Qual è l'apice della crescita di uno sceneggiatore nel campo della sceneggiatura?
Essere obiettivi nei confronti delle proprie sceneggiature.
All'inizio del tuo viaggio come sceneggiatore, scoprirai che il tuo peggior nemico sei spesso te stesso. Inizi credendo che la tua prima sceneggiatura sia un sicuro successo al botteghino o un facile contendente all'Oscar. Nella maggior parte dei casi, con la maggior parte degli sceneggiatori, nulla potrebbe essere più lontano dalla verità.
Poi, man mano che avanzi nella tua carriera di sceneggiatore, avrai molte difficoltà a assimilare note e feedback da manager, agenti, produttori e dirigenti dello sviluppo. Mentre provi a proteggere l'integrità del tuo lavoro, ti renderai lentamente conto che in quella fase si tratta di uno sforzo collaborativo e che le note e i feedback che ricevi sono spesso, ma non sempre, basati sui desideri e sui bisogni oggettivi della tua rappresentanza, dei produttori e degli altri. gli studi.
Anche se i tuoi sentimenti soggettivi nei confronti delle tue storie e dei tuoi personaggi non scompariranno mai, puoi adottare misure specifiche per imparare a diventare più obiettivo nei confronti del tuo lavoro.
Quando realizzerai questa rivelazione illuminante, vedrai rapidamente che il tuo processo di scrittura e le tue sceneggiature ne trarranno beneficio.
Ecco tre modi in cui puoi imparare a diventare più obiettivo nei confronti della tua sceneggiatura.
1. FAI UNA LUNGA PAUSA TRA UNA BOZZA E L'ALTRA
Le vacanze fisiche aiutano le persone a liberarsi dai loro programmi di lavoro impegnativi e talvolta travolgenti. Ti allontani dallo stress di progetti, scadenze, gestione e vita familiare frenetica rispetto agli orari di lavoro/vita.
Le vacanze mentali possono apportare lo stesso tipo di sollievo che si ottiene prendendo una pausa mentale dalla sceneggiatura dopo aver terminato la prima bozza. Hai appena investito mesi concentrandoti su una sceneggiatura particolare. Ti sei costretto a diventare ossessionato da ogni dettaglio della storia e dei personaggi. E ora sei finalmente arrivato alla fine. Hai digitato FADE OUT, FADE TO BLACK o THE END nell'ultima pagina. Hai premuto SALVA. Hai salvato la bozza in PDF.
C'è una certa soddisfazione in questo processo finale. Provi la gioia del completamento. E ora sei pronto per portare il tuo "bambino" nel mondo. Ma prima di farlo, devi lavorare sulla seconda bozza. Devi colmare tutti i buchi della trama. Devi assicurarti che lo script sia all'altezza.
Prima di tornare al lavoro, è tempo di una vacanza.
Un giorno libero tra un draft e l'altro non è sufficiente. Una settimana libera non è molto meglio. Dopo mesi di ossessione per questi dettagli, devi distogliere la mente dalla storia, dai personaggi, dalla struttura, dal ritmo e da tutto il resto. Se provi a riscrivere la sceneggiatura prima di farlo, entrerai in modalità burn-out e ti sentirai come se ogni elemento che hai scritto fosse il migliore possibile. Non sono. A questo punto, sei troppo vicino alla tua scrittura e la tua mente attuale vedrà ciò che vuole vedere.
Essere obiettivi significa vivere la sceneggiatura come lettore. È necessario disimpegnarsi dai dettagli e dalla risoluzione dei problemi. Devi dimenticare il tuo amore per i ritmi della storia, le caratterizzazioni e le scelte che hai fatto. Non puoi raggiungere questo obiettivo con solo una pausa di un giorno o di una settimana.
La cosa migliore che puoi fare è prenderti da due settimane a un mese libero. E durante questo periodo non puoi pensare alla sceneggiatura. Non puoi preoccuparti della futura commercializzazione dello stesso. Non puoi pensare ai personaggi, alla storia o ad altri elementi. Hai bisogno di quella bella e lunga vacanza in cui ti stacchi dal posto di lavoro che è la tua sceneggiatura.
Quando ci ritorni dopo più di un mese, leggi la sceneggiatura da cima a fondo. Tieni da parte la penna rossa o il mouse del laptop. Non sei al lavoro qui. Tu sei il lettore, il pubblico.
