Quali sono gli errori più comuni che gli sceneggiatori commettono quando scrivono le scene dei dialoghi? Nella maggior parte delle sceneggiature ci sono almeno un paio di righe di dialogo in ogni scena. Ciò significa che gli sceneggiatori sono sempre suscettibili ai molti errori comuni commessi durante la scrittura e la formattazione degli scambi di dialoghi e della descrizione delle scene intermedie.
Qui abbiamo un esempio di scena ricca di dialoghi, scritta con una serie di errori che presto evidenzieremo. Il conteggio delle pagine è di circa uno e tre quarti.
Quindi la scena ha alcuni momenti divertenti di avanti e indietro tra due personaggi nella stessa posizione, insieme a due linee di dialogo di due personaggi non direttamente nella stessa posizione.
È una scena breve, il che è positivo, composta solo da una pagina e tre quarti. Ma diamo uno sguardo più da vicino a quella che alcuni potrebbero considerare, per lo meno, una scena passabile.
1. EVITARE L'USO DELLE PARENTESI COME INDICAZIONI DI RECITAZIONE
Nelle righe di apertura della scena, lo scrittore sceglie di utilizzare la parentesi come un modo per dirigere la performance del potenziale attore inserendo un avverbio per denotare il tipo di emozione con cui dovrebbe essere trasmessa la linea di dialogo.
Questo tipo di elemento della sceneggiatura dovrebbe essere evitato quando scrivi il dialogo. È allettante, lo sappiamo. Tu, lo sceneggiatore, hai la sensazione di quali emozioni ci sono dietro le parole perché, si spera, vedi la scena con gli occhi della tua mente e stai cercando di comunicare quell'immagine nel miglior modo possibile.
Tuttavia, il film è un mezzo collaborativo. Un regista e un attore lavorano spesso insieme per valorizzare le parole scritte dallo sceneggiatore. Quindi in questo caso, con rimorso potrebbe non essere la scelta migliore rispetto alla possibile nota dell'attore di recitare la battuta con un senso di disgusto.
Provare rimorso e provare disgusto verso qualcuno sono due emozioni e tipi di battute molto diversi.
In breve, non limitare il dialogo assegnando un avverbio e una direzione di esecuzione specifici.
Sì, ci sono momenti in cui un particolare tipo di battuta è appropriata alla storia e deve essere interpretata in un certo modo. Ma l’uso delle parentesi per dirigere l’attore o trasmettere un’emozione specifica dovrebbe essere usato raramente. Troppi scrittori sovrappopolano i loro dialoghi con questo tipo di indicazioni tra parentesi. Il più delle volte è uno spreco di proprietà immobiliari di prima qualità per la sceneggiatura.
2. UN BATTITO NON È UNA PAUSA
Lo scrittore sceglie di utilizzare la parentesi per trasmettere una pausa nella consegna della riga utilizzando il termine battito. Questo è un riferimento alla recitazione che ha molti tipi diversi di significati, solo uno dei quali implica una pausa (pause).
Ancora una volta, lo scrittore sta sconfiggendo la natura della collaborazione cinematografica cercando di dettare dove un attore dovrebbe fermarsi nella sua interpretazione. Non è compito dello sceneggiatore.
Gli sceneggiatori devono lasciare questo tipo di interpretazione sia al lettore che legge la sceneggiatura, sia all'eventuale attore che interpreta il dialogo.
Se la storia e la trama richiedono che il personaggio metta in pausa il dialogo per una qualsiasi buona ragione, scrivi (pausa) invece di (battito). O meglio ancora, inserisci una riga di descrizione della scena che spieghi il motivo della pausa.
3. NON ABUSARE DELL'ELLISSE
Sì, i puntini di sospensione (...) possono essere utilizzati al posto della pausa all'interno di una parentesi. Ma con questa consapevolezza, la maggior parte degli sceneggiatori sono tentati di abusarne per dirigere, ancora una volta, la performance della battuta dell'attore.
Nel nostro esempio, la prima riga di dialogo di Jack utilizza più puntini di sospensione per denotare un comportamento confuso, completo di pause tra le parole mentre cerca cosa dire.
Per aumentare la confusione, chi scrive ha deciso di includere anche (confuso). Questo non solo è ridondante, ma sia la parentesi che l'ellisse sono del tutto inutili.
Al di là della questione della collaborazione, più ellissi interrompono il flusso del dialogo. È una sceneggiatura eccessivamente formattata che fa più male che bene.
