Hai davvero bisogno di seguire le regole del formato della sceneggiatura che hai letto in quasi tutti i libri e gli articoli sulla sceneggiatura?
È probabile che un buon numero di voi abbia cliccato su questo post per convalidare le proprie frustrazioni riguardo al formato e scusare qualsiasi caso in cui vi siete allontanati da esso nelle vostre sceneggiature.
Non stiamo prendendo alla leggera te o qualsiasi cosa tu abbia fatto. Vogliamo semplicemente aiutare a spiegare perché il formato della sceneggiatura è così importante. E vogliamo farlo perché tutti i lettori di sceneggiature - stagisti, assistenti, analisti di storie, lettori professionisti, produttori, manager e agenti - sanno cosa vuol dire aprire una sceneggiatura che oltrepassi chiaramente i confini del formato di sceneggiatura "corretto".
LA COERENZA È LA CHIAVE
Potrebbe non sembrare un grosso problema agli sceneggiatori, ma quando leggi sceneggiature per vivere, la coerenza è una componente chiave affinché il lettore possa vivere la tua storia cinematografica come dovrebbe essere vissuta, con poca o nessuna esitazione nel lettore. propria visualizzazione di ciò che inserisci in quelle pagine.
Dal punto di vista del lettore, non c'è niente di più esaltante di una sceneggiatura ben - e semplicemente - formattata. È un segno che tutto andrà bene per le prossime ore o due. Certo, la storia potrebbe essere poco brillante, i personaggi potrebbero essere noiosi e il concetto potrebbe essere eccessivamente familiare, ma almeno il lettore sarà in grado di leggere la sceneggiatura senza il temuto inizio e fine su quasi ogni pagina così com'è. costretto a decifrare la formattazione "occupata" di uno script eccessivamente o scarsamente formattato.
C'è una ragione per cui esiste un formato generale di sceneggiatura: il cinema è un'industria. Decine di migliaia di sceneggiature entrano ed escono dal mercato ogni anno. Dalla fase di sviluppo della lettura, scoperta e sviluppo della sceneggiatura, alla fase di pre-produzione in cui si utilizza la sceneggiatura come modello per una collaborazione trasversale, la coerenza del formato della sceneggiatura è essenziale.
Alcuni sceneggiatori vogliono testare i limiti del formato standard. Alcuni sono troppo pigri per impiegarlo. Alcuni non sono al passo con gli standard contemporanei, evocando invece la prolissità e la formattazione datata dei classici d'oro. E alcuni vogliono semplicemente farlo a modo loro.
Se sei uno di questi tipi di sceneggiatori, continua a leggere soprattutto perché c'è davvero una ragione per tutto ciò che potresti considerare inutile ed eccessivamente tradizionale.
MANTENETELO SEMPLICE, SCENEGGIATORI
Il vecchio acronimo militare per "Keep it simple, stupid" era un principio di progettazione notato dalla Marina degli Stati Uniti nel 1960. Il principio KISS sottolinea il fatto che la maggior parte dei sistemi funziona meglio se vengono mantenuti semplici piuttosto che eccessivamente complicati. complicato: pertanto la semplicità dovrebbe essere l’obiettivo principale della progettazione e tutta la complessità non necessaria dovrebbe essere evitata.
Il formato della sceneggiatura contemporanea è abbastanza semplice.
Hai l'intestazione della scena, che consiste innanzitutto nel comunicare se la scena è interna o esterna. Questo è accompagnato dal luogo in cui si svolge la scena, seguito dall'indicazione se la scena deve essere vista (e successivamente filmata) alla luce del giorno o al buio ( GIORNO o NOTTE ).
Questi sono gli unici tre elementi necessari nell'intestazione della scena. Non dovrebbero esserci orari o date che accompagnano questi elementi. L'ora e le date (se necessario) vengono comunicate nella descrizione della scena sotto il titolo della scena, preferibilmente all'interno della prima frase. E la ragione di ciò va oltre anche il lettore. Quando un produttore di linee scompone la sceneggiatura per creare un elenco di riprese e location, i rapporti che esegue attraverso il software devono essere semplici e diretti. Quando il titolo di una scena contiene date, orari o altri elementi oltre i tre di base, è più difficile da decifrare.
Dopo l'intestazione della scena, abbiamo la descrizione della scena (ci deve sempre essere almeno una riga di descrizione della scena dopo l'intestazione della scena). Altri lo chiamano azione. Questa è la descrizione al presente di ciò che sta accadendo fisicamente e visivamente nella scena. Non è eccessivamente dettagliato. Non mostra gli angoli e le direzioni della telecamera (con forse poche eccezioni). Ogni riga rappresenta un'immagine che tu, lo sceneggiatore, stai lanciando al lettore:
Questo è quello che voglio che tu veda. Ora questo.
