Incontri ed Interviste

Come mai hai scelto di fare una tesi di laurea su Silvio Soldini?  L'idea principale era di fare qualcosa sul cinema italiano contemporaneo. Avevo pensato a diversi autori, per esempio a Martone, ma in quel momento Soldini era il regista che mi interessava di più. Avevo visto da poco "Le acrobate" del '97 e mi era piaciuto molto. Inoltre, su Martone c'era già una tesi in corso. Poi nel '98 ho incontrato Soldini a Bellaria, gli ho parlato della mia idea di fare una tesi sul suo cinema e mi ha risposto: "Ma non hai nient'altro di meglio da fare?".

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Quando sento parlare di nuovi progetti cinematografici mi si innalzano le antenne e vado subito a constatare. E questa volta ho fatto veramente bene. Ho visto un mediometraggio girato da due giovani che merita veramente di essere visionato. Un'opera che è stata concepita con lo spirito puro del cinema e che è stata portata avanti grazie allo spirito di sacrificio (ed all'aiuto del digitale) contro uno strapotere visivo fatto solo di soldi (che magari non guastano) e attori “famosi”. Per questo voglio far spostare la vostra attenzione su PHANTOM IL RITORNO, intervistando uno dei due registi che ne è anche il protagonista, Achille Zaino…

Leggi tutto: INTERVISTA esclusiva a ACHILLE ZAINO di Michelangelo Gregori

Steven Spielberg è senza dubbio uno dei registi più influenti e riconosciuti del cinema mondiale. La sua carriera, che abbraccia oltre cinque decenni, è segnata da una serie di film che non solo hanno ottenuto un enorme successo commerciale ma hanno anche lasciato un'impronta indelebile sulla cultura popolare e sull'industria cinematografica. Spielberg è noto per la sua abilità nel raccontare storie, la sua versatilità come regista, e per aver introdotto o perfezionato numerose tecniche cinematografiche.