L'interpretazione della scena da parte del lettore non ha bisogno di essere scandita da pause ed esitazioni. La natura del personaggio e la situazione in cui si trova informeranno il lettore su come viene pronunciata la battuta.
4. UN'ELLISSE NON VIENE UTILIZZATA PER LE INTERRUZIONI
Gli sceneggiatori commettono anche l'errore di terminare le linee di dialogo con un'ellisse, cercando di comunicare che il personaggio è stato interrotto da un altro. Usano anche una parentesi (vedi sotto) per comunicare anche quello di seguito.
Le interruzioni in quanto tali dovrebbero essere formattate utilizzando due trattini (--) alla fine di una frase e due trattini (--) all'inizio del dialogo di interruzione.
Quando termini una riga di dialogo con un'ellisse, il vero scopo è indicare che il personaggio si sta interrompendo nelle sue parole o aspetta che qualcuno finisca quello che sta dicendo.
5. SE VUOI FAR GIURARE I PERSONAGGI, FALLI GIURARE
Lo scrittore sceglie di utilizzare simboli per rappresentare quella che sarebbe una bomba atomica all'interno del dialogo (vedi immagine sopra).
Non preoccuparti. Non offenderai il lettore, il produttore, il dirigente, il regista o l'attore. Hanno letto e detto un sacco di parolacce / linguaggio forte in questo settore. E se non ti senti a tuo agio a scriverlo, forse la parola non è necessaria.
Dal punto di vista della caratterizzazione, a volte è però necessario. Non essere timido e non rendere difficile al lettore decifrare quale parolaccia scegliere. Ce ne sono così tante.
6. ELIMINA LE RIGHE SOTTOLINEATE E IN MAIUSCOLO
Comprendiamo il significato dietro il sottolineare le linee di dialogo e metterle tutte in MAIUSCOLO: vuoi comunicare che la linea deve essere detta con forza o dovrebbe essere accentuata in qualche modo, forma o forma. Quando gli sceneggiatori usano il MAIUSCOLO nei dialoghi, cercano di assicurarsi che sappiamo che il personaggio sta urlando.
Come sempre, il problema è che troppi scrittori utilizzano eccessivamente questo tipo di formattazione. Ogni volta che un personaggio dice qualcosa di importante, viene sottolineato. Ogni volta che un personaggio dovrebbe urlare è in MAIUSCOLO.
Sbagliato. È una formattazione eccessivamente impegnativa e eccessivamente utilizzata, che interrompe il flusso del dialogo e, in misura minore, ferisce gli occhi del lettore (specialmente le MAIUSCOLE).
Puoi usare i punti esclamativi per stabilire se un personaggio sta urlando o meno. Questo è più o meno il punto esclamativo: stanno esclamando qualcosa, che è definito come un grido improvviso, specialmente in caso di sorpresa, rabbia o dolore.
7. MA NON ABUSARE DEI PUNTI ESCLAMATIVI E DI ALTRI SEGNI DI PUNTEGGIATURA
È sufficiente un punto esclamativo o interrogativo. Occasionalmente te ne daremo anche due se vuoi trasmettere ulteriormente l'enfasi. Ma quando gli sceneggiatori ne scaricano quantità ridicole dopo una linea di dialogo, diventa troppo e sembra molto poco professionale.
8. CONOSCI LA DIFFERENZA TRA "VOCE FUORI CAMPO" E "FUORI SCHERMO"
Ora, qui c'è un'area grigia perché alcuni lettori hanno definizioni diverse e usi preferiti dei due.
La voce fuori campo (VO) dovrebbe essere utilizzata principalmente per la narrazione, il che significa che il dialogo della voce fuori campo è attribuito a un personaggio che non solo non è sullo schermo ma non è nemmeno direttamente coinvolto nella scena attuale. Stanno letteralmente raccontando la scena.
Off Screen (OS) dovrebbe essere utilizzato principalmente per chiunque non sia letteralmente presente sullo schermo ma tecnicamente sia nelle vicinanze dei personaggi che lo sono. Ciò potrebbe significare che sono appena fuori dalla telecamera (puoi anche usare l'OC (Off Camera) più specifico per questo), nascosti o nascosti dietro qualcosa, o che si trovano in una posizione adiacente a quella vista sullo schermo.
L'area grigia si trova all'interno del regno cinematografico delle telefonate, delle radio e di altri dispositivi che possono portare i personaggi fuori schermo nella scena presente sullo schermo attraverso la loro voce.
