pronto per iniziare. Ma man mano che avanzi e diventi più saggio nella tua carriera di sceneggiatore, con alcune sceneggiature alle spalle, ti rendi conto che più lavoro di front-end fai prima di digitare FADE IN può significare la differenza tra una sceneggiatura media e una eccellente che fa girare la testa nell'industria del cinema.

Se stai esaurendo le idee per i film, queste tecniche potrebbero aiutarti a far ripartire la tua creatività. 

Trovare idee cinematografiche è difficile. Conosci la lotta, vero? Le notti insonni, le tante docce e le passeggiate senza senso che hai fatto nella speranza di far fluire i tuoi succhi creativi. A volte, però, il pensiero creativo richiede un processo.

Quando stai cercando di pensare alla prossima grande ed eccitante idea per una sceneggiatura, ci sono tattiche che puoi applicare per arrivarci. Attenzione, non tutte le tattiche funzioneranno ogni volta: devi aspettarti alcuni ostacoli qua e là come creatore. Ma il trucco è trovare modi per iniziare a scrivere più regolarmente, perché più spesso e costantemente scrivi, più opportunità ti dai di produrre nuove idee.

Queste tecniche di generazione di idee potrebbero aiutarti a fare proprio questo.

Uno dei modi più comuni in cui le persone spiegano la premessa di un film è dicendo che è come "questo incontra quello". L'hai già sentito. Sharknado è un'idea che si adatta facilmente a questa tattica: "È come Jaws incontra Twister". O che dire di Stranger Things: è I Goonies incontra Alien. Mentre 500 Days of Summer  è stato descritto come  How I Met Your Mother  incontra  Garden State.

Alcune persone lo useranno per descrivere l'atmosfera di un film, mentre altri lo usano per parlare dei concetti principali di un film. Ad ogni modo, se stai cercando di creare qualcosa di nuovo, puoi sicuramente iniziare con "questo incontra quello". Ti manderà su alcune strade interessanti, specialmente se stai scrivendo una storia come  Buffy l'ammazzavampiri  incontra  The Office. In realtà, non importa, non puoi avere quell'idea. 

DIARI DEI SOGNI

Per quanto semplice possa sembrare, la tua mente è il posto migliore per cercare i semi di un'idea. In molti casi dai sogni che fai ti vengono in mente idee interessanti, a volte folli e molto originali.

Se i tuoi sogni sono radicati o sembrano incubi alimentati dal crack, dovresti scriverli. Alcuni dei concetti più interessanti hanno avuto inizio in un sogno o in un'esperienza onirica. Prendi l'abitudine di inserire nel diario i tuoi sogni. Molti creativi lo fanno e fanno riferimento a loro quando vogliono ispirazione.

Come scrittore, puoi scegliere di prendere questi sogni alla lettera come base per una nuova storia, oppure puoi usarli come metafora per altre idee per la storia. In ogni caso, averle scritte su carta ti aiuterà a ricordarle e a farvi riferimento quando sarai pronto per iniziare a scrivere una nuova funzionalità!

ARTE E MUSICA

Non devi basare la tua sceneggiatura su un romanzo per essere ispirato da qualcosa che già esiste. Ogni volta che visiti un museo o ascolti il ​​tuo album preferito, hai la possibilità di farti venire delle idee.

Quali canzoni mettono un'immagine nella tua mente? È una canzone d'amore spezzata che ti fa pensare a una trama drammatica? Quali opere d'arte ti danno un'idea per una storia? C'è un paesaggio dipinto che ti fa immaginare un mondo fantastico?

Finché non basi la storia sulla musica o sull'arte, puoi creare qualcosa di veramente originale. E poiché stai costruendo questo da ispirazioni che ti hanno commosso personalmente, la storia che scrivi sarà anche piena dei tuoi pensieri ed emozioni grezzi. Se stai cercando di realizzare un lungometraggio commovente, questo è un ottimo modo per iniziare!

CONCLUSIONE

Ci sono tanti modi per ottenere idee nella tua testa o sulla carta oltre al diario dei sogni e all'ascolto di musica. Guardare film. Leggi gli script. Gioca . Parlare agli sconosciuti. Le idee possono nascere dalle cose più banali. Ma ogni storia alla fine diventa un "questo incontra quello", quindi non sottovalutare il potere di riunire due idee per darti qualcosa di unico e diverso.

Comunque tu decida di generare le tue idee, non dimenticare che potresti essere in grado di far fluire più succhi creativi se hai altri creativi che lavorano con te. Una o due sessioni di brainstorming possono rendere le cose molto più facili a lungo termine quando stai cercando di portare più idee sul tavolo. Qualunque cosa tu decida, alla fine troverai il tuo flusso. Non dimenticare di scrivere tutto quando hai finito di pensare!

di Davide Young   per screencraft.org

Ecco alcune cose da tenere a mente quando si rivede una sceneggiatura per le riprese sul set di un film.

Nessuna sceneggiatura è perfetta. Questo è vero per ogni progetto e ogni formato di una sceneggiatura, sia che si tratti della prima bozza di una sceneggiatura o della sceneggiatura delle riprese che arriva sul set di un film.

Ma quell'aneddoto vale soprattutto per le sceneggiature. In quanto "bibbia della produzione" sul set, questo documento aiuta a mantenere tutti allineati per ogni scena del progetto. E mentre la sceneggiatura delle riprese continuerà ad adattarsi durante le riprese, ciò le rende solo  più  importanti.

Le sceneggiature non smettono mai di evolversi fino a quando il film non viene girato, i pickup vengono completati e il regista ha approvato il montaggio finale. E questo significa che sapere come perfezionare e attenersi a una sceneggiatura per le riprese è uno degli strumenti più preziosi che un membro della produzione possa avere.

Come punto di partenza, aiuta a riaffermare la differenza tra una sceneggiatura e un copione di riprese. Sebbene entrambi i documenti svolgano lo stesso ruolo di base (fornendo una struttura per il dialogo e la progressione), ciò non significa che abbiano nomi diversi per la stessa cosa.

In effetti, questo è uno di quei casi in cui le differenze contano più delle somiglianze.

Ecco un esempio dal copione delle riprese di Inception. Christopher Nolan è uno scrittore-regista piuttosto noto (e di successo) che beneficia di quel doppio ruolo.

Le sceneggiature delle riprese sono spesso definite "film su carta". Mentre una sceneggiatura può fornire note sul blocco visivo, quelle non sono mai al centro. Tuttavia, una sceneggiatura delle riprese spiega quei pezzi; includono ancora dialoghi e regia, ma presentano anche movimenti e transizioni.

Pensalo come una via di mezzo tra una sceneggiatura e gli storyboard. La sceneggiatura delle riprese aiuta il regista a suddividere la propria visione in inquadrature specifiche, quindi a condividere tali informazioni con la troupe. Diventa un modo onnicomprensivo per condividere la visione del regista per ogni scena.

La sceneggiatura delle riprese diventa un progetto collaborativo tra il regista e il direttore della fotografia. (Anche gli sceneggiatori possono essere chiamati, a seconda di quanto cambia.) E poi vengono preparati e distribuiti dagli assistenti di produzione al talento e alla troupe di produzione.

Ma poiché la produzione cinematografica è un processo così ampio e collaborativo, le sceneggiature delle riprese sono efficaci solo quanto il supervisore della sceneggiatura del progetto. Queste persone sono gli esperti di continuità sul set, verificando che tutto abbia un senso tra le scene.

I supervisori alla sceneggiatura sono i migliori amici di un regista. Se una penna è nella tasca di un personaggio nella scena A, è responsabilità di questa persona assicurarsi che la penna sia nel posto giusto nelle scene future. E se un personaggio improvvisa una battuta, il supervisore alla sceneggiatura sa se il dialogo ha senso per lui.

È un modo per mantenere la continuità pur consentendo ai creativi di avere spazio per lavorare sulla sceneggiatura. E questa è la parte più importante del perfezionamento di una sceneggiatura sul set, ma ne parleremo più avanti.

Una sceneggiatura non smette mai di evolversi, ed è compito della sceneggiatura delle riprese assicurarsi che ogni modifica sia allineata con le riprese precedenti e che queste modifiche arrivino alle copie della sceneggiatura sparse per l'intera produzione.

COME PERFEZIONARE UNA SCENEGGIATURA DI RIPRESA

Puoi vedere come una sceneggiatura aiuta a gestire le modifiche a una sceneggiatura. Le grandi produzioni hanno bisogno di una sceneggiatura per tenere tutti sulla stessa pagina, e soprattutto per facilitare i registi della seconda unità in un grande progetto.

Ma cosa succede se il tempo cambia? O se il regista vuole riscrivere una scena? Questa è probabilmente la più grande differenza tra le sceneggiature e le sceneggiature. 

La sceneggiatura di Pulp Fiction include così tanti spunti di regia perché Quentin Tarantino è un altro esempio di sceneggiatore-regista di successo.

Una sceneggiatura per le riprese è scritta quasi esclusivamente dal regista perché possono infrangere le regole, che è più o meno la natura del loro lavoro. Le persone accettano l'input di un regista perché sono responsabili di dare vita alla sceneggiatura.

Confrontalo con gli sceneggiatori, a cui viene insegnato a  non  dirigere mai dalla pagina. Non c'è niente di peggio che vedere una sceneggiatura che cerca di fare troppo, come dirigere l'azione o muovere la macchina da presa.

Ci sono eccezioni a questa regola, ovviamente. I registi che scrivono i loro film spesso saltano completamente una sceneggiatura e iniziano con una sceneggiatura per le riprese. Sono in grado di visualizzare set, inquadrature e movimento della telecamera, e dato che hanno l'ultima parola su queste cose, sono in una buona posizione per assicurarsi che la loro visione creativa sia presentata nel filmato finale.

Ma per la maggior parte, uno scrittore crea una sceneggiatura, la acquista in giro e poi fa un passo indietro mentre il regista appena assunto inizia a visualizzare il film così come lo vede.

CREAZIONE DI UNA BUONA SCENEGGIATURA DI LAVORAZIONE

Le differenze principali ruotano attorno a ciò che descrivi. Le sceneggiature forniscono un registro audio scritto degli eventi, come un dramma audio narrato della BBC. Ma una buona sceneggiatura ha bisogno  di altro . Non stai solo bloccando i tuoi personaggi, stai bloccando ogni scena.

Dov'è la tua macchina fotografica nella scena? Quale movimento darà vita alla scena? Come stai illuminando la scena? In che modo gli attori inquadrano il tuo scatto? Su cosa si concentrerà il pubblico in qualsiasi momento? Queste sono le domande che dovresti porre mentre crei una sceneggiatura per le riprese. E queste sono le cose che si evolveranno una volta che sarai sul posto.

È possibile che un'intera scena cambi sul set. Se il tempo cambia o un oggetto di scena si rompe inaspettatamente, puoi scegliere di adattarti e continuare a filmare. Il risultato è una modifica alla sceneggiatura delle riprese, che richiederà a te (o al supervisore della sceneggiatura) di verificare te stesso e assicurarti che il film mantenga la sua coerenza sia con le scene precedenti che con quelle  future.

Ma nel complesso, scrivere una sceneggiatura per le riprese è più facile di quanto si possa pensare. (Se hai mai creato un elenco di riprese per un progetto, hai avuto un buon vantaggio.) Devi numerare la scena e l'inquadratura, elencare i personaggi, descrivere l'azione e il movimento della telecamera e fornire i normali dettagli come la posizione, interno/esterno, ora del giorno, ecc. Dovresti anche includere l'attrezzatura che intendi utilizzare.

Tutte queste informazioni si traducono direttamente in un adattamento sul set. Includendo così tante informazioni su ogni scena, ti permetti di avere un po 'di spazio di manovra: puoi dilettarti con le modifiche e avere ancora una mappa per aiutarti a tornare da dove hai iniziato.

di Drew Gula e Julian Vaca  per screencraft.org

Vuoi scrivere un film d'animazione unico e divertente? Ecco alcuni suggerimenti per la storia che daranno vita alla tua creatività.

Vuoi scrivere nel genere dell'animazione ma hai bisogno di aiuto per evocare storie e concetti avvincenti che si adattino alla piattaforma animata? A volte leggere i suggerimenti di una storia semplice è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi. Otteniamo le nostre idee da molte fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc. Possono provenire da una scena o un momento in un film che non è stato completamente esplorato. Possono provenire da un singolo elemento visivo che attira la mente creativa, un seme che continua a crescere e crescere fino a quando lo scrittore non è costretto a metterlo finalmente su carta o schermo.

Possono ispirare sceneggiature, romanzi, racconti o anche momenti più piccoli che puoi includere nelle storie che stai già scrivendo.

Troppi sceneggiatori hanno inviato sceneggiature agli studi di animazione senza l'intenzione iniziale di creare una storia nata per l'animazione. L'animazione non è un ripiego o un'opzione secondaria per il marketing della tua sceneggiatura.

Devi esplorare ciò che l'animazione può apportare alle tue sceneggiature e alle tue storie. Devi chiederti perché la tua sceneggiatura  dovrebbe  essere animata e perché dovresti rivolgerti a case di animazione e produttori. Una delle prime cose che ti chiederanno è:  "Perché questo dovrebbe essere un film d'animazione?"

Le migliori opzioni di genere per l'animazione includono:

• Fantasia
• Fantascienza
• Adattamenti di libri per bambini
• Adattamenti comici

L'animazione può dare vita a questo tipo di storie in un modo che l'azione dal vivo non può fare, anche al giorno d'oggi della CGI. Il mezzo consente a immagini e immagini creative e stilistiche di prendere vita - immagini e immagini che non si tradurrebbero altrettanto bene in live-action. E alcuni che non sarebbero possibili in live-action.

Ci deve essere una ragione, però. Deve esserci un tono comunicabile sul motivo per cui la tua storia è perfetta per l'animazione. L'animazione non può essere solo un'opzione di marketing per la tua sceneggiatura.

Nello spirito di aiutare gli scrittori a trovare quei semi creativi, qui offriamo 101 suggerimenti per storie di animazione originariamente concepiti che puoi utilizzare come ispirazione per la tua prossima sceneggiatura animata.

Nota: poiché siamo tutti collegati alla stessa cultura pop, titoli di notizie e ispirazioni, qualsiasi somiglianza con sceneggiature, romanzi, racconti, pilot televisivi, serie televisive, opere teatrali passate, presenti o future o qualsiasi altra opera creativa è puramente casuale. Questi suggerimenti per la scrittura di storie sono stati concepiti al volo senza alcuna ricerca o ricerca di ispirazione su Google.

SUGGERIMENTI

1. Due famiglie di topi cacciatori di tesori intraprendono un viaggio che li porta in giro per il mondo.  

2. I fratelli canini che hanno perso i genitori trovano un portale per il Rainbow Bridge che conduce al paradiso degli animali domestici. 

3. Un giocatore trova un portale che gli consente di accedere ai suoi giochi preferiti.

4. Un giovane cucciolo d'orso cerca il padre perduto tra le montagne.

5. Una famiglia di viaggiatori spaziali si schianta su un pianeta esotico.

6. I fratelli scoprono una serie di misteriosi tunnel sotto la loro città.

7. Gli animali dell'Africa organizzano uno spettacolo per visitare i tour di safari umani. 

8. Una famiglia fa amicizia con un mostro scoperto a vivere sotto il letto dei bambini. 

9. Formiche affamate combattono per infiltrarsi in una casa di periferia apparentemente impenetrabile in cerca di cibo.

10. Una società di scarafaggi abita la Terra post-apocalittica.

11. Una madre canina vuole realizzare il sogno di una vita: allenarsi per le Olimpiadi degli animali domestici. 

12. La vita canina nascosta dei partecipanti alla mostra canina.

13. Una famiglia di topi viene scelta per essere il primo essere vivente a volare nello spazio.

14. Una famiglia di scimpanzé sarà la prima a colonizzare Marte.

15. Un ragazzino inizia a sviluppare una forza sovrumana. 

16. Uno scoiattolo che idolatra i cartoni animati di Alvin e i Chipmunks cerca di emulare il loro successo. 

17. Una famiglia viene risucchiata dai loro programmi TV preferiti. 

18. I cartoni animati degli anni '80 scappano nel mondo reale. 

19. I primi cani della famiglia presidenziale si godono la vita come parte della prima famiglia. 

20. West Side Story con Cats vs. Dogs. 

'Il gatto con gli stivali'

21. Il mago di Oz con gli animali. 

22. Cani e cavalli viaggiano con le loro controparti umane alla frontiera americana per trovare la loro nuova casa.

23. Il Kentucky Derby visto dagli occhi dei cavalli.

24. Il cane corre attraverso gli occhi dei cani.

25. I fratelli scoprono che i loro genitori erano spie internazionali.

26. Una famiglia in un ritiro nella natura selvaggia si imbatte in una società di animali parlanti.

27. Dopo che una famiglia ricca e benestante ha perso tutto, il loro gatto e il loro cane devono adattarsi a vivere in periferia. 

28. Gli animali domestici di periferia vengono trasportati indietro nel tempo e vedono come vivevano i loro antenati. 

29. Una famiglia di esploratori cerca nell'oceano la città perduta di Atlantide. 

30. Una famiglia trova una città perduta sotto i loro terreni agricoli. 

31. Una dog sitter professionista ha un dono magico: può parlare con i cani. 

32. Due fratelli canini fanno tutto il possibile per garantire che la loro famiglia umana mantenga la loro casa. 

33. La fauna selvatica del Mississippi reagisce vedendo per la prima volta esploratori bianchi. 

34. Una vecchia dimora di fantasmi reagisce a qualcuno che acquista la proprietà.  

35. Una famiglia di topi fa naufragio su un'isola inesplorata. 

36. Piccoli animali partecipano a una corsa simile a Cannonball Run attraverso il paese usando auto RC. 

37. Un uccello adolescente in cerca di avventura scopre una strana città di uccelli tra le nuvole. 

38. Un robot del futuro fa amicizia con una famiglia.  

39. Una famiglia di ratti urbani viene portata via allo stato brado durante un'orribile tempesta e inondazione. 

40. Una civiltà di robot scopre le proprie radici umane. 

"Robot"

41. Un ragazzo vittima di bullismo si sveglia come un forte cavaliere in un mondo fantastico. 

42. Un ragazzo che vive in un quartiere pericoloso finge che la sua famiglia sia in realtà una famiglia reale in un mondo fantastico. 

43. Gli umani sono in realtà le cose spaventose nell'armadio di una famiglia di mostri che vive parallelamente al mondo umano. 

44. Un ragazzino durante un viaggio in barca a vela a cui non vuole partecipare scopre una società di sirene. 

45. Un orsacchiotto desidera diventare umano dopo essersi innamorato del migliore amico del suo padrone. 

46. ​​Una società di cervi si prepara per la stagione della caccia. 

47. Un banco di pesci viene catturato nel Triangolo delle Bermuda.

48. Le creature marine vivono nel Triangolo delle Bermuda attraverso le rovine affondate di navi e aerei che sono scomparsi al suo interno. 

49. I classici personaggi delle fiabe prendono vita in una vecchia biblioteca di una grande città. 

50. Gli esseri umani si svegliano e scoprono che il loro mondo si è trasformato in un cartone animato vivente.

51. Una star d'azione dei film R-Rated viene trasportata nel mondo dei cartoni animati televisivi. 

52. Un nerd emarginato scopre di essere in realtà un venerato principe di un altro pianeta, nascosto dalla sua famiglia reale per sfuggire a un malvagio signore dello spazio. 