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Un bagno pubblico abbastanza degradato, una donna paranoica per l'igiene, una mosca, compongono una mistura che si rivela esplosiva. La difficoltà nel distinguere la realtà dalla finzione, le aspettative di aspiranti ballerine, mimi, attori, i loro provini che divengono momento di esternazione dei propri problemi esistenziali. Stiamo parlando di due film, entrambi di registi campani: Shit di Davide Marengo e Provini di Michele Ieri. Sono due film di 7'30" e 10', due cortometraggi. Entrambi molto giovani, gli autori si avvicinano al mondo dello spettacolo. Michele Ieri comincia al liceo «per gioco con alcuni spettacoli teatrali», poi finisce per collaborare come dialoghista di opere radiofoniche. Nei primissimi anni '80 mette in scena la sua prima commedia teatrale, Rosa pallido, prima dello scioglimento del suo gruppo. Passeggiata nei campi flegrei e Cuma, città morta? segnano, in super 8, il suo ingresso nel cinema nell'81 e gli danno modo di «cercare la pellicola, la luce» ed «eseguire esercitazioni sul tema». Poi una lunga pausa di cui approfitta per studiarlo, il cinema, perché ha «bisogno di leggere tutto con voracità», fino ad Amici, il suo primo lungometraggio (`93) e Provini, cortometraggio prodotto nel '96.
Anche Davide Marengo comincia presto. A 16 anni frequenta i set cinematografici, lavorando come assistente alla regia o assistente alla produzione, fino a film come Ninfa plebea della Wertmiiller. Approfitta di queste situazioni per «portare una telecamera e realizzare backstage». Così è stato per Marianna Ucria come per Uomo d'acqua dolce: insomma, «è un pretesto per stare sul set». Entrambi amano Kubrick, che pongono al «vertice perché esprime l'essenza del mezzo cinematografico» come sostiene Marengo. Per quanto riguarda il cinema italiano, c'è senz'altro Pasolini per ieri, «ma si conosce poco» e poi Totò, le cui storie reputa «molto gradevoli, a volte più di certo cinema d'autore». E dei contemporanei napoletani che cosa ne pensano? «Francesco Rosi è rigoroso», piace a Michele Ieri perché riesce a «definire un certo periodo degli anni Settanta» mentre quasi per niente Squitieri, considerando «il suo modo di fare cinema ideologicamente grossolano». E i più giovani come Manone, Corsicato, Incerti? «Bisogna riportare la gente al cinema. Si crede spesso di essere portatori di verità. Al cinema bisogna portare la gente», sapendo «raccontare le cose», sostiene Ieri a proposito dei nuovi autori, che peraltro non disdegna. Marengo, invece, sostiene che per quanto
riguarda i nuovi autori italiani, quello dei «napoletani è l'unico gruppo emergente come identità cinematografica», anche se lui preferisce un «cinema più grottesco e surreale», dopo tanti grossi nomi che però vanno letti nella loro individualità. Marengo giudica «Martone un autore interessante, ma non è il suo cinema quello da me preferito, perché il realismo puro condiziona una visione della realtà ed è difficile da portare al cinema fedelmente. Una storia surrealista ti permette di mettere in luce cose in cui credi veramente. Corsicato con Libera è riuscito un po' a raccontare con ironia la realtà complessa: Libera prende in giro l'iconografia classica della napoletanità». Molti sono coloro che distinguono il termine film dal corto, attribuendo a quest'ultimo un ruolo di secondo piano e non riconoscendogli invece un linguaggio proprio. Che cosa pensano i due registi? Secondo Davide Marengo «il corto ha un linguaggio diverso. La storia è raccontata in breve tempo e ti impedisce di approfondire la psicologia dei personaggi; è un'esercitazione cinematografica che, però, stimola a raccontare una storia in pochi minuti e in cui la superficialità del racconto viene sostituita dalle tecniche cinematografiche» che via via vengono scelte. Michele Ieri sostiene che «un corto è più libero» di un lungo, forse proprio perché «ha meno mercato, e anche più facile; però i problemi da affrontare nel raccontare una storia in dieci minuti sono diversi dal lungometraggio». E ancora Ieri predilige «un'opera sporca, fatta con pochi mezzi, più che un'opera che strizzi l'occhio al grande film», rincorrendo i costi da sostenere per utilizzare certi movimenti di macchina con una certa fotografia. Quanto c'è del loro background culturale nei film realizzati, quanto incide essere nati in Campania? Michele Ieri risponde con il suo lungo Amici, la storia di quattro compagni che concepiscono l'amicizia come un alibi per non stare soli: «Volevo raccontare una Napoli non protagonista e dire alla gente che c'è una borghesia come nelle altre città». Marengo invece vive a Roma dall'età di cinque anni, ma, avendo genitori napoletani e i parenti nel capoluogo campano, rimane particolarmente legato a Napoli. Ma veniamo a Shit. Il cortometraggio, che Davide Marengo produce insieme a Tommaso Ragnesco, che si occupa degli effetti speciali, trae spunto «da una vignetta di Andrea Ricci» e un po' perché è piaciuta la vignetta, un po' per la voglia di provarsi, i due decidono di realizzarlo. Shit rappresenta l'ossessione, sintetizzata nella mania dell'igiene e nella «mosca che vola nel bagno, che viene alla luce e che esplode quando raggiunge il limite di non sopportazione». Dai disegni sulle pareti e dal modo in cui la protagonista si rapporta con loro, «affiora la sua perversione, la sua morbosità». Diversa è la storia di Provini. Nelle intenzioni di Michele Ieri c'era e c'è quella di «creare un premio e organizzare una sorta di concorso di sceneggiatura per le scuole da cui realizzare un corto da presentare, insieme ad altri cortometraggi fatti dai giovani, in una grande festa del cinema: un cinema di ragazzi fatto dai ragazzi stessi. Parlando con i giovani, si apprende come il cinema eserciti una irresistibile magia e la loro non è una città con situazioni felliniane. come nel finale di Provini. Tutto ciò, per Ieri, a seguito delle sue esperienze a contatto con gli studenti delle scuole. Scopre che, per partecipare a quei corti «si presenta una serie di persone che ti racconta il quotidiano». Ed ecco «la storia di questa gente e quella del falso meccanico-attore vero». E in queste storie la realtà e la finzione si mescolano e si confondono, come il mondo dello spettacolo: dov'è il confine tra il vero e il falso? «Nel cinema stare davanti la macchina da presa è duro, ma davanti allo schermo si sogna».
Qualcuno ventila la proposta di vincolare la durata dei corti per omologarli nel mercato internazionale, obbligando gli autori a un minutaggio a uso e consumo delle televisioni, facendo perdere al prodotto culturale cortometraggio la caratteristica di prototipo, cioè di prodotto a sé stante che distingue il film, per inserirlo in un contesto completamente diverso. Che cosa ne pensano i due registi? Per Marengo la proposta mira a poter «commercializzare il film. Non vuole essere tanto una limitazione per legge, quanto dare la possibilità alle persone di investire». È avvertibile inequivocabilmente che i due registi da noi avvicinati siano fautori di un cinema giovane, permeato dalla voglia di uscire dagli stereotipi. In certe situazioni la sopravvivenza materiale, ma anche esistenziale, continua a essere il nodo principale. Nelle storie, a cui siamo abituati, ricorre un'unica immagine di Napoli e del Sud, ma, come dice Michele Ieri, anche se «il racconto è sempre parziale», l'organizzazione delinquenziale presente ormai nel nostro immaginario, «nasce da rapporti di comunicazione difficili». Questo significa guardare oltre e aprire nuovi orizzonti: «Sento il bisogno di uscire dal quotidiano», diceva ancora Michele Ieri, «e preferisco più fare cose brutte che inutili». Così va avanti il nuovo cinema e nei progetti di Davide Marengo ci sono ben due nuovi cortometraggi.