Nel nostro esempio, la mamma di Jack è proprio al piano di sopra e sta urlando il suo dialogo da una stanza adiacente. L'ottavo selezionatore (Timmy) è collegato alla scena tramite le cuffie da gioco di Jack. (VO) è il modo improprio di incorporarli nella vista perché Voice Over denota narrazione.
Questo è un elemento molto comune e frainteso del formato della sceneggiatura che persino gli scrittori più esperti dimenticano o non capiscono. Ma dal punto di vista del lettore, Voice Over è narrazione e Off Screen significa che il personaggio è ancora connesso alla scena, ma semplicemente non è fisicamente presente al suo interno.
9. NON C'È BISOGNO DI AFFERMARE L'OVVIO
Sia che si utilizzino parentesi o una riga di descrizione della scena, non c'è assolutamente alcun motivo per affermare ciò che è evidente al lettore.
Nell'esempio originale (non riesce a crederci) non è necessario. È ovvio dal dialogo che "non può crederci".
Quando Jack urla a sua madre, ciò viene comunicato tramite i punti esclamativi. Lo scrittore non ha bisogno di includere (urlando).
Nella descrizione della scena, la scrittrice afferma l'ovvio spiegando in dettaglio che si sta rendendo conto del fatto che sta uscendo con un bambino o qualcosa di peggio. Le linee di dialogo precedenti lo indicano già.
Gli scrittori spesso sentono il bisogno di spiegare eccessivamente le cose al lettore. I lettori di sceneggiature leggono dozzine di sceneggiature al mese, così come agenti, manager, produttori, dirigenti, registi e attori. Lo capiranno. E se non glielo spieghi una volta (figuriamoci due volte), molto probabilmente lo assumeranno.
10. EVITA QUALSIASI DIALOGO E DESCRIZIONE SUPERFICIALE
On-the-Nose è spesso definito in termini scritti come parole prive di sottotesto, troppo ovvie e/o che non hanno né sottigliezza né sofisticatezza .
Se un personaggio si sente arrabbiato, ciò non dovrebbe essere accompagnato da una linea di dialogo ovvia che affermi proprio questo. "Sono così arrabbiato con te in questo momento!" E' un brutto dialogo.
Nel nostro esempio sopra, Kate offre un dialogo diretto che semplicemente non è necessario. Il lettore coglierà il sottotesto della scena che comunica chiaramente che ha finalmente realizzato in cosa si è cacciata con questa relazione.
Lo scrittore utilizza anche la descrizione della scena per questa stessa informazione.
Ecco una versione riscritta della scena che aderisce meglio ai dieci punti che abbiamo trattato finora. E' lunga una una pagina e un quarto, mezza pagina in meno rispetto alla versione originale. Anche se potrebbe non sembrare molto, considera quelle pessime abitudini di scrittura diffuse nell'intera sceneggiatura.
Abbiamo eliminato la direzione dell'attore, le battute, i puntini di sospensione non necessari, i puntini di sospensione utilizzati in modo errato, i dialoghi sottolineati inutilmente, le maiuscole non necessarie, la punteggiatura eccessiva, la voce fuori campo utilizzata in modo improprio, le parentesi e le righe di descrizione della scena troppo ovvie e tutto ciò che è evidente nella descrizione della scena e dialogo.
Abbiamo anche mostrato alcuni esempi di quando è possibile utilizzare le parentesi.
La versione riscritta utilizza le parentesi per sottolineare che il dialogo di Timmy proviene da un luogo specifico. Ciò evita la confusione iniziale che un lettore potrebbe avere mentre cerca di individuare da dove proviene il dialogo invisibile del personaggio. Facciamo lo stesso anche per la mamma di Jack per indicare che sta chiamando dal piano di sopra, che è una stanza adiacente all'attuale luogo della scena.
E infine, usiamo le parentesi per comunicare che Jack sta dicendo l'ultima riga a se stesso. Un perfetto esempio di una scelta che puoi fare che non significa necessariamente che stai dirigendo la performance. Invece, stai descrivendo in dettaglio il contesto della linea e a chi è diretta.
---
Eliminare questi dieci elementi non necessari dalle tue sceneggiature può farti risparmiare più pagine a lungo termine. Può anche aiutare con la lettura della sceneggiatura, creando una sceneggiatura e un'esperienza cinematografica dal ritmo migliore per il lettore. E le tue scene di dialogo scorreranno molto bene.
Non si tratta di essere pignoli. Si tratta di portarti alla scrittura più stretta possibile.
Articolo di Ken Miyamoto per screencraft.org
