Il montaggio è un fattore critico per il successo di qualsiasi film. Ogni scelta che il montatore fa influisce drasticamente sul coinvolgimento emotivo di qualsiasi storia, punto della trama, scena, sequenza o personaggio.

Quando il taglio originale di  First Blood  è stato proiettato per la prima volta per lo studio, è stato considerato un disastro. Quando l'originale Star Wars è stato mostrato per la prima volta nel suo primo montaggio ai colleghi di George Lucas - e poi ai dirigenti della Fox - la maggior parte credeva che fosse un fallimento.

Classici come Blade RunnerIncontri ravvicinati del terzo tipoSuperman II e numerosi altri hanno avuto più versioni basate su diversi tagli di ogni film. Il taglio originale di Blade Runner richiesto dallo studio ha costretto il regista Ridley Scott ad aggiungere una voce fuori campo costante per tutto il film. Quando ha pubblicato un Director's Cut anni dopo senza quella voce fuori campo, l'intero tono del film è cambiato, probabilmente in meglio.

Il film Suicide Squad della Warner Brothers/DC ha subito sette o più modifiche "finali". Il regista David Ayer inizialmente ha tagliato un film più oscuro mentre lo studio ha deciso che volevano un giro più divertente e leggero. Hanno lavorato duramente per cercare di trovare un consenso, che ha influito sul taglio rilasciato. Ha fatto soldi nel fine settimana di apertura, ma ha subito recensioni terribili e un calo del 67% durante il secondo fine settimana.

I film sono stati salvati da un ottimo montaggio e, a loro volta, sono stati distrutti da un cattivo montaggio .

Le scelte che fa un montatore sono vitali per raccontare una storia cinematografica. E certamente non si tratta solo di ciò che resta sul pavimento della sala montaggio, ma di scelte vitali ma semplici come:

  1. Quando entrare e uscire da una scena
  2. Quanto o quanto poco si usa il dialogo
  3. Quali emozioni vengono mostrate
  4. Quali punti di vista vengono utilizzati
  5. Quali transizioni vengono effettuate da una scena all'altra e cosa ci dicono queste transizioni

GLI SCENEGGIATORI DEVONO PENSARE COME GLI EDITORI CINEMATOGRAFICI

Non diversamente dal montaggio di un film, una bozza di una sceneggiatura può creare o distruggere il successo di quel materiale, non importa quanto siano grandi la storia e il concetto. Gli sceneggiatori devono pensare come montatori e creare un'esperienza cinematografica. Solo perché stai solo scrivendo parole - invece di tagliare film prodotti - non significa che non stai offrendo un'esperienza cinematografica. Sei.

Quando i lettori leggono le tue sceneggiature, hai il compito di consentire loro di vedere la tua storia attraverso gli occhi della mente con la stessa rapidità con cui una bobina di film viene proiettata sullo schermo di un cinema. Questo è il motivo per cui gli sceneggiatori devono abbracciare il mantra Less Is More. Ma deve andare oltre. Devi creare un'esperienza cinematografica autentica per loro e lo ottieni scrivendo come un editor modifica .

NON SI TRATTA DI ANGOLI E DIREZIONI DELLA TELECAMERA

Questo è il lavoro di un regista. Anche l'editor non decide quali angoli e direzioni della telecamera vengono utilizzati. Sì, sono costretti a fare i conti con ciò che viene loro dato - il che differenzia montatori e sceneggiatori perché gli sceneggiatori evocano immagini dalla loro stessa immaginazione ma possono comunicarlo solo a grandi linee affinché il regista possa stilizzare - ma il montaggio non è diverso dalla sceneggiatura nel contesto di dover fare scelte che innescano il miglior tono emotivo per la storia.

RACCONTARE LA STORIA NON BASTA 

Forse il problema più comune con le sceneggiature che arrivano a Hollywood è che sono letture noiose. Sono finiti nelle mani di Hollywood per considerazione probabilmente a causa di concetti intriganti. Tuttavia, anche quelli con personaggi, storie e concetti promettenti possono essere altrimenti dimenticati a causa della scarsa consegna.