Shit di Davide Marengo

Gilroy ammette che, nonostante sia uno sceneggiatore in attività, le linee guida che offre sono quelle che anche lui ha bisogno di ricordare a se stesso, sottolineando il fatto che anche gli sceneggiatori nominati all'Oscar lottano tanto quanto gli sceneggiatori alle prime armi. Abbiamo ricavato sette linee guida da questo eccellente discorso e dalla sessione di domande e risposte - che possono essere visualizzate sotto questa analisi - e aggiunto alcune ulteriori elaborazioni sui punti che ha sottolineato così bene.

Leggi tutto: Tony Gilroy: Linee guida per scrivere una sceneggiatura originale

Leggi tutto: Il 95% della scrittura è finalizzata alla risoluzione dei Problemi

Intervista di Mario Cosentino, sceneggiatore e regista del cortometraggio "Capolinea" vincitore del Concorso "ilCORTO.it 2004"

Leggi tutto: Intervista al regista MARIO COSENTINO

«Non se ne può più di personaggi negativi e vincenti». In vena di ricordi Christian De Sica liquida, a sorpresa, la sua ampia galleria di personaggi sboccati, maleducati, insopportabili: «Se facessi oggi un film come quelli con Aurelio De Laurentiis produttore, mi arresterebbero». 

Leggi tutto: Christian De Sica: “Il POLITICALLY CORRECT è una stronzata"

Lunedì 10 Luglio 2023, Roma, presso il Black Lodge project, splendida e suggestiva location, che fonde in una magica alchimia, musica, fotografia e cinema, abbiamo avuto il piacere di incontrare ed intervistare, Laura Muccino, sorella del celebre regista Gabriele, oggi figura importante e di prim’ordine come Casting director italiana. (con video)

Leggi tutto: Intervista alla Casting Director Laura Muccino

Il cortometraggio italo-iraniano “Psychicken” (2023) del regista Ata Mojabi è un corto surreale e muto fantasy che mostra la crudeltà del destino dando una lezione di vita a un vagabondo. Racconta la storia di un ladro che commette un crimine orribile durante una rapina e poi scappa, ma si accorge che qualcuno lo sta inseguendo.

Leggi tutto: Ata Mojabi regista iraniano sceneggiatore e regista di molti cortometraggi

Il 13 marzo 1988 moriva a settantatrè anni Steno, nome d´arte che Stefano Vanzina aveva scelto iniziando la sua carriera di umorista al Marc´Aurelio, autentica fucina (il giornalismo satirico con la radio e il teatro leggero) di innumerevoli futuri talenti del cinema italiano del dopoguerra.

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Iniziai a lavorare in Senso dopo una breve esperienza con Visconti come operatore alla macchina in un episodio con la Magnani — Anna — del film Noi donne. Il rapporto cominciò mettendo subito in chiaro certi aspetti del nostro carattere. Si girava al Teatro Sistina ed io arrivai tardi sul posto di lavoro. Avevo viaggiato tutta la notte proveniente da Venezia, dove stavo girando un documentario sul Carpaccio e dove Aldó [Aldo Graziati] mi aveva chiamato con urgenza, essendo egli stesso sollecitato all'ultimo momento da Visconti per terminare le riprese di quell'episodio.

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L’anteprima è avvenuta presso lo Spazio Roma Lazio Film Commission, moderatore il giornalista Marco Bonardelli, che, salutando il pubblico e presentando i relatori, ha mandato in visione un contributo di Luca Ward, assente giustificato: “Era una mattina di qualche mese fa, squilla il telefono, un numero che non conosco, la voce di una donna, che subito mi dice: sono Barbara, ho bisogno di te. Mi racconta la sua storia, agghiacciante, confesso che mi sono spaventato, ma un uomo degno di questo nome non può tirarsi indietro, ecco perché ho aderito subito al progetto di Barbara… grazie Barbara per avermi coinvolto”.

“Aria – commenta Marco Bonardelli – è un racconto di una violenza inaudita, che ha segnato il corpo e l’anima di Barbara, ma che per fortuna non si è concluso tragicamente come tante altre volte… io non le ho mai chiesto di raccontarmi la sua storia, per sentirla per la prima volta assieme a voi, ma una frase mi è rimasta impressa, quando mi ha detto di “poter affrontare tutto, niente è troppo, niente mi fa paura”, ci ho visto quella rabbia positiva per una rinascita per ritrovare se stessi; la ringrazio di farsi testimone di un problema così terribile”.

Il viso di Barbara è dolcissimo e la voce, pacata e affascinante, viene accolta dalla sala gremita, con grande attenzione, quasi in apnea: “…quella della violenza è una piaga sociale e dobbiamo combatterla tutti, io mi sono ritrovata con una storia da raccontare; avrei preferito come attrice raccontare un film, una commedia, invece sono qui con la mia storia vera, traumatica, che ho ancora sulla mia pelle, ma che mi ha dato una forza incredibile; se sono qui è perché devo raccontarla, io voglio raccontarla; sono una sopravvissuta di un atto indicibile, inaspettato da parte di una persona di cui mi fidavo, il mio ex compagno ed ho rischiato di morire, per questo ho intitolato ‘Aria’, perché mi mancava l’aria davvero. Ringrazio la Fidapa di Sabaudia, perché ha creduto subito nel mio progetto, che ha avuto più di 60 premi, addirittura un premio anche in Iran. Durante la pandemia le chiamate di soccorso delle donne alle forze dell’ordine sono aumentate del 79%, quindi mi sono detta, la violenza non riguarda solo me, devo fare qualcosa che duri più del solo 25 novembre, allorquando c’è un improvviso risveglio delle testate giornalistiche”.

