Il nome di Sally Menke potrebbe non essere il primo che viene in mente quando si pensa ai film di Quentin Tarantino, ma il suo lavoro dietro le quinte è stato parte integrante del successo di molti dei suoi film più iconici. Dopo aver ottenuto 12 premi e molte altre nomination, Sally Menke si è consolidata come uno dei grandi del montaggio cinematografico. E c’è molto che possiamo imparare dai suoi 32 anni di carriera.
Qui, ci immergiamo in profondità nel suo catalogo e discutiamo di ciò che puoi imparare per migliorare il tuo editing.
Come Sally Menke ha contribuito a definire lo stile Tarantino
Menke e Quentin Tarantino si sono incrociati per la prima volta quando Tarantino stava intervistando i montatori per il suo prossimo film, “Reservoir Dogs” (1992). Secondo Menke, stava cercando un editore "economico", e dopo aver letto la sceneggiatura, pensava che il progetto fosse "sorprendente" e voleva lavorarci. Dopo aver ottenuto il lavoro, lei e Tarantino hanno lavorato a stretto contatto sul montaggio, e Tarantino è rimasto così impressionato dal suo lavoro che ha voluto continuare a lavorare con lei sui suoi successivi progetti. Il duo ha continuato a fare alcuni dei migliori film del cinema, tra cui “Pulp Fiction” (1994), “Kill Bill” (2003-2004) e “Inglourious Basterds” (2009).
Mentre Menke è più conosciuta per il suo lavoro con Tarantino, ha anche lavorato su altri progetti, come “All the Pretty Horses” (2001) e “Peacock” (2010), fino alla sua morte improvvisa nel 2010.
Cosa possiamo imparare da Menke
Ci sono molte lezioni che possiamo imparare dalla carriera di Menke e dalla sua filmografia, quindi abbiamo compilato alcuni dei principi chiave che ha seguito nella sala di montaggio.
Non aver paura del tempo necessario
Menke non aveva paura di lasciare che le scene indugiano. In effetti, il suo uso del long take è diventato una mossa di firma, permettendo alla tensione di costruire naturalmente. Un lungo take può rendere una scena più coinvolgente, trascinando il pubblico più a fondo nel mondo dei personaggi. La chiave è sapere quando usarla: lasciare che la fotocamera rompa per un periodo prolungato può aggiungere livelli a una scena, rendendola più impattante.
Ad esempio, all'inizio di "Reservoir Dogs", Menke si apre con una lunga assunzione di otto uomini che fanno colazione. Mentre la telecamera gira intorno al tavolo, Menke limita i tagli e si concentra sulle interazioni dei personaggi. Ciò consente al pubblico di avere un'idea di chi sono questi personaggi e di come interagiscono con il mondo e con coloro che li circondano.
Inoltre, in "Inglourious Basterds", Menke usa magistralmente le riprese lunghe nell'apertura del film per costruire la tensione in tutta la scena. Nei momenti in cui altri editori potrebbero fare tagli prima mentre gli uomini parlano tra loro, Menke sceglie di rimanere. Si sofferma su ogni loro espressione, che costruisce la tensione al culmine della scena.
Quindi ricorda: la tensione non richiede sempre un editing veloce; a volte, l'assenza di un taglio può essere più potente.
Concentrati sulla costruzione di una scena che può stare da sola
Ogni scena che Menke ha montato da solo come una mini-storia. Ha capito che una scena ben costruita ha un inizio, una metà e una fine, anche se fa parte di una narrazione più ampia. Questo approccio aiuta a mantenere l’interesse del pubblico e garantisce che ogni momento contribuisca in modo significativo alla storia. Gli editori dovrebbero mirare a creare scene che non solo contribuiscano alla narrativa generale, ma siano anche convincenti da sole.
La capacità di Menke di fare esattamente questo è evidente quando si guardano la frequenza con cui le scene dei film che ha modificato vengono guardate online. Tornando all’esempio di “Inglourious Basterds”, la scena di apertura ha attualmente oltre 3,4 milioni di visualizzazioni sulla pagina YouTube di Universal Pictures All-Access. Questo è un numero significativo di visualizzazioni per una clip di sei minuti da un film – e questo non conta nemmeno i caricamenti non ufficiali. Allo stesso modo, la scena della tecnica cardiaca in cinque punti che esplode il palmo in “Kill Bill: Vol. 2” (2004) ha oltre 7,2 milioni di visualizzazioni sul canale YouTube di Movieclips.