53. Una società di maghi animali deve difendere le proprie case. 

54. Gli animali supereroi proteggono una città di animali. 

55. Una famiglia di giocattoli fatica a trovare la famiglia umana giusta per loro. 

56. Fratelli cuccioli separati dall'adozione di animali domestici fuggono da brutte case per ritrovarsi. 

57. Una società di alieni marziani reagisce a una strana nave che è atterrata sul loro pianeta. 

58. La vita dei gatti in epoca egizia.  

59. La vita dei cani durante il selvaggio West. 

60. Una strana famiglia si trasferisce in un quartiere di periferia. 

'Casa dei mostri'

61. I personaggi dei cartoni animati in bianco e nero vengono introdotti per la prima volta nel mondo dell'animazione a colori. 

62. Un cane ricco e il suo fratello povero si scambiano di posto per un mese. 

63. La storia del peggior tsunami del mondo raccontata attraverso gli occhi degli animali dell'isola. 

64. La versione a fumetti di un famoso personaggio cinematografico incontra la sua controparte. 

65. La società di un parco per cani raccontata attraverso gli occhi degli animali al suo interno. 

66. I discendenti di Tarzan si avventurano nella giungla in cui è cresciuto.

67. Una famiglia di spie internazionali si trasferisce in periferia. 

68. La madre di Peter Pan lo rintraccia a Neverland. 

69. I fantasmi decidono di unirsi e infestare una città con l'obiettivo di creare la propria città fantasma in cui vivere. 

70. Un personaggio all'interno di un gioco simile a Sim City diventa consapevole di sé e vuole fuggire nel mondo reale. 

71. Una famiglia in vacanza alle Hawaii sblocca un portale che li trasporta indietro nel tempo. 

72. Una società di persone in miniatura vive tra noi. 

73. Un mago fugge nel mondo del suo cappello magico.

74. Una famiglia viene trasportata indietro nel tempo ai dinosauri solo per scoprire che non erano come pensavamo che fossero. 

75. Un topo che è il capitano di un battello fluviale porta la sua famiglia lungo il fiume Mississippi durante il 1800. 

76. Un cane la cui famiglia umana si è allontanata dalla sua casa da cucciolo torna per vedere come le cose sono cambiate e non sono cambiate. 

77. Un medico viene ridotto a dimensioni microscopiche e iniettato in un flusso sanguigno umano per trovare la causa di una malattia che minaccia l'umanità. 

78. Gli esploratori alieni arrivano sul pianeta Terra migliaia di anni dopo l'estinzione degli esseri umani. 

79. Gli animali in una città dell'era della seconda guerra mondiale fanno tutto il possibile per sostenere lo sforzo bellico. 

80. Una pensione per cani a conduzione familiare raccontata attraverso gli occhi dei cani. 

"La vita segreta degli animali domestici"

81. La vita di un cane dal cucciolo al vecchio cane raccontata attraverso la prospettiva del cane. 

82. Un cartone animato diventa consapevole di sé, sfugge al suo mondo di cartoni animati e cerca di trovare il suo creatore. 

83. Un giocattolo diventa consapevole di sé e cerca di trovare il suo creatore. 

84. Una famiglia di lupi cura un bambino smarrito per riportarlo in salute. 

85. Un ragazzo robot vuole diventare un vero ragazzo.  

86. Una strega maledice un gruppo di bambini, facendoli rimpicciolire alle dimensioni di formiche. 

87. La vita degli animali da circo. 

88. Gli amici di un quartiere di periferia scoprono che i loro genitori sono dei robot.  

89. Una vecchia collezione di bambole raccapricciante è in realtà viva. 

90. Una famiglia di mostri si trasferisce in periferia. 

91. La vita dei cani militari o poliziotti.  

92. Un villaggio di animali selvatici cerca di sopravvivere a un violento incendio boschivo. 

93. Gli animali dei ghiacciai lottano mentre la loro casa soccombe agli effetti del riscaldamento globale.  

94. I disegni di un giovane artista di talento prendono vita una notte. 

95. Un fumettista di giornale in difficoltà negli anni '30 crea un personaggio iconico che prende vita.  

96. Un portale per un altro mondo si apre durante un pigiama party. 

97. I ruoli degli umani e degli animali domestici sono invertiti. 

98. Un bibliotecario scopre che ogni libro è un portale nel mondo rappresentato all'interno.  

99. Una famiglia di fantasmi aiuta i figli della famiglia che ha comprato la loro casa. 

100. I topi di città decidono di lasciare la vita di una grande città per vivere in campagna. 

101. La vita di un pupazzo di neve.  

"Frozen 2"

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

Quando guardi una storia in termini di struttura a 8 sequenze, tieni a mente queste cose.

DAI UN NOME ALLE TUE SEQUENZE

Per prima cosa,  prova a dare un nome alle tue sequenze . Questo vale in particolare per le sequenze che compongono il secondo atto. Come hai visto nei casi di studio sopra, dare alle sequenze un nome distinto può aiutarti a focalizzare la tua storia, specialmente quando stai cercando di trovare una trama sufficiente per riempire quelle oscure sezioni centrali.

USALO SOLO PER IL SECONDO ATTO

In effetti, molti sceneggiatori che utilizzano la struttura a 8 sequenze la usano solo per il secondo atto. Gli atti uno e tre di solito si uniscono abbastanza facilmente, essendo loro l'inizio e la fine. Quindi, se aiuta,  basta usare la struttura di 8 sequenze per costruire il secondo atto. Ignora le sequenze 1, 2, 7 e 8 se lo desideri.

LE SEQUENZE SONO "MINI-FILM"

Può anche essere utile pensare a ogni sequenza come alla propria storia, o "mini-film". In tal modo,  ogni sequenza dovrebbe avere il proprio inizio, metà e fine e il proprio obiettivo per il protagonista.

Ogni sequenza dovrebbe basarsi sull'ultima, aumentando di intensità fino a culminare nel climax della storia e nella conseguente risoluzione. La fine di una sequenza dovrebbe servire come inizio (o base) per la successiva, e così via.  

LA STRUTTURA A 8 SEQUENZA NON È UNA SCIENZA ESATTA

E più di ogni altra cosa,  ricorda che la struttura a 8 sequenze non è una scienza esatta.

La tradizionale struttura a 8 sequenze si basa su un film di due ore e 120 minuti. Ma alcuni film sono più brevi e altri sono più lunghi. In questi casi, le sequenze vengono regolate di conseguenza.

Anche le "regole" suggerite di ciò che ogni sequenza contiene sono un'idea approssimativa. Alcuni film hanno Inciting Incidenti che si verificano nella prima scena della storia, mentre altri non hanno affatto un punto intermedio. Altri hanno risoluzioni brevi, il che significa che la sequenza 8 è significativamente più breve di 12-15 minuti.

Alla fine della giornata, la struttura di 8 sequenze è solo un modo di vedere la storia. Se lo trovi utile, bene. In caso contrario, va bene lo stesso. Ci sono molte altre strutture di storie là fuori , anche quelle piuttosto non convenzionali, quindi fai le tue ricerche e trova quella che funziona meglio per te.

Vai all' INIZIO

di Britton Perelmann  per screencraft.org

ESEMPI DI STRUTTURA A 8 SEQUENZA

Ora che abbiamo spiegato cos'è in teoria la struttura di 8 sequenze, diamo un'occhiata ad alcuni casi di studio con film famosi. 

'La La terra' (2016)

CASO DI STUDIO N. 1: LA LA LAND

La storia d'amore musicale vincitrice dell'Oscar su un'aspirante attrice e un musicista jazz emergente è di 123 minuti e si interrompe perfettamente nelle otto sequenze da 12 a 15 minuti.

SEQUENZA 1 = INCONTRA MIA

A 17 minuti, questa prima sequenza è un po' più lunga a causa della canzone e della danza di apertura. Ma dal punto di vista della trama, Sequence One copre tutto ciò che dobbiamo sapere su Mia. La vediamo al lavoro al bar della Warner Bros., a un'audizione, a casa con i suoi amici e alla festa post-Hollywood quando scopre che la sua auto è stata rimorchiata e finisce in un jazz bar. 

SEQUENZA 2 = INCONTRA SEBASTIAN

Successivamente,  La La Land  torna indietro per presentare Sebastian, mostrando la sua giornata che ha preceduto il suo primo incontro con Mia. Apprendiamo della sua ossessione per il jazz, incontriamo sua sorella e lo vediamo andare al ristorante dove suona melodie natalizie allegre finché non ce la fa più. La seconda sequenza termina con Seb che ignora Mia quando cerca di parlargli.

*Le sequenze 1 e 2 coprono la prima sezione INVERNALE del film*

SEQUENZA 3 = MIA E SEBASTIAN RICONNETTONO E SI CONOSCONO

Questo è l'inizio del secondo atto e questa sezione include la festa in piscina, la canzone e il ballo che è  A Lovely Night , la passeggiata nel backlot della Warner Bros. e il loro primo viaggio al Faro per ascoltare il jazz. La scena finale della sequenza tre funge anche da prima scena della sequenza quattro: Mia scopre di aver ricevuto un'audizione di richiamo... 

SEQUENZA 4 = INNAMORARSI

… e fanno progetti per vedere un film insieme. Seb canta malinconicamente sul molo di Hermosa Beach in  City of Stars , e il resto della sequenza è ripreso dal loro appuntamento cinematografico al Rialto che culmina in un bacio al Griffith Observatory.

*Le sequenze 3 e 4 coprono la sezione PRIMAVERA del film*

SEQUENZA 5 = RADDOPPIA I LORO SOGNI

Nella quinta sequenza, Mia e Sebastian si aiutano a vicenda a realizzare i loro sogni. Mia scrive uno spettacolo personale e, dopo un incontro con un vecchio compagno di band, Sebastian decide di unirsi a un gruppo pop-jazz. La sequenza termina con la canzone  Start a Fire  quando Mia e Seb iniziano ad allontanarsi sia in senso figurato che letterale.

*La sequenza 5 comprende la sezione SUMMER del film*

SEQUENZA 6 = GUAI IN PARADISO

La Sequenza Sei vede la coppia felice fatta a pezzi. Innanzitutto, Mia e Seb litigano durante quella che dovrebbe essere una bella visita a sorpresa. Poi Seb si dimentica di un servizio fotografico, il che gli fa perdere lo spettacolo di una sola notte di Mia. Mia, sconvolta dalla scarsa affluenza, dice che è finita. Sta tornando a casa in Nevada. 

SEQUENZA 7 = L'AUDIZIONE

Nel grande climax della storia, Sebastian guida in Nevada per trovare Mia e raccontarle di un'audizione che ha ottenuto a causa della sua commedia. Spiega perché vuole rinunciare alla recitazione, ma lui la convince a tornare a Los Angeles per l'incontro, che è la canzone  Audition . Sequence Seven termina con Mia e Sebastian al Griffith Park, che si chiedono cosa riserverà il loro futuro.

*Le sequenze 6 e 7 sono la sezione AUTUNNO del film*

SEQUENZA 8 = CINQUE ANNI DOPO

L'epilogo di  La La Land  avviene cinque anni dopo. Vediamo che entrambi i nostri protagonisti hanno realizzato i loro sogni: Mia è diventata un'attrice famosa e Seb ha un jazz club di successo, ma non fanno più parte l'uno della vita dell'altro. La maggior parte di questa sequenza è la canzone giustamente intitolata  Epilogue  , in cui vediamo cosa avrebbe potuto essere. Alla fine, Mia e Sebastian si separano, meglio conoscersi.

*E la Sequenza 8 è l'ultima sezione INVERNALE del film* 

'Pirati dei Caraibi: La maledizione della prima luna' (2003)

CASO DI STUDIO N. 2: PIRATI DEI CARAIBI: LA MALEDIZIONE DELLA PRIMA LUNA

La prima puntata del  franchise Pirati dei Caraibi  è un ottimo esempio di un film più lungo che può essere suddiviso in una struttura di 8 sequenze. Con una durata totale di 143 minuti, le otto sequenze finiscono per durare dai 17 ai 20 minuti circa.

SEQUENZA 1 = BENVENUTI A PORT ROYAL

La prima sequenza include la scena del prologo con la giovane Elisabetta e il giovane Will, durante la quale Elisabetta prende il suo medaglione da pirata. Quindi, nel presente, incontriamo Elizabeth Swan, Will Turner, il Capitano Jack Sparrow e il Commodoro Norrington. Dopo la cerimonia di promozione di Norrington, Elizabeth sviene per il caldo e per il suo corsetto che limita l'ossigeno e cade in mare. Jack salta dentro e la salva.

SEQUENZA 2 = ATTACCO A PORT ROYAL

Jack riesce a scappare dal molo, solo per rimanere coinvolto in uno scontro con la spada con Will nell'officina del fabbro. Finisce in prigione ed Elizabeth contempla la proposta di matrimonio di Norrington di prima mentre il giorno si trasforma in notte. Ma, sotto il sipario della notte, la Perla Nera semina il caos a Port Royal. Questa sequenza termina con Will privo di sensi per strada, Jack ancora bloccato in prigione e il Capitano Barbossa che decide di tenere Elizabeth sulla Perla Nera nonostante il suo tentativo di invocare il parlay.

SEQUENZA 3 = RADUNA L'EQUIPAGGIO

Norrington si rifiuta di ascoltare l'idea di Will su come riavere Elizabeth, quindi va da Jack e lo fa uscire di prigione. Insieme, i due rubano una nave e salpano per Tortuga. Lì, Jack fa amicizia con il suo vecchio amico Gibbs per mettere insieme una squadra. Nel frattempo, sulla Perla Nera, Elizabeth cena con Barbossa e scopre la terrificante verità sulla maledizione dei pirati.

SEQUENZA 4 = PRIMO TENTATIVO DI SPEZZARE LA MALEDIZIONE

Jack e il suo nuovo equipaggio raggiungono la Perla Nera sull'Isla de Muerta, dove Barbossa cerca di spezzare la maledizione usando il sangue di Elizabeth. Non funziona perché non è la figlia di Bootstrap Bill Turner, e la lotta che ne risulta finisce con Will che salva Elizabeth e lascia che Jack venga catturato dall'equipaggio di Barbossa.

SEQUENZA 5 = BATTAGLIA DEI PIRATI!

Will ed Elizabeth tornano sulla nave, mentre Jack riesce a sopravvivere schernendo Barbossa con l'informazione del sangue di cui ha bisogno per spezzare la maledizione. Alla fine, la Perla Nera raggiunge l'Interceptor e c'è una feroce battaglia tra le due ciurme di pirati. L'Interceptor viene fatto saltare in aria, lasciando Elizabeth a credere che Will sia morto.

SEQUENZA 6 = BLOCCATO SULL'ISOLA CON TUTTO IL RUM

Sorpresa! Will non è morto. Fa un patto con Barbossa, ma si ritorce contro, e l'equipaggio della Perla Nera abbandona Elizabeth e Jack su una minuscola lingua di terra in mezzo al nulla. Elizabeth e Jack si ubriacano fragorosamente, e Jack si sveglia con Elizabeth che brucia il rum per fare un segnale di fumo. Norrington li salva ed Elizabeth accetta la sua proposta di matrimonio, quindi accetterà di andare a cercare Will.

SEQUENZA 7 = LA BATTAGLIA PER PORRE FINE ALLA MALEDIZIONE

Questo  Pirati dei Caraibi il film ha un'incredibile sequenza sette, con la quale intendo dire che l'intera sequenza è il climax del film. Jack convince l'equipaggio di Barbossa ad attaccare gli uomini di Norrington prima di sacrificare Will. Quindi i pirati maledetti infuriano una battaglia a tutto campo contro gli inglesi che include un diversivo in stile Troia con un parasole rosa e uno squallido. Elizabeth riesce a liberare Gibbs e il resto dell'equipaggio, ma la lasciano indietro per riprendersi la Perla Nera. All'interno della grotta sull'Isla de Muerta, Jack combatte con Barbossa che si trasforma in un epico combattimento con la spada che termina con Will che spezza la maledizione proprio mentre Jack spara e uccide Barbossa. Fuori, la maledizione spezzata fa arrendere i restanti pirati all'equipaggio di Norrington. La sequenza sette termina con Jack che si rende conto di essere stato lasciato indietro dal suo equipaggio ancora una volta.

SEQUENZA 8 = JACK FUGGE E TORNA ALLA PERLA NERA

Nella risoluzione del film, Will ed Elizabeth guardano cupamente mentre Jack sta per essere condannato a morte a Port Royal. Ma con una mossa audace, Will getta al vento la prudenza: confessa il suo amore per Elizabeth e rischia la vita per aiutare Jack a sfuggire alla forca. I due finiscono con le spalle al muro, ma quando Elizabeth sceglie Will, Norrington decide di lasciare libero Jack. Fa un ultimo discorso illustre, inciampa volutamente sulla sporgenza e cade in mare. Will ed Elizabeth si baciano mentre Jack torna alla Perla Nera e dirige la sua nave verso l'orizzonte.

"Quando Harry ti presento Sally..." (1989)

CASO DI STUDIO N. 3: QUANDO HARRY INCONTRÒ SALLY...

L'amata commedia romantica di Nora Ephron è un ottimo esempio di come la struttura di 8 sequenze possa contrarsi per adattarsi a un film con una durata più breve (tutti salutano i tight-90).

SEQUENZA 1 = QUANDO HARRY E SALLY GUIDANO A NEW YORK

Questa prima sequenza include l'uva, un dibattito su Casablanca, le mutande dei giorni della settimana e il primo di molti ordini di pasti incredibilmente complessi. Soprattutto, introduce la tesi del film: il dibattito sul fatto che uomini e donne possano o meno essere amici. La prima sequenza termina con Harry e Sally che si separano a New York, aspettandosi di non rivedersi mai più.

SEQUENZA 2 = QUANDO HARRY E SALLY SI INCONTRANO ALL'AEROPORTO

Nella seconda sequenza e ultima parte del primo atto, Harry e Sally si ritrovano sullo stesso volo e finiscono per continuare la loro discussione di anni prima, ma non sono ancora vicini a diventare amici.

SEQUENZA 3 = QUANDO HARRY E SALLY DECIDONO FINALMENTE DI ESSERE AMICI

Dieci anni dopo l'inizio della storia, Harry e Sally si ritrovano di nuovo single quando si vedono in una libreria. Dopo una lunga chiacchierata sulle relazioni, decidono di iniziare un'amicizia.

SEQUENZA 4 = QUANDO HARRY E SALLY "TORNANO LÀ FUORI" ENTRAMBI

Questo è il "Divertimento e giochi" di  Harry ti presento Sally . È la scena di Casablanca e la scena della gabbia di battuta e la scena al MET con gli accenti divertenti e, cosa più importante, la scena dell'orgasmo alla gastronomia. In questa sequenza, Harry e Sally diventano migliori amici, ma entrambi ricominciano a frequentarsi.

SEQUENZA 5 = QUANDO HARRY E SALLY NEGANO I LORO SENTIMENTI L'UNO PER L'ALTRA

Harry e Sally ballano a una festa di Capodanno e si ritrovano guancia a guancia, i sentimenti chiaramente turbinano nell'aria mentre inizia il conto alla rovescia per la mezzanotte. Quindi, in un esilarante tentativo di sistemarsi a vicenda con qualcun altro, Harry e Sally hanno un doppio appuntamento con le loro amiche Jess e Marie: Harry con Marie e Sally con Jess. Le cose non stanno andando bene, per non dire altro, e alla fine della serata sono Marie e Jess che finiscono a letto insieme.