Marco Bonardelli, nel precisare che il manipolatore affettivo è colui che dalla gentilezza passa all’aggressione sia verbale che fisica, introduce l’aspetto psicologico tramite la dottoressa Sabrina Melpignano: “…sono una psicoterapeuta e mi occupo di persone affette da stress postraumatico; sono socia della Fidapa di Sabaudia, che si occupa anche della violenza sulle donne; lo scopo che ci proponiamo come associazione è quello di sensibilizzare i giovani; abbiamo coinvolto i rappresentanti delle forze dell’ordine perché siamo convinte dell’importanza della prevenzione; la donna che viene dalla psicoterapeuta lo fa inconsciamente o perché viene accompagnata da qualche familiare, questi disturbi della psiche li definiamo amnesie dissociative, che servono per salvaguardare la donna, permettendole la sopravvivenza, ma che è anche un meccanismo inadeguato perché la distacca dalla realtà e non le fa più sentire le emozioni, non la fa sentire più viva; la vita di chi subisce una violenza è completamente dissociata; ci vuole tanta pazienza e tanto amore da parte della psicoterapeuta per rimarginare quella ferita profondissima”.

L’avvocato penalista, Monica Nassisi, ha tenuto a sottolineare: “…l’arte, il cinema, la musica sono straordinari strumenti di comunicazione, catturando l’attenzione di chi può essere distratto; mi occupo di donne e bambini vittime di violenze di ogni genere; il 25 novembre è una grande occasione per occuparci di violenza sulle donne, ma gli altri 364 giorni cosa succede? Normalmente quando una donna va a denunciare i maltrattamenti, viene rimandata a casa…non ci sono case per accogliere le donne prima della denuncia; in Polizia ci sono persone preparate, ma è sempre difficile convincere le vittime a denunciare…quando vedi il dolore di un padre che si sente colpevole per non aver adeguatamente protetto la propria figlia, capisci che a essere coinvolte non sono soltanto le donne, ma riguarda tutti, ci sono tanti uomini che hanno dedicato la propria vita a contrastare la violenza”.

Barbara Sirotti ha già preparato un sequel di “Aria” ed è “Libera”, dove la voce del violentatore è quella di Alex Poli: “…l’attore deve fare di tutto, anche la parte del cattivo, non posso tollerare la violenza sulle donne, sono onorato di aver partecipato a questo progetto”. Altri doppiatori di “Libera” sono Francesco Pannofino e Benedetta Degli Innocenti, che ha ammesso di aver interpretato la parte terribile di chi va a giustificare il violentatore con la classica frase: “in qualche modo te la sei andata a cercare, qualcosa avrai detto o fatto; devo ammettere che sono soprattutto le donne a pensarla così; sono onorata anch’io di aver dato il mio contributo, perché la violenza di genere riguarda tutti”.

“Libera” è il cortometraggio che racconta della difficile “rinascita” di Barbara, vissuta durante il lockdown: “…siamo in zona rossa, il medico può riceverla solo on line…avrei voluto tornare indietro e cancellare quel ricordo…vedo ancora lo sguardo della morte …ho dovuto attraversare il deserto per arrivare alla liberazione…ho dovuto uccidere me stessa, la Barbara precedente…vai avanti mi dicevano tutti…con una fatica inenarrabile”.

Il racconto di Barbara ha lasciato in tutto il pubblico una profonda amarezza, sgomenti di tanta indifferenza, eppure è proprio il volto radioso da romagnola a darci la speranza per un futuro migliore, senza incomprensioni e violenze di ogni genere.

Un grazie particolare a Marco Bonardelli per aver condotto la conferenza stampa con delicatezza e rara maestria.

Articolo di Henos Palmisano per sezione cultura di abitarearoma.it

Aveva un nonno inventore e col pallino per la meccanica. Lei, da ingegnere, ama la tecnologia, ma ha scoperto che la sua grande passione è la scrittura e intanto sogna di scrivere sceneggiati per la tv. Da qui nascono le storie di Donatella Mascia, in cui il nonno, ma anche gli animali, sono protagonisti di avventure gialle e romanzi storici, prevalentemente per ragazzi. Ha vinto numerosi premi e riconoscimenti – finalista nel concorso Giovane Holden, secondo classificato al Premio Letterario Città di Recco 2016, finalista al Premio Acquistoria 2016 e altri ancora – fino ad arrivare all’ultimo, il premio “Racconti per corti” con il suo “Vizio capitale”, che diventerà un cortometraggio.

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Come hai scoperto che scrivere è la tua passione?

