Sceneggiature e film Four-Quadrant (ovvero per maggiorenni, minorenni, uomini e donne) sono il pane e il burro di Hollywood. Questi sono i progetti che hanno la maggiore portata.. Nel caso dei progetti a quattro quadranti, si rivolgono a giovani, anziani, uomini, donne e chiunque altro.
I film per famiglie e d'animazione più apprezzati - dalla critica e dal successo al botteghino - hanno qualcosa per tutti. Non guardare oltre la rinascita dell'animazione Disney dal 1989 agli anni '90, con La sirenetta, La bella e la bestia, Il re leone e Aladdin.
A metà degli anni '90, è arrivata una società chiamata Pixar, che è stata rapidamente acquisita dalla Disney. I loro film Four-Quadrant hanno aperto la strada a una meravigliosa combinazione di narrazione toccante con la nuova tecnologia di animazione CG: la trilogia di Toy Story, Alla ricerca di Nemo, Gli Incredibili, Up , Wall-E, Inside Out, ecc.
Ciò che seguì fu la seconda rinascita della Disney Animation con artisti del calibro di Ralph Spaccatutto e Big Hero 6.
Questi erano film Four-Quadrant che piacevano a tutti. C'erano azione, avventura, romanticismo, dirottamenti, risate, cadute, ecc. Il pubblico, spesso composto da famiglie, poteva ridere, piangere e urlare di gioia mentre era sul bordo dei loro posti. La risonanza emotiva universale e di grande fascino è l'essenza dell'esperienza cinematografica dei quattro quadranti.
I film a quattro quadranti non sono una novità, infatti sono sempre stati l'ideale del cinema commerciale con film amati come Il mago di Oz, Star Wars, Indiana Jones, Harry Potter, Una notte al museo, I Vendicatori (The Avengers), ecc.
E il concetto di Four-Quadrants si è persino esteso a progetti che sono un po' più vecchi, ma ricadono comunque sotto l'ombrello di giovani (adolescenti in questo caso), anziani, uomini e donne. Incontra i genitori (Meet the Parents), Forrest Gump, Avatar, Titanic, ecc.
Ma qual è il segreto di questi film? In che modo sceneggiatori, produttori e cineasti attingono a questi temi universali?
Passiamo alla seconda parte dell'esclusivo faccia a faccia della produttrice Disney Animation Kristina Reed con ScreenCraft. La prima parte dell'intervista si è concentrata sull'aspetto del cortometraggio. Kristina ha vinto l'Oscar grazie al suo lavoro nei cortometraggi animati della Disney Paperman e Feast. È anche coproduttrice del film d'animazione Big Hero 6 della Disney e produttrice associata di Kung Fu Panda della DreamWorks Animation. Quindi, inutile dirlo, sa una o due cose su Four-Quadrant, famiglia e film d'animazione.
ScreenCraft: Ci sono alcuni tipi di personaggi e temi che meglio si adattano a un film rivolto a tutta la famiglia?
Kristina Reed: In generale sì. Concentrati su temi che sono parti universali e fondamentali della vita. Pensa ad alcuni dei grandi film per famiglie e dove hanno trovato queste missioni molto elementari: personaggi che vogliono essere amati/con cui giocare (Toy Story), eroici ribelli che cercano di respingere i malvagi signori (Star Wars), una famiglia che impara il valore del gioco (Mary Poppins).
La cosa interessante è che i riassunti di alto livello possono essere applicati a molti film, ma i grandi sono quelli che hanno raccontato bene le loro storie. Hanno iniziato con personaggi centrali che erano imperfetti ma riconoscibili e accattivanti. E ti ha portato in un viaggio in cui eri emotivamente con il personaggio, tutto il tempo.
Quindi, all'inizio di Kung Fu Panda, il team della storia sapeva che Po sarebbe stato pesante, perché i panda sono costruiti in quel modo, ma sapevano anche che non era giusto per il nostro personaggio sconfiggere il cattivo e salvare la città trasformandosi in una specie di eroe muscoloso. Quindi quale viaggio avrebbe intrapreso per diventare l'eroe?
Alla fine, hanno individuato che il difetto centrale di Po non era il suo peso, ma la mancanza di fiducia causata dal suo peso. Questa è stata una sorta di svolta, perché significava che tutti i momenti di allenamento del film (e alla fine il viaggio del film) non sarebbero stati per ottenere una forma migliore, ma per trovare la cosa in se stesso che lo avrebbe reso vittorioso. Nel caso di Po, è stata la sua resilienza, letteralmente la sua capacità di incassare un colpo e rialzarsi, ancora e ancora, a sconfiggere il cattivo. È stata una bella risoluzione della sfida perché ci ha permesso di dire che diventare l'eroe della propria storia non significa perdere peso o costruire muscoli o alterare radicalmente il proprio corpo, ma piuttosto determinazione e grinta. E quello di un messaggio in cui tutti i membri della famiglia possono trovare la verità.