Tutto questo per dire: Menke ha creato scene che sono avvincenti da guardare da soli. Questo non è solo ottimo per mantenere il pubblico impegnato mentre guarda il tuo film, ma è anche un approccio di marketing intelligente. Se crei scene che diventano virali online, è più probabile che attiri più occhi sul tuo film.
Va bene imitare
Menke non aveva paura di prendere ispirazione da altri film, e nemmeno tu dovresti. Quando diciamo “miescando”, non intendiamo copiare. Intendiamo capire cosa funziona e applicare queste tecniche nel tuo modo unico. In un’intervista al Guardian del Regno Unito, Menke ha dichiarato: “Il nostro stile è quello di imitare, non omaggiare, ma si tratta di ricontestualizzare il linguaggio cinematografico per renderlo fresco all’interno del nuovo genere. È incredibilmente dettagliato”.
Possiamo vedere Menke imitare lo stile dei film di kung fu e degli spaghetti western nella serie “Kill Bill”. Allo stesso modo, Menke imita la sensazione di riviste pulp violente e provocatorie per "Pulp Fiction".
In definitiva, studiando gli stili di altre opere, puoi trovare nuovi modi per avvicinarti ai tuoi progetti e consegnare alle masse qualcosa che è familiare ma fresco.
Contrasto tra scene d'azione lente e rapide
Uno dei punti di forza di Menke era la sua capacità di usare il contrasto tra scene d'azione lente e rapide. Spesso si giustapponeva scene lente con un'azione rapida per costruire la tensione con urgenza.
Nella scena "Royale w / Cheese" di "Pulp Fiction", Menke inizia con una conversazione rilassata e lenta tra Vincent Vega (John Travolta) e Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) mentre discutono del fast food europeo. Menke utilizza più tempo e tagli minimi, permettendo al dialogo di fluire in modo naturale e stabilendo un'atmosfera calma. Tuttavia, Menke segue questa scena con quella in cui Vincent e Jules affrontano Brett e i suoi associati. Qui, Menke impiega tagli rapidi e rapidi movimenti della telecamera per aumentare l'intensità e l'urgenza del confronto. Con giustapponendo queste scene, Menke costruisce tensioni e non verbalmente comunica i cambiamenti della narrazione nel tono.
Quello che possiamo togliere a questo è che i tagli lenti possono essere utilizzati per costruire tensione e suspense, mentre i tagli veloci possono trasmettere caos e urgenza. Capire come bilanciare queste scene durante il tuo film può rendere le tue scene più impattanti, indipendentemente dal loro ritmo.
Le scene guidate dal dialogo possono essere scene forti
Menke ha dimostrato che le scene guidate dai dialoghi potrebbero essere altrettanto potenti di quelle piene di azione. Aveva un talento per il dialogo, permettendo alle conversazioni di fluire in modo naturale pur mantenendo l'interesse dello spettatore. Il trucco è nel tempismo: sapere quando tagliare a una reazione, quando indugiare su un altoparlante e come mantenere il ritmo della conversazione coinvolgente.
Ancora una volta, nell’apertura di “Inglourious Basterds”, la scena non ha molta azione. La maggior parte di essi sono due uomini che parlano. Tuttavia, si potrebbe sostenere che l'intensità è superiore rispetto ad alcune scene d'azione. Menke raggiunge questo obiettivo attraverso il ritmo e la conoscenza di quando tagliare (e quando non farlo).
Le lezioni apprese
Il lavoro di Sally Menke come montatore ha lasciato un segno indelebile nell'industria cinematografica. La sua capacità di elevare la narrazione attraverso lunghe riprese, la costruzione di scene, il mimetismo e i tagli contrastanti l’hanno resa una figura duratura nella storia del cinema. Dalle sue collaborazioni con Quentin Tarantino agli altri suoi progetti, Menke si è solidificata come maestro del suo mestiere.
Tutti possiamo imparare dal suo lavoro e, nello spirito di Menke, ricontestualizzare le sue tecniche per creare qualcosa di fresco.
dall'Articolo di Sean Berry per www.videomaker.com