SEQUENZA 6 = QUANDO HARRY E SALLY HANNO ENTRAMBI A CHE FARE CON I LORO EX

Anche se Harry e Sally dicono entrambi che stanno "bene" per quanto riguarda le loro rispettive rotture, durante questa sequenza finiscono entrambi per cadere a pezzi. Un litigio con la sua ex moglie lascia Harry arrabbiato per un tavolino con la ruota di un carro, e una telefonata del suo ex ragazzo lascia Sally a lanciare Kleenex per il suo appartamento con spericolato abbandono.

SEQUENZA 7 = QUANDO HARRY E SALLY DORMONO INSIEME ED È SUPER IMBARAZZANTE

OH MIO DIO! Harry e Sally finalmente agiscono in base ai loro sentimenti l'uno per l'altra e fanno sesso... ma dopo, è incredibilmente imbarazzante. Così imbarazzanti che non possono nemmeno stare l'uno intorno all'altro. Infatti, Sequence Seven termina con Sally che schiaffeggia Harry al matrimonio di Jess e Marie.

SEQUENZA 8 = QUANDO HARRY E SALLY SI BACIANO E FANNO PACE

Harry cerca di scusarsi con Sally, ma lei non ce la fa. Entrambi sono completamente e assolutamente infelici senza l'altro. Alla fine, Harry corre attraverso New York City per una festa di Capodanno dove confessa il suo amore per Sally subito dopo mezzanotte. Lei ricambia il sentimento, si baciano... e vivono felici e contenti (con la salsa al cioccolato a parte, ovviamente).

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di Britton Perelmann  per screencraft.org

Ai vecchi tempi, persone di tutte le età si affollavano nei palazzi del cinema, luoghi grandiosi e decorati in cui le immagini in movimento venivano proiettate su schermi giganti da bobine di film.  

È difficile da immaginare dato che ora possiamo riprodurre in streaming tutto ciò che vogliamo con il clic di un pulsante, ma c'è stato un tempo in cui una singola bobina di film non era sufficiente per contenere un intero film. Quindi c'era una persona il cui compito era entrare nella cabina di proiezione e cambiare la bobina a una certa ora.

Alla fine, questo è stato istantaneo e i membri del pubblico non erano nemmeno consapevoli che la bobina veniva cambiata. Ma molto tempo fa, quando, nei primissimi giorni dei film, cambiare la bobina non era un compito facile.

In effetti, sono state necessarie più interruzioni nel film per dare al proiezionista abbastanza tempo per scambiare le bobine, un pò come uno spot pubblicitario, ma senza le pubblicità di carta igienica, automobili, farmaci da prescrizione e l'ultimo Apple Watch.

Durante queste pause, i membri del pubblico sono rimasti all'oscuro mentre aspettavano che il film riprendesse. E se non si stavano godendo il film, potevano decidere di lasciare semplicemente il cinema, che è il peggior incubo di ogni sceneggiatore.

Gli sceneggiatori di Hollywood sapevano che un film di circa due ore avrebbe richiesto otto bobine che potessero contenere 15 minuti di film, quindi hanno iniziato a scrivere su quelle bobine.

Ed è così che è nata la struttura a 8 sequenze. Da allora, è stato uno dei segreti meglio custoditi di Hollywood.

COS'È LA STRUTTURA A 8 SEQUENZE?

La struttura a 8 sequenze è l'idea che un lungometraggio possa essere suddiviso in otto parti (AKA: sequenze) (AKA: bobine).

Fondamentalmente, un film di due ore e 120 minuti può essere suddiviso in otto sequenze di circa 12-15 minuti ciascuna.

Ad alcuni sceneggiatori piace pensare a queste sequenze come "mini-film" autonomi perché ognuno ha un inizio, una parte centrale e una fine propri. Ai tempi in cui le bobine dei film dovevano essere cambiate, gli sceneggiatori scrivevano su un cliffhanger in modo che i membri del pubblico non si alzassero e uscissero dal teatro perché erano annoiati.

Tecnologicamente, la struttura a 8 sequenze non è più necessaria - i cinema non hanno più bisogno di otto diverse bobine di film per proiettare un film - ma l'idea della struttura a otto sequenze è rimasta.

Al giorno d'oggi, chiamali come vuoi - sequenze, bobine, sezioni, parti, mini-film - lo scopo della struttura a otto sequenze è rendere più facile lo sviluppo, il contorno e la scrittura della tua sceneggiatura.

Il pensiero di scrivere 120 pagine è scoraggiante, ma scrivere otto sequenze... ora sembra molto più gestibile.

STRUTTURA A 8 SEQUENZE CONTRO STRUTTURA A 3 ATTI

La cosa bella della struttura in 8 sequenze è che si adatta perfettamente alla tradizionale struttura in 3 atti che domina la narrazione di Hollywood.

STRUTTURA IN 3 ATTI

• Il primo atto è l'inizio e copre circa il 25% della storia
• Il secondo atto è la parte centrale e copre circa il 50% della storia
• Il terzo atto è la fine e copre circa il 25% della storia

Quando lo scomponi ulteriormente in una struttura di 8 sequenze: le prime due sequenze compongono il primo atto, le quattro successive sono il secondo atto e le ultime due comprendono il terzo atto.

STRUTTURA DELLE 8 SEQUENZE

• Atto primo = Sequenze 1 e 2
• Atto secondo = Sequenze 3, 4, 5 e 6
• Atto terzo = Sequenze 7 e 8

Questo tipo di rottura strutturale è particolarmente utile quando si scrive a metà della sceneggiatura.

Il secondo atto è la parte più lunga della storia e in genere risucchia la trama come un vuoto affamato. Molti scrittori finiscono bloccati nel secondo atto perché non sono sicuri di come portare i loro personaggi al traguardo.

Ma con una struttura di 8 sequenze, il secondo atto è solo quattro diverse sequenze (o storie, se vuoi). Ed è molto più facile scrivere quattro piccole storie che una grande.

ABBATTERE LE OTTO SEQUENZE

Naturalmente, anche se i film sono molto vari per soggetto, genere e tono, le otto sequenze possono essere riassunte per il loro contributo alla storia.

SEQUENZA 1 = INTRODUZIONI

La prima sequenza è la nostra introduzione a... beh, tutto. In questa prima sezione del film, incontriamo i personaggi, conosciamo il mondo in cui si trovano, vediamo accenni a conflitti e tensioni imminenti e apprendiamo la premessa di base della storia. La sequenza uno termina tipicamente con l'incidente scatenante.

SEQUENZA 2 = DILEMMA

Dopo l'Inciting Incident, di solito c'è un periodo di tempo in cui il protagonista considera l'Invito all'Azione. Discutono se lasciare o meno il loro mondo familiare e confortevole e procedere verso l'ignoto. Questo è ciò che accade in questa sequenza, anche se avrà un aspetto diverso in ogni storia. Alla fine della seconda sequenza, il protagonista è nel viaggio che lo porterà alla fine del film e non si può tornare indietro.

SEQUENZA 3 = PRIMO OSTACOLO

Questo è l'inizio del secondo atto; il protagonista è ufficialmente entrato nel nuovo mondo. Durante la sequenza tre, il protagonista affronta il suo primo vero ostacolo, sorgono nuove tensioni e conflitti e la posta in gioco si alza.

SEQUENZA 4 = PUNTO MEDIO

Alcuni potrebbero chiamare la sequenza quattro, insieme alla sequenza tre, il "divertimento e i giochi" del film. Queste due sezioni mantengono la "Promessa della premessa". Nella Sequenza Quattro, il protagonista affronta un altro ostacolo o dilemma che deriva direttamente da ciò che è accaduto nella Sequenza Tre. Questa sequenza di solito termina con il punto medio.

SEQUENZA 5 = COLPI DI SCENA

La sequenza cinque di solito contiene i colpi di scena del secondo atto. Questo è il momento in cui i segreti vengono svelati, le relazioni vengono messe alla prova, le tensioni aumentano, gli ostacoli diventano più difficili da superare e i protagonisti sono davvero messi alla prova. In questa sequenza, il protagonista in genere si ribella contro qualunque crescita si trovi di fronte, desiderando invece che le cose rimangano le stesse.

SEQUENZA 6 = CULMINE / PUNTO BASSO

Tutto il secondo atto culmina in questo: Sequenza sei. Le cose sono diventate sempre più difficili per il protagonista, portando tutte al culmine o al punto più basso. Alla fine della Sequenza Sei, il protagonista si trova in un punto culminante (positivo) o in un punto basso (negativo) che conduce direttamente alla sequenza successiva: il Climax.

SEQUENZA 7 = CLIMAX

Questo è. Il grande momento. L'enorme scena di combattimento. Il momento in cui vieni da Gesù in cui il tuo protagonista deve cambiare o morire. Tutto è in gioco e la posta in gioco non è mai stata così alta. Succede tutto in Sequence Seven, e noi, il pubblico, apprendiamo se il protagonista "riusce" o "fallisce".

SEQUENZA 8 = RISOLUZIONE

La sequenza otto è l'epilogo narrativo. È ciò che accade ai tuoi personaggi dopo il loro successo o fallimento durante il climax, incluso uno sguardo a come sono stati influenzati da quel successo o fallimento. In questa sequenza, il viaggio che abbiamo intrapreso dalla Sequenza Uno giunge al termine. E... dissolvenza in nero.  

di Britton Perelmann  per screencraft.org

Vuoi scrivere un cortometraggio ma hai bisogno di aiuto per trovare idee convincenti? A volte leggere semplici suggerimenti di storie è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi.  Otteniamo le nostre idee da molte fonti: titoli di notizie, romanzi, programmi televisivi, film, le nostre vite, le nostre paure, le nostre fobie, ecc. Possono provenire da una scena o un momento in un film che non è stato completamente esplorato. Possono provenire da un singolo elemento visivo che attira la mente creativa, un seme che continua a crescere e crescere fino a quando lo scrittore non è costretto a metterlo finalmente su carta o schermo.

Possono ispirare sceneggiature, romanzi, racconti o anche momenti più piccoli che puoi includere nelle storie che stai già scrivendo. 

Prima di passare ai nostri 101 suggerimenti per cortometraggi, esaminiamo rapidamente un paio di fattori importanti per la scrittura di sceneggiature per cortometraggi.

IL CONCETTO È TUTTO

Il rito di passaggio per qualsiasi regista è realizzare un cortometraggio avvincente. È qui che i cineasti si fanno le ossa e diventano davvero maggiorenni. È anche un viaggio epico attraverso le vette più alte e le valli più profonde, poiché i cineasti alle prime armi imparano rapidamente che non è facile come avere solo poche persone, un microfono a braccio e una telecamera: hai bisogno di un grande concetto.

Mostrare un cortometraggio di teste parlanti non ti farà notare dal pubblico o dagli addetti ai lavori. Devi catturare la loro attenzione con narrazioni avvincenti e coinvolgenti che hanno un inizio, una parte centrale e una fine entro il tempo di esecuzione del cortometraggio di 40 minuti o meno (in genere vuoi restare con 5-20 minuti per la maggior parte del tempo) .

ECONOMIZZA LA TUA NARRAZIONE

I cortometraggi dovrebbero anche concentrarsi su finestre di storie più piccole.

• Invece di fare in modo che il tuo cortometraggio racconti la drammatica storia del tuo personaggio alcolizzato che cerca di diventare sobrio nel corso di un anno, perché non concentrarti sull'ultimo giorno dell'ultima fase del loro programma in 12 fasi?
• Invece di fare in modo che la tua breve sceneggiatura racconti la storia epica di una battaglia storica della seconda guerra mondiale, perché non concentrarti su un soldato mentre affronta il conflitto generale?
• Invece di far raccontare al tuo racconto l'orribile storia di un serial killer che insegue e uccide più vittime, perché non incentrare la storia su una singola vittima nella loro casa che guarda i notiziari degli omicidi e poi sente uno scricchiolio del pavimento dall'alto?

GUARDA I CORTOMETRAGGI

È così semplice: guarda i cortometraggi.  E leggi la sceneggiatura di un cortometraggio se riesci a metterne le mani sopra... (nel nostro sito ilcorto.eu ci sono molte sceneggiature...)

Nota: poiché siamo tutti collegati alla stessa cultura pop, titoli di notizie e ispirazioni, qualsiasi somiglianza con sceneggiature, romanzi, racconti, pilot televisivi, serie televisive, opere teatrali passate, presenti o future o qualsiasi altra opera creativa è puramente casuale. Questi suggerimenti per la scrittura di storie vere sono stati concepiti al volo o si basavano sulla ricerca di storie vere interessanti che sono là fuori. Mentre alcuni potrebbero aver dimostrato di essere già stati raccontati, ci sono sempre trame alternative non coperte da ciò che è già stato scritto e prodotto.

1. Qualcuno che sta guardando un notiziario su un serial killer locale sente scricchiolare un'asse del pavimento.  

2. Un giovane fratello e una sorella sopravvivono dopo l'apocalisse.  

3. Qualcuno che sta leggendo un libro spaventoso sente bussare alla porta.

4. Un alcolista fatica a decidere se bere o meno.

5. Studenti di una scuola elementare alle prese con l'ora di pranzo sopravvissuta. 

6. Studenti di una scuola elementare alle prese con la ricreazione sopravvissuta.

7. Adolescenti sopravvissuti alla politica scolastica dell'ora di pranzo. 

8. Un giocatore dipendente si siede a un tavolo. 

9. Un giorno nella vita del primo astronauta su Marte.

10. Un giorno nella vita della prima colonia su Marte. 

11. Un uomo e una donna continuano a vedersi durante una serata fuori con i rispettivi amici. 

12. L'esperienza di un personaggio invitato a una festa di laurea di uno che non conosce.

13. Il primo clone umano si risveglia.

14. La durata della vita di un cane.

15. La durata della vita di un gatto. 

16. Dracula è nella sua bara, non riesce a dormire e deve ammazzare il tempo fino al tramonto. 

17. Un bambino afroamericano va a scuola a piedi in un pericoloso quartiere urbano.

18. Un personaggio si sveglia con una pistola in mano e sangue dappertutto . 

19. Un giorno nella vita di un astronauta che vive sulla luna. 

20. Il primo giorno di scuola per un nuovo studente mentre lottano per farsi un amico. 

'Mean Girls' (2004)

21. La battaglia immaginaria di una campagna di Dungeons and Dragons. 

22. La vita di una pistola quando colpisce le strade.

23. La storia di un pilota che vede un UFO nei cieli.

24. Un robot prende vita nella bottega di un inventore.

25. Una persona lotta per sopravvivere dopo essere stata sbalzata dall'auto in un incidente.

26. Un remake del film muto originale The Great Train Robbery.

27. Un giorno nella vita di un cucciolo. 

28. Un soldato tedesco che cerca di fuggire dalla Germania nazista. 

29. Una donna in una casa viene attaccata dagli alieni. 

30. A una persona viene concesso il desiderio di volare. 

31. A una persona viene concesso il desiderio di essere invisibile. 

32. Una persona esprime il desiderio di essere di nuovo giovane. 

33. Un uomo sul letto di morte viene portato in viaggio. 

34. Una donna trascorre una notte con il suo bambino appena nato, solo per doverlo dare ai genitori adottivi.  

35. Un giorno nella vita di un ladro professionista. 

36. Un giorno nella vita di un detective della omicidi. 

37. Un giorno nella vita di un insegnante. 

38. Il nuovo arrivato nel quartiere fa fatica a farsi degli amici.  

39. Uno schiavo lotta per sfuggire ai suoi malvagi inseguitori bianchi.

40. L'ascesa solitaria di uno scalatore. 

"Solo libero" (2018)

41. Il giorno nella vita di un giocatore professionista. 

42. Il mondo mostrato attraverso gli occhi di un drone.  

43. Una telefonata notturna in un centro per la prevenzione del suicidio. 

44. Il duello di Alexander Hamilton e Aaron Burr. 

45. Il duello di due samurai. 

46. ​​Un giorno nella vita di una domestica che lavora per una ricca famiglia. 

47. Una madre che fa tre lavori in un solo giorno e poi torna a casa per dare il bacio della buonanotte al figlio.

48. Una giornata nella vita di un camionista. 

49. Un astronauta atterra su un pianeta deserto. 

50. Un giorno nella vita di un angelo sulla Terra. 

51. Insegnante di giorno, spogliarellista di notte. 

52. Un vampiro decide di suicidarsi alla luce del sole dopo un'ultima notte in città. 

53. Un giorno nella vita di una spogliarellista di Las Vegas. 

54. Viene rivelato che una persona triste si stava preparando per il funerale di una persona cara. 

55. Viene rivelato che l'amico di un bambino è in realtà immaginario. 

56. Una babysitter deve salvare un bambino quando un incendio boschivo bombarda il quartiere. 

57. I surfisti si perdono in mare dopo che le maree li hanno tirati fuori.  

58. Un ranger del parco scopre un cadavere.  

59. Un agente di viaggio fatica a mantenere un lavoro che non ha significato contemporaneo. 

60. Una casa infestata.

'L'evocazione' (2013)

61. Un astronauta torna a casa ma nessuno ricorda chi sia. 

62. Un giorno nella vita dell'ultimo uomo sulla Terra. 

63. Un giorno nella vita dell'ultima donna sulla Terra. 

64. Un giorno nella vita dell'ultimo cane sulla Terra. 

65. Quando il WiFi si interrompe, i ragazzi del vicinato scoprono come divertirsi. 

66. Quattro maestre d'asilo e le loro esilaranti vite dopo il suono della campanella. 

67. Un assassino rimandato indietro nel tempo lotta per uccidere Baby Hitler. 

68. Una corsa Uber andata male. 

69. Un autista di Uber raccoglie un sicario.

70. L'Angelo della Morte, in forma umana, visita le sue vittime. 

71. Due persone sono bloccate insieme in un ascensore. 

72. Due persone sono bloccate tra le macerie di un edificio crollato e lottano per sopravvivere: è una tragica storia dell'11 settembre. 

73. Un attore attraversa una giornata di audizioni e vita a Los Angeles.

74. Un personaggio trova un oggetto magico in un negozio di antiquariato. 

75. Un uomo contempla il suicidio e trova una ragione inaspettata per vivere. 

76. Un uomo cerca di diventare un supereroe. 

77. Una giornata nella vita di un pilota di caccia raccontata all'interno della cabina di pilotaggio .

78. Un uomo e una donna si innamorano nel corso di trent'anni di incontri casuali. 

79. Un uomo vince alla lotteria e fa buone azioni con i soldi finché non sono tutti finiti. 

80. Un serial killer che insegue una vittima. 

"Psico" (1960)

81. Un clone umano fugge da una struttura di ricerca per trovare il proprio doppio. 

82. Un uomo scopre il loro doppelganger. 

83. Una donna scopre il loro doppelganger. 

84. Un bambino scopre il suo doppelganger. 

85. Un ladro d'auto ruba accidentalmente un'auto piena di bambini mascalzoni. 

86. Un uomo torna nella sua città natale solo per scoprire che nessuno si ricorda di lui. 

87. Un cavaliere si raddoppia con un altro. 

88. Una donna si sveglia e scopre che tutti gli altri sulla Terra sono scomparsi.  

89. Un giovane Sherlock Holmes alle scuole medie risolve un mistero. 

90. Un bambino si allontana sulla sua grande ruota solo per essere trovato più tardi quella notte da un camionista. 

91. Una donna si risveglia su un'isola e si rende conto di essere l'unica sopravvissuta a un incidente aereo.  

92. Qualcuno si sveglia con la capacità di ascoltare i pensieri di tutti. 

93. Qualcuno si sveglia con la capacità di toccare chiunque e vedere quando moriranno.  

94. Un cowboy incontra un UFO. 

95. Un marinaio incontra un UFO.  

96. Una riunione tra vecchi amici del liceo va male quando emergono problemi del passato. 

97. Un uomo in una stanza degli interrogatori confessa. 

98. Un uomo bloccato in un ingrato lavoro aziendale un giorno esce e parte per un viaggio.  

99. Un giorno, una donna decide finalmente di lasciare il marito violento. 

100. Una storia di formazione su un ragazzo delle scuole medie che affronta i bulli. 

101. Un rapinatore di banche per la prima volta è costretto a prendere ostaggi poiché si pente immediatamente delle sue scelte.    