Chiunque a Hollywood sa che il 95% delle sceneggiature che arrivano sono orribili o semplicemente non sono pronte. Il 3% è sopra la media. L'1% va bene. E poi l'1% superiore finale sono quelli che vediamo presenti negli scambi e talvolta sul grande schermo.

La maggior parte degli sceneggiatori alle prime armi si accontenterebbe di realizzare quel 4% superiore di sceneggiature superiori alla media o buone. "Battere" il 95% della concorrenza è un risultato, giusto? NO.

In questo settore, sopra la media non è buono e buono non è abbastanza buono.

Scrivere come un editor può fare la differenza per la maggior parte degli sceneggiatori là fuori. Anche storie e concetti "minori" possono essere catapultati oltre le mura di Hollywood verso il successo mettendo in mostra una vera lettura cinematografica.

In realtà è molto semplice se ci pensi. Le persone che cercano di realizzare film cinematografici per un pubblico che ama il cinema rispondono meglio a sceneggiature che si leggono in modo molto cinematografico.

Raccontare solo la storia non è sufficiente.

COME GLI SCENEGGIATORI POSSONO SCRIVERE COME GLI EDITOR MODIFICANO

La semplice risposta è questa: scrivi visivamente.

Gli sceneggiatori alle prime armi spesso si preoccupano troppo della trama invece di comunicarla cinematograficamente. Delineano le scene, si assicurano che i punti della trama siano posizionati qua e là, e poi quando scrivono, creano semplicemente scene che portano avanti la trama, spesso con dialoghi che raccontano piuttosto che mostrare.

Questo descrive circa il 98% delle sceneggiature che circolano attualmente nelle agenzie, nelle società di gestione e negli uffici di sviluppo di Hollywood.

L'1% più ricco offre un ibrido di grandi concetti, grandi storie, grandi personaggi e grandi letture cinematografiche.

Ecco sette modi in cui gli sceneggiatori possono scrivere come gli editor modificano:

1. VISUALIZZA OLTRE IL 75% DELLA SCENEGGIATURA PRIMA DI SCRIVERE UNA SINGOLA PAROLA

Per scrivere visivamente, devi prima visualizzare. Gli editori hanno filmati su cui lavorare grazie al regista e alla troupe, ma tu, lo sceneggiatore, devi evocare quel "filmato" per te stesso prima di scrivere in modo da poter fare quelle scelte di montaggio lungo la strada.

Sappi che la visualizzazione è scrittura. Non devi digitare fisicamente. Prenditi un mese o più per fare lunghe passeggiate, escursioni, giri in bicicletta o in auto. Riproduci un po' di musica cinematografica negli auricolari mentre lo fai. Con il concetto, i personaggi, le storie, i colpi di scena e le svolte nella tua mente, visualizza il film.

Puoi iniziare dall'inizio con la sequenza di apertura o concentrarti sulle scene principali che vuoi vedere con gli occhi della tua mente prima di scrivere.

2. OFFRIRE AL LETTORE UN TRATTAMENTO VISIVO NELLE PAGINE DI APERTURA

Immagina l'immagine di apertura ed evoca i momenti drammatici, spaventosi, elettrizzanti o divertenti che seguono. Immagina come puoi introdurre rapidamente i personaggi pur mostrando elementi di chi sono. 

Ma ancora più importante, offri qualcosa che coinvolga visivamente il lettore.

Qui è dove la maggior parte degli sceneggiatori commette un errore. Pensano che il dialogo e qualche punto della storia siano un modo per coinvolgere un lettore nelle prime pagine. Gli esseri umani rispondono di più ai riferimenti visivi, quindi il modo migliore è evocare elementi visivi che coinvolgano, piuttosto che solo dialoghi o punti della trama intelligenti, interessanti o scioccanti.

Lo fai descrivendo qualcosa che crea una risposta viscerale nel lettore. Qualcosa di memorabile. Il defunto Wes Craven ha aperto con questa scena viscerale in Scream incentrata sulla paura di essere soli o di essere perseguitati.