E quando leggerai quella sceneggiatura dopo quella lunga vacanza - come lettore, non come scrittore - rimarrai sorpreso di trovare ogni singola storia, personaggio, struttura e difetto di formato, errore o passo falso che i tuoi occhi soggettivi un mese prima avrebbero notato. non ho mai visto.
Questo è il primo passo per imparare a diventare obiettivi riguardo alla propria sceneggiatura. Ed è importante.
È meglio padroneggiare questo processo il prima possibile perché, anni dopo, quando sei stato assunto per scrivere una sceneggiatura, non avrai il vantaggio di prenderti una pausa di un mese tra le bozze. Dovrai condensarlo a pochi giorni o al massimo una settimana. Quindi impara subito questa prima lezione obiettiva, così sarai pronto a scrivere come professionista in seguito.
2. DIVENTA UN LETTORE DI SCENEGGIATURE
I gruppi di scrittori online e localmente vicino a te possono offrire la necessaria introduzione alla lettura dei copioni mentre leggi i copioni dei tuoi colleghi e fornisci feedback.
Una volta che hai una solida serie di esempi di copertura della sceneggiatura, puoi cercare società di produzione, società di gestione e agenzie e quindi offrire i tuoi servizi come stagista o come lettore di sceneggiatura a contratto.
In che modo diventare un lettore di sceneggiature ti aiuta a essere obiettivo riguardo alla tua sceneggiatura?
È la migliore formazione che uno sceneggiatore possa mai sperimentare perché stai leggendo più sceneggiature sia di sceneggiatori affermati, sia di sceneggiatori alle prime armi, che ti offrono uno sguardo all'intero spettro del mercato delle sceneggiature, dal buono al cattivo e tutto il resto. Hai anche il compito di leggerli con occhio analitico mentre valuti alcuni elementi delle sceneggiature e offri note su quei voti.
Sebbene esista indubbiamente un punto di vista soggettivo durante questo processo, la maggior parte dei lettori di script professionisti sa che le aziende per cui lavorano cercano determinati elementi della sceneggiatura. Ciò costringe il lettore dello script ad adottare un approccio più obiettivo alla lettura.
Dopo aver coperto un buon numero di script, inizi lentamente a sviluppare un occhio attento per cosa funziona e cosa no. Inizi a vedere dove i personaggi brillano o falliscono, dove le storie coinvolgono o deragliano, e dove le sceneggiature sono forti e dove sono deboli.
Che tu lo faccia per soldi, come stagista o tramite servizi di copertura peer-to-peer e gruppi di scrittura, diventare un lettore di sceneggiature e scrivere copertura ti insegna a guardare le sceneggiature da un punto di vista più obiettivo.
Dopo aver preso la pausa necessaria tra le bozze della sceneggiatura, sarai in grado di leggere la tua sceneggiatura ancora di più come lettore e individuare gli aspetti positivi, quelli negativi e tutto il resto.
3. INSERISCI LA TUA SCENEGGIATURA NELLA LISTA DI CONTROLLO DEL LETTORE DI SCRIPT creata da TERRY ROSSIO
Per scrivere sceneggiature che coinvolgano e attraggano lettori e produttori di sceneggiature, devi imparare a pensare come loro. Si spera che tu ci sia riuscito attraverso la lettura della sceneggiatura a qualunque livello tu abbia esplorato (come menzionato sopra), ma una prospettiva obiettiva più dettagliata è offerta attraverso la Lista di controllo dei lettori di script dello sceneggiatore di Hollywood Terry Rossio .
Rossio era anche un lettore di sceneggiature prima di sfondare e scrivere successi come Aladdin, La maschera di Zorro, Shrek e i film Pirati dei Caraibi. Ha creato una checklist specifica per aiutarlo nelle sue valutazioni, basata soprattutto sui criteri, a volte – ma non sempre – arbitrari che società di produzione, agenzie e società di gestione spesso impongono sui progetti che hanno il compito di valutare.
Applicare questo elenco di controllo ad alcuni dei tuoi script ti aiuterà a entrare nella mentalità di un lettore di script, del produttore, del dirigente dello sviluppo, manager ed agente.
LISTA DI CONTROLLO A: CONCEPT E TRAMA
#1. Immagina il trailer. Il concetto è commerciabile?
#2. La premessa è naturalmente intrigante o semplicemente nella media, richiedendo un'esecuzione perfetta?
#3. Chi è il pubblico target? I tuoi genitori andrebbero a vederlo?