Un pomeriggio di un giorno da cani

 di Ken Miyamoto  per screencraft.org

Gli sceneggiatori dovrebbero sforzarsi di offrire più diversità nelle loro sceneggiature? In tal caso, quali sono i modi semplici per farlo? La diversità nello scrivere storie è diventata un argomento più diffuso nel mondo cinematografico ad Hollywood e non solo negli ultimi anni: perché? Le industrie cinematografiche e televisive stanno attivamente rendendo i loro progetti più diversificati e inclusivi. È un movimento straordinario e atteso da tempo per offrire una maggiore rappresentazione di razza, religione, disabilità e genere.

Come sceneggiatore che cerca di sfondare nell'industria cinematografica e televisiva, sei costantemente bombardato da cosa dovresti  fare  e  come  dovresti farlo. Qui, ci concentreremo su un elenco generale di cose che dovresti evitare di fare quando scrivi una sceneggiatura. Tratteremo:

• Semplici linee guida e aspettative sul formato
• Elementi della storia
• Elementi caratteriali
• E molto di più

L'elenco è pensato per essere un approccio semplicistico per tenere fuori dai tuoi script comuni segnali d'allarme ed errori. Si basa sulle linee guida e sulle aspettative del settore, nonché sugli errori che gli sceneggiatori professionisti come me hanno fatto - e da cui hanno imparato - lungo la strada.

1. Non inserire i numeri WGA sulla copertina (o in qualsiasi parte del copione). Sono usati solo per il contenzioso in USA. 

2. Non mettere i numeri di copyright degli Stati Uniti sulla tua copertina (o ovunque nel tuo copione). Sono usati solo per il contenzioso.   

3. Non inserire indirizzi postali sul frontespizio (gli indirizzi e-mail sono sufficienti di questi tempi).

4. Non inserire logline nel frontespizio.

5. Non includere una sinossi all'interno del tuo copione. 

6. Non includere la suddivisione dei personaggi nella tua sceneggiatura (come vedi con le commedie).

7. Non includere i numeri di scena negli script delle specifiche: sono solo per scopi di produzione o collaborazione. 

8. Non includere bozze di pagine a colori: sono solo a scopo di bozze di produzione.  

9. Non includere la transizione CUT TO nelle tue sceneggiature: non sono necessarie e sono implicite nell'intestazione di ogni scena.

10. Non includere le indicazioni della telecamera (Medium Shot, Camera Dollies, ecc.) - non è il tuo lavoro.  

11. Evita di fare riferimento a nomi di brani specifici: non è il tuo lavoro, il lettore potrebbe non conoscerli e lo studio potrebbe non essere in grado di ottenerne comunque i diritti. 

12. Cerca di evitare di usare CONTINUOUS nell'intestazione della scena perché la maggior parte delle persone usa comunque impropriamente il termine.

13. Cerca di evitare di usare molte transizioni fantasiose (Iris In, Iris Out, Flash Cut To, Jump Cut To, Match Cut To, Match Dissolve To, Smash Cut To). 

14. Non scrivere paragrafi di descrizioni di scene. Invece, concentrati su blocchi da una a tre frasi (in alto). I frammenti sono i benvenuti. 

15. Non usare descrizioni di scene poetiche: è per i romanzi. 

16. Evita di usare troppe parentesi (con fermezza, dolcezza, eloquenza). Invecchiano velocemente per i lettori. 

17. Evita di usare un vocabolario elaborato. Rallenta la lettura. Mantienilo semplice. 

18. Evita terminologia tecnica eccessivamente specifica nella descrizione della scena. Scrivi  mitragliatrice tattica  invece di  Beretta Mx4 Storm. Scrivi  Special Forces Helicopter  invece di  Boeing A/MH-6M Little Bird . 

19. Non scrivere Ringraziamenti alla fine della sceneggiatura: spazio sprecato.  

20. Non dirigere l'attore dicendogli dove dovrebbe avere una battuta tra un dialogo e l'altro. 

21. Non abusare dell'ellisse nel tuo dialogo. 

22. Non usare simboli per rappresentare le parolacce ($@#$), scrivi solo le parolacce. Hollywood impreca. Non si offenderanno. 

23. Non abusare delle parole sottolineate nel tuo dialogo. Usali con parsimonia.

24. Non abusare del MAIUSCOLO nei tuoi dialoghi. Usali con parsimonia.

25. Non abusare del MAIUSCOLO nella descrizione della scena. Usali con parsimonia. 

26. Non abusare dei punti esclamativi nei tuoi dialoghi. Uno necessario in una frase è sufficiente. 

27. Non chiedere ai tuoi personaggi di affermare l'ovvio nei loro dialoghi. 

28. Non fare affidamento sul dialogo espositivo . 

29. Evita dialoghi troppo superficiali . 

30. Non fare affidamento su espedienti nella tua sceneggiatura. Devono esserci storie interessanti e personaggi avvincenti per sostenerlo.  

31. Non scrivere una storia da testa parlante per le tue sceneggiature. Hollywood non li vuole a meno che tu non sia un regista di talento che ha diretto un forte pezzo di testa parlante. Non li vogliono come script specifici.  

32. Non avere una formattazione eccessivamente occupata. Concentrati solo sull'uso dell'intestazione della posizione, della descrizione della scena, dei nomi dei personaggi e del dialogo.

33. Non entrare troppo nei dettagli del guardaroba di un personaggio. Non è il tuo lavoro. 

34. Non entrare nei dettagli più importanti del design di produzione di ogni scena. Non è il tuo lavoro. 

35. Non usare la descrizione della scena per menzionare i pensieri intimi di un personaggio. 

36. Non limitarti a scrivere la tua versione di un film popolare. Dagli qualcosa di nuovo. Una nuova svolta o direzione presa.   

37. Evita cliché e stereotipi. 

38. Non includere scene che non portano avanti la storia.  

39. Non includere scene divertenti e battute che non siano parziali rispetto alla storia e agli archi dei personaggi. 

40. Non prendere le prime dieci pagine per introdurre i personaggi. 

41. Non prendere il primo atto per introdurre i personaggi. 

42. Non avere personaggi impeccabili che siano eccessivamente benefattori o "boy scout" o "girl scout".  

43. Evita di avere punti di vista politici eccessivamente specifici all'interno del tuo copione. Saranno scoraggianti e non sono favorevoli al mercato.  

44. Non rendere i tuoi antagonisti eccessivamente malvagi. È noioso. Dai loro alcuni punti di vista giustificabili, anche se sono distorti.

45. Non seguire i beat sheats del guru della sceneggiatura fino a una maglietta con il numero di pagina. Questi tipi di script sono eccessivamente prevedibili.  

46. ​​Non limitarti a dircelo. Mostraci.  

47. Evita gli avviamenti a combustione lenta negli script delle specifiche. 

48. Non scrivere uno script specifico che superi le 120 pagine. Concentrati sul punto debole di 90-115. Non importa se una sceneggiatura vincitrice di un Oscar che hai letto era lunga 130, 140, 150 o 180 pagine. 

49. Non introdurre troppi personaggi nelle prime pagine. I lettori ne perderanno le tracce. 

50. Non avere troppi errori di ortografia nella tua sceneggiatura. Anche i professionisti ne hanno alcuni. Ma se la tua sceneggiatura ne è piena, non andrà d'accordo con gli addetti ai lavori del settore.  

51. Non avere troppi errori grammaticali nella tua sceneggiatura. Vedere # 50 sopra per ulteriori spiegazioni.  

52. Non ci sono troppi errori omonimi/omofoni nel copione (Lì, Loro, Loro sono, ecc.). Di nuovo, vedi #50 per ulteriori spiegazioni. 

53. Non entrare nei dettagli della storia passata di un personaggio. Abbiamo solo bisogno di ciò che è fondamentale per la finestra della storia che stai presentando. 

54. Non allontanarti troppo da Night and Day nei titoli delle tue scene. È una cosa di visualizzazione e produzione.  

55. Non includere illustrazioni nelle pagine del copione. 

56. Non allontanarti dai margini generali del formato nella tua sceneggiatura. Procurati del software.  

57. Non inserire messaggi personali, prefazione o postfazione nelle tue sceneggiature.  

58. Non finire le tue sceneggiature su un cliffhanger.   

59. Non includere presentazioni alla fine di sequel e franchise. 

60. Non scrivere una sceneggiatura basata su una proprietà intellettuale che non possiedi. 

61. Non scrivere sequel di film in franchising. Non verranno letti.  

62. Non inviare copie cartacee delle tue sceneggiature a manager, agenti, produttori, registi o talenti. Non verranno letti. 

63. Non allegare il tuo script per interrogare le e-mail. Non verranno letti.  

64. Non inviare il tuo script da nessuna parte a meno che non sia stato richiesto tramite una query o un rinvio. 

65. Non scrivere una sceneggiatura che non possa essere definita come un genere o sottogenere specifico o un ibrido di due generi. Hollywood non può commercializzare un dramma horror tragicomico ambientato nello spazio.   

66. Non vendere la tua sceneggiatura ai grandi agenti. Per norma, non leggeranno le tue domande.  

67. Non vendere la tua sceneggiatura a un elenco generale di produttori famosi (Ron Howard, Steven Spielberg, JJ Abrams, Jerry Bruckheimer, ecc.). Non leggeranno le tue domande.  

68. Non commercializzare la tua sceneggiatura a un'azienda che non fa film nel genere in cui si trova la tua sceneggiatura. È una perdita di tempo. Fai la tua ricerca.  

69. Evita di scrivere e-mail di query troppo lunghe quando commercializzi il tuo script. 

70. Non fare affidamento su gruppi di scrittura e copertura della sceneggiatura a pagamento per aggiustare la sceneggiatura per te. Il feedback è buono. Ma dovrai imparare a farlo da solo.  

71. Non mettere tutte le tue uova in quell'unico paniere che è un singolo copione. Commercializzalo. Presentalo alle principali competizioni. E poi vai avanti.  

72. Non accontentarti di avere un paio di sceneggiature. Devi costruire il tuo stack fino al punto in cui hai 3-5 fantastici script. 

73. Non impiegare sei mesi e oltre per scrivere una sceneggiatura. Dopo quei primi due copioni, impara a scrivere come un professionista rispettando scadenze professionali. Concentrati sulla possibilità di finire una sceneggiatura entro 2-3 mesi.

74. Non scoraggiarti per il rifiuto. Il rifiuto non finisce mai, anche quando sei un professionista.  

75. Non trasformarti in uno sceneggiatore cinico che incolpa tutto e tutti gli altri per il tuo insuccesso. 

SUGGERIMENTO BONUS: Evita di essere eccessivamente paranoico con il marketing delle tue sceneggiature. Se fai la tua ricerca (IMDbPro) e commercializzi solo con entità legittime, starai bene. Nessuno vuole rubare il tuo lavoro. È più economico per loro semplicemente opzionarlo o acquistarlo, invece di occuparsi di contenzioso.  

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

PASSAGGIO N. 8: PRENDITI UNA PAUSA DALLA SCRITTURA

Parliamo di un elemento vitale all'interno del tuo processo di scrittura:  l'interruzione della scrittura.

Una pausa di scrittura è una pausa nel lavoro. Potrebbe durare minuti, ore, giorni, settimane o mesi (di seguito tratteremo tutto). Indipendentemente da ciò, è dove ti allontani dal computer o dal laptop e ti disimpegni dall'attività a portata di mano.

Robert Pozen, docente presso la Sloan School of Management del MIT e autore di  Extreme Productivity: Boost Your Results, Reduce Your Hours , ha dichiarato a Fast Company :

“Quando le persone svolgono un compito e poi [si prendono una pausa], aiutano il cervello a consolidare le informazioni e a conservarle meglio. Questo è ciò che sta accadendo fisiologicamente durante le pause.

La maggior parte dei ricercatori sulla produttività concorda sul fatto che le pause sono vitali per tutti i turni di lavoro. Ti consente di aggiornare e impegnarti nuovamente nell'attività da svolgere.

L'apprendimento delle pause è applicabile alla discussione precedente sul concentrarsi sulle sessioni di scrittura per ore. Ma parleremo anche dell'importanza di prendersi una pausa dopo aver finito la prima bozza.

LA SCENEGGIATURA SI INTERROMPE DI POCHI MINUTI

I ricercatori sulla produttività offrono eccellenti analisi di un numero ideale di minuti di lavoro produttivo.

Pozen commenta:

“Non pensare alle pause in termini di prendere un determinato numero al giorno, come 12 o cinque. La vera domanda è: qual è il periodo di tempo appropriato di lavoro concentrato che puoi fare prima di fare una pausa?"

Ci sono alcuni suggerimenti professionali diversi per quanto riguarda i minuti di pausa quando si tratta di produttività.

SESSIONI DI SCRITTURA DA 75 A 90 MINUTI

Pozen afferma che lavorare per 75-90 minuti sfrutta le due modalità del cervello:

1. Apprendimento o messa a fuoco
2. Consolidamento

Kevin Kruse, autore di 15 segreti che le persone di successo conoscono sulla gestione del tempo, indica il lavoro di Tony Schwartz, fondatore dell'Energy Project. Schwartz ha coniato la pratica come un processo di impulso e pausa , essenzialmente espandendo l'energia della produttività e poi rinnovandola.

"La sua ricerca mostra che gli esseri umani passano naturalmente dalla piena concentrazione ed energia alla fatica fisiologica ogni 90 minuti".

Ma come combattono la maggior parte di quella stanchezza? Kruse dice:

"Li superiamo con caffè, bevande energetiche e zucchero... o semplicemente sfruttando le nostre riserve finché non si esauriscono."

Invece di esaurirti esaurendo le tue riserve naturali o mascherando la tua stanchezza con zucchero e caffeina, puoi semplicemente, sì, fare una pausa .

Da 75 a 90 minuti possono essere una sessione di scrittura molto produttiva.

SPRINT DI SCRITTURA DI 52 MINUTI

La maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi di solito scrive come focus secondario (o terzo) durante ogni giorno.

• La maggior parte ha lavori giornalieri.
• Alcuni hanno più lavori (compresa la scuola).
• E non dimenticare i doveri familiari come genitori o fratelli.

Se non riesci a inserire un'ora e mezza intera nella tua giornata impegnativa, forse una sessione di scrittura più breve di 52 minuti è una buona opzione. Trovare meno di un'ora di tempo per scrivere prima che inizi la giornata o prima che la giornata stia per finire è un po' più facile che trovare 90 minuti interi.

La startup del software, Draugiem Group, ha utilizzato un'app di monitoraggio del tempo chiamata DeskTime per monitorare la produttività. Lo studio ha dimostrato che lavorare in sprint di 52 minuti (con una pausa di 17 minuti in mezzo) ha aumentato la produttività.

"Il motivo per cui il 10% dei dipendenti più produttivi è in grado di ottenere il massimo durante i periodi relativamente brevi dell'orario di lavoro è che vengono trattati come sprint per i quali sono ben riposati. Sfruttano al massimo i 52 minuti di lavoro. In altre parole, lavorano con uno scopo".

E questo è un punto fantastico, per quanto riguarda le tue sessioni di scrittura come sprint. Quando hai più tempo, ciò significa solo più tempo per procrastinare e far vagare la mente. C'è un'urgenza per la sessione quando hai meno di un'ora. Scrivi con più scopo.

RAFFICHE DI 25 MINUTI

E poi c'è la Tecnica del Pomodoro, messa a punto da Francesco Cirillo, che l'ha battezzata con il timer da cucina a forma di pomodoro che utilizzava. La sua tecnica si concentra su brevi sequenze di lavoro a intervalli di 25 minuti con cinque minuti di pausa in mezzo.

Questa tecnica è più adatta per singole attività che richiedono una concentrazione completa. Per la sceneggiatura, puoi utilizzare questa tecnica per concentrarti su quanto segue:

• Evocare una scena specifica.
• Riscrivere una particolare sequenza con cui hai lottato.
• Lucidare il dialogo di una scena critica.

Queste raffiche di 25 minuti possono essere utilizzate à la carte durante l'intera giornata.

• Puoi utilizzare brevi pause durante i tuoi turni di lavoro durante le pause pranzo.
• Puoi inserirti in una breve raffica di scrittura durante la colazione prima del turno di giorno.
• Puoi far scoppiare un'altra scrittura prima di andare a letto.

Il punto è trovare la sessione, lo sprint o il tempo di scoppio migliore per te all'interno del tuo programma e della tua situazione, assicurandoti sempre di avere una pausa prolungata nel mezzo.

Se stai svolgendo un incarico professionale con una scadenza ravvicinata, la tua raffica potrebbe effettivamente essere di 75-90 minuti, con lo sprint di un paio d'ore e la sessione di scrittura di poche ore.

LA SCENEGGIATURA SI INTERROMPE PER GIORNI, SETTIMANE E MESI

Prendersi una pausa dalla sceneggiatura è vitale per il processo creativo. Come accennato in precedenza, quando ti allontani dalle tue sessioni di scrittura, stai aiutando il tuo cervello a consolidare e conservare meglio le informazioni. Mentre ti occupi di diversi affari e tempo libero durante le tue pause, il tuo cervello cerca costantemente di elaborare le informazioni e le immagini che ti sono passate per la testa durante il processo di scrittura.

• Sta mettendo insieme i pezzi.
• Sta dando un senso alle scene, ai personaggi, alle azioni e al luogo.
• Sta elaborando un tono, un'atmosfera, una narrazione e una voce coerenti.

Quando ti allontani dallo schermo, la tua mente sta ancora scrivendo. Quando torni, è rinfrescato e ringiovanito.

INTERRUZIONI GIORNALIERE

Un altro mito popolare è che devi scrivere ogni singolo giorno. Tu no. In effetti, probabilmente è meglio che tu lavori in giorni interi liberi dalla scrittura, che si tratti di un paio di giorni durante la settimana o di prenderti l'intero fine settimana libero.

Ricorda, puoi ancora "scrivere" in questi giorni di riposo.

• Visualizza le tue prossime scene mentre sogni ad occhi aperti, guidi, cammini, corri, ti alleni, ecc.
• Scopri le opzioni per potenziali colpi di scena (e le loro ramificazioni nella storia).
• Riproduci le scene che hai scritto e vedi se si riproducono visivamente.

Come abbiamo discusso, scrivere non è necessariamente digitare. Poiché la sceneggiatura è per un mezzo visivo, dovresti vedere queste scene e questi momenti nella tua testa prima di scriverli sulla pagina.

Diffondere le tue sessioni di scrittura tra le pause del giorno può essere molto efficace per la visualizzazione e la risoluzione dei problemi di storie / personaggi.