Ho iniziato, appunto nel 2013, decidendo di scrivendo del fratello di mio padre, che a quindici anni è scappato nelle Camice Nere: ho voluto così raccontare dei perdenti che ci credevano, e questo è stato pubblicato anche dal Secolo XIX, dandomi soddisfazione e iniziando a scrivere romanzi e racconti.

Il ricordo dei familiari e la passione per la tecnologia sono un fil rouge dei tuoi romanzi?

Sì, infatti il primo romanzo, “Magnifica Vis(i)one”, rappresenta l’incontro tra la nuova tecnica, la meccanica, e la realtà contadina del 1920, che in Piemonte e ha avuto come tramite i miei nonni da giovani. Le sorelle Gaslino, infatti, incontrano i fratelli Caffarena, facendo capire come la mancanza di rapporti fosse dovuta alla mancanza di comunicazione, che poi è stata superata poi col treno e i mezzi di trasporto propri: infatti mio nonno, che amante della meccanica e un inventore, aveva la moto e raggiungeva il Piemonte così. Al primo contatto con mia nonna non si capivano nemmeno, perché parlavano uno genovese e l’altra piemontese. Si capisce l’isolamento all’epoca dovuto al Passo del Turchino. E poi la meccanica che arriva nella tradizione contadina, quindi il trattore, e tutto ruota intorno a un tesoro, e al Castello di Visone, che è il paese di mia nonna. Nel paese, l’uomo amante della meccanica e dell’invenzione cerca il tesoro della leggenda e inventa una macchina per trovare i metalli senza avere energia elettrica. Il tesoro bisogna vedere se è proprio quello che si cercava o se è metaforico, e in tutto questo contesto il deus ex machina è il parroco. La ricerca del tesoro è una scusa per raccontare abitudini contadine di allora, che non erano molto cambiate negli anni Cinquanta rispetto al 1920.

L’invenzione ricorre anche nel secondo romanzo storico?

Sì, finalista ad Acquistoria 2016, “Lo spione di Piazza Leopardi” si svolge negli anni Trenta a Genova, appunto in Piazza Leopardi, ed è un giallo che parla di falsari, scritto con una certa ironia. Il richiamo alla tecnica nel romanzo è dato dal sistema di registrazione della voce, servito a una delle prime indagini ambientali dell’epoca, e naturalmente è fatto dall’inventore, quello del primo romanzo, che se la costruisce. Poi ci sono le indagini, le storie di denaro falso e una velata storia d’amore. Ma i miei libri sono per ragazzi.

Anche in “Quel gran signore del gatto Aldo” ci sono giallo e tecnologia.

Sì, Gatto Aldo si svolge ai giorni nostri, e racconta di un gatto raccolto da una pianista in pensione, Eugenia, cui è molto grato, perché salvato da morte certa, e quindi per ringraziarla le porta un dono al giorno, finché le porta uno strano oggetto. Sarà Oscar, il ragazzo cui dà lezioni di pianoforte, a capire che si tratta di una pennetta usb. Da qui, guardandone il contenuto, si sviluppa il giallo. Questo libro ha vinto il Primo Premio dell’Antico Borgo e ha ricevuto una bella recensione al Premio Italo Calvino. Il 14 luglio lo presenterò a Viareggio.

E ora “Vizio capitale” diventerà un cortometraggio.

Sì, nell’ambito di “Racconti nella Rete” ho vinto la sezione “Racconti per corti 2018” e il cortometraggio sarà realizzato dalla Scuola di Cinema Immagina di Lucca. È un racconto, ma dal momento che i miei racconti hanno sempre molto dialogo, è facile trasformare “Vizio capitale” in una sceneggiatura. Sarà proiettato a Lucca in occasione della XXIV edizione del festival LuccAutori in programma dal 21 settembre al 7 ottobre 2018.

Possiamo rivelare la trama di “Vizio capitale”?

In una piccola chiesa di campagna è quasi l’ora del desinare, ma Giuseppina, una vecchia contadina, decide di mettersi a posto la coscienza, perché ha commesso un grave peccato. Quale migliore occasione di una confessione per lavarsi l’anima? Don Giacomo, schiacciato dentro il confessionale non vede l’ora di uscirne, visto che il suo stomaco reclama, e pensa di cavarsela rapidamente. Ma non sarà così. Un grande dilemma si abbatte sui due personaggi. Saranno capaci di risolverlo?

Cosa rappresenta per te vedere un tuo racconto trasformato in video?

Il mio sogno è scrivere sceneggiati per la tv, quindi per me è molto importante e avrò la possibilità di seguire le riprese a Lucca. Ho cercato anche i bandi della Rai, ma richiedono soggetti molto brevi, o essere affiancati da un regista, che conosca e indichi tutta la parte tecnica. Mi dispiace aver iniziato ora, senza aver fatto una scuola, perché che ora è tardi.

Hai altre opere nel cassetto?