#4. La tua storia tratta gli eventi più importanti della vita dei tuoi personaggi?
#5. Se stai scrivendo di una fantasia che diventa realtà, trasformala rapidamente in un incubo che non finirà.
#6. La sceneggiatura crea domande: scoprirà la verità? L'ha fatto? Si innamoreranno? Nella storia è stato incorporato un forte "bisogno di sapere"?
#7. Il concetto è originale?
#8. C'è un obiettivo? C'è ritmo? Costruisce?
#9. Inizia con un pugno e finisci con una raffica.
#10. È divertente, spaventoso o emozionante? Tutti e tre?
#11. Cos'ha la storia che il pubblico non può capire dalla vita reale?
#12. Cosa c'è in gioco? Le situazioni di vita e di morte sono le più drammatiche. Il concetto crea il potenziale per cambiare la vita dei personaggi?
#13. Quali sono gli ostacoli? Esiste una sfida sufficiente per i nostri eroi?
#14. Cosa sta cercando di dire la sceneggiatura e vale la pena provare a dirlo?
#15. La storia trasporta il pubblico?
#16. La sceneggiatura è prevedibile? Dovrebbero esserci sorprese e capovolgimenti all'interno della trama principale, ma anche all'interno delle singole scene.
#17. Una volta stabiliti i parametri della realtà del film, non devono essere violati. Le limitazioni richiedono soluzioni interessanti.
#18. Esiste un finale deciso, inevitabile, preparato e tuttavia inaspettato? (Non è facile da fare!)
#19. È credibile? Realistico?
#20. C’è un’emozione forte – il cuore – al centro della storia? Evita le trame meschine.
LISTA DI CONTROLLO B: ESECUZIONE TECNICA
#21. È formattato correttamente?
#22. Ortografia e punteggiatura corrette. Frammenti di frase ok.
#23. Esiste una struttura riconoscibile in tre atti?
#24. Sono necessarie tutte le scene? Nessuna scena staccata dalla spina dorsale, moriranno sullo schermo.
#25. Le descrizioni delle sceneggiature dovrebbero dirigere l'occhio della mente del lettore, non la telecamera del regista.
#26. Inizia la sceneggiatura il più avanti possibile nella storia.
#27. Inizia una scena il più tardi possibile e finiscila il prima possibile. Una sceneggiatura è come un pezzo di spago che puoi tagliare e legare insieme: il trucco sta nel raccontare l'intera storia usando il minor spago possibile.
#28. In altre parole: utilizzare i tagli.
#29. Visivo, uditivo, verbale: in quest'ordine. L'espressione di qualcuno appena colpito è la migliore; il suono del proiettile che lo colpisce è il secondo migliore; la persona che dice "mi hanno sparato" è solo al terzo ed ultimo posto.
#30. Qual è l'aggancio, l'incidente istigante? Hai dieci pagine (o dieci minuti per un film) per conquistare un pubblico.
#31. Alludere ai punti essenziali due o anche tre volte. Oppure colpisci molto forte il punto chiave. Non essere ottuso.
#32. Ripetizione della localizzazione. Aiuta a stabilire l'atmosfera del film e consente al pubblico di "mettersi a proprio agio". Risparmia denaro durante la produzione.
#33. La ripetizione e gli echi possono essere utilizzati per contrassegnare i caratteri secondari. Tecnica pericolosa da utilizzare con i personaggi principali.
#34. Non tutte le scene devono contenere cinque pagine di dialogo e/o azione. In una buona sceneggiatura ci sono molte scene da due righe. Le sequenze costruiscono il ritmo.
#35. Piccoli dettagli aggiungono realtà. L'argomento è stato studiato a fondo?
#36. Ogni singola riga deve far avanzare la trama, suscitare una risata, rivelare un tratto del personaggio o fare una combinazione di due - o, nel migliore dei casi, tutti e tre - contemporaneamente.
#37. Nessun falso punto della trama; senza fare marcia indietro. È pericoloso ingannare il pubblico; si sentiranno presi in giro se vengono intraprese azioni importanti sulla base di informazioni che non sono state fornite o si rivelano false.
#38. Soluzione silenziosa; racconta la tua storia con le immagini.
#39. Non più di 125 pagine, non meno di 110 per un film... altrimenti la prima impressione sarà quella di una sceneggiatura che "ha bisogno di essere tagliata" o "ha bisogno di essere arricchita".
#40. Non numerare le scene di una sceneggiatura di vendita. MORE e CONTINUA sono facoltativi.