È cinematografico perché non apriamo con la messa a punto del suo personaggio. Non incontriamo prima i suoi genitori. Non incontriamo il suo ragazzo. Siamo spinti proprio nel bel mezzo del momento.

John Carpenter, che è il re nel gettarci rapidamente nel concetto, ha aperto il suo classico horror di fantascienza The Thing in questo modo...

Non ci vengono presentati prima i personaggi dell'ensemble. Non ci viene presentata la loro ambientazione e le dinamiche di gruppo, come avrebbe fatto una sceneggiatura minore. Innanzitutto, ci viene offerta una visuale di un'astronave che cade nell'atmosfera terrestre. Quindi siamo immediatamente nell'azione di un elicottero che insegue - e spara a - un lupo. Osserviamo mentre il lupo corre nella struttura in cerca di rifugio mentre il tiratore dell'elicottero esce e inizia a sparargli mentre urla ai personaggi principali del film in una lingua straniera. Alla fine, il tiratore viene eliminato da uno dei personaggi principali.

Questa apertura è realizzata quasi interamente da elementi visivi, e ora ci chiediamo in che modo l'aspetto dell'astronave che entra nell'atmosfera terrestre sia correlato a ciò che è seguito.

There Will Be Blood di Paul Thomas Anderson si concentra esclusivamente sulla grafica mentre veniamo catapultati nella vita del personaggio principale.

Andiamo da una scena all'altra di lui che sopravvive agli elementi, scava, si fa male e poi riesce finalmente a trovare la sua fortuna. È una sequenza viscerale che viene montata perfettamente mentre ci chiediamo chi sia questo personaggio, mentre vediamo quanto è motivato e mentre apprendiamo che non si fermerà davanti a nulla per avere successo.

Tu, lo scrittore, puoi e dovresti scrivere come queste sequenze di apertura sono modificate.

3. INTERCUT DIVERSE SCENE INSIEME PER SPEZZARE SCENE PIÙ LUNGHE

Se hai una scena più estesa che deve essere rappresentata, pensa come un montatore e scopri come puoi spezzare quella scena intercalandola con altre scene, saltando da un luogo all'altro, da questo personaggio a quello, ecc.

Passa dall'uno all'altro, avanti e indietro, piuttosto che offrire solo una blanda raccolta di scene costruite una sopra l'altra. Non è così che la maggior parte dei grandi film si sente quando siamo a teatro. Perché? Perché sono stati modificati per trasmettere una certa energia, flusso e stile.

4. NON MODIFICARE DALLA TRAMA, MODIFICA DALL'ISTINTO

Come accennato in precedenza, troppi sceneggiatori si concentrano sulla trama della sceneggiatura mentre scrivono e modificano. Per creare quel "taglio" cinematografico della tua sceneggiatura, fidati del tuo istinto. Quali ritieni siano le migliori scelte cinematografiche quando passi da una scena all'altra? Cosa funziona meglio visivamente?

Il problema con le presunte "formule per il successo" della sceneggiatura - Save the Cat, ecc. - è che generano sceneggiature stereotipate . Ti insegnano a scrivere e modificare partendo dalla trama piuttosto che dall'istinto. Hai guardato film e televisione per tutta la vita. Fidati di questo istinto di narrazione visiva ora incorporato per offrire risposte all'unica domanda di  "Cosa vedremo dopo?"

5. COSA VEDIAMO DOPO?

Non si tratta di andare alla struttura per vedere cosa viene dopo nella storia. Non si tratta di seguire una formula o una struttura. Scrivere come le modifiche di un editor riguarda tutto ciò che vediamo dopo e perché.

Non aver paura di terminare una scena con un personaggio che guarda l'acqua torbida e poi aprire la scena successiva con un primo piano di quello o di un altro personaggio che si lava le mani insanguinate nel lavandino.

Non aver paura di terminare una scena con un personaggio che ne minaccia un altro con rabbia violenta e poi aprire la scena successiva con quella vittima che viene scoperta come un cadavere che galleggia in un lago.

