Cosa possono imparare gli sceneggiatori da uno dei primi libri di sceneggiatura mai scritti?
Che ci crediate o no, il primo libro di sceneggiatura fu scritto più di un decennio prima che l'insegna di Hollywood fosse eretta nel 1923. Durante i primi giorni di quella che sarebbe poi diventata una delle più importanti industrie dell'intrattenimento a livello mondiale, la "sceneggiatura" non faceva nemmeno parte del concetto generale. terminologia nel cinema.
Agli albori del cinema - intorno al 1890 - gli scrittori di scene (non sceneggiatori) scrivevano scenari (non sceneggiature) per cortometraggi che debuttavano nelle sale, che erano pochi e rari. I film duravano solo un paio di minuti e gli scenari fornivano brevi spiegazioni - scritte da scrittori e registi - utilizzate principalmente per il marketing e come spiegazioni per il pubblico che non era abituato a sperimentare l'intrattenimento con questa tecnologia allora rivoluzionaria.
Man mano che i film diventavano più complessi dal punto di vista narrativo, passavano da un solo scenario a molti. Il termine scenario si è evoluto in photoplay, che assomiglia di più a ciò che conosciamo oggi come sceneggiature. Uno dei primi esempi di sceneggiatura moderna è stato tratto dall'iconico film di George Melies del 1902, Viaggio sulla Luna. Il photoplay conteneva circa trenta righe di descrizioni di base che fornivano azioni e luoghi.
Man mano che queste narrazioni cinematografiche crescevano, cresceva anche l’industria cinematografica. Il primo cinema aprì nel 1905. Cinque anni dopo, solo negli Stati Uniti c'erano diecimila cinema. E come in ogni settore nascente, più il cinema diventava popolare, più persone volevano esserne coinvolte.
Tecnicamente parlando, il libro che presentiamo qui non è il primo libro di sceneggiatura, ma è il migliore del primo gruppo. Fu scritto un libro nel 1910, poi nel 1911 e nel 1913 ne furono pubblicati alcuni altri. Con la crescita del cinema, cresceva anche l'industria secondaria dell'educazione alla sceneggiatura.
Per scoprire i talenti, gli studi cinematografici iniziarono a organizzare i primissimi concorsi di sceneggiatura con premi in denaro.
Il che ci porta a How to Write Photoplays di Anita Loos, scritto nel 1920. Anita era una delle migliori sceneggiatrici del suo tempo. Ha scritto oltre 137 film e ne ha prodotti 8 con suo marito John Emerson (è anche accreditato come autore di questo libro).
Attraverso una serie di post multipli, esamineremo questo libro da copertina a copertina ed esploreremo le lezioni che si possono imparare, che si applicano sorprendentemente all'arte, all'artigianato e al business della sceneggiatura di oggi.
Prenditi del tempo per leggere con calma questa parte per Imparare dal primo grande libro di sceneggiatura mai scritto!
FASE 1
1. "CRISI E CONFLITTO SONO I GRANDI ELEMENTI ESSENZIALI DI UNA STORIA DRAMMATICA. QUALCOSA DEVE ACCADERE, E ACCADERE RAPIDAMENTE. DEVE ESSERCI CONFLITTO TRA FORZE OPPOSTE."
Quando alcuni di voi leggono questa citazione, potrebbero pensare: "Ma non sto scrivendo un dramma".
Non fare errori. Tutte le sceneggiature sono drammatiche. Il dramma è definito come una composizione in versi o in prosa intesa a ritrarre la vita o un personaggio o a raccontare una storia che solitamente coinvolge conflitti ed emozioni attraverso l'azione e il dialogo. Questo è ogni film che sia mai stato prodotto, indipendentemente dal genere.
Le commedie hanno un dramma. I film d'azione sono drammatici. I film horror contengono drammaticità.
La crisi e il conflitto sono la forza trainante di qualsiasi narrativa cinematografica. Sì, alcune storie contengono più conflitti di altre. Ma la lezione appresa è che più conflitto c'è, migliore sarà la sceneggiatura perché è questo che coinvolge e spinge il pubblico. La domanda su come questo personaggio riuscirà a superare questa situazione esiste fin dagli albori dell'uomo, quando i cacciatori raccontavano storie di caccia sul fuoco del villaggio.
2. "DEVONO ESSERCI OSTACOLI LOGICI CHE IMPEDISCONO AI PERSONAGGI DI RAGGIUNGERE I LORO OBIETTIVI."
I personaggi devono affrontare conflitti significativi che danno vita a molti conflitti più piccoli – ostacoli – che impediscono loro di raggiungere i loro obiettivi. Qualunque siano questi obiettivi.
In Lo Squalo, il capo Brody fa sì che uno squalo assassino devasti la sua città isolana. Gli ostacoli che dovette affrontare furono moltissimi. Il sindaco non ha voluto dare l'allarme ai turisti sulle spiagge. Lo squalo assassino era sott'acqua, qualcosa di cui Brody aveva una paura mortale. Brody ha dovuto affrontare un capitano testardo che voleva trovare lo squalo a modo suo. Una volta che Quint, Brody e Hooper stavano dando la caccia allo squalo nelle profondità dell'oceano, scoprirono quanto fosse veramente enorme lo squalo. Un barile non era sufficiente a tenere lo squalo sulla superficie dell'acqua. Nemmeno due erano sufficienti. E poi lo squalo ha danneggiato la loro barca impedendo loro di tornare sulle coste sicure dell'isola. Poi Quint è stato ucciso. Poi Hooper è scomparso. E ora toccava a Brody, su una nave che affondava, al di sopra delle acque di cui aveva una paura mortale.
Gli ostacoli sono tutto in qualsiasi sceneggiatura scritta sotto l'egida di qualsiasi genere.
E il successo della tua sceneggiatura spesso dipende da quanto sono unici i tuoi ostacoli, da quanto sono abbondanti e da come i tuoi personaggi li superano o soccombono. Lancia quanti più ostacoli puoi ai tuoi personaggi. Ma ricorda sempre che devono essere logici affinché il pubblico si identifichi con i personaggi che si scontrano con loro.
3. "OVE POSSIBILE, COSTRUISCI LA TUA STORIA ATTORNO A UN TEMA E RENDI IL TUO CLIMAX IL RISULTATO DI UNA GRANDE VERITÀ UNIVERSALE."
Il tema è ciò che collega il pubblico alla tua storia e ai personaggi al suo interno. È quella verità universale con cui chiunque può connettersi entro la fine della tua storia.
- Uomo/Donna contro Natura ( Jaws, Cast Away )
- Uomo/Donna contro se stessi ( Scarface, Il Padrino )
- La perdita dell'innocenza/Il raggiungimento della maggiore età ( Stand By Me, Giunone )
- Vendetta ( Mean Girls, Memento )
- La morte come parte della vita ( Al di là dei sogni, Una passeggiata da ricordare )
- La battaglia/Gli orrori della guerra ( Hacksaw Ridge, Lone Survivor )
- Individuo contro società ( The Elephant Man, Fight Club )
- Trionfo sulle avversità ( Rudy, La ricerca della felicità )
- L'amore vince su tutto ( Titanic, Shrek )
- Il bene contro il male ( Star Wars, Il Signore degli Anelli )
Questi sono solo alcuni dei temi universali che possono essere esplorati. Tutti si identificano con loro. Se costruisci le tue storie e i tuoi personaggi attorno a temi universali specifici, i lettori della sceneggiatura e i membri del pubblico si allontaneranno dalla tua storia con quell'ambita sensazione catartica che rimane con loro.
4. "MANTIENI LA SUSPENSE. ACCELERALA. E NON PERMETTERE A NULLA DI FARSI STRADA NELLA STORIA CHE POSSA BLOCCARNE O ATTENUARNE IL PROGRESSO."
Il libro offre una metafora perfetta, che adegueremo un po' ai tempi.
Immagina un ragazzino armato di fionda.
Sta per lanciare un sasso contro un bersaglio. Tira lentamente indietro l'elastico e lascia volare il sassolino.
Se la sua mira è corretta, il sasso troverà il suo bersaglio e tutti esulteranno.
L'elastico della fionda è la mente del tuo pubblico. L'azione, nel continuo progredire della sceneggiatura, aumenta la tensione e accresce la suspense. La tensione della situazione aumenta fino a raggiungere il culmine in cui lasci volare il sassolino. O colpisci il tuo bersaglio e il protagonista vince oppure viene sconfitto.
Non lasciare mai che nulla fermi lo slancio della tua trama (la trazione di quella fascia elastica da fionda). Potresti avere scene o sequenze divertenti, emozionanti o visivamente sbalorditive, ma se non si adattano alla storia e alla trama, sbarazzatene. Potresti anche essere tentato di staccarti dalla trama per una bella risata, una bella scena di combattimento o una bella situazione romantica: non farlo!
5. "PICCOLI SEGNALI DOVREBBERO PUNTEGGIARE IL CORSO DELLA TRAMA, MANTENENDO LA MENTE DELLO SPETTATORE INTERESSATA A CIÒ CHE VERRÀ DOPO."
Questo brillante estratto sottolinea direttamente il potere della prefigurazione, che in termini di sceneggiatura può essere meglio descritta come piante che portano a eventuali profitti.
Aumenti la suspense – che è figlia dell’anticipazione – prefigurando gli eventi futuri senza rivelarne il segreto. E questo tipo di scrittura legittima le eventuali scelte che fai perché il lettore della sceneggiatura o il pubblico possono tornare nella tua storia e vedere gli indizi sottili che hai lasciato lungo il percorso.
Un modo semplice per raggiungere questo obiettivo è tornare indietro e arricchire la sceneggiatura dopo aver raggiunto la fine - e dopo esserti preso una pausa e tornare un mese dopo per rileggerla da cima a fondo.
Ciò significa che devi tornare indietro e ravvivare il tutto. Aggiungi qualche ulteriore depistaggio di qualità sollevando più domande o mostrandoci alcuni sottili indizi visivi che portano a ogni svolta, svolta, pianta e ricompensa.
Se guardi di nuovo Il sesto senso, tieni gli occhi aperti per vedere come M. Night Shyamalan ha infarcito quella sceneggiatura, che alla fine ha fatto tornare il pubblico più volte per scoprire quei momenti e indizi sottili.
Questa è forse la parte più divertente del processo di scrittura perché hai già svolto il lavoro di tracciare quella che inizialmente era una storia complicata: ora puoi giocare in quella sandbox.
6. "PAROLE CON ERRORI DI ORTOGRAFIA O SCRIPT MAL DIGITATI NON AIUTANO LA RIUSCITA DELLA STORIA."
Hollywood è sempre alla ricerca di segnali d'allarme per filtrare script indegni o indesiderati attraverso il sistema, quindi non vorrai mai lasciare che errori grammaticali, parole errate e un formato scadente si intromettano tra te e l'opportunità dei tuoi sogni. Una cattiva grammatica, parole errate e un formato errato bloccano lo slancio della lettura del tuo script. Certo, gli errori accadranno. Perderai un omofono qua e là (loro contro loro sono), scriverai qualcosa di sbagliato (respiro contro respiro) e formatterai qualcosa in modo improprio. Succede.
Tuttavia, quando non ti prendi il tempo per correggere le bozze della tua sceneggiatura più volte prima di inviarla a qualcuno, ti stai solo dando la zappa sui piedi quando si tratta della necessità di volere che quel lettore della sceneggiatura sia coinvolto nella tua storia. .
In breve, è una distrazione per il lettore della sceneggiatura. Di tanto in tanto perdoneranno un errore, ma se la sceneggiatura è piena di tali errori, li irriterà e li distrarrà dalla storia che stai cercando di raccontare.
7. "RICORDA, LA STORIA VIENE RACCONTATA PER IMMAGINI."
La citazione di questo libro riguarda un argomento diverso, ma tocca qualcosa che gli sceneggiatori devono ricordare a se stessi mentre scrivono. La storia viene raccontata per immagini. È un mezzo visivo.
Troppe sceneggiature commettono l'errore di usare il dialogo come stampella per raccontare le storie.
Immagina se Indiana Jones e l'Ultima Crociata avessero commesso questo errore. Immagina Indiana Jones sedersi e spiegare a Marcus come ha ottenuto il suo caratteristico cappello di feltro, la sua frusta, la sua cicatrice sul mento e la sua paura dei serpenti. Immagina il lungo blocco di dialogo.
Ora guarda questa iconica sequenza di apertura del terzo film della trilogia.
Usare il dialogo come stampella per l'esposizione è una scrittura pigra. E stai andando contro ciò che sono le storie cinematografiche: la narrazione visiva. È un mezzo visivo.
In ogni scena che scrivi, fermati e ricorda a te stesso che la storia verrà raccontata per immagini. Quante scene e momenti hai in cui un personaggio parla? Di cosa stanno parlando? Stanno descrivendo cose che forse dovremmo vedere invece di sentire?
È un modo eccellente per testare ogni scena che scrivi. Sii onesto con te stesso. Ce lo stai mostrando o ci stai dicendo? Il dialogo non è lì per la raccolta di informazioni, e non è lì perché i personaggi rivelino i loro sentimenti più intimi. Mostracelo, non dircelo.
Questa è solo una parte di una serie continua di post che traggono ispirazione e saggezza da un libro di sceneggiatura vecchio di quasi cento anni.
FASE 2
1. "[ALL'INIZIO DELLA SCENEGGIATURA], MANTIENI I TUOI PERSONAGGI IMPORTANTI SULLO SCHERMO ABBASTANZA A LUNGO NELLE PRIME SCENE IN MODO CHE IL PUBBLICO LI RICONOSCA CHIARAMENTE NELLE SCENE SUCCESSIVE."
Ci sono chiaramente delle eccezioni a questo, ma la maggior parte delle volte vuoi che il pubblico venga presentato ai tuoi protagonisti principali il più rapidamente possibile. Molti sceneggiatori cercano di tessere un'introduzione avvincente di dieci pagine per attirare il pubblico e poi tagliare il protagonista nel suo mondo dopo quella decima pagina (più o meno per un film). È un evento comune e un problema comune.
Sì, c'è un elemento drammatico nello scioccare il pubblico con personaggi non principali e tagliare il protagonista, sapendo che i conflitti introdotti in quell'introduzione altrimenti coinvolgente influenzeranno ovviamente in qualche modo la vita di questo personaggio. Ma questo spesso si ritorce contro.
I personaggi non principali in quelle pagine iniziali potrebbero entrare in gioco più avanti nella sceneggiatura, ma quando tu, uno sceneggiatore alle prime armi, hai solo cinque o dieci pagine per catturare l'interesse di un lettore, passando a un personaggio completamente diverso dopo che ha finito hanno investito la loro attenzione su quelli che risultano essere personaggi secondari, lasciando il lettore confuso e il suo interesse mal indirizzato.
Se vuoi o hai bisogno di aprire altrove, restringi il campo a sole tre o quattro pagine, quindi ritaglia il tuo protagonista principale in modo creativo. Quindi costruisci quel personaggio secondario nelle poche pagine successive per farci sapere che questo è il nostro protagonista.
2. "IL PROBLEMA CON GLI SCRITTORI DI CONTINUITÀ PIÙ INESPERTI È CHE NON RIESCONO AD ENTRARE NELLA TRAMA ABBASTANZA PRESTO."
Che si tratti di "scrittori di continuità" o di sceneggiatori, questo è uno degli errori più comuni commessi dagli sceneggiatori: non riuscire ad arrivare alla trama il più rapidamente possibile.
Ricorda, c'è una differenza tra uno sceneggiatore sconosciuto come te e un veterano esperto con alcuni successi al suo attivo. Le aperture a combustione lenta possono funzionare e funzionano, ma non hai quella libertà nella tua situazione. Devi inserire tutto nel contesto della tua situazione, non nel modo in cui vengono scritti altri film scritti da professionisti esperti.
Pertanto, devi arrivare alla trama entro le prime pagine della sceneggiatura, anche se si tratta solo di introdurre il tuo personaggio nel suo mondo e di descrivere le sue lotte all'interno di quel mondo. Poi, a pagina 10 o poco prima, potrai introdurre quel conflitto che li costringerà nella trama della tua storia.
Sì, lo sappiamo, ci sono molti film che non fanno questo. Ci sono molti film che fanno lavorare il personaggio nel suo mondo per venti minuti o più prima che arrivi il conflitto principale, ma, ancora una volta, devi pensare nel contesto della tua situazione.
Il lettore della sceneggiatura sta leggendo la sceneggiatura di uno sceneggiatore non affermato. Hanno anche una pila di altri script da leggere. Non si può sfuggire al fatto che se non sono interessati e coinvolti nelle prime pagine (in qualunque modo lo facciate), è probabile che inizieranno a sfogliare.
Questa è la differenza tra una sceneggiatura specifica (scritta con la speculazione che verrà venduta) e una sceneggiatura in studio (scritta da un professionista). Troppi sceneggiatori non la pensano così e questo costa loro una lettura tanto necessaria.
3. "FAI ATTENZIONE A NON LASCIARE CHE LA TUA IMMAGINAZIONE SCAPPI CON TE. ATTIENITI ALLA STORIA ED EVITA LE IMBOTTITURE."
È molto facile lasciare che la tua immaginazione scappi con te. Sei una mente creativa e, si spera, sei uno scrittore molto visivo. Se scrivi commedie, pensi a molte battute e gag. Se scrivi azione, puoi creare sequenze d'azione sorprendenti. Se scrivi un dramma, puoi inventare un melodramma eccezionale che faccia fluire le nostre emozioni.
Ma se fai tutto questo solo per creare battute, azione e melodramma, stai riempiendo la sceneggiatura invece di attenerti alla storia. Ogni scena e momento della tua sceneggiatura deve far avanzare il tuo concetto, la tua storia e i tuoi personaggi. Non perdetelo mai di vista.
4. "VAI REGOLARMENTE AL CINEMA LOCALE E CONTA, CON MATITA E FOGLIO DI CARTA, IL NUMERO DI SCENE E SOTTOTITOLI UTILIZZATI NELLE IMMAGINI."
La migliore formazione che hai sulla sceneggiatura si trova nel cinema, nel dispositivo di streaming o nella tua collezione di film più vicini.
Studiare film simili per genere, tono o argomento è fondamentale per ampliare la tua conoscenza.
Come si crea una scena di apertura avvincente?
Come introduci i personaggi?
Come crei suspense e tensione?
Quanto dovrebbero durare le scene?
Quanto tempo dovrebbe durare il dialogo?
Come fai a sapere dove posizionare i colpi di scena per mantenere la storia in movimento?
Le risposte a tutte queste domande e ad altre ancora possono essere trovate guardando e studiando film. O a memoria o con appunti (ma niente schermi di smartphone nelle sale, per favore).
Codifica il tempo dei film e guarda quanto tempo impiega per introdurre determinati elementi della storia e dei personaggi. Ricorda che una pagina equivale generalmente a un minuto di tempo sullo schermo. Questo è un buon barometro da seguire.
Usa i film per trovare le risposte di cui hai bisogno.
5. "IL TITOLO DEL PHOTOPLAY È MOLTO IMPORTANTE DAL PUNTO DI VISTA DELL'ESPOSITORE."
I titoli contano.
Ci sono due fasi per evocare titoli commerciabili per le sceneggiature.
La prima fase avviene durante il processo di scrittura delle specifiche.
La seconda fase avviene dopo la realizzazione, quando una sceneggiatura è stata acquistata da uno studio o da una società di produzione e viene prodotta, o dopo che un concetto è stato sviluppato appositamente da un produttore o da un responsabile dello sviluppo, portando all'assunzione di uno sceneggiatore per il film. Incarico.
Nella prima fase, lo scopo di creare un titolo di sceneggiatura forte è quello di distinguersi dalle migliaia di altri script di specifiche distribuiti attraverso il mercato delle specifiche ormai saturo.
Un consiglio imprudente che spesso fa il giro è l'idea che quando scrivi su specifiche, il titolo della sceneggiatura non ha importanza perché probabilmente verrà cambiato comunque in futuro. È vero che se la tua sceneggiatura arriva alla seconda fase, il titolo potrebbe e probabilmente subirebbe un numero qualsiasi di variazioni basate sul marketing e sull'input creativo di molte persone.
Tuttavia, lo sceneggiatore deve ancora usare il titolo come arma nel proprio arsenale letterario e cinematografico per richiamare ulteriore attenzione sulla sceneggiatura affinché venga presa in considerazione in primo luogo.
Aumenti drasticamente le probabilità di sfondare con un titolo forte e ben concepito perché è il primo elemento della tua sceneggiatura che le persone vedranno. Un titolo avvincente, arricchito ancora di più da una logline di accompagnamento, può vendere la società di produzione o lo studio nelle prime fasi del processo.
È comunque necessario disporre di una sceneggiatura eccezionale, ma quel titolo eccezionale può cambiare l'interruttore per il lettore. Può farli investire fin da subito catturando il loro interesse immediato.
6. "NON INVIARE LETTERE PERSONALI ALL'EDITORE DICENDOGLI QUANTO È BELLA LA TUA STORIA, QUANTO SEI IMPORTANTE NELLA TUA CITTÀ NATALE E QUANTO TEMPO HAI IMPIEGATO PER SCRIVERE LA SCENEGGIATURA. UN EDITORE VEDE QUESTO TIPO DI LETTERA DI SOLITO PRESUME CHE LO ASPETTA UNA STORIA PARTICOLARMENTE BRUTTA."
Al giorno d'oggi, l'"editore" sarebbe il produttore, il dirigente dello sviluppo, il manager o l'agente a cui stai commercializzando la tua sceneggiatura tramite domande via email.
Questo atto avviene ancora oggi nella maggior parte delle e-mail di richiesta (la posta ordinaria è morta, così come l'approccio del fax). È un vero segno di dilettante quando il contenuto dell'e-mail continua all'infinito su quanto sia bella la storia proposta, quanto ami i film e tutto il lavoro necessario per scrivere questa sceneggiatura.
È un segno sicuro di una sceneggiatura terribile a venire.
Quando scrivi le tue domande, sii breve, dolce e pertinente. Gli addetti ai lavori del settore non hanno tempo per leggere biografie e retorica personale. E certamente non hanno il tempo di leggere una sinossi estesa, un trattamento o uno schema. Se invii questo tipo di email, verranno cestinate in pochi secondi.
Dì loro il tuo nome, fornisci loro il tuo logline e chiudi ringraziando per aver dedicato del tempo a leggere tutto.
7. "IL METODO MIGLIORE È TRASPORTARE I TUOI PERSONAGGI NELLA TUA IMMAGINAZIONE PER ALCUNI GIORNI PRIMA DI INIZIARE LA STORIA, PENSARE A LORO FINCHÉ NON DIVENTERANNO, PER TE, CARNE E OSSA. QUANDO SARAI ARRIVATO AL PUNTO IN CUI PUOI DIRE A TE STESSO: 'È SBAGLIATO, MARY NON AVREBBE MAI FATTO UNA COSA DEL GENERE', PUOI STAR CERTO CHE LE TUE CARATTERIZZAZIONI SI STANNO CRISTALLIZZANDO NEL MODO GIUSTO."
Una grande caratterizzazione è un must per le sceneggiature. Puoi avere il miglior concept del mondo, ma se non riesci a realizzarlo attraverso personaggi avvincenti, la tua sceneggiatura fallirà.
Un errore comune commesso dagli sceneggiatori è usare i dialoghi per portare i loro personaggi attraverso la trama. Così e così deve dire questo e quello affinché loro e i loro arrivino al culmine della storia. I lettori di script lo vedono nella maggior parte degli script specifici sul mercato o all'interno di concorsi e competizioni.
I personaggi risultano insipidi con poca o nessuna personalità. Questo è un segno rivelatore di uno scrittore che non crea personaggi che vivono e respirano nella loro immaginazione.
Invece di tuffarti nella scrittura, prenditi del tempo per lasciare che i tuoi personaggi crescano nella tua immaginazione. Pensa a loro finché non saranno carne e ossa. La tua mente farà la maggior parte del lavoro per te, prendendo piccoli frammenti dei personaggi che hai visto e delle persone che conosci e costruendo personaggi viventi e respiranti che prenderanno vita sulle tue pagine e, si spera, sul grande schermo.
Questa è solo il riassunto di post che traggono ispirazione e saggezza da un libro di sceneggiatura vecchio di quasi cento anni.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