Allora vedi questo. Adesso succede questo.
Se applicabile - A Quiet Place ci ha insegnato che il dialogo non è sempre necessario - la descrizione della scena è seguita dal NOME DEL PERSONAGGIO del personaggio che parla qualsiasi dialogo, seguito, beh, dal dialogo.
Questo è tutto ciò che serve per scrivere una sceneggiatura per la maggior parte. Semplice, no? Se guardi questo esempio, include praticamente tutto ciò di cui hai bisogno per raccontare la tua storia cinematografica.
AGGIUNTE E SCUSE
Ma vuoi aggiungere un po' di stile e vivacità a ciò che scrivi, giusto? Ovviamente, il formato della sceneggiatura contemporanea lo consente. Ecco alcuni esempi compilati presentati di seguito.
Se hai letto le sceneggiature, sai che puoi usare il CAPS in molti modi diversi. Per il formato standard, metti il nome di un personaggio che parlerà (o uno che è un personaggio principale o di supporto nella storia) in MAIUSCOLO la prima volta che lo incontriamo (vedi esempio sopra). Questo per gridare al lettore che questo personaggio è importante, o perché ha un ruolo nella storia o perché parlerà. Ciò consente al lettore di prendere nota mentalmente di quel personaggio per le pagine a venire.
Puoi anche utilizzare le MAIUSCOLE per trasmettere un oggetto, una posizione o un suono importante, spesso chiamato slugline. È saggio usarlo con parsimonia, ma se tutto ciò che presenti in questo modo è importante affinché il lettore lo ricordi, non esitare a usarlo. Oltre a ciò, le MAIUSCOLE possono essere utilizzate per evidenziare un momento nella descrizione della scena che desideri mettere in risalto.
L'uso di qualsiasi forma di puntini di sospensione (...) è scusabile, poiché consente al lettore di interrompere il flusso della descrizione della scena in modo positivo trasmettendo un'impostazione per una rivelazione. Lo scopo è quello di far fermare il lettore per un millisecondo e poi nella riga successiva c'è la rivelazione di un momento specifico, che si tratti di un'azione visiva, sonora o di un personaggio specifico.
Gli intertitoli possono essere utilizzati anche in modo creativo per trasmettere testo sullo schermo o introdurre il titolo del film in forma stilistica.
Ecco un esempio di tutti questi elementi.
Le parentesi possono anche essere utilizzate sotto il NOME DEL PERSONAGGIO per trasmettere un'emozione o un'azione che accompagnerà il dialogo successivo.
E anche occasionalmente, puoi utilizzare anche alcune transizioni nel margine destro.
Sebbene queste siano solo alcune delle aggiunte e delle scuse che puoi utilizzare, ricorda solo che vuoi sempre mantenerlo semplice quando possibile. Semplice consente una maggiore coerenza e la coerenza consente una visualizzazione più semplice dello script.
Alla fine, il titolo della scena, la descrizione della scena, i nomi dei personaggi e i dialoghi sono la risposta. Se la tua sceneggiatura ne prevede il 99%, stai semplicemente rendendo la lettura della sceneggiatura molto migliore per il lettore. E ricorda che chiunque legga e provi la tua sceneggiatura è il custode che può farti entrare – o tenerti fuori – da quegli ambiti cancelli di Hollywood.
È TUTTA UNA QUESTIONE DI LETTURA (E DI LETTORE)
Una formattazione errata o eccessivamente impegnativa non fa altro che rovinare l'esperienza di lettura della tua sceneggiatura. Se non ti interessa questo, non ti interessa avanzare nel settore. Vai a scrivere un romanzo e autopubblicalo. Questa è la dura verità.
Se vuoi testare i limiti del formato standard, devi procedere con cautela. Se sei troppo pigro per utilizzare il formato standard, questo settore non fa per te. Se non sei al passo con gli standard contemporanei, ma sei solo esperto in sceneggiature vecchie di cinquant'anni o più, è tempo di recuperare. E se vuoi farlo a modo tuo, beh, è un mezzo collaborativo: ci sono altre persone coinvolte nello sviluppo, nell'acquisizione e nella produzione di ogni singola sceneggiatura.
Ma alla fine, avere il formato corretto (le linee guida e le aspettative del settore descritte sopra) riguarda la lettura della sceneggiatura. Se mantieni le cose semplici con intestazioni di scena a tre elementi (LOCAZIONE INT/EST - GIORNO/NOTTE), una semplice descrizione della scena e i nomi dei personaggi sopra i dialoghi per il 99% della tua sceneggiatura (con quell'1% rimasto per la stilizzazione di quelle aggiunte e scuse) , sarà molto più facile per il lettore vedere il film svolgersi con gli occhi della mente.
Ecco perché avere il formato corretto è così importante.
Non illuderti di scrivere una sceneggiatura che sia una buona lettura.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