VACANZE SETTIMANALI

Non vuoi impiegare settimane tra una sessione di scrittura e l'altra. Ci vorranno diversi mesi per scrivere una singola sceneggiatura, ed è meglio allenarsi a scrivere come un professionista rispettando le scadenze del contratto (generalmente 4-12 settimane per la prima bozza).

Le pause settimanali sono più riservate alle pause tra le bozze. Quando finisci una bozza della tua sceneggiatura, la cosa peggiore che puoi fare è passare direttamente al processo di revisione/riscrittura. Hai già passato da uno a tre mesi a scrivere la tua prima bozza. Se ti immergi di nuovo in esso, inizierai a soffrire di paralisi dell'analisi.

Una volta completata una bozza, prenditi un po' di tempo lontano da essa. Quanto tempo impiegherai dipenderà dalla tua situazione.

• Se stai scrivendo su specifiche (non sotto contratto), prenditi un paio di settimane di distanza dalla tua sceneggiatura.
• Se stai scrivendo su un incarico con una scadenza rigorosa, lavora in una settimana in cui puoi allontanarti da esso.

Cosa realizza questo? Puoi rivisitare la sceneggiatura con occhi nuovi facendo una revisione completa attraverso una lettura da copertina a copertina. Sperimenta la sceneggiatura non come lo scrittore in mezzo alle scadenze, ma come un lettore  della sceneggiatura alla ricerca di una buona lettura.

Quando ti prendi queste settimane di pausa, vedrai tutti i problemi evidenti con la tua sceneggiatura che non potevi vedere durante il processo di scrittura iniziale.

• Errori grammaticali e ortografici
• Buchi di trama
• Questioni di dialogo
• Problemi di esposizione
• Problemi di formato

Tutto questo e altro ancora.

Allontanarsi per una o due settimane tra una bozza e l'altra farà davvero la differenza nella sceneggiatura e nel processo di riscrittura.

PASSAGGIO N. 9: RISCRIVI

Congratulazioni. Se sei arrivato a questo punto del tuo processo di sceneggiatura, hai finito la prima bozza. Questo è un risultato che la maggior parte delle persone con un sogno di sceneggiatura non raggiunge mai. Ma non hai ancora finito.

Ernest Hemingway una volta scrisse:  "L'unico tipo di scrittura è la riscrittura."

Gli sceneggiatori tradizionalmente odiano il processo di riscrittura. Sono così vicini al loro lavoro che spesso credono che le loro prime bozze siano perfette e pronte per essere acquistate, confezionate e prodotte. Ce l'abbiamo. C'è eccitazione. Sei entusiasta di aver finito. Vuoi celebrare e poi mostrare la tua creazione al mondo.

PERCHÉ LA RISCRITTURA È COSÌ IMPORTANTE

Questo è un grande motivo per cui il passaggio precedente, l'interruzione, è vitale per il tuo processo. Quando torni dopo un paio di settimane o più dalla tua prima bozza e poi ti siedi per leggerla dall'inizio alla fine, vedrai quei problemi evidenti che abbiamo menzionato sopra.

Il processo di riscrittura è dove trovi veramente la tua storia cinematografica. Questo è il momento in cui unisci le tue capacità e il tuo talento narrativo con un occhio attento per il montaggio.

• Devi essere obiettivo.
• Devi uscire dalla tua stessa pelle ed essere il tuo peggior (o migliore) critico.
• Devi leggere una scena o una battuta di dialogo e renderti conto che semplicemente non appartiene.
• Devi vedere ogni singolo difetto della sceneggiatura, grande o piccolo.

COSA VIENE TAGLIATO DURANTE LA RISCRITTURA?

Parte del processo di riscrittura include l'uccisione dei tuoi cari.

Quei cari possono essere:

• Linee di dialogo
• Una scena divertente, drammatica o eccitante
• Un personaggio di supporto
• Un momento viscerale
• Una visuale accattivante

Non importa quanto tu possa amarli per qualsiasi motivo - e non importa quanta qualità rappresentino come elemento singolare - non commettere errori, dovrai uccidere molti cari per il meglio della sceneggiatura complessiva.

Taglia dialoghi, scene, sequenze e persino personaggi per:

• Aumenta il ritmo
• Migliora il flusso e la chiarezza della scena
• Concentrati maggiormente sul tuo protagonista
• Rimuovi il disordine e gli elementi inutili della storia, dei personaggi e dei dialoghi

DIVERSI PROCESSI DI RISCRITTURA CHE PUOI APPLICARE

Ci sono molti approcci diversi che puoi - e devi - adottare per una riscrittura efficace della tua prima bozza.

Un'abitudine che puoi utilizzare durante la stesura della tua prima bozza è il processo di riscrittura durante il processo che abbiamo menzionato sopra.

Diciamo che esci dalla tua prima sessione di scrittura con 10 pagine. Durante la seconda sessione di scrittura, inizi leggendo quelle prime 10 pagine. Mentre lo fai, riscrivi e modifichi quelle 10 pagine, passando attraverso mini-versioni dei processi che presentiamo di seguito.

• Correzione di errori di battitura
• Ridurre la descrizione e il dialogo
• Accorciare le scene (se non le si elimina)
• Lavorare sul ritmo

Quindi durante quella seconda sessione di scrittura, dopo aver fatto quanto sopra, continui a scrivere.

Dopo quella seconda sessione di scrittura, forse hai scritto altre 10 pagine, che ammontano a 20 in totale finora.

Durante la terza sessione, leggi di nuovo ciò che hai scritto - 20 pagine dall'inizio alla fine - e le riscrivi man mano che procedi.

Ripeti questo schema mentre scrivi quella prima bozza.

I risultati? Quando scrivi FADE OUT alla fine della bozza, avrai una prima bozza della tua sceneggiatura molto più mirata, compatta e fluida.

I VANTAGGI DELLA RISCRITTURA MENTRE PROCEDI

Ulteriori vantaggi includono:

• Tono più coerente
• Ritmo incredibile
• Meno buchi di trama

Poiché ogni volta che ti siedi e scrivi potresti trovarti in stati d'animo diversi, il processo di riscrittura mentre procedi aiuta a regnare su tutto in ogni sessione di scrittura. Stai leggendo ciò che hai scritto prima, il che ti consente di rimanere su quel corso di tono, atmosfera, ritmo e coerenza generale mentre continui. È come guardare il film in corso e poi continuare con le nuove pagine dopo averlo visto.

CONTROLLO SOVRASCRITTURA

La sovrascrittura può presentarsi sotto forma di molte aree ed elementi diversi della tua prima bozza.

• Mancanza di spazio bianco nella tua sceneggiatura.
• Intestazioni di scene troppo lunghe.
• Molteplici direzioni della telecamera.
• Descrizione della scena eccessivamente dettagliata.
• Descrizione del guardaroba eccessivamente dettagliata (non il tuo lavoro).
• Troppi avverbi e vocabolario di fantasia (mantienilo semplice)
• Descrizione della sequenza di azioni eccessivamente specifica
• Scene e dialoghi ridondanti o inutili

Il mantra Less Is More che abbiamo menzionato sopra deve essere consolidato durante il processo di riscrittura. Vuoi una bozza finale che offra scene e momenti viscerali e catartici, attraverso una consegna semplice e diretta.

 CONTROLLO DI REVISIONE

A seconda del tuo processo di scrittura, abitudini e tendenze, la revisione è un'impresa organica che può essere un'attività quotidiana o un'attività da bozza a bozza, preferibilmente entrambe.

È diverso dal montaggio o dalla correzione di bozze (vedi sotto) perché le scelte che vengono fatte - e le cose che stai cercando di capire - influenzano il quadro generale del tuo lungometraggio.

• La struttura
• La storia
• La trama
• I personaggi.

Durante la revisione della tua sceneggiatura, non vuoi essere coinvolto nei dettagli dell'editing e della correzione di bozze. Perderai la concentrazione su ciò che riguarda veramente la revisione: la struttura, gli archi narrativi, i punti della trama e gli archi dei personaggi. Puoi anche includere ritmo, tema, tono, atmosfera e catarsi.

Rivedi usando le tue braccia

Per comprendere la revisione, puoi utilizzare l' acronimo ARSS  per assicurarti di rimanere su quel corso di revisione durante tutto il processo di scrittura.

A dd — Aggiunta di frasi e parole alla descrizione della scena e al dialogo per raccontare meglio la tua storia.

Rimuovi : rimozione di frasi e parole dalla descrizione della scena e dai dialoghi per abbracciare meglio il mantra "less is more" della sceneggiatura.

Sposta : sposta frasi e parole dalla descrizione della scena e dai dialoghi per creare un ritmo, una struttura e un flusso migliori.

S ubstitute — Sostituzione di parole e frasi con parole nuove per creare sintassi, articolazione e stile migliori.

CONTROLLO DI REVISIONE/CORREZIONE

Una volta che sei riuscito a rivedere la tua sceneggiatura attraverso sessioni di scrittura e più bozze, è il momento di perfezionare quella sceneggiatura eliminando quegli inevitabili e fastidiosi errori di ortografia, grammatica e punteggiatura che persistono ancora nelle tue pagine.

Lo fai correggendo le bozze della tua storia con i tuoi occhi che scansionano specificamente quei tipi di errori. Durante questo processo, devi evitare di avere in mente la revisione perché sicuramente ti perderai molti errori tecnici se la tua mente continua a vagare alla struttura, alla storia e alle revisioni del personaggio.

Rivedi usando i tuoi CUPO

Per rimanere nel giusto stato d'animo, ricorda di usare l'  acronimo CUPS  per mantenerti concentrato.

C apitalizza — Mettere in maiuscolo nomi, luoghi, titoli, mesi e altri elementi. Esempio: se stai scrivendo una sceneggiatura militare, tenente dovrebbe essere tenente (titoli) .

U sage — Assicurarsi che l'uso di sostantivi e verbi sia corretto. Esempio: "Hai fatto le valigie?" non è corretto. La versione corretta sarebbe "Hai fatto le valigie?"   Sebbene questo esempio possa sembrare estremo e sciocco, rimarrai sorpreso da quanti errori come questo si trovano nelle sceneggiature presentate.

Punteggiatura — Assicurarsi che la punteggiatura sia corretta controllando punti, virgolette, virgole, punti e virgola, apostrofi, ecc.

Ortografia : controllo ortografico di tutte le parole e ricerca di errori omofonici. Esempi di omofoni: Tuo e Tu sei. Nuovo e Saputo. A e anche. Là,  Loro e Loro sono. È ed è. Allora e poi. Effetto e affetto. Cache e Cachet. Rompere e frenare. Principio e principale. Respira e respira. Pioggia, regna e frena. Da, compra e ciao.

INDIVIDUA I BUCHI DELLA TRAMA

Ci sono generalmente cinque tipi di buchi di trama trovati all'interno delle sceneggiature. Manteniamolo reale e facciamo notare che nessuna sceneggiatura è a prova di proiettile quando si tratta di buchi nella trama. Ma per ottenere la migliore bozza finale possibile, dovresti fare del tuo meglio per trovare e riempire quelli che vedi.

1. Buchi della trama di MacGuffin

I buchi della trama di MacGuffin sono quelli che si riferiscono direttamente al MacGuffin, che sono gli obiettivi, gli oggetti desiderati o qualsiasi altra motivazione che il protagonista (e spesso anche l'antagonista) è incaricato di perseguire o attratto a perseguire, per qualsiasi motivo. Non tutte le storie cinematografiche utilizzano un MacGuffin. Ma se il tuo lo fa, sappi che sono l'elemento motivante che esiste solo per guidare la trama e di solito è la causa e l'effetto del conflitto di ogni personaggio con cui hanno a che fare nel corso della storia.

Tu, lo sceneggiatore, non hai bisogno di spiegare ogni piccolo aspetto dei MacGuffin se hai intenzione di usarli. Tuttavia, vuoi assicurarti di mantenere un acuto senso della logica durante lo sviluppo. Alla fine, l'unico scopo del MacGuffin è far avanzare la storia per i personaggi . Secondo lo stesso Alfred Hitchcock, i personaggi si preoccupano per il MacGuffin, il pubblico generalmente no.

2. Buchi della trama logica

La logica all'interno di una sceneggiatura è ciò che decidi tu, lo sceneggiatore. Ma sappi che il potere di scegliere ciò che è logico e ciò che non è all'interno della tua sceneggiatura può e determinerà quanto sarà coinvolto il pubblico.

• Se imposti la tua sceneggiatura nel mondo reale, mantienila reale.
• Se la tua sceneggiatura è ambientata nel mondo reale con l'avvertimento di costanti richieste di sospensione dell'incredulità in cambio di azione divertente ed effetti speciali (vedi la maggior parte dei successi di Hollywood), divertiti.

La chiave è essere sempre consapevoli della logica che sei e non sei disposto ad applicare all'interno della tua storia e mantenerla coerente.

3. Buchi nella trama del personaggio

Anche questi tipi di buchi della trama vanno da grandi a piccoli, con vari gradi di ripercussioni.

Forse i più evidenti sono quelli che riguardano le scelte che fa un personaggio. Questi sono spesso attribuiti alla logica generale, quindi potrebbero rientrare nell'ombrello Logic Plot Holes, ma questi sono specificamente collegati ai personaggi e alle decisioni che prendono. Assicurati che i tuoi personaggi siano coerenti.

4. Buchi della trama narrativa

I buchi della trama narrativa si verificano quando c'è un vuoto o un'incoerenza in una trama. Può influenzare direttamente la logica stabilita all'interno della trama, oppure può essere un buco evidente che interrompe il coinvolgimento del pubblico con la storia mentre la mettono in discussione.

5. Buchi della trama di Deus Ex Machina

Il termine si riferisce a un espediente della trama in cui un problema o una situazione apparentemente irrisolvibile viene improvvisamente e bruscamente risolto dall'intervento di qualche nuovo evento, personaggio, abilità o oggetto.

PREPARA LA TUA SCENEGGIATURA

La parte migliore del processo di riscrittura è quando puoi aggiungere tutti i fantastici dettagli extra, i punti della trama, le prefigurazioni intelligenti, i tratti del personaggio, le basi e i profitti , ecc.

Chiediti: "Come posso renderlo ancora migliore?" con ogni e ogni:

• Carattere
• Linea di dialogo
• Scena
• Sequenza
• Momento

Pepate e valorizzate ogni elemento della sceneggiatura. Crea quelle basie e profitti magistrali che il lettore (e l'eventuale pubblico) può sperimentare e rivisitare per vedere che tali momenti sono stati impostati correttamente.

Ad esempio, leggi le basi di sceneggiatura e le ripartizioni dei profitti di film come:

• Il sesto senso
• Duro a morire
• Un posto tranquillo
• Incontri ravvicinati del terzo tipo

COPERTURA DELLA SCENEGGIATURA

A volte è utile avere una prospettiva esterna. È qui che entra in gioco la copertura della sceneggiatura come opzione.

Script Coverage è un'analisi professionale di una sceneggiatura, composta da varie valutazioni dei molti elementi di una sceneggiatura e accompagnata da note analitiche dettagliate che toccano ciò che funziona e ciò che non funziona all'interno della sceneggiatura.

I formati di copertura e le scale di valutazione variano a seconda dell'azienda. E molti diversi concorsi di sceneggiatura, società di consulenza e consulenti offrono una copertura professionale della sceneggiatura a pagamento.

I consulenti di sceneggiatura valutano tutto da concept, storia, personaggi, dialoghi, ritmo e struttura.

Sii profondamente consapevole di ciò che dovresti e non dovresti aspettarti dalla copertura professionale della sceneggiatura:

• È uno strumento, non una stampella : nonostante il suo valore, la copertura della sceneggiatura non dovrebbe mai essere usata come stampella. Troppi sceneggiatori spendono troppi soldi acquistando un pacchetto di copertura dopo l'altro per ogni bozza di ogni sceneggiatura che scrivono.
• È un'opinione, non una risposta definitiva - Ricorda sempre che se la copertura è favorevole, sfavorevole o una via di mezzo, alla fine è solo un'opinione. Ma quell'opinione potrebbe avere alcuni punti fantastici che dovresti considerare.
• È per i puntatori, non per la correzione di bozze: non aspettarti una correzione di bozze parola per parola e riga per riga con la copertura della tua sceneggiatura. Non è per questo che il lettore è lì. Non sono correttori di bozze che cercano di "contrassegnare la tua sceneggiatura" con ogni errore grammaticale, ortografico e di formato dalla copertina alla copertina.
• È per critiche costruttive, non recensioni entusiastiche: se la tua sceneggiatura è così buona, te lo faranno sapere. Ma non avere grandi aspettative che la copertura ti stupirà di complimenti. Se non riesci a sopportare il calore nella cucina della copertura della sceneggiatura, non pagare per essere lì in primo luogo. Ma tieni presente che la capacità di prendere appunti e feedback è vitale per il tuo successo come sceneggiatore professionista.
• È per l'ispirazione, non per le risposte: i lettori sono lì per sottolineare cosa funziona, cosa no e come il mercato può reagire in base alle tendenze e alle aspettative attuali. E oltre a ciò, sono lì per porre domande e offrire alcune opzioni minori a cui gli scrittori potrebbero ispirarsi per trovare le risposte che cercano.

Potresti non essere d'accordo con tutto ciò che scrivono. Potrebbero non capire tutto ciò che scrivi. Ma sono lì per aiutarti a guidarti sui molti possibili percorsi che la tua sceneggiatura potrebbe intraprendere. E ricorda che c'è una netta differenza tra il feedback che ricevi dalla copertura del copione a pagamento (o il feedback del mentore e dei colleghi) e le note del copione che ti vengono fornite quando sei un professionista retribuito sotto contratto.

PASSAGGIO N. 10: COMPLETA LA BOZZA FINALE

Ok, hai fatto tutto il lavoro di riscrittura. Forse hai arruolato una copertura professionale della sceneggiatura per aiutarti con una bozza aggiuntiva. Ora rimane un'ultima domanda:

"Quando e come faccio a sapere se ho finito?"

QUANDO È FINITA  LA TUA SCENEGGIATURA  ?

La dura verità è che non sei arrivato a una bozza finale della tua sceneggiatura - nel grande schema delle cose - fino a quando non viene prodotta tramite un regista, un cast e una troupe.

Le sceneggiature passano attraverso molte bozze durante la fase di marketing, sviluppo e produzione. Quando dai la sceneggiatura a manager, agenti e dirigenti dello sviluppo, è molto probabile che ti venga chiesto di fare più riscritture in base alle loro esigenze, desideri e preferenze.

Ma come fai a sapere quando il tuo script delle specifiche è terminato durante il tuo processo di scrittura iniziale?

Una volta che hai rispettato la tua scadenza personale, bloccato la sceneggiatura per un paio di settimane circa prima di tornare a riscriverla, leggi la copertina della sceneggiatura dopo quel processo di riscrittura e fai una bozza finale di rifinitura, è ora di dire a te stesso , "È fatto".

UN TEST FINALE DI COTTURA

Il test finale per sapere quando la tua sceneggiatura è finita è dirti proprio questo.

• Tu, lo sceneggiatore, devi fare quella chiamata.
• Stai fallendo te stesso come sceneggiatore se lo lasci aperto.
• Stai fallendo come sceneggiatore se continui a riscrivere dopo riscrittura dopo riscrittura.

Troppi sceneggiatori si affidano eccessivamente al feedback infinito di familiari, amici, parenti, colleghi e alla copertura professionale della sceneggiatura. L'idea che uno sceneggiatore debba ricevere feedback finisce per essere esagerata e fraintesa. Sì, il feedback può aiutare. Sì, è bello avere un'altra serie di occhi sulla sceneggiatura.