Ho scritto una commedia, che ha vinto un premio, e nel cassetto ho una serie di racconti, che farò uscire, e che hanno gli animali come denominatore comune: animali che trionfano sempre, come in “Un tesoro di cane”, “Il risveglio” e “Laurea ad honorem”, finalisti del Premio Letterario Mario Soldati. Infine sto scrivendo un altro romanzo, “Ricostruzioni”, sullo scandalo negli anni Sessanta della Pedemontana; anche qui ci sono un’indagine e al centro un cane lupo, Uto, sempre presente, un po’ come il Gatto Aldo.

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dall'articolo da lavocedigenova.it

All’epoca i miei giovani genitori andavano spesso al cinema e di solito mi portavano con loro. Avrebbero potuto piazzarmi da qualche parte (mia nonna Dorothy era quasi sempre disponibile), ma invece mi portavano con loro. Un motivo era perché sapevo tenere la bocca chiusa.
Di giorno mi era consentito essere un bambino normale che faceva domande stupide ed era infantile, noioso ed egoista come di solito sono i bambini. Ma se la sera mi portavano al ristorante, in un pianobar dove suonava Curt, in un locale notturno (cosa che ogni tanto succedeva) o al cinema – a volte addirittura con un’altra coppia – sapevo che erano cose da grandi. E se volevo partecipare alle cose da grandi, era meglio che non rompessi troppo i coglioni.

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..... Prima di lasciarci travolgere dall’impeto di un genio in versione cinematografica, scopriamo con la sceneggiatrice Sara Mosetti i segreti di una produzione ambiziosa, che promette interessanti sorprese.
“Michelangelo infinito" è stato descritto come un punto d’arrivo nel dialogo tra il cinema e l’arte, che trova compimento in un “film di autorevole finzione”. Quali sono le novità di questo progetto?
Se ripercorriamo la storia del cinema d’arte di Sky, vediamo che è iniziata con documentari molto rigorosi, privi di elementi narrativi. Poi in “Raffaello – Il Principe delle Arti” abbiamo visto in scena attori muti e in “Caravaggio – L’Anima e il Sangue” abbiamo potuto ascoltare la voce intima dell’artista, il cui flusso era però interrotto dal commento dei critici.
Qui abbiamo provato a tenere voci e punti di vista differenti tutti dentro il racconto, senza mai uscire dal tempo di Michelangelo, e contemporaneamente a conservare l’autorevolezza di un documentario, grazie alla consulenza scientifica rigorosa dello storico dell’arte Vincenzo Farinella che ha garantito sulla veridicità storico-critica dei contenuti.
 
Quali sono gli aspetti della figura di Michelangelo Buonarroti che più hanno attratto la tua attenzione di donna e di sceneggiatrice?
Michelangelo mi ha colpita perché è un personaggio molto moderno, forse il primo artista nel senso attuale del termine: è tormentato, le sue energie sono interamente assorbite dall’attività creativa, ha una vita povera di relazioni ed è anche invidioso dei colleghi. Lui stesso racconta nelle sue lettere che ha problemi con il denaro e si dispera perché il suo talento non viene riconosciuto. Sono sentimenti molto vicini a quelli che prova oggi un creativo, come sono anch’io, e mi sembra che con Michelangelo compaiano per la prima volta nella storia.
 
Che effetto fa portare al cinema un gigante dell’arte? Che emozioni ti ha dato rapportarti a una figura così intensa?
Quando Cosetta Lagani (la direttrice creativa di “Michelangelo infinito" n.d.r.) mi ha telefonato per propormi questo lavoro, ho provato un terrore cieco: provengo dal mondo del cinema e della fiction televisiva e non mi mai ero mai occupata né di arte né di documentari. Però conoscevo gli altri meravigliosi lavori di Cosetta e la proposta mi ha subito galvanizzata. Anche se in modo nuovo, si trattava di costruire una storia, che è quello che ho sempre fatto.
La parte più interessante è stata entrare in relazione con il Michelangelo che pian piano prendeva forma nella mia immaginazione mentre andavo avanti nella lettura delle fonti, entrare in sintonia con lui come con una persona che avessi realmente incontrato. E anche tornare a studiare a quarant’anni è stato molto stimolante.
 
Quali sono le fonti su cui poggia la narrazione di “Michelangelo Infinito”?
Prima di tutto i racconti dei biografi contemporanei dell’artista, Giorgio Vasari e Ascanio Condivi. Abbiamo preso in esame le Vite di Vasari nelle due edizioni del 1550 e del 1564, tra le quali a fare la differenza è una cruciale revisione che riguarda proprio Michelangelo: nell’anno della morte del maestro, lo scrittore va orgoglioso dell’amicizia con colui che è già riconosciuto unanimemente come un genio.
Rispetto a Vasari, Condivi offre una versione alternativa di molti fatti: secondo alcuni scrive sotto dettatura dello stesso Michelangelo, che desidera correggere le verità riportate dal suo primo biografo.
E poi ci sono gli scritti autografi dell’artista: le lettere, conservate nell’Archivio Buonarroti, e le Rime. Uno spaccato dell’intimità e del quotidiano di Michelangelo, come spiega lui stesso a Vasari inviandogli i suoi componimenti: ‘Messer Giorgio, io vi mando due sonetti e benché sia cosa sciocca il fo perché veggiate ond’io tengo i miei pensieri’.
Tra le letture di autori contemporanei, invece, mi ha molto colpita Vita di Michelangelo del Premio Nobel per la Letteratura Romain Rolland: un romanzo dalla struttura meravigliosa, che sviluppa in forma di libro il nostro concetto di “autorevole finzione” e fa appassionare il lettore al personaggio come sanno fare i grandi scrittori.