LISTA DI CONTROLLO C: PERSONAGGI
#41. Le parti sono fondibili? Il film ha dei ruoli che le star vorranno interpretare?
#42. Azione e umorismo dovrebbero provenire naturalmente dai personaggi e non essere inseriti solo per il gusto di ridere. La commedia che viola l'integrità dei personaggi o oltrepassa la realtà del mondo del film può suscitare una risata, ma alla fine svelerà il quadro. Non rompere la quarta parete, non importa quanto sia allettante.
#43. Il pubblico vuole vedere personaggi che si preoccupano profondamente di qualcosa, specialmente di altri personaggi.
#44. C'è una scena in cui il conflitto emotivo del personaggio principale raggiunge un punto di crisi?
#45. L'ingresso di un personaggio dovrebbe essere indicativo dei suoi tratti. La prima impressione di un personaggio è molto importante.
#46. I personaggi principali devono essere comprensivi: persone a cui teniamo e per le quali vogliamo fare il tifo.
#47. Quali sono i desideri e i bisogni dei personaggi? Qual è il bisogno drammatico del protagonista? I bisogni dovrebbero essere forti, definiti e chiaramente comunicati al pubblico.
#48. Cosa vuole il pubblico dai personaggi? Va bene essere a favore o contro un particolare personaggio: l'unica emozione inaccettabile è l'indifferenza.
#49. Per quanto riguarda i personaggi e l'azione: una persona è ciò che fa, non necessariamente ciò che dice.
#50. Sui difetti del carattere: i caratteri dovrebbero essere "questo ma anche quello"; complessi. I personaggi con dubbi e difetti sono più credibili e più interessanti. Gli eroi che hanno agito male e i cattivi con motivazioni nobili sono migliori dei personaggi eterosessuali in bianco e nero.
#51. I personaggi possono essere compresi in termini di "qual è la loro più grande paura?" Gittes, a Chinatown, aveva paura di essere preso in giro. In Splash il personaggio di Tom Hanks aveva paura di non potersi mai innamorare. In Body Heat Racine aveva paura di non riuscire mai a realizzare il suo grande risultato.
#52. I tratti caratteriali dovrebbero essere indipendenti dal ruolo del personaggio. Un banchiere che armeggia con il suo orologio d'oro è memorabile, ma cliché; un banchiere che alleva cani è un dettaglio in qualche modo più accettabile.
#53. I conflitti di carattere dovrebbero essere sia interni che esterni. I personaggi dovrebbero lottare con se stessi e con gli altri.
#54. I "punti di vista" dei personaggi devono essere distintivi all'interno di una sceneggiatura individuale. I personaggi non dovrebbero pensare tutti allo stesso modo. Ogni personaggio deve avere un suo punto di vista definito per poter agire e non solo reagire.
#55. Distinguere i personaggi in base ai loro schemi linguistici: scelta delle parole, schemi delle frasi; background rivelato, livello di intelligenza.
#56. Le sequenze di "personaggio superiore" (dove il personaggio agisce sulla base di informazioni che il pubblico non ha) di solito non funzionano per molto tempo: il pubblico si perde. D'altra parte, quando il pubblico è in una posizione “superiore” – il pubblico sa qualcosa che i personaggi non sanno – funziona quasi sempre. (NOTA: questo non significa che il pubblico debba essere in grado di prevedere la trama!)
#57. Fai vivere a ciascun personaggio quante più emozioni possibili: amore, odio, risata, pianto, vendetta.
#58. I personaggi devono cambiare. Qual è l'arco narrativo del personaggio?
#59. La realtà del mondo della sceneggiatura è definita da ciò che il lettore ne sa, e il lettore acquisisce quella conoscenza dai personaggi. Le azioni irrealistiche dei personaggi implicano un mondo irrealistico; i personaggi completamente progettati trasmettono il senso di un mondo realistico.
#60. Il protagonista è coinvolto nella storia in ogni sua parte? Controlla l'esito della storia?
Prenditi una pausa di un mese dalla sceneggiatura tra una bozza e l'altra per prendere le distanze dal tuo lavoro. Leggi gli script e impara a scrivere la copertura per scoprire cosa funziona e cosa no. Quindi impara a guardare la tua sceneggiatura nel modo in cui la guardano gli addetti ai lavori del Cinema.
Essere obiettivi riguardo alla propria sceneggiatura è vitale per diventare uno sceneggiatore di successo.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