Il problema è che, alla fine, ogni serie di feedback che ricevi è solo un'opinione soggettiva. E se continui a chiedere feedback a più persone, non c'è modo di raggiungere un consenso vero e definitivo agli occhi di tutti.

• Questo è ciò che spesso porta a infinite riscritture.
• Ecco come i gruppi di scrittura possono  ferire  uno sceneggiatore.
• È qui che troppe mani nel barattolo dei biscotti possono trasformare una storia altrimenti fantastica in un disastro totale.

Trova una persona di cui ti fidi. Oltre a ciò, ottieni una prospettiva dell'industria cinematografica se puoi. Il resto sta a voi.

Buona fortuna a te!

L'ULTIMA E PIÙ IMPORTANTE DOMANDA UNA VOLTA TERMINATA LA SCENEGGIATURA

Ed ecco un'ultima domanda che dovresti considerare mentre concludi questo script.

Cosa scriverai per il tuo follow-up (processo di completamento di un'attività)?

• Non smettere mai di scrivere.
• Non passare mesi a cercare di commercializzare questa sceneggiatura che hai appena scritto senza passare a quella successiva come fai.
• Ripeti questo processo in 10 passaggi per ciascuno.
• Arriva al punto in cui hai 3-5 script eccellenti da utilizzare come esempi di scrittura.
• Script di mercato man mano che scrivi di più e affini le tue abilità.

FINE PARTE QUINTA ed Ultima.   Link parte QUARTA.

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

PASSAGGIO N. 5: SCRIVERE UN TRATTAMENTO

Ora che hai terminato la tua logline, è il momento di scrivere un trattamento.

COS'È UN TRATTAMENTO PER UNA SCENEGGIATURA?

Un trattamento per la tua sceneggiatura è un documento che riassume gli elementi generali della tua storia. L'eventuale sceneggiatura avrà la consegna stilistica della storia inserita all'interno del trattamento.

QUAL È LA DIFFERENZA TRA UNA SINOSSI E UN TRATTAMENTO?

Laddove una sinossi generalmente coprirebbe i tratti generali della storia in pochi paragrafi, i trattamenti coprono i dettagli della storia, utilizzando la prosa sotto forma di paragrafi descrittivi che raccontano la storia dall'inizio alla fine con tutte le descrizioni dei personaggi, i punti della trama , colpi di scena, svolte e rivelazioni.

QUANTO DOVREBBE DURARE UN TRATTAMENTO?

La lunghezza dei trattamenti varia, con la maggior parte che arriva a 7-10 pagine. In genere si desidera mantenere il trattamento il più breve possibile pur offrendo la lunghezza necessaria per raccontare l'intera storia dall'inizio alla fine. In breve, non stai scrivendo un libro, stai scrivendo un riassunto.

Lo sceneggiatore di Hollywood Simon Kindberg ha condiviso il trattamento per il suo eventuale successo d'azione  Mr. and Mrs. Smith 

Il suo trattamento arriva a sole quattro pagine. Offre una panoramica, che tocca il genere, i personaggi, la loro relazione e la storia. 

VANTAGGI DELLA SCRITTURA DI UN TRATTAMENTO

Sebbene scrivere trattamenti non sia un passaggio necessario per tutti gli sceneggiatori e le sceneggiature, possono essere uno strumento efficace.

I TRATTAMENTI TI AIUTANO A TROVARE LA FINESTRA DELLA TUA STORIA

Ti offre la possibilità di trovare la finestra della tua storia, che, a sua volta, aiuta a compattare la tua storia in una trama e una struttura che possono adattarsi ai confini di un lungometraggio. È anche un documento in cui puoi elaborare i punti della trama e vedere come scorre e progredisce la storia.

I TRATTAMENTI TI AIUTANO A VISUALIZZARE LA TUA STORIA

Ancora una volta, è allettante entrare nella sceneggiatura senza fare il lavoro di front-end. Mentre abbiamo menzionato la ricerca della tua sceneggiatura, la ricerca del titolo della sceneggiatura e la visualizzazione della tua storia come attività chiave di front-end, scrivere un trattamento può essere un passaggio successivo molto efficace che prende quella visualizzazione e la mette nel contesto con l'elaborazione letteraria e la storia e la trama necessarie. organizzazione. Ciò ti consente di costruire le fondamenta della struttura di cui avrai bisogno per raccontare la storia.

SAPERE COME SCRIVERE I TRATTAMENTI È IMPORTANTE PER DIVENTARE PROFESSIONISTI

La capacità di scrivere trattamenti è utile quando inizi a scrivere su incarico. Alla maggior parte degli sceneggiatori professionisti è richiesto di scrivere trattamenti durante il loro processo di sviluppo, quindi è un'abilità professionale fondamentale da apprendere e che può aiutarti nello sviluppo della sceneggiatura mentre affini il tuo mestiere.

PASSAGGIO N. 6: CREA UNA STRUTTURA

Se i trattamenti sono lì per aiutarti a raccogliere tutti gli archi del personaggio, gli archi narrativi, i punti della trama, i colpi di scena, le svolte e le rivelazioni di cui hai bisogno per scrivere una sceneggiatura straordinaria, i contorni sono lì per aiutarti a preparare una ripartizione visiva di come utilizzerai quegli elementi all'interno di scene organizzate.

Ancora una volta, è molto allettante entrare nella sceneggiatura senza fare un lavoro di front-end come questo, ma qualsiasi professionista ti parlerà del valore dei contorni.

COSA CONTIENE UNA BOZZA DI SCENEGGIATURA?

Uno schema è fondamentalmente un foglio di battuta numerato o punto elenco che comunica ciò che viene visto e detto utilizzando ovunque da un paio di frasi a un breve paragrafo per ogni battuta della storia .

Leggi di più: Cos'è uno Story Beat?

• Di solito lungo 7-8 pagine
• Ovunque da 35-45 battiti

Puoi prendere il tuo trattamento e organizzare tutti quegli elementi del personaggio, della storia e della trama in un beat sheet per la sceneggiatura. Lo schema copre ogni singola storia e ritmo del personaggio. Potresti non avere ogni singola scena nel contorno (lasciandoti spazio per l'evoluzione e la scoperta della storia e del personaggio), ma è la cosa più vicina a una ripartizione da scena a scena.

QUALI SONO I VANTAGGI DI CREARE UNA STRUTTURA PER LA TUA SCENEGGIATURA?

Alcuni sceneggiatori li adorano e altri li odiano. Indipendentemente da dove ti trovi, ci sono alcuni chiari vantaggi nel creare uno schema per la tua sceneggiatura.

PUOI FARE GRANDI SCELTE PRIMA DI SCRIVERE UN SACCO

Puoi utilizzare i contorni per fare scelte creative ed editoriali prima che sia il momento di scrivere quelle scene e quei momenti nella loro interezza cinematografica tramite il formato della sceneggiatura. Ciò può farti risparmiare un sacco di tempo e fatica quando arriva il momento di riscrivere.

PUOI SCRIVERE UNA PRIMA BOZZA PIÙ FORTE

Le sceneggiature, una volta scritte, possono essere un castello di carte dove se tiri fuori una carta, tutte le altre crolleranno.

È molto difficile cambiare i punti della trama e la struttura della storia all'interno di una sceneggiatura completa. Ma quando organizzi questi elementi prima di quel processo in contorni, è molto più facile spostare i pezzi della tua storia e del puzzle della trama, creando la struttura necessaria e desiderata per raccontare la tua storia cinematografica.

PUOI MANTENERE LA TUA SANITÀ MENTALE

Per alcuni, cercare di dare corpo a un'intera storia senza uno schema può essere uno sforzo confuso e frustrante. E la sceneggiatura, per la maggior parte, dovrebbe essere divertente e appagante: è difficile sentirsi così quando ti perdi costantemente nella tua stessa narrazione.

ELEMENTI CHIAVE DA AFFRONTARE IN UNA STRUTTURA

COMPLOTTO

Molti presumono che trama e storia siano termini intercambiabili. Loro non sono. Ed è bello conoscere la differenza tra trama e storia mentre inizi a delineare la tua sceneggiatura.

La storia copre chi, cosa e dove della tua sceneggiatura.

• Chi sono i personaggi?
• Quali conflitti stanno affrontando?
• Dove sta avvenendo tutto questo?

La trama copre il come, il quando e il perché della tua storia.

• Come sono influenzati i protagonisti della tua storia?
• Quando accade il cosa della tua storia?
• Perché accade dove si svolge la tua storia e perché influisce sul chi della tua storia?

Utilizzi i tuoi trattamenti e contorni per mettere a punto i punti della trama e trovare una struttura di presentazione cinematografica che funzioni per la tua sceneggiatura.

STRUTTURA DELLA STORIA

La struttura della storia comprende le scelte di base che puoi fare per determinare come vuoi raccontare la tua storia cinematografica. La struttura generale di ogni storia è radicata nel nostro DNA:

• Inizio
• Mezzo
• FINE

Introduci i tuoi personaggi nel loro mondo ordinario (inizio), presenti un conflitto che sono costretti ad affrontare mentre mostri il loro carattere vero e in evoluzione attraverso le loro azioni e reazioni ad esso (parte centrale), e poi o soccombono ai conflitti su cui si basano loro o trionfare su di loro.

Questa è la struttura della storia al suo interno. Non troverai una storia in nessun mezzo che non segua la struttura in tre atti di Inizio, Mezzo e Fine.

Puoi anche trovare diversi modi per raccontare la tua storia attraverso molti diversi tipi di strutture della storia che giocano con l'ordine cronologico presentato nel tuo schema.

Ci sono molte opzioni quando si tratta di come strutturare la tua storia . Qualunque sia la struttura della storia che scegli (la struttura in tre atti è la struttura della storia più utilizzata), utilizzi lo schema (e il trattamento prima di esso) per aiutare a modellare la storia cinematografica che racconterai quando inizi a scrivere la sceneggiatura.

CASO DI STUDIO: LO SCHEMA PER  BIG FISH

Ecco un esempio che lo sceneggiatore di Hollywood  John August ha condiviso sul suo sito di podcast. La sceneggiatura che stava sviluppando era  Big Fish di Tim Burton .

Probabilmente l'ha usato per la sua collaborazione con Burton e il produttore. Puoi utilizzare questo tipo di formato, meno i numeri di pagina , come struttura che offre un po' più di dettagli, se necessario.

Come puoi vedere, i contorni riguardano l'organizzazione del nucleo di ogni singola scena e momento all'interno di una sceneggiatura.

PASSAGGIO N. 7: SCRIVI LA PRIMA BOZZA

Siete pronti? Ripassiamo:

• Sai cos'è uno script specifico.
• Hai il software per la sceneggiatura.
• Conosci il formato.
• Hai avuto una grande idea.
• Hai scritto una logline che funge da bussola per la tua storia.
• Hai sviluppato i tuoi personaggi.
• Hai un titolo della sceneggiatura funzionante (hai chiamato il tuo bambino).
• Hai fatto le ricerche necessarie.
• Ti sei preso il tempo per visualizzare la tua storia.
• Forse hai scritto un trattamento.
• Si spera che tu abbia almeno scritto uno schema per trovare la struttura e organizzare le scene che scriverai.

Ora è il momento di sedersi e muovere quelle dita. È ora di dare vita alla tua storia sulla pagina.

Ci sono molti modi per immergersi nella prima bozza. Abbiamo trattato diversi approcci nei post precedenti.

Qui, lo manterremo semplice. E ti forniremo anche l'opportunità di imparare a scrivere come un professionista.

AVERE UN OBIETTIVO DI LIMITE DI PAGINA

Potresti aver letto del vecchio adagio secondo cui una pagina equivale a un minuto di tempo sullo schermo. In realtà è solo un barometro - non una scienza esatta - ma che può essere molto eloquente.

Le sceneggiature sono progetti per i film. Mentre c'è certamente una dinamica letteraria in loro, le sceneggiature sono lì per raccontare una storia visiva entro i confini di 90-120 minuti di tempo sullo schermo . Pertanto, l'utilizzo del barometro secolare di una pagina pari a un minuto di tempo sullo schermo impone che la quantità di pagine desiderata per uno script specifico dovrebbe essere di 90-120 pagine. Sono almeno 90 e 120 al massimo.

Tuttavia, un conteggio delle pagine più realistico è quel punto debole di 100-115 pagine.

Avere un obiettivo di conteggio delle pagine nel processo di scrittura è così prezioso per il tuo processo di scrittura. Probabilmente non sarai all'altezza o supererai quell'obiettivo di poche pagine.

Tuttavia, avere un obiettivo di conteggio delle pagine ti costringerà ad abbracciare il mantra Less Is More che tutti gli sceneggiatori devono padroneggiare.

COSA STA RENDENDO LA TUA SCENEGGIATURA TROPPO LUNGA?

I lettori di sceneggiature esperti (assistenti, lettori di studio, analisti di storie, manager, agenti, produttori, dirigenti di sviluppo, dirigenti di studio, ecc.) sanno quando una sceneggiatura è troppo lunga. E spesso non ha nulla a che fare con questa regola di una pagina uguale a un minuto sullo schermo .

C'è un motivo per cui qualsiasi cosa oltre le 120 pagine è spesso un segno che la sceneggiatura è troppo lunga - perché, nel contesto del materiale proveniente da sceneggiatori alle prime armi, la sceneggiatura è solitamente così lunga a causa di:

• Descrizione della scena sovrascritta
• Dialogo sovrascritto
• Scene ridondanti
• Scene inutili 

PERCHÉ GLI SCRIPT PIÙ LUNGHI SONO DISAPPROVATI

Ci sono anche motivi oggettivi per cui le sceneggiature più lunghe sono disapprovate.

I film di 90 minuti (più o meno) si adattano ai moduli di streaming o consentono ai distributori di ottenere il maggior numero possibile di proiezioni cinematografiche in un solo giorno.

Inoltre, sceneggiature più lunghe spesso significano budget più alti, tempi di ripresa più lunghi, ecc.

E ci sono anche ragioni strutturali.

Poiché le sceneggiature sono progetti per i film - e la maggior parte dei film dura generalmente 90-120 minuti (più o meno) - c'è una struttura di conteggio delle pagine necessaria che entra in gioco. E andare significativamente al di sotto o al di sopra dell'intervallo di 90-120 pagine significa che le bandiere rosse vengono immediatamente scattate per gli addetti ai lavori del settore che leggono il tuo script.

30/30/30 RIPARTIZIONE DELLA STRUTTURA

Quando hai una sceneggiatura di 90 pagine, scomporre le dinamiche strutturali generali relative al flusso della storia è facile: una suddivisione del barometro 30/30/30.

• 30 pagine per il primo atto.
• 30 pagine per il secondo atto.
• 30 pagine per il terzo atto.

Questo è un barometro facile che gli sceneggiatori possono lavorare da quando iniziano per la prima volta.

METTI A PUNTO IL TUO GUASTO

Ora, il primo atto non sarà un terzo della sceneggiatura. Vuoi far entrare rapidamente quei personaggi nel secondo atto, il che li fa affrontare il conflitto in questione.

Quindi lo sposti.

• 20 pagine per il primo atto.
• 40 pagine per il secondo atto.
• 30 pagine per il terzo atto.

E puoi spostare il conteggio delle pagine per ogni atto con più o meno pagine.

CONCENTRATI SULLE SESSIONI DI SCRITTURA, NON SULLE ORE

L'idea di sedersi per otto ore al giorno e scrivere è falsa. Nessuno sta seduto lì per otto ore di fila, a digitare senza sosta. Questa è un'affermazione che sentirai spesso da esperti e autori di successo che raccontano storie in interviste e panel. E crea aspettative residue negative che i nuovi arrivati ​​ripongono su se stessi.

Non è necessario scrivere per più ore ogni singolo giorno. Non hai nemmeno bisogno di scrivere ogni singolo giorno. E poiché non sei ancora uno sceneggiatore professionista, speriamo che questa sia una realizzazione molto liberatoria per te!

Con questo in mente, ti suggeriamo di concentrarti sulle sessioni di scrittura per il numero di ore che scrivi. Ciò ti aiuterà a concentrarti sulla scrittura per tutta la settimana con la libertà di poterti prendere ore e giorni liberi per visualizzare, prenderti cura delle tue esigenze familiari, coprire i tuoi turni di lavoro, fare i compiti, ecc. concentrati trovando quei blocchi di tempo aperti in cui puoi  sederti  e scrivere.

• Alcune sessioni di scrittura possono durare solo un'ora.
• Altri possono essere per più ore quando hai un giorno libero.
• Potresti avere un giorno o due tra le sessioni di scrittura.

SCEGLI UN PROCESSO DI SCRITTURA INCENTRATO SUL RAGGIUNGIMENTO DEGLI OBIETTIVI

L'elemento chiave per un processo di scrittura che utilizza sessioni di scrittura è l'output. Ogni sessione di scrittura, non importa quanto lunga o breve duri per quanto riguarda minuti o ore, deve fornire pagine scritte.

Gli obiettivi all'interno di tale processo includono:

• 10 pagine per sessione di scrittura, che in media raggiunge un obiettivo di conteggio delle pagine di 100 pagine (consentendoti di essere sopra o sotto di alcune).
• Un processo di riscrittura mentre procedi che aiuta a ridurre il lavoro necessario per le tue eventuali riscritture (vedi sotto).

VANTAGGI DELL'ESSERE ORIENTATI AGLI OBIETTIVI PIUTTOSTO CHE ALLE ORE FRENETICHE

Concentrarti meno sulle ore che dedichi alla tua sceneggiatura e più sul prodotto delle sessioni di scrittura che puoi lavorare nel tuo programma ti aiuterà a scrivere più come un professionista che lavora sotto le scadenze del contratto di Hollywood.

• Sarai in grado di evocare dialoghi, scene e immagini più velocemente.
• Sarai in grado di lavorare all'interno della tua famiglia e del tuo programma di lavoro.
• Ti toglierai il peso dalle spalle, per quanto riguarda le aspettative irrealistiche del tempo di scrittura.

4 ELEMENTI ESSENZIALI CHE VORRESTI INCLUDERE NELLA TUA PRIMA BOZZA

Alcune linee guida mentre scrivi la sceneggiatura includono:

• Raggiungi il concetto e la storia nelle prime pagine.
• Lascia che i retroscena e la caratterizzazione dei tuoi personaggi appaiano attraverso le loro azioni e reazioni al conflitto lanciato loro nel secondo atto.
• Introduci conflitti evoluti e nuovi ogni poche pagine per mantenere i lettori e il pubblico coinvolti nella storia.
• Costruisci per un climax sia fisico (esterno) che emotivo (interiore).

COME SCRIVERE L'INIZIO, LA PARTE CENTRALE E LA FINE DEL COPIONE

LE PAGINE DI APERTURA

La maggior parte delle volte, le prime pagine sono tutto ciò che riesci a impressionare un lettore o un dirigente dello studio, quindi è meglio che le faccia bene. Fortunatamente, abbiamo alcuni consigli su come catturare chiunque nelle pagine iniziali della tua sceneggiatura , tra cui costruire intrighi, creare punti della trama e trattenersi dall'introdurre troppi dettagli sui personaggi.

LA PARTE CENTRALE DELLA TUA SCENEGGIATURA

Se stai lottando con la metà della tua sceneggiatura, unisciti al club. Questa è una parte notoriamente infida di qualsiasi sceneggiatura, ma abbiamo preparato diversi modi per padroneggiare la parte centrale della sceneggiatura , come iniziare il secondo atto in anticipo, alzare la posta in gioco e scrivere colpi di scena, svolte e deviazioni.