Un universo composito e ricco di spunti. Come hai fatto a trasformarlo in una storia per il cinema?
La struttura del film ruota intorno a due “limbi”, due realtà sospese nel tempo in cui prendono forma il racconto di Vasari e quello di Michelangelo, ambientato nelle cave del marmo di Carrara: un orizzonte già ben definito da Cosetta Lagani e dal regista Emanuele Imbucci quando ho iniziato a lavorare alla sceneggiatura.
Da parte mia sono partita dallo studio delle opere ed è stata una scoperta. Oltre ad approfondirne la conoscenza ho dovuto mettere a punto un linguaggio nuovo, più caldo rispetto a quello dei critici ma autorevole e preciso, in una sfida per me assolutamente inedita.
Poi mi sono spostata in una dimensione che mi era più congeniale, quella del Michelangelo uomo, e ho iniziato a immaginarlo come personaggio. Tra le informazioni reperite nelle mie letture ho scelto quelle che ne esprimevano meglio l’umanità e i sentimenti.
Infine ho cercato in tutti i modi di mantenermi fedele alle fonti originali a partire dalla lingua: con leggeri interventi di italianizzazione, anche una prosa apparentemente poco fruibile come quella di Vasari è diventata scorrevole e facilmente comprensibile, pur conservando atmosfera ed espressività.
 
Mostrare, raccontare, coinvolgere: è stato difficile tenere insieme le molteplici dimensioni di quest’opera?
L’equilibrio è venuto da sé, come in una partitura musicale: ci si lascia guidare dall‘armonia. Nel film trovano spazio momenti emotivi, narrativi, momenti di alleggerimento… Ma il cuore di “Michelangelo Infinito” è nella descrizione delle opere e nello sguardo sui capolavori originali, che grazie a riprese in ultra definizione diventano visibili come se le di osservasse dal vivo e a distanza ravvicinata.

dall'Intervista di FRANCESCA GREGO per arte.it

Ben 47 film all’attivo, due premi Oscar “nello zaino” (come dice lui) tre nuovi lungometraggi in preparazione. A 81 anni suonati Claude Lelouch, presidente di giuria al Festival di Montecarlo by Ezio Greggio, in gran forma, se la ride come un bambino. E con la semplicità di chi ama la vita («Amo tutto della vita: il freddo e il caldo, il mare e la montagna») si presta al “gioco” dell’ennesima intervista della giornata, tra una proiezione e l’altra, con un sorriso bonario.
Maestro, lei che è sempre dietro la macchina da presa, come si trova nel ruolo di presidente di giuria?
È il mio secondo mestiere: sono esperto di presidenze. Adoro vedere in anteprima i film degli altri che non sempre arrivano nelle sale francesi. Per questo quando me lo propongono, se non ho impegni già presi, dico sempre di sì.
Dopo tanti anni e tantissimi film, cosa rappresenta per lei il cinema oggi?
È la mia distrazione preferita: in pratica sono in vacanza da sessant’anni.
Domenica si assegnano gli Oscar: che ricordi ha della sua notte di gloria (nel 1966 vinse due statuette con “Un uomo, una donna”, ndr.)?
Avevo 27 anni e non ho capito cosa stava succedendo. Arrivato a Los Angeles, dopo aver rifiutato il tour in Usa perché impegnato a girare, il fattorino che si occupò di portare le mie valigie in camera mi disse: «Stasera lei avrà ben due Oscar.  Ho portato il tè al Comitato, e ho sentito che avete vinto». Il tipo ha avuto una bella mancia… Così al momento della premiazione, avevo 5 nomination, ebbi la conferma. La serata di festa fu memorabile in compagnia di Steve McQueen e altre star del cinema. Alle 2 sono partito per Saigon dove giravo un film corale, con altri registi, sulla guerra del Vietnam. A Saigon salii sulla portaerei che ospitava undici amache per dormire: fu allora che tirai fuori le due statuette dallo zaino e la vista dei premi mi fece guadagnare la stanza d’onore del comandante.
Le capita di rivedere i suoi film?
Solo nei festival quando fanno qualche retrospettiva…
Lei ha sempre raccontato l’amore nel suo cinema. Perché?
Penso sia il soggetto principale dell’umanità. Mi sono sempre chiesto come mai ci si batta tanto per finire a letto insieme e, poi, si combatta altrettanto per uscire da quel letto. Tutto si fa per essere amati: è la storia del mondo.
Lelouch adora?
Le storie d’amore e le donne. Io faccio i film per loro che mi hanno insegnato tutto. Alle donne devo quel che sono oggi.
Come definirebbe le donne? Cosa rappresentano per lei?
Sono semplicemente degli uomini riusciti bene. Vede, io ho difficoltà ad avere amici uomini, non m’ispirano fiducia. Mentre, ogni tanto, posso avere fiducia in una donna.
Perché non si fida degli uomini?
Sono imbroglioni patentati, giocatori di poker camuffi…Sì, anche io sono un uomo e ne ho tutti i difetti. E, sì, anche le donne a volte giocano sporco, ma quando amano si danno completamente senza riserve.
Cos’è un film per lei?
Un reportage sul genere umano, un racconto sulla bellezza e sugli orrori di cui siamo capaci. È la vita la più grande sceneggiatrice: ma non è citata nei titoli di coda.
Nell’era del web, come vede il futuro del cinema?
Io credo solo nella sala e nel grande schermo: non potrei mai concepire i miei film altrove. Sono cresciuto nei cinema.
La vita secondo Claude Lelouch?
Una corsa a ostacoli dove ogni volta c’è una “merda” da superare e se non combattiamo non abbiamo diritto alla felicità.
Progetti prossimi venturi?
Ho tre film in cantiere: uno, in particolare, l’ho iniziato 60 anni fa e spero di terminarlo presto. È un po’ il giornale della mia vita: ho avuto grandi amori con 5 donne e 7 figli ne ho da raccontare…
Fuori i titoli!
“I più begli anni della mia vita”, “La virtù dell’imponderabile”, “Oui et No” (le parole più usate dall’umanità).
Per fare un buon film occorre cosa?
La sincerità: parlare di ciò che si conosce è la prima regola. D’altronde con sette miliardi di persone al mondo abbiamo altrettanti scenari possibili e ben sette miliardi di sceneggiature. Ognuno ha almeno una vita da raccontare e ciascuno è protagonista della propria con sette miliardi di comparse intorno a sé.
 