ScreenCraft: Quali sono le dinamiche per trovare e sviluppare un lungometraggio "Four Quadrant"?
Kristina Reed: Il concetto di un film Four-Quadrant parla davvero di come rendere il film attraente per quante più persone possibile. La sfida più grande con l'animazione è assicurarsi di non incasellare mai noi stessi nella realizzazione di un film che possa intrattenere solo i bambini. Fondamentalmente, ciò che ogni membro del pubblico desidera, indipendentemente dall'età e dal sesso, è intraprendere un viaggio divertente ed emotivamente risonante.
L'approccio adottato da John Lasseter alla Pixar e alla Disney Animation prevede che ogni regista inizi il processo di sviluppo identificando un mondo e un tema ampio su cui vorrebbe raccontare una storia. Lo schizzo iniziale dei personaggi principali farà spesso parte di questa prima presentazione, ma riceveranno ulteriore forma e sviluppo, insieme ai dettagli del mondo e alle specificità dei temi man mano che la storia inizia ad evolversi.
La genialità di questo approccio sta nel fatto che il regista trascorrerà più di quattro anni lavorando a questo film e dovrebbe essere qualcosa che risuoni profondamente dal momento che lo proporrà più e più volte durante quel periodo .
Se stai girando un grande film, vuoi che il mondo del film sia grande.
Pensa a Pandora in Avatar, San Fransokyo in Big Hero 6 o nella serie di Harry Potter, un intero mondo complesso di maghi sovrapposto al nostro mondo. Non deve essere un mondo veramente grande (si pensi a Forrest Gump o Ralph Spaccatutto (Wreck-it-Ralph)) ma deve portarti in un luogo o punto di vista diverso dalla tua esistenza quotidiana.
Il mondo e i temi dovrebbero risuonare l'uno con l'altro. Tornando all'esempio di Ralph Spaccatutto, il personaggio principale, Ralph, vuole uscire dal ruolo unidimensionale che ha avuto per decenni. Nessuno nel suo mondo attuale sosterrà questo cambiamento, quindi deve letteralmente uscire dal suo mondo attuale. Ambientare questa storia in una sala giochi, vedere il mondo di Ralph come un gioco a sé stante, con una presa multipla che rappresenta la Game Central Station, dove i personaggi possono viaggiare verso altri giochi a sé stanti, utilizza il mondo reale del film per cristallizzarsi. i temi.
Il tema del voler essere diversi da chi si è veramente è un perfetto esempio di tema fondamentale e universale: l' abbiamo sperimentato tutti, indipendentemente dall'età o dal sesso. Ora aggiungi il divertimento e l'umorismo, senza mai allontanarti dall'autenticità dei sentimenti di ogni personaggio , e hai la stoffa per un film per tutti i tipi di pubblico.
ScreenCraft: Quali sono alcuni dei tuoi film per famiglie preferiti, sia in live action che in animazione? Cosa funziona così bene in quei film?
Kristina Reed: Sono una grande fan de Gli Incredibili (The Incredibles). Ha tutto ciò di cui abbiamo parlato: personaggi riconoscibili, ognuno con un difetto da superare e un viaggio da intraprendere, insieme a un design di produzione intelligente, grandi scene d'azione e un meraviglioso umorismo interamente guidato dai personaggi.
Ma facendo un ulteriore passo avanti, per me personalmente, penso che Elastigirl sia uno dei più grandi personaggi di mamma che abbia mai abbellito lo schermo (live action o animazione). Parlando da mamma e da donna in carriera, penso che la famiglia sia una testimonianza della genialità di Brad Bird con quel film. E quel personaggio in particolare in cui credo e a cui mi relaziono: una donna che può allungarsi in qualsiasi direzione, che ama suo marito e i suoi figli, che si contorce letteralmente per salvarli ogni giorno in una varietà di modi, e ogni parola che esce da la sua bocca è del tutto fedele a chi è e di cosa parla .
Insomma quale mamma non si vede proprio lì?
Sul lato live-action, uno dei preferiti è Elf. Se mi avessi detto che mi avresti mostrato un film su un essere umano cresciuto accidentalmente come un elfo che ora ha bisogno di lasciare il Polo Nord per trovare il suo vero io, ti avrei pregato di non farlo. Ma poiché Jon Favreau racconta la storia con una verità emotiva completa su chi è questo personaggio e cosa sta attraversando in ogni fase del percorso - trovando la vera risonanza in ogni scena del viaggio di questo personaggio - ha creato una storia per tutti noi che ci siamo mai sentiti fuori posto.
Genio.