Entrambi quegli esempi che altrimenti sarebbero semplici ma efficaci scelte di montaggio cinematografico sono tipi di elementi visivi che gli sceneggiatori dovrebbero abbracciare in ogni singola pagina della loro sceneggiatura e in ogni transizione tra le scene.

6. È TUTTA UNA QUESTIONE DI RITMO 

Il grande montatore Walter Murch (Apocalypse Now) lo ha detto meglio quando si parla di editing:  "È tutta una questione di ritmo".

Alcuni diranno che un ottimo editing è fluido e impercettibile. Quando parliamo di ritmo, suona vero. Per la sceneggiatura vale lo stesso. Tuttavia, a volte seguire il ritmo di un momento emotivo ci costringe a passare da una scena all'altra in modo creativo.

Alcune scene emotive vengono riprodotte meglio se passi in modo stridente alla scena successiva.

Se qualcuno è agitato dopo una discussione con un altro personaggio, la scena successiva potrebbe aprirsi con loro a casa che fanno a pezzi il loro appartamento. Non dobbiamo vederli lasciare la posizione precedente, tornare a casa, entrare e poi iniziare a devastare. Invece, passiamo dall'emozione della discussione all'emozione della loro reazione qualche tempo dopo.

Gli sceneggiatori possono seguire il ritmo emotivo della storia e del personaggio da una scena all'altra facendo le scelte giuste che offrono transizioni cinematografiche facilmente comprensibili al lettore.

7. PRATICA, PRATICA, PRATICA

Murch lo ha spiegato meglio quando ha affermato:  "Il montaggio è molto simile alla danza ... puoi spiegare i rudimenti della danza, ma per imparare davvero a ballare devi ballare".

Mentre impari a scrivere come un montatore per alzare la posta della tua sceneggiatura con un tocco cinematografico, devi esercitarti e trovare il tuo stile. La maggior parte dei maestri registi lavora con gli stessi editor da un'immagine all'altra. Ecco perché i film di Quentin Tarantino degli anni '90 si sentivano come loro: la sua collaborazione con la defunta montatrice Sally Menke. Ecco perché i film di Paul Thomas Anderson si sentono così: la sua collaborazione con Boogie NightsMagnolia e l'editore di There Will Be Blood Dylan Tichenor.

Non solo dovresti distinguerti come uno sceneggiatore straordinario con il tuo raccolto di concetti, storie e personaggi, ma la lettura delle tue sceneggiature dovrebbe distinguersi per il tuo stile di scrittura cinematografico.

I lettori ti ringrazieranno perché leggono infinite sceneggiature che semplicemente si limitano a tramare, tramare e tramare invece di dare al lettore quel brusio che provano quando vedono un grande film svolgersi davanti ai loro occhi.


Vai a teatro e guarda alcuni film questo fine settimana o trovane alcuni sui tuoi dispositivi di streaming. Scegli quelli che hanno un tono simile a quello che stai scrivendo. Mentre li guardi, presta particolare attenzione al montaggio e a come quel montaggio ti fa sentire come spettatore.

Guarda un film dell'orrore e guarda come l'editor gioca con le tue emozioni in ogni scena, quindi emulalo nelle tue sceneggiature per far sentire il lettore allo stesso modo.

Guarda una commedia esilarante e guarda come l'editore trasmette varie piante e playoff per l'umorismo per farti ridere - e poi vai a far ridere quel lettore altrettanto forte con il tuo.

Guarda un film d'azione e osserva come l'editor costruisce i brividi fino a un climax da brivido, quindi crea le tue sequenze d'azione che portano quel lettore a pochi centimetri dal bordo della sedia con il giro di ogni pagina .

L'ispirazione alla base di questo post, oltre al mio processo di scrittura, può essere trovata di seguito. Dai un'occhiata alla mente di un editore e vedi cosa puoi portare via dal loro mestiere. Ancora una volta, i lettori di Hollywood ti ringrazieranno per questo.

 

Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org