La scrittura, in generale, è soggettiva. Una persona potrebbe amare un personaggio e la storia, ma odiare la trama; potrebbe amare la trama, ma odiare i personaggi, bla bla bla. I dialoghi, però, sono quell'area in cui sia gli spettatori occasionali che i cinefili sanno cosa è buono, cosa è cattivo e... cosa è bello.
Tenendo presente questo, ecco alcuni modi per portare il tuo dialogo a un livello superiore. Ci vorranno pratica e finezza, ma tieni a mente questi strumenti e trucchi.
Evitate le esposizioni ridondanti: un peccato capitale nella scrittura di dialoghi è far sì che i personaggi spieghino solo informazioni di contesto o di contesto. Sproloquiare a lungo sull'esposizione diventa arido e poco interessante. Il modo migliore per stabilire il contesto e la storia di fondo è attraverso la commedia o il conflitto. In altre parole: mostrate, non raccontate. Esponete il contesto in una battuta o uno scherzo sarcastico, o attraverso una discussione, come in questo scambio di battute nella sceneggiatura di Alan Ball per " American Beauty ".
Siate mirati e concisi: i dialoghi migliori sono generalmente brevi e concisi. Dato che lo spazio a disposizione in una sceneggiatura è limitato, date un senso a ogni parola. Gli scrittori dilettanti che temono gli spazi vuoti spesso lasciano che i personaggi parlino senza dire nulla. E sì, un monologo può essere divertente, soprattutto per i cattivi , ma dovrebbe essere un contorno, non l'ingrediente principale. Osservate la tensione in questo scarno scambio di battute nella sceneggiatura di " Hell or High Water " di Taylor Sheridan.
Ricorda il ritmo: i dialoghi dovrebbero essere quasi come una danza. Questo, ovviamente, va di pari passo con la concisione dei dialoghi, ma si riferisce anche al botta e risposta tra i personaggi. Non deve essere tutto veloce e scattante alla Aaron Sorkin, ma dovrebbe esserci un ritmo. Quel ritmo può e deve cambiare – salire e scendere, dare e avere, ricevere e restituire – a seconda della scena. Le persone non si limitano a parlare tra loro; rispondono. Studia l'uso della ripetizione, dell'interruzione e del botta e risposta nella sceneggiatura di " Glengarry Glen Ross " di David Mamet.
Sottotesto, sottotesto, sottotesto: una volta superati i vuoti di esposizione, è il momento di capire che i personaggi dovrebbero raramente esprimere ad alta voce i propri sentimenti. Le scene hanno bisogno di conflitto, e il sottotesto è un ottimo modo per generarlo. Pensate a un personaggio che non riesce a confessare sentimenti a lungo covati, o a qualcuno che mente sulla propria identità. Dirà una cosa ma ne intenderà un'altra. Il non detto diventa espresso.
Gli sceneggiatori di "Mad Men" erano maestri del sottotesto. Uno degli esempi migliori si trova nel finale della prima stagione, scritto dal creatore Matthew Weiner e Robin Veith: durante la presentazione di Don Draper per il proiettore di diapositive della Kodak, il Carousel, l'autore vende splendidamente la nostalgia condividendo foto di famiglia felici – "il dolore di una vecchia ferita", dice – il che è completamente in contrasto con ciò che il pubblico sa della sua vita reale.
Mantieni un tono naturale: considera come tu, la tua famiglia, i tuoi amici e i tuoi colleghi parlate nella vita reale. Quando hai finito una scena, leggila ad alta voce. Suona bene? Se hai difficoltà con dialoghi forzati o imbarazzanti che non suonano veritieri, allena l'orecchio. Vai in un bar o in una tavola calda, chiudi gli occhi e ascolta. Ho avuto la grande fortuna di seguire un corso con lo sceneggiatore Mardik Martin quando ero alla USC. Mi ha raccontato che quando lui e Martin Scorsese stavano scrivendo "Mean Streets - Mean Streets" del 1973, si sedevano in un bar e assorbivano i suoni di Little Italy.
Usa voci distinte: se nascondessi i nomi nella tua sceneggiatura, riconosceresti tutti i personaggi solo dal modo in cui parlano? Ogni personaggio dovrebbe avere una voce ben definita. Questo non significa solo avere un accento o parlare fluentemente un'altra lingua (a meno che non sia fedele al personaggio). Piuttosto, considera il background e le convinzioni: un operaio siderurgico della Pennsylvania ha un tono diverso da un finanziere di New York.
La serie FX di Graham Yost "Justified" fornisce un esempio di due personaggi principali cresciuti insieme nel Kentucky orientale, ma con toni molto diversi: Raylan Givens (Timothy Olyphant) è più diretto, mentre Boyd Crowder (Walton Goggins) è più prolisso.
Evitate i riempitivi: sì, molte persone usano "um", "uh" o "tipo" nel mondo reale; ma in un film o in una serie TV, affidarsi eccessivamente a questo tipo di parole risulta goffo o noioso e, peggio ancora, come dare troppa direzione all'attore sulla pagina. (Se il dialogo è ben scritto, un attore saprà quando aggiungere una pausa o balbettare.) L'unico motivo per includere riempitivi è quando hanno un significato specifico e necessario. Ad esempio, usate un "um" per indicare che un personaggio sta inventando una bugia sul momento, o aggiungete un "tipo" per ambientare una ragazza della Valley negli anni '90.
Punto di vista: in fin dei conti, ciò che diciamo o non diciamo definisce chi siamo. Tutti i tuoi personaggi dovrebbero avere un punto di vista unico sul mondo e i loro dialoghi dovrebbero rifletterlo. Se tutti sono sempre d'accordo tra loro, non c'è storia. La creazione di un punto di vista dovrebbe, ovviamente, iniziare durante la fase iniziale di sviluppo del personaggio, ma dovrebbe anche informare ogni parola che esce dalla bocca di qualcuno. Contribuirà a rendere i tuoi personaggi più interessanti e a generare conflitti.
Articolo da backstage.com