IL FINALE PIÙ IMPORTANTE

E infine, se vuoi terminare la tua sceneggiatura come un professionista, abbiamo alcuni suggerimenti. Questi suggerimenti sono meno pratici dei precedenti che abbiamo condiviso sopra, ma sono comunque importanti e creano un impatto enorme. Alcune cose che devi fare per padroneggiare il finale della tua sceneggiatura sono conoscere il finale prima di iniziare a scrivere, collegare i punti per il tuo pubblico e creare barriere interne tra i tuoi personaggi e il finale.

IL RESTO STA A VOI

Quando si tratta di scrivere la tua prima bozza, il resto dipende da te. I passaggi forniti finora, così come i collegamenti ad altri utili tutorial, sono tutto ciò di cui hai bisogno per realizzare la stesura della tua prima bozza.

QUANTO TEMPO CI VUOLE DI SOLITO PER SCRIVERE UNA PRIMA BOZZA DI UNA SCENEGGIATURA?

La maggior parte degli sceneggiatori principianti impiega da sei mesi a più anni per finire una singola sceneggiatura. Quando diventi un professionista, le aspettative cambiano e sei costretto a rispettare le scadenze della prima bozza che ti danno solo da 4 a 12 settimane, a volte meno.

È meglio iniziare a imparare a scrivere sotto le scadenze del contratto perché il te stesso del futuro lo apprezzerà. Ma sappiamo anche che ognuno ha le proprie tendenze. L'idea è di prendere ciò che offriamo di seguito, fonderlo con ciò che puoi e non puoi fare in questo momento e trovare il perfetto processo ibrido che ti prepari al meglio per ciò che verrà quando questo sogno di sceneggiatore diventerà realtà.

FINE PARTE QUARTA  Link alla TERZA parte  Link alla QUINTA parte

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

PASSAGGIO N. 3: SCRIVERE UNA LOGLINE

Se il concetto è tutto a Hollywood, la logline è ciò che vende il concetto nel più breve tempo possibile. Pensa a loro come alle brevi e dolci forme letterarie delle prossime attrazioni. Quindi, potresti dire che le logline sono davvero, davvero, davvero importanti.

CHE COS'È UNA LOGLINE?

Una logline è la semplice anteprima di 25-50 parole (dare o avere) che cattura le dinamiche fondamentali del tuo concetto. È ciò che vende il tuo concetto. È una frase ultra potente che può agganciare un lettore e costringerlo a leggere la tua sceneggiatura.

QUALI SONO GLI ELEMENTI DI UN GRANDE LOGLINE?

Lo scopo di una logline è informare lo studio, la società di produzione e il distributore:

• I protagonisti)
• Il mondo in cui vivono
• L'incidente scatenante
• Il grande conflitto che devono affrontare
• La posta in gioco

Un ottimo logline dovrebbe includere questi elementi.

COME SCRIVERE UN OTTIMO LOGLINE

Non stai raccontando una storia in una logline. Stai presentando il concetto centrale della tua sceneggiatura. Non è necessario approfondire i colpi di scena, gli archi dei personaggi e la trama. Stai semplicemente trasmettendo l'idea centrale: il seme iniziale da ciò che cresce la trama, i personaggi, i colpi di scena, le svolte e il conseguente conflitto.

La formula di base con cui puoi iniziare, una volta scelta l'idea che vuoi sviluppare, ti aiuterà a darti le basi di ciò che deve essere in una logline.

• Quando [SI VERIFICA UN INCIDENTE INCITANTE]...
• UN [TIPO DI CARATTERE]...
• Deve [OBIETTIVO]...
• Prima di [PUNTI].

Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio devono dare la caccia alla bestia prima che uccida di nuovo.

Iniziare con questa formula di base consente di identificare l'incidente scatenante/il conflitto principale, i protagonisti, l'obiettivo che hanno all'interno della storia e la posta in gioco principale. Successivamente, puoi modificare la verbosità e la struttura per trovare la migliore rappresentazione della tua idea che coinvolga il lettore e lo spinga a saperne di più.

'Il Padrino'

ESEMPI DI GRANDI LOGLINE

Non sei ancora sicuro di cosa costituisca un ottimo logline? Bene, eccone alcuni tratti da alcuni film famosi che ti daranno un'idea di cosa girare:

L'anziano patriarca di una dinastia del crimine organizzato trasferisce il controllo del suo impero clandestino al figlio riluttante. (IL PADRINO)

Dopo che un semplice furto di gioielli è andato terribilmente storto, i criminali sopravvissuti iniziano a sospettare che uno di loro sia un informatore della polizia. (LE IENE)

Con l'aiuto di un cacciatore di taglie tedesco, uno schiavo liberato decide di salvare sua moglie da un brutale proprietario di una piantagione del Mississippi. (DJANGO UNCHAINED)

Una commedia ambientata a Las Vegas incentrata su tre testimoni dello sposo che perdono il loro amico in procinto di sposarsi durante le loro disavventure da ubriachi e poi devono tornare sui loro passi per trovarlo. (IL DOPO-SBORNIA)

Un giovane cadetto dell'FBI deve confidarsi con un killer incarcerato e manipolatore per ricevere il suo aiuto per catturare un altro serial killer che scuoia le sue vittime. (IL SILENZIO DEGLI INNOCENTI)

A un ladro che ruba segreti aziendali attraverso l'uso della tecnologia di condivisione dei sogni viene affidato il compito inverso di impiantare un'idea nella mente di un amministratore delegato. (INIZIO)

Un avvocato veloce non può mentire per 24 ore a causa del desiderio di compleanno di suo figlio dopo che l'avvocato ha rifiutato suo figlio per l'ultima volta. (BUGIARDO BUGIARDO)

'Mascelle'

Quando uno squalo assassino scatena il caos su una comunità sulla spiaggia, tocca a uno sceriffo locale, un biologo marino e un vecchio marinaio dare la caccia alla bestia. (GRANDE)

Il settantottenne Carl Fredricksen si reca a Paradise Falls nella sua casa dotato di palloncini, portando inavvertitamente un giovane clandestino. (SU)

Una bambola da cowboy è profondamente minacciata e gelosa quando una nuova figura di astronauta lo sostituisce come top toy nella stanza di un ragazzo. (STORIA DEL GIOCATTOLO)

Un giovane bidello del MIT ha un talento per la matematica ma ha bisogno dell'aiuto di uno psicologo per trovare una direzione nella sua vita. (CACCIA ALLA BUONA VOLONTÀ)

Due astronauti lavorano insieme per sopravvivere dopo che un incidente li ha lasciati bloccati nello spazio. (GRAVITÀ)

In un mondo post-apocalittico, una famiglia è costretta a vivere in silenzio nascondendosi da mostri dall'udito ultra sensibile. (UN POSTO TRANQUILLO)

Un bambino problematico trova il coraggio di aiutare un simpatico alieno a fuggire dalla Terra e tornare nel suo mondo natale. (ET)

QUANDO DOVREBBE ESSERE SCRITTA UNA LOGLINE?

Alcuni sceneggiatori commettono l'errore di aspettare fino a dopo aver scritto la sceneggiatura per creare una trama avvincente. Sebbene tu possa certamente riscrivere la logline durante la fase di marketing del tentativo di vendere la tua sceneggiatura, la logline è anche un ottimo strumento per il processo di scrittura. La maggior parte degli sceneggiatori professionisti ha il compito di scriverli prima ancora che inizi il processo di sceneggiatura.

Quando scrivi un'ottima logline  prima di iniziare a scrivere, puoi usarla come bussola per assicurarti di scrivere attorno a ciò che fornisce la logline: il concetto centrale della tua storia.

PASSAGGIO N. 4: SVILUPPA I TUOI PERSONAGGI

Hai avuto la grande idea . Sai in che genere rientra. Hai articolato quella grande idea in una trama avvincente e coinvolgente che comunica quel genere e incapsula il concetto centrale della sceneggiatura. Ora è il momento di iniziare ad approfondire i personaggi che popoleranno il mondo che hai lentamente creato attraverso questo processo di sviluppo.

5 TIPI DI CARATTERI CHIAVE

Ci sono generalmente cinque tipi di personaggi nelle sceneggiature:

1. Protagonisti
2. Antagonisti
3. Cattivi
4. Personaggi secondari
5. Caratteri azionari

PROTAGONISTI

I protagonisti sono i protagonisti delle tue sceneggiature. Pensa a Indiana Jones, Katniss Everdeen, Harry Potter, James Bond.

Alcune sceneggiature avranno un unico protagonista, mentre altre ne avranno molteplici. Questi sono i personaggi che hanno un ruolo centrale nella progressione della storia e della trama.

• Sono loro che reagiscono al conflitto presentato dal concetto.
• Sono quelli centrali della storia e della trama.
• Sono quelli che hanno un arco completo del personaggio come risultato delle loro azioni e reazioni ai conflitti della storia.

"Indiana Jones e i predatori dell'arca perduta"

ANTAGONISTI E CATTIVI

Alcuni credono che i termini antagonista e cattivo siano intercambiabili quando in realtà sono abbastanza diversi.

• I cattivi sono definiti come personaggi "cattivi" intenti a danneggiare gli altri.
• Gli antagonisti sono definiti come personaggi che lavorano in opposizione al protagonista (l'eroe).

Qual è la differenza tra un cattivo e un antagonista?

I cattivi non sono sempre gli antagonisti - spesso, ma non sempre - e gli antagonisti non sono sempre i cattivi. Caso in questione, Tristezza da Inside Out. Sebbene sia chiaramente l'antagonista per definizione - è in opposizione all'obiettivo di Joy di mantenere Riley felice - non è il cattivo perché non ci sono cattive intenzioni.

C'è qualche zona grigia per essere sicuri. I cattivi e gli antagonisti (e persino i protagonisti in una certa misura) non vivono in un mondo in bianco e nero nel regno della narrazione cinematografica e letteraria, una lezione da cui la maggior parte degli scrittori può imparare. Le migliori storie spesso confondono i confini tra antagonista, cattivo e protagonista. È qui che entra in gioco il grande sviluppo del personaggio.

In Ferris Bueller's Day Off , il preside Rooney chiaramente non è malvagio. Tuttavia, se lo guardi dal contesto del film, vale a dire dal punto di vista di adolescenti come Ferris, Sloane e Cameron, Rooney è "cattivo" in quanto rappresenta l'autorità che si oppone alla loro volontà di divertirsi e godersi la vita e la scuola. al massimo.

Nel caso di Tristezza in Inside Out, Joy alla fine si rende conto che Tristezza non è solo parte integrante dell'umanità di Riley, ma è anche un elemento chiave per garantire che sia in grado di affrontare la perdita per provare gioia ancora una volta.

Quindi la parola "male" deve essere considerata in un contesto particolare, vale a dire attraverso gli occhi del protagonista. In effetti, uno dei più grandi cattivi della storia del cinema è Man. L'uomo è la personificazione del male in  Bambi della Disney . Ora, sappiamo tutti che l'Uomo (almeno in generale) non è malvagio. Tuttavia, agli occhi di Bambi, Man ha ucciso colui che Bambi ama senza una buona ragione. Quindi è tutto nel contesto.

C'è qualche zona grigia per essere sicuri. I cattivi e gli antagonisti (e persino i protagonisti in una certa misura) non vivono in un mondo in bianco e nero nel regno della narrazione cinematografica e letteraria, una lezione da cui la maggior parte degli scrittori può imparare. Le migliori storie spesso confondono i confini tra antagonista, cattivo e protagonista. È qui che entra in gioco il grande sviluppo del personaggio.

PERSONAGGI SECONDARI

I personaggi di supporto (o secondari) potrebbero non avere sempre un impatto diretto sul conflitto centrale, sulla storia e sulla trama, ma hanno molteplici scopi nelle sceneggiature.

• Rilievo comico
• Legare insieme diversi personaggi principali
• Collegamento dei punti della trama
• Sostenere i personaggi principali
• Inimicarsi i personaggi principali
• Informare i personaggi principali
• Mettere alla prova i valori, l'etica e la morale dei protagonisti

È bene sapere chi sono i tuoi personaggi secondari e quale scopo hanno nel contesto della storia. E i personaggi secondari con cui circondi il tuo protagonista aprono molte più porte per una maggiore profondità e arco del personaggio.

CARATTERI AZIONARI

I personaggi standard sono personaggi archetipici che si trovano nella maggior parte delle storie cinematografiche. Questi sono i tipi ricorrenti di personaggi che il pubblico riconosce dai film e dalle serie episodiche.

• Figure di autorità (insegnanti, presidi, agenti di polizia, agenti governativi, ecc.)
• Vicinato
• Bambini
• Membri della famiglia
• Amici

Mentre i personaggi di serie possono essere elementi costitutivi utilizzati per creare personaggi secondari, protagonisti, antagonisti e cattivi, sono spesso usati come strumenti di trama per scene singole o storie di ambito C più piccolo all'interno delle tue sceneggiature.

METODI PER SVILUPPARE I TUOI PERSONAGGI

La profondità del personaggio può presentarsi in molte forme diverse.

• Puoi mostrare visivamente la profondità del personaggio attraverso le sue azioni e reazioni.
• Puoi sviluppare retroscena che spieghino quelle azioni e reazioni.
• Puoi assegnare tratti, stranezze e descrizioni fisiche che definiscono le loro caratterizzazioni.

Non esiste un'unica regola, processo o linea guida da seguire. La cosa migliore che puoi fare è trovare ciò che funziona meglio per te e assicurarti che tutto ciò che assegni al personaggio sia presente all'interno della sceneggiatura e si riferisca alla storia e alla trama presentate all'interno della sceneggiatura.

DEVI SVILUPPARE TUTTI I PERSONAGGI?

Ricorda che non è necessario farlo per ogni singolo carattere all'interno della tua sceneggiatura. Non c'è abbastanza tempo nel tuo film per offrire molto sviluppo del personaggio per i personaggi standard. Ai personaggi di supporto può essere data un po' più di profondità, ma anche con loro, qualsiasi cosa troppo approfondita è troppo e toglie dove la profondità del personaggio è davvero necessaria.

La profondità del personaggio protagonista è dove dovresti concentrarti perché devono avere vari archi interni ed esterni presenti in tutta la storia dall'inizio alla fine.

• Trova modi creativi per evocare nomi di personaggi perfetti!
• Rispondi alle domande sui personaggi e all'elenco definitivo delle domande sullo sviluppo della storia per sviluppare ulteriormente i tuoi personaggi.

Questi semplici passaggi possono aiutarti a sviluppare grandi personaggi che si adattino alla tua fantastica idea cinematografica.

MIDWAY BREAK: TITOLO DELLA SCENEGGIATURA, RICERCA E VISUALIZZAZIONE DELLA STORIA

Prima di entrare nel passaggio n. 5 e oltre, devi dedicare del tempo a svolgere il lavoro di front-end necessario per tutte le sceneggiature.

• Ricerca
• Trova il titolo del tuo copione
• Visualizzazione della storia

È molto allettante entrare nel processo di sceneggiatura dopo aver realizzato questo concetto iniziale e lo sviluppo del personaggio, ma c'è del lavoro critico da fare prima di passare ai passaggi 5-10.

RICERCA

La ricerca è un fattore critico nello sviluppo di una storia cinematografica avvincente, sia che si tratti di studiare il mondo in cui abiterà il tuo personaggio immaginario o di imparare tutto ciò che puoi sugli elementi della vita reale della tua sceneggiatura.

E la ricerca va oltre la storia, il mondo e i fatti.

Quando hai un'idea per una sceneggiatura, una cosa che dovresti fare è ricercare quell'idea per assicurarti che non ci sia nient'altro là fuori di simile.

Viviamo in un mondo collettivo in cui siamo tutti ispirati, incuriositi e informati dalle stesse cose. Ci saranno sicuramente molti cross-over. Per gli sceneggiatori, non c'è niente di peggio che leggere un'intera sceneggiatura e scoprire che Hollywood ha già dato il via libera o prodotto uno, se non più, film o serie TV con lo stesso concetto che hai appena finito di scrivere per mesi. È straziante.

Una volta che hai quell'idea in testa, salta su Google e inizia a vedere se altri progetti simili sono stati realizzati o sono in lavorazione. E se qualcosa è simile, forse puoi trovare un modo per rendere il tuo diverso, se non migliore.

TITOLO DELLA SCENEGGIATURA

Ora è il momento di dare un'identità al tuo progetto. Una nuova sceneggiatura è come il tuo bambino. Devi nutrirlo, nutrirlo e lasciarlo crescere. E quel processo inizia nominandolo.

Alcuni diranno che il titolo della sceneggiatura non ha importanza perché probabilmente verrà comunque modificato in futuro. C'è  del  vero in questo. Se la tua sceneggiatura finisce nelle mani del settore, il titolo potrebbe (e probabilmente lo farà) subire un numero qualsiasi di variazioni basate sul marketing e sull'input creativo di molte persone.

Tuttavia, il titolo è un'arma nel tuo arsenale letterario e cinematografico che usi per attirare l'attenzione sul tuo lavoro. Un grande titolo può sollevare il sopracciglio di quel dirigente del settore.

Oltre a ciò, è emozionante trovare quel titolo fantastico.

• Offre energia ed eccitazione istantanee mentre entri nel processo di scrittura.
• Dà un'identità istantanea a ciò che stai cercando di fare con la tua storia cinematografica.
• Alimenta il tuo investimento nel progetto.

Prenditi il ​​tempo per trovare il titolo perfetto per la tua sceneggiatura prima di addentrarti nel vivo della storia e della trama. Scoprirai spesso che un grande titolo può guidarti verso la storia e le decisioni sulla trama che prendi nei passaggi 5-10.

VISUALIZZAZIONE DELLA STORIA

La visualizzazione è una parte cruciale del processo. Come puoi comunicare e descrivere un'immagine attraverso la prosa senza prima vederla con gli occhi della tua mente creativa?

Scrivere non è sempre digitare. La visualizzazione è parte del tuo processo di scrittura tanto quanto la digitazione, se non di più.

• Visualizza  il film.
• Sogno ad occhi aperti.
• Guarda film e programmi TV simili per tono, genere e atmosfera.
• Nutri il tuo cervello.
• Fai crescere quel seme di un concetto.

Puoi visualizzare il tuo film mentre guardi fuori dalla finestra, dai da mangiare al bambino, prepari il pranzo per i tuoi studenti delle medie o aspetti che il rapporto di lavoro venga stampato.

Quel lungo viaggio di lavoro può essere il tuo momento magico per inventare la tua storia, i personaggi e la narrativa. Quando ti alleni, fai una passeggiata o corri, o fai un giro in bicicletta, puoi scrivere nella tua testa, creare mondi e personaggi che abitano quei mondi.

• Visualizzare è scrivere.
• Prova a vedere più del 75% del tuo script nella tua testa prima di digitare qualsiasi cosa.
• Per lo meno, guarda le grandi linee del tuo film sotto  forma di trailer del film.

Scoprirai che questo lavoro di front-end sarà inestimabile quando si tratta della preparazione necessaria per il processo di sceneggiatura per scrivere la tua sceneggiatura.

FINE PARTE TERZA. Link alla SECONDA parte  Link alla QUARTA parte

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

PASSAGGIO N. 1: OTTIENI IL SOFTWARE PER LA SCENEGGIATURA

Il software di sceneggiatura è essenziale per gli sceneggiatori. Il software è uno strumento necessario che aiuta lo sceneggiatore a scrivere sotto inevitabili vincoli di formato e aiuta a facilitare in seguito il processo di collaborazione tra sceneggiatori, registi, produttori, dirigenti dello sviluppo, attori e troupe cinematografiche. A causa dell'importanza di tale collaborazione - e della facilità con cui ti viene offerta - è altamente raccomandato che il primo passo del tuo processo di scrittura sia l'acquisizione e l'utilizzo del software di sceneggiatura.

QUALE SOFTWARE DI SCENEGGIATURA È IL MIGLIORE?

Vengono presentate molte opzioni quando si tratta di quale pacchetto software di sceneggiatura scegliere , ognuna con diverse variazioni di costo, strumenti e funzionalità.

Esistono opzioni gratuite o a basso costo che offrono gli strumenti del formato di base e opzioni più costose che rappresentano lo standard del settore e hanno funzionalità di sviluppo e collaborazione aggiuntive.

• La bozza finale è lo standard del settore. È molto più costoso delle opzioni gratuite, ma puoi ottenerlo a partire da $ 199 . Saranno i migliori soldi spesi per il tuo processo di sceneggiatura.
• Celtx è l'opzione a basso costo più popolare, ma gli sceneggiatori dovrebbero sapere che quando si arriva al livello in cui si scrive con contratti di incarico retribuiti, la maggior parte degli studi, delle società di produzione e delle reti preferiscono i file Final Draft quando si tratta di rapporti, tipi di file e funzionalità collaborative che richiedono.

HAI BISOGNO DI UN SOFTWARE PER LA SCENEGGIATURA?

Risposta breve, no. Puoi assolutamente utilizzare qualsiasi vecchio elaboratore di testi per scrivere uno script, ma ciò significa che sarai responsabile del mantenimento di tutti gli standard di formattazione. Ogni margine, ogni rientro, ogni testo in corsivo: sta a te assicurarti che sia tutto corretto. E ci sono molti errori di formattazione degli script che i nuovi scrittori fanno in modo coerente anche  con  il software!

Questo è principalmente ciò che rende il software di sceneggiatura così attraente e necessario per così tanti scrittori: si occupa di tutta la formattazione in modo che tu possa concentrarti sulla parte migliore del processo: la narrazione.

"Il formato della sceneggiatura è davvero così importante?"

SÌ. E ci sono ragioni specifiche per cui.

FORMATO SCENEGGIATURA

Le sceneggiature non sono come racconti, novelle o romanzi. Hanno un formato specifico a cui gli sceneggiatori devono aderire perché film e televisione sono mezzi collaborativi.

Inoltre, le sceneggiature sono progetti sia uditivi che visivi per eventuali lungometraggi cinematografici ed episodi televisivi episodici, quindi esiste il formato per creare una storia cinematografica facile da visualizzare e da adattare, piena di luoghi, dialoghi e azioni che registi, attori , e le troupe cinematografiche possono portare in vita dalla sceneggiatura allo schermo.

FORMATO SCENA PRINCIPALE

Il formato della scena principale è  il formato di script essenziale che dovresti seguire. Rappresenta il modo migliore per interpretare immagini e dialoghi dalla tua mente creativa alla pagina affinché gli altri possano decifrarli il più facilmente possibile.

Elementi del formato della sceneggiatura

Gli elementi del formato della sceneggiatura di Intestazione della scena, Azione, Nome del personaggio, Parentesi (usati pochi e rari), Dialogo e Transizione (usati con parsimonia) sono tutto ciò di cui hai bisogno per raccontare una storia cinematografica pensata per il grande o piccolo schermo.

Ecco una rapida suddivisione di ciascuno di questi elementi, oltre a una guida visiva su come appaiono sulla pagina:

• Intestazione della scena: nota anche come "linea di lumache", queste intestazioni comunicano l'ambientazione di una scena, incluso se si svolge all'interno o all'esterno, il luogo e l'ora del giorno.
• Azione:  descrive l'azione che può essere vista o ascoltata.
• Nome del personaggio:  indica il personaggio che sta pronunciando il dialogo.
• Tra parentesi: fornisce il contesto o le istruzioni per la consegna del dialogo. (Usali con parsimonia e solo quando necessario.)
• Dialogo:  rappresenta le parole pronunciate dagli attori.
• Transizione:  segna il passaggio da una scena all'altra. (Usali con parsimonia e solo quando necessario.)

Ci sono sottili variazioni nel formato - i musical, ad esempio, sono formattati in modo leggermente diverso  - ma gli elementi della scena principale sono le linee guida di formattazione più universali da seguire per tutte le piattaforme cinematografiche.

Margini della sceneggiatura

Ciascuna impostazione dei margini per questi elementi della scena principale include:

Se ci sono "regole" di formato che non possono essere piegate, sono rappresentate da queste impostazioni dei margini, che aiutano a formulare la dimensione e l'estetica della pagina dello script di base e universali.

Quando acquisti e utilizzi un software di sceneggiatura, eviti di doverti preoccupare delle impostazioni dei margini. Puoi consegnare ciò di cui hai bisogno in quel formato in primo piano premendo uno o due pulsanti mentre scrivi .

Poiché il formato della sceneggiatura è molto più tecnico rispetto alla scrittura di racconti, novelle e romanzi, alcuni sceneggiatori principianti guardano al formato con ansia. Non deve essere così. Se segui gli elementi di base della sceneggiatura e utilizzi un software di sceneggiatura per assicurarti di aderire alle rigorose impostazioni dei margini per ciascuno, puoi concentrarti maggiormente sul raccontare grandi storie con personaggi forti e avvincenti.

PASSAGGIO N. 2: TROVA UNA FANTASTICA IDEA PER LA STORIA

Ok, hai il tuo software di sceneggiatura e sei pronto per iniziare a scrivere, solo... non hai un'idea per la storia.

O forse lo  fai, ma non sei sicuro che sia all'altezza. È molto facile partire con la prima idea che ti viene in mente. Ma questo è spesso il primo errore commesso dalla maggior parte degli sceneggiatori principianti e non affermati.

Ad ogni modo, esaminiamo alcuni concetti e strumenti che ti renderanno più facile trovare una grande idea per la storia.

TROVA UN GRANDE CONCETTO

 Come disse una volta il grande Cavaliere delle Crociate in Indiana Jones e l'ultima crociata :

"Devi scegliere. Ma scegli saggiamente."

La frase più comune che sentirai negli uffici di sviluppo di Hollywood è che il concetto è tutto . Sì, tutti vogliono anche grandi personaggi, drammi avvincenti, posta in gioco alta, colpi di scena e storie avvincenti. Ma alla fine, è il concetto che vende il progetto.

CHE COS'È UN CONCETTO DI STORIA?

Il concetto  è  tutto.

• È la logline (vedi sotto) che ti porta alla porta.
• È il concetto centrale che vende il progetto ai distributori.
• È la grande idea che viene venduta al pubblico.

È la grande idea della storia.

Quella grande idea ha bisogno di essere consegnata in modo sorprendente da una grande sceneggiatura piena di personaggi coinvolgenti ed empatici. Devi mantenere la promessa della tua grande idea di storia scrivendo una sceneggiatura eccezionale che esplori il personaggio e le dinamiche della storia di quel concetto. Ma, non commettere errori, devi scegliere molto saggiamente i concetti della tua sceneggiatura.

HAI BISOGNO DI AVERE UN GRANDE CONCETTO?

Gli sceneggiatori devono capire che, certo, esiste  un mercato per pezzi di personaggi più piccoli e stravaganti commedie e drammi guidati dai personaggi. Tuttavia, quelli sono più popolari nel mercato del cinema indipendente attraverso film d'autore e film indipendenti che vengono scoperti attraverso il circuito dei festival cinematografici.

Quando scrivi su specifiche nella speranza di vendere la tua sceneggiatura a Hollywood, devi fare del tuo meglio per trovare concetti che si distinguano dagli altri. Il mercato delle specifiche è altamente competitivo. I normali drammi ordinari e i personaggi stravaganti non rappresentano investimenti redditizi per studi, società di produzione e distributori. Hanno bisogno e vogliono concetti che attirino il pubblico a teatro o che facciano clic mentre cercano qualcosa da guardare sulle loro piattaforme di streaming.

Quali sono alcuni modi per trovare quelle grandi idee?

COME TROVARE UN GRANDE CONCETTO

Anche se non c'è un solo segreto per trovare un grande concetto che attirerà studi e produttori, ci sono molti modi creativi per esplorare potenziali idee e vedere se sono abbastanza convincenti da comprendere un'intera sceneggiatura.

SUGGERIMENTI PER LA STORIA

A volte leggere e scrivere semplici suggerimenti per la storia è il modo più semplice per far fluire quei succhi creativi.

Puoi esplorare scenari "What If..." , ibridi di storie "This Meets That" o suggerimenti basati su storie vere che renderebbero sceneggiature avvincenti.

GUARDARE FILM

E che tu ci creda o no, puoi anche rivolgerti a quello che potrebbe essere il tuo passatempo preferito come narratore cinematografico e amante del cinema - guardare film - per far fluire la tua mente creativa. È abbastanza comune guardare alcuni dei tuoi film preferiti, o quelli nuovi che ti coinvolgono, e scoprire che la tua mente vaga verso elementi all'interno di quei film che non sono stati completamente esplorati. O forse la tua immaginazione inizia a chiedersi come una certa storia o personaggio avrebbe potuto essere gestito diversamente.

Per esempio:

• E se la storia de IL SESTO SENSO non si concentrasse sulle persone che possono vedere i fantasmi, ma piuttosto sui fantasmi stessi mentre cercano di raggiungere le persone per risolvere il mistero della loro morte?
• E se GOOD WILL HUNTING fosse un thriller in cui il governo ha costretto un personaggio come Will a usare i suoi talenti per decifrare codici segreti?
• E se gli alieni in qualsiasi film sui rapimenti alieni fossero in realtà umani del futuro che cercano di trovare una cura per una pandemia che sta uccidendo la razza umana?

SCEGLI IL TUO GENERE CON SAGGEZZA

Ma a volte non basta avere una grande idea. Scrivere quell'idea all'interno di un genere specifico è anche un grande decisore per l'impatto che la tua idea ha su Hollywood quando inizi a commercializzare la tua eventuale sceneggiatura a studi, società di produzione e distributori.

"Beh, il concetto del film non determinerà quale sia il genere?"

Non sempre.

Caso di studio: Armageddon vs. Deep Impact vs.  Don't Look Up

Un asteroide sta per colpire la terra e una squadra viene inviata nello spazio per fermarlo prima che uccida l'umanità così come la conosciamo. 

È un'ottima idea per un film. È anche quasi un ottimo logline. Ma non determina necessariamente il genere e il sottogenere. Nel 1998, due film hanno debuttato con la stessa premessa: Armageddon e Deep Impact . Ma entrambi erano film molto diversi scritti sotto generi e sottogeneri molto diversi.

• Armageddon  era una commedia d'azione mescolata con un'avventura di fantascienza.
• Deep Impact era un dramma mescolato con la fantascienza.

Hanno gestito la stessa premessa in molti modi diversi.

• Armageddon si è concentrato su grandi risate, romanticismo travolgente, azione ad alto numero di ottani e avventure spaziali guidate da effetti speciali. Sì, ha sicuramente avuto momenti drammatici, ma l'azione, i brividi e le sequenze di effetti speciali li hanno messi in ombra.
• Deep Impact si è concentrato sul dramma della perdita dei propri cari in mezzo al pensiero genuino e spaventoso che il nostro mondo potrebbe finire a causa di circostanze fuori dal nostro controllo. Sì, ha avuto momenti di trailer di grandi inondazioni dello tsunami che hanno ucciso milioni di persone, ma l'attenzione era sul dramma.

Una versione più contemporanea dell'idea di persone che lottano per sopravvivere durante un imminente ed eventuale impatto con un asteroide sarebbe il candidato al miglior film Don't Look Up , una commedia nera di satira politica apocalittica.

Gioca con il genere

Collocare la tua grande idea di storia in generi diversi - e i vari elementi di storia, personaggio e ambientazione che di solito si trovano in quei diversi generi - è un modo magistrale per trovare qualcosa di familiare e unico, due elementi che gli addetti ai lavori (e il pubblico) di Hollywood amano quando scelgono su quali sceneggiature andare avanti.

Qual è il vantaggio quando si tratta di trovare grandi idee per la storia?

• Scegliere saggiamente.
• Sii creativo quando esplori le opzioni.
• Divertiti con esso.
• Crea elenchi di potenziali idee tra cui scegliere.
• E inietta quelle idee in diverse possibilità di genere.

FINE PARTE SECONDA. Link alla PRIMA parte  Link alla TERZA parte 

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

Senza dubbio, la domanda più grande per chi muove i primi passi per diventare uno sceneggiatore professionista è come scrivere una sceneggiatura.

Scrivere una sceneggiatura può essere un processo arduo per gli sceneggiatori principianti. Tuttavia, quando impari i passaggi di base che devono essere seguiti durante lo sviluppo, la scrittura e la riscrittura di una sceneggiatura, le cose possono diventare un po' più facili per te.

Sebbene non esista un unico modo infallibile per scrivere una sceneggiatura, avere un processo strutturato su cui lavorare aiuta a semplificare l'impresa, permettendoti di concentrarti sull'evocazione dei migliori concetti, personaggi e storie per le tue sceneggiature.

Con questo in mente, qui presentiamo una guida semplice, diretta, facile da seguire ma dettagliata su come scrivere una sceneggiatura in dieci passaggi strutturati. Assicurati di esplorare i collegamenti di accompagnamento trovati all'interno di ogni passaggio per ulteriori elaborazioni, informazioni, strumenti e conoscenze professionali che ti aiuteranno a superare questo processo.

TERMINI DI SCENEGGIATURA CHE DEVI CONOSCERE

Prima di addentrarci nel primo passaggio, esaminiamo un termine importante che devi conoscere: spec script.

COS'È UNO SCRIPT DELLE SPECIFICHE?

Una sceneggiatura specifica è una sceneggiatura scritta ipotizzando che verrà acquisita da uno studio, una rete o una società di produzione ai fini della produzione e della distribuzione. Insomma, non sei stato pagato per scriverlo. Stai scrivendo la sceneggiatura di tua iniziativa con la speranza di venderla all'industria cinematografica e televisiva per la produzione.

QUALI SONO I VANTAGGI DI SCRIVERE UNO SCRIPT SPECIFICO?

I vantaggi della scrittura su specifica includono quanto segue:

• Nessuno che ti guardi alle spalle.
• Scrivi quello che vuoi quando vuoi.
• Scrivi la sceneggiatura come la immagini, mentre si spera che segui le linee guida e le aspettative generali del settore per aumentare le tue possibilità di venderla.

Come sceneggiatore principiante o non affermato, scrivere su specifica ti consente di affinare le tue capacità e lavorare sul tuo mestiere attraverso il processo di sviluppo, scrittura e riscrittura, senza ostacoli da scadenze contrattuali e pressioni da parte dei dirigenti.

QUALI SONO GLI SVANTAGGI DI SCRIVERE UNO SCRIPT SPECIFICO?

Ma c'è un problema in questa libertà: non vieni ancora pagato. Stai lavorando con la speranza che ciò che scrivi sarà accolto abbastanza bene da consentire ai poteri costituiti di investire tempo e denaro preziosi nel confezionamento, nella vendita, nella produzione e nella distribuzione della tua storia cinematografica.

LA DIFFERENZA TRA SCRIVERE SU SPECIFICHE E SCRIVERE SU INCARICO

Scrivere "su specifica" e scrivere "su incarico" sono diversi. Esaminiamo alcuni modi in cui differiscono.

SCRIVERE SU SPECIFICA

Le sceneggiature specifiche sono in realtà il modo meno redditizio per guadagnarsi da vivere come sceneggiatore. La maggior parte dei contratti di sceneggiatura nell'industria cinematografica e televisiva sono incarichi di scrittura retribuiti, in cui uno sceneggiatore viene assunto per scrivere da un concetto proposto, una riscrittura di una sceneggiatura di loro proprietà, materiale di partenza o proprietà intellettuale esistente di proprietà della società di assunzione.

Quando uno sceneggiatore viene preso in considerazione per un incarico di sceneggiatura, i suoi script specifici vengono effettivamente utilizzati come campioni di scrittura per aiutare gli studi, le società di produzione e le reti a determinare se lo sceneggiatore è adatto per l'incarico.

SCRIVERE SU INCARICO

Quando scrivi su incarico, il processo è un po' più strutturato per varianti di contratto e mandati.

• Probabilmente dovrai scrivere materiali di sviluppo come sinossi, trattamenti e schemi come parte del processo di collaborazione con i poteri costituiti.
• Hai dirigenti dello sviluppo, produttori e registi che rivedono le tue bozze e ti forniscono note che dovrai applicare.
• Hai scadenze rigorose che devono essere rispettate.

Ma con gli incarichi di scrittura, vieni pagato per scrivere, che dovrebbe essere  l' obiettivo per chiunque voglia diventare uno sceneggiatore professionista.

Le sceneggiature specifiche possono essere progetti di passione per gli sceneggiatori. Gli incarichi di scrittura pagano le bollette.

Quindi mentre scrivi sulle specifiche, no, non sei vincolato da scadenze ravvicinate e vincoli di tempo. Tuttavia, ti aiuterà ad allenarti a scrivere come un professionista rispettando le scadenze e le linee guida generali del settore in modo da essere pronto per il successo quando arriverà.

Questa guida in 10 passaggi ti aiuterà a costruire il processo strutturato di cui hai bisogno per prepararti al successo. Come accennato in precedenza, non esiste un unico modo per scrivere una sceneggiatura. Ogni sceneggiatore avrà i propri desideri, bisogni, punti di forza, punti deboli e preferenze quando si tratta di come e perché scrivere le proprie sceneggiature. Usa questi passaggi collaudati come base per il tuo processo di scrittura e ti promettiamo che sarai qualche passo più vicino al tuo obiettivo di vendere la tua sceneggiatura - o essere pagato per scrivere su incarico - e vedere le tue parole prendere vita sullo schermo .

Fine Prima parte. Link alla SECONDA parte

di Ken Miyamoto  per screencraft.org

Il primo passo è essere consapevoli dell'esposizione: cos'è e perché ne hai bisogno. La metà delle volte non ne hai bisogno. Se non è parziale rispetto alla storia, alla trama e agli archi dei personaggi, abbandonalo. Ma quando ne hai bisogno, scrivilo bene.

Quando ti rendi conto che una determinata scena ha bisogno di quell'elemento in più, sfida te stesso a realizzare ciò che deve essere realizzato raggiungendo quell'obiettivo con solo una o due frasi. Si tratta di trovare quel diamante grezzo che incapsula il momento al centro.

Benvenuto nella nostra serie in corso sulle tattiche di sceneggiatura, in cui esploreremo tecniche, tattiche e strategie comprovate professionalmente per scrivere dialoghi che possono aiutare gli sceneggiatori a raggiungere i loro obiettivi di sceneggiatura.

La quantità delle cosiddette regole di sceneggiatura là fuori è al di là dell'epidemia. Queste false regole sono diventate un virus che si diffonde sui social media infettando gli ignari, che poi lo diffondono ad altri. Dalla struttura in tre atti come una formula rigida piuttosto che una "forma" malleabile che dà forma all'esperienza della storia, ai flashback come una sorta di bestemmia della sceneggiatura.