Intervista di ORIETTA CICCHINELLI per metronews.it del 01-03-2018

Girato a Misiones, il film racconta il rapporto teso tra una ragazza e suo padre dopo la misteriosa morte di sua madre. "Mi interessa fare un film che mescoli il fantastico e il drammatico, in modo che ci faccia pensare e ci metta alla prova come persone", dice il regista.

Come nasce la storia del legame familiare in questo particolare contesto?
Nel 2016 con Francisco Kosterlitz eravamo in pieno studio per sviluppare la sceneggiatura di El silencio del cazador  (2019) nella provincia di Misiones. A quel tempo si sapeva che l'INCAA avrebbe lanciato un bando per film a basso budget e il produttore ci ha chiesto se avevamo qualcosa da presentare. Ero interessato a lavorare di nuovo con il genere, poiché la mia esperienza con The Day ha portato l'oscurità (2013) è stato molto positivo. Con Francisco abbiamo iniziato a valutare le possibilità e tra i riferimenti testuali che avevamo abbiamo trovato il racconto di Quiroga “El hijo”. Il racconto ha quella meravigliosa capacità di Quiroga di trasmettere emozioni da una situazione fantastica che è il germe da cui mi piace partire quando lavoro con il genere. Così abbiamo deciso di fare un adattamento, abbastanza gratuito tra l'altro, e abbiamo iniziato a scrivere. Nella storia di Quiroga il protagonista è un ragazzo di circa 12 anni e ci sono solo il padre e il figlio. Ci è sembrato più interessante che sia un adolescente proprio per il conflitto di età, che è dove si è più concentrati sulla ricerca della propria identità e sul destino della propria vita. L'idea che fosse una giovane donna invece che un ragazzo è venuta a Mora Recalde e questo ha reso la sceneggiatura un colpo di scena ancora più interessante. Mettendo una donna in quel mondo scarno e tetro, ha reso più complesso l'atteggiamento di Juana nei confronti della vita in quel mondo solitario e isolato. E poi sorge la domanda ovvia; Cosa è successo alla madre, dov'è adesso? Quella figura importante, indispensabile per una famiglia, ci ha portato a immaginare i possibili scenari. E da questa assenza si comincia a costruire il conflitto familiare. La madre appare solo in una vecchia foto e non se ne parla mai. Sembra che ci sia una sorta di tabù sulla sua morte. E questo è precisamente l'innesco iniziale del conflitto interno di Juana. È a partire da questa domanda che il protagonista mobilita tutto il suo mondo e rivoluziona quel nucleo familiare. Ha reso più complesso l'atteggiamento di Juana nei confronti della vita in quel mondo solitario e isolato. E poi sorge la domanda ovvia; Cosa è successo alla madre, dov'è adesso? Quella figura importante, indispensabile per una famiglia, ci ha portato a immaginare i possibili scenari. E da questa assenza si comincia a costruire il conflitto familiare. La madre appare solo in una vecchia foto e non se ne parla mai. Sembra che ci sia una sorta di tabù sulla sua morte. E questo è precisamente l'innesco iniziale del conflitto interno di Juana. È a partire da questa domanda che il protagonista mