♥ dalle Idee alle Sceneggiature • Consigli e Suggerimenti

I cortometraggi possono lanciare la carriera di un regista perché funzionano da vero e proprio biglietto da visita: mostrano a produttori, festival ed addetti ai lavori non solo un'idea, ma la capacità concreta di realizzarla dall'inizio alla fine, con risorse spesso minime. Per questo molti dei registi oggi più affermati, quasi senza eccezione, hanno costruito la propria credibilità professionale proprio a partire da un piccolo cortometraggio ben fatto.

Quali tratti caratteriali possono contribuire a dare maggiore profondità ai tuoi personaggi? Quando si tratta di sviluppo del personaggio, spesso ci si può sentire sopraffatti dalle numerose regole, direttive e linee guida offerte da libri, lezioni, corsi, conferenze e interviste. Mentre gli strumenti forniti possono aiutare a trovare i propri personaggi, il processo di sviluppo del personaggio è in realtà più semplice di quanto si pensi, e tutto inizia con conflitti e tratti caratteriali. Un semplice processo in due fasi prevede...

"Aiuto, sono bloccato!" Queste tre parole sono ciò che gli scrittori temono di più. È successo a tutti noi, che accada a pagina 15 od anche a pagina cinque. Arrivi a un punto della tua storia e non hai idea di dove andare. Questo vagare può solitamente essere dimezzato se hai una buona traccia da cui partire, ma come molti scrittori, trovo che la storia voglia prendere certe svolte che non avevo mai previsto e che possono portarti nella tana del Bianconiglio.

Cosa deve fare uno sceneggiatore quando deve assolutamente spiegare qualcosa di fondamentale per una storia che è accaduta proprio prima che la storia iniziasse? Facile! Basta usare un flashback. Questi dispositivi di trama sono ovunque nei film e in TV, quindi è probabile che tu sappia generalmente cosa sono. Tuttavia, analizziamo un pò più a fondo come funzionano, quali tipi diversi esistono e come puoi usarli nelle tue storie.

Ecco una semplice lezione sullo sviluppo del personaggio che Topolino, Paperino e Pippo possono insegnarci! Il documentario di Disney Plus Topolino: la storia di un topo, approfondisce il personaggio iconico conosciuto in tutto il mondo attraverso cortometraggi animati, serie, videogiochi, libri, fumetti e film. Da quel documento di immersione profonda, apprendiamo i motivi per cui sono stati creati gli altri due personaggi iconici. Da tutto questo, traiamo una lezione di sviluppo del personaggio semplice ma strabiliante.

La struttura della sceneggiatura non ha nulla a che fare con la mitologia o con il salvataggio di un gatto: riguarda solo le scelte di base che uno sceneggiatore può fare per determinare come raccontare la propria storia. In realtà è piuttosto semplice: devi solo sapere con quali strutture puoi giocare. Qui offriamo dieci strutture di sceneggiatura che possono essere applicate a qualsiasi genere e storia. Analizzeremo le nozioni di base, offriremo alcuni esempi e ti lasceremo partire da lì mentre continui nel tuo viaggio di sceneggiatura.

Vuoi scrivere un film d'azione ad alto numero di ottani? Ecco alcuni suggerimenti per accendere la miccia della tua creatività. Vuoi scrivere nel genere d'azione ma hai bisogno di aiuto per evocare storie e concetti avvincenti e ricchi di azione? A volte leggere semplici suggerimenti per scrivere azioni è il modo più semplice per far fluire la creatività.

Gli archetipi degli aiutanti sono determinanti perché agiscono come catalizzatori della crescita del protagonista, fornendo le competenze, gli strumenti od il supporto morale necessari per superare le prove. Essi riflettono aspetti specifici della psiche umana, offrendo un contrappunto dialettico che arricchisce la profondità tematica del racconto e ne dinamizza il ritmo. 

Vuoi scrivere una storia avvincente sui personaggi che affrontano la natura, ma hai bisogno di aiuto per evocare nuovi concetti? Ecco l'articolo per te! Il tema dell'uomo contro la natura è uno degli archetipi narrativi più antichi. Fin dagli albori dell'umanità, sia gli uomini che le donne si sono trovati in una lotta costante contro gli elementi. Questi tipi di racconti ci catturano principalmente attraverso le sfide fisiche affrontate dai protagonisti.

Eroi e protagonisti sono grandiosi. Tuttavia, il tipo di personaggio più memorabile in qualsiasi storia cinematografica finisce solitamente per essere quello, od i tanti, che si scontrano con loro. Cattivi, antagonisti e cattivi iniettano conflitti nella storia, ed il conflitto è ciò che guida la narrazione, il viaggio dell'eroe e l'impegno tra la storia ed il pubblico.

C'è un'arte nell'adattarsi e Diana Ossana può raccontarcelo. La scrittrice nata nel Missouri ha contribuito a cambiare il panorama del cinema americano moderno con Brokeback Mountain del 2005, che lei ed il suo stretto collaboratore Larry McMurtry hanno adattato da un racconto della scrittrice Annie Proulx. Ma portare quella storia sullo schermo, espandendola da una breve occhiata al mondo di due solitari innamorati in un lungometraggio cinematografico, “non è stato facile”, dice Diana.

“Come noi non c’è nessuno” è il frutto della collaborazione ormai solida tra Alessia Buscarino e Joanne Marie Kassimatis. Una complicità nata nel 2018, quando Alessia era ancora sua allieva, e che nel tempo si è consolidata attraverso continue messe alla prova, momenti di confronto e realizzazione di numerosi progetti. Sono due persone solari, estroverse, che riescono a mettere a proprio agio ogni persona che collabora con loro.

Niente è facile nella sceneggiatura.  Bisogna volerlo con tutto il cuore e bisogna essere preparati a combattere. Quando sei in trincea e non riesci a vedere la foresta dagli alberi... e ogni sceneggiatore si trova in quella situazione, prima o poi... ecco alcuni punti essenziali da tenere a mente. Tutte le buone sceneggiature li hanno, e tutte le sceneggiature che non ne risentono sul mercato.

Quali sono alcuni semplici spunti che possono aiutare gli scrittori a creare archi narrativi migliori? Hai bisogno di un aiuto ispiratore per trovare un modo nuovo ed entusiasmante per sviluppare i personaggi? Fortunatamente, gli archi narrativi dei personaggi non sono così difficili da sviluppare come potresti pensare. Hai solo bisogno di un punto da cui iniziare. Un perdente diventa un vincitore. Un re diventa un mendicante. Lo scettico diventa un credente. Spesso, gli archi narrativi migliori iniziano con una semplice domanda o tratti convincenti che diventano l'antitesi del conflitto che il tuo personaggio sta affrontando.

 I film sportivi sono pieni di cliché, forse più di qualsiasi altro genere, a parte la commedia romantica, che ha le sue difficoltà. Quindi, come si fa a scrivere grandi film sportivi senza cadere nelle trappole di quelli che li hanno preceduti? Cominciamo col dire l'inevitabile luogo comune: la storia del perdente. Il motivo per cui i drammi sportivi sono così ambiti agli occhi del pubblico di tutto il mondo è perché la gente ama vedere lo sfavorito vincere contro ogni previsione.

Esistono metodi comprovati per raccontare una storia avvincente, noti come archetipi narrativi. Gli archetipi narrativi sono le strutture fondamentali che hanno plasmato la narrazione fin dagli albori della stessa, indipendentemente dal fatto che le storie vengano raccontate attraverso miti e leggende tramandate di generazione in generazione, poesie, canzoni, opere teatrali, programmi radiofonici, serie televisive o film.

Cosa sono le sceneggiature a microbudget, quali sono le direttive chiave per scriverne una e perché gli sceneggiatori devono saperlo? I film senza budget  sono il tipo di progetti che giri con i tuoi amici. Il low-budget nel Cinema è un budget che sta dalle sei alle sette cifre. E poi c'è il film a micro-budget, incastrato proprio tra quei due.

Come si scrive una sceneggiatura che ha solo un luogo e un personaggio per la maggior parte delle pagine e riesce comunque a mantenere la storia avvincente e coinvolgente per il pubblico? Ecco Cast Away. Scritto da William Broyles Jr., il film racconta la storia di un dirigente della FedEx che deve trasformarsi fisicamente ed emotivamente dopo che il suo aereo della FedEx si schianta nell'oceano e poi lo abbandona su un'isola deserta dove è costretto a sopravvivere.

Abbiamo tutti una pletora apparentemente infinita di idee per film che ci ronzano in testa. Potremmo anche averle scritte per uno sviluppo futuro. E se avessi bisogno di più?

Le idee sono una dozzina. Tutti pensano di avere l'idea migliore per un film o una serie TV, e molte di queste idee sono probabilmente piuttosto intriganti a prima vista. Ma non si tratta solo di evocare un concetto fantastico, questa è la parte facile. È il modo in cui si trasmette quel concetto che conta davvero. Tenendo presente tutto questo, ecco alcuni modi semplici e facilmente implementabili per trasformare quell'idea fondamentale in qualcosa che meriti un investimento in termini di tempo, sforzi e denaro agli occhi del Cinema e dei poteri forti.

È un'immagine fin troppo familiare per gli scrittori, persino un cliché. I capelli arruffati. La postura sconfitta. Gli occhi stanchi. Segnali sicuri della più grande paura dello scrittore: il blocco dello scrittore.  Ma cosa succederebbe se ti dicessi che questa paura è — in mancanza di un termine migliore —  una stronzata? Cosa succederebbe se ti dicessi che il blocco dello scrittore non è altro che un termine che generalizza eccessivamente le molteplici lotte che gli scrittori affrontano e devono superare mentre portano le loro storie dalla loro mente alla pagina?

Tutto quello che devi sapere sull'uso della musica nelle tue sceneggiature e nella scrittura delle sceneggiature. Il cinema e la televisione sono pur sempre mezzi visivi, ma sono fortemente valorizzati dalla musica e da essa dipendono. Immaginate Star Wars senza l'iconica colonna sonora. O come diversi tipi di musica (o nessuna) avrebbero avuto un impatto sulle scene iconiche di The Lord of the Rings. Immaginate le scene iconiche di Footloose senza la colonna sonora. La musica rende davvero iconiche queste scene.

In che modo le migliori espressioni idiomatiche e le frasi più comuni possono aiutare gli sceneggiatori a trovare i titoli e le storie per le loro prossime sceneggiature? I titoli dei film sono importanti. Un ottimo titolo può riassumere la storia della tua sceneggiatura in poche parole, il che è ottimo per la commerciabilità della tua sceneggiatura, o può evocare una storia da sola.

Vuoi scrivere un film o una serie TV distopica? Ecco alcune nozioni di base che dovrai conoscere per iniziare.   Utopia è un termine narrativo creato dallo scrittore Sir Thomas More come titolo della sua satira politica immaginaria pubblicata nel 1516. Ha creato l'idea di una società quasi perfetta con pochi crimini, povertà o violenza. In seguito si è evoluto nella nozione di paradiso, un luogo ideale in cui la maggior parte delle persone vorrebbe vivere. Sembra fantastico, vero? Ebbene, con ogni paradiso arriva la sua antitesi. Quel luogo è noto come distopia. Quindi, come si scrive un film o una serie TV distopica? Analizziamolo!

Le storie distopiche inizialmente riguardano il mondo che costruisci. Questo è ciò che spicca davvero. Le ribellioni e le rivolte sono grandiose, e tutto questo arriverà, ma ciò che differenzierà la tua storia distopica da tutte le altre che sono venute prima della tua sarà il particolare mondo distopico che costruirai. Alla fine, sono la tua creatività, ingegnosità e visione che creeranno il prossimo grande film distopico. Ma ecco alcune basi che puoi utilizzare per sviluppare e scrivere la tua storia.

Dalle terre desolate al grande ignoto dello spazio, questi sono cinque dei tropi più popolari nei film di fantascienza e in TV.  I film di fantascienza sono una porta d'accesso per esplorare scenari futuristici, tecnologie avanzate e domande complesse sull'umanità e la società. Dai classici come Blade Runner ai successi moderni come Interstellar e Dune, questi film utilizzano una serie di tropi fantascientifici che definiscono il genere migliorando la narrazione. Qui, approfondiamo alcuni tropi chiave della fantascienza e il loro ruolo nell'affascinare e sfidare il pubblico. Ma aspetta... Cos'è un tropo?

C'è una richiesta di commedie romantiche natalizie da parte del pubblico, il che significa che gli studi, le società di produzione e soprattutto le reti e gli streaming sono attivamente alla ricerca della prossima sceneggiatura prevedibile, stereotipata e talvolta banale, possibilmente con un tocco di commerciabilità o quell'ingrediente extra speciale. Qui offriamo alcuni elementi essenziali e divertenti per chiunque voglia scrivere la prossima "grande" commedia romantica natalizia che potremmo tutti guardare, per scelta o per richiesta della famiglia, durante le prossime festività.

Un grande mostro cinematografico è grande tanto quanto lo è la sua motivazione. È stato detto da innumerevoli insegnanti e docenti di sceneggiatura che quando si tratta del tuo antagonista in una sceneggiatura, devi motivarlo di sua spontanea volontà. Non può semplicemente esistere per rendere la vita difficile all'eroe, ha bisogno dei suoi desideri, delle sue necessità e dei suoi bisogni. Ha bisogno di motivazione e, in molti casi, funziona meglio se LORO sono l'eroe dal loro punto di vista.

Leslye Headland, scrittrice di "The Acolyte", ha un detto che trova utile quando si imbarca in una nuova sceneggiatura: "La prima bozza è un quartiere pericoloso. Non dovresti andarci in giro da sola". Per l'acclamata regista, meglio conosciuta per la serie Netflix Russian Doll e la recente serie di Star Wars The Acolyte, il primo tentativo di sceneggiatura è sempre destinato a essere imperfetto. 

Migliora le tue capacità di sceneggiatura guardando i film in un modo completamente nuovo. Studiare libri di sceneggiatura, leggere sceneggiature prodotte e guardare video di sceneggiatori professionisti che parlano di lavoro è fantastico. Tuttavia, parte della migliore istruzione per gli sceneggiatori può essere trovata nella loro pratica più comune: guardare i film.

Molti sceneggiatori pensano che un buon ritmo consista nello scrivere un'azione senza fine, suspense, risate o dialoghi vivaci, a seconda del tipo di sceneggiatura che si sta scrivendo. Ma è più di questo. La sceneggiatura è una questione di strati. Cinque per l'esattezza. Questi cinque strati sono cose che puoi appianare mentre scrivi (e riscrivi) la tua sceneggiatura. Una volta che sai di cosa sono composti, scoprirai che è piuttosto semplice scrivere una sceneggiatura ben ritmata.  Se la sceneggiatura non è un'esperienza positiva dalla prima pagina in poi, chi la legge non arriverà nemmeno al nocciolo del concetto, della storia e dei personaggi. Questo è un piccolo segreto del grande cinema che non sentirete da molti.

Scopri questa guida essenziale per evitare i riscontri negativi più inosservati! Leggere dettagliatamente l'articolo ed analizzare la propria sceneggiatura: riuscire a rispondere positivamente a tutti questi punti potrà rendere la tua sceneggiatura finale più coesa e piacevole.

Scopri quale di questi antagonisti è perfetto per essere l'eroe della tua storia. Si dice spesso che il tuo eroe è bravo quanto il tuo cattivo. Ma dare vita all'antagonismo sulla pagina è più difficile di quanto sembri. Un grande cattivo può essere la cosa di cui il pubblico parla più di ogni altra cosa. ... Il tuo obiettivo è far sentire al tuo eroe che il suo obiettivo è insormontabile, indipendentemente dal genere che stai scrivendo. Uno dei modi più semplici per approcciare la tua sceneggiatura per assicurarti di avere un grande conflitto è appoggiarti alle tre principali aree di antagonismo.

Come possono gli sceneggiatori creare monologhi cinematografici che lascino i lettori e il pubblico in lacrime, inorriditi o meravigliati? Mentre stai determinando se un monologo è necessario all'interno della tua storia, devi prima decidere se scriverlo in forma attiva o narrativa. Quando scrivi monologhi attivi, devono avere uno scopo. Non possono essere usati come un semplice imbroglio o lusso per scrivere i sentimenti interiori dei tuoi personaggi perché non riesci a capire come mostrare piuttosto che raccontare.

Come possono gli sceneggiatori creare monologhi cinematografici che lascino i lettori e il pubblico in lacrime, inorriditi o meravigliati? Nella sceneggiatura, il monologo ha una cattiva reputazione. Sin dal boom della sceneggiatura degli anni Novanta, guru e opinionisti hanno consigliato agli sceneggiatori alle prime armi di tagliare tutto ciò che potevano all'interno della loro sceneggiatura, costringendo il monologo a essere un tabù in compagnia di sceneggiature specifiche dal ritmo serrato e basate sui concetti.

Il genere horror è antico quanto la narrazione stessa: autori geniali di ampio respiro come Shakespeare, Dante e Omero hanno usato il terrore per approfondire e oscurare le loro opere. In effetti, il mito greco, che sembra vivere nel pubblico dominio, è spesso sottovalutato come fonte di questi tropi. Certo, tutti hanno paura dei Ciclopi o di Scilla e Cariddi, ma per quanto riguarda gli umani e gli dei in gioco in queste storie? Sono probabilmente più atroci di qualsiasi mostro. Alcuni dei racconti di Ovidio nelle Metamorfosi dai toni diversi, una vera e propria antologia di leggende, sono assolutamente da incubo.