ScreenCraft: Per gli sceneggiatori, quanto è difficile vendere o essere assunti per l'animazione rispetto al live action?
Kristina Reed: Posso solo parlare del processo alla Dreamworks e alla Disney Animation, dove siamo in gran parte alla ricerca di sceneggiatori che accompagnino il processo con i registi. I campioni generalmente ci arrivano tramite agenti e stiamo cercando le seguenti abilità (con priorità diverse, a seconda del progetto): struttura, umorismo, carattere.
Inoltre, quegli studi, così come Pixar e molti altri, elaborano la creatività nella stanza della storia , il che generalmente significa con un team di artisti della storia e il regista (i). Questo modo di creare la storia richiede uno scrittore flessibile e collaborativo. Questo non vuol dire che molti scrittori non siano quelle cose, ma che il processo della storia richiede che queste qualità siano altamente sviluppate.
In particolare, la realizzazione di un film d'animazione generalmente richiede anni, il che ci dà una certa larghezza di banda per continuare a rivedere il film in pezzi e nel suo insieme e continuare a rifinirlo. L'arco del personaggio è giusto? La scena è troppo lunga? La linea è la più divertente possibile? In definitiva, vogliamo realizzare un film e una storia così forti e divertenti che le famiglie li guardino per decenni. Questo è un livello elevato.
ScreenCraft: Ci sono segreti per scrivere umorismo che sia gli adulti che i bambini possano apprezzare e di cui ridere?
Kristina Reed: Non so se sia un segreto tanto quanto una vera abilità, ma posso offrire due suggerimenti:
- Pensa fisicamente ai personaggi e alle situazioni. C'è umorismo naturale lì da estrarre? L'umorismo fisico in qualche modo non invecchia mai. (Punti bonus perché funziona bene anche a livello globale!)
In Kung Fu Panda, c'è un momento in cui Shifu corre in cucina con l'orribile notizia che il maestro tartaruga è morto e Po viene sorpreso lì con due ciotole di legno rotonde sul petto, come i seni. I registi avevano preso la decisione di togliere il bavaglio poco prima che proiettassimo per un pubblico di prova di quinta elementare. Quando è arrivato questo momento, il teatro è esploso dalle risate. È rimasto dentro.
- Rendi il personaggio emotivamente vero in tutto ciò che dice, che sia divertente o meno. In questo modo, passo dopo passo, riga dopo riga, il pubblico crede a questo personaggio.
Uno dei miei momenti preferiti che mi ha fatto acquistare interamente un personaggio è stato in Tangled. Mentre Rapunzel mette piede fuori dalla sua torre per la prima volta nella sua vita, si ferma appena prima di lasciare che le dita dei piedi tocchino l'erba. Mi ha fatto capire che grande momento è stato per lei e che lei lo sapeva e mi ha fatto tifare per lei.
Quando il pubblico può sentire ciò che provano i personaggi, allora la storia può portarli ovunque.
ScreenCraft: Che tipo di cose nelle sceneggiature ti disattivano o ti disimpegnano come produttore?
Kristina Reed: In poche parole, sono spenta quando non riesco a capire cosa provano i personaggi. O se le loro emozioni sembrano false o alterate. Se ripensi a film che non ti hanno coinvolto, sospetto che sia perché il protagonista non suonava vero. Guardando dall'altra parte, per le storie che ti hanno coinvolto, è perché il personaggio ti ha fatto sentire.
Mentre scrivi, prenditi un momento dopo aver terminato ogni scena e assicurati di sapere cosa prova il tuo personaggio principale. E poi chiediti se il pubblico ha bisogno di vedere cosa sta provando . Dai loro una battuta o un'espressione o un manierismo o una piccola azione per portarmi nella sua testa. Questi momenti, fatti bene, non impantaneranno il tuo film; legheranno solo il tuo pubblico al tuo protagonista, e quando arriverai alla tua scena finale del terzo atto, ti sarai guadagnato l'emozione.
ScreenCraft: Qual è il miglior consiglio che puoi offrire a coloro che vogliono entrare nell'animazione? (Produrre, Scrivere, Animare, ecc.).
Kristina Reed: Ah, è un po' come chiedere come entrare nell'intrattenimento. Non esiste un approccio giusto. Per cominciare, ci sono molti studi di animazione, che creano tutti i diversi tipi di animazione per un enorme mercato globale dell'animazione. L'esperienza lavorativa può variare da produzioni multinazionali altamente collaborative al proverbiale artista indipendente che lavora nel loro garage. Dedica un po' di tempo alla comprensione del lavoro. Scopri chi lavora che ti piace e scopri i loro processi. L'animazione ha bisogno di tutti i tipi di talento, da quello artistico a quello tecnico, da quello strategico a quello finanziario e così via, quindi incoraggio sempre le persone a esplorare e fare rete.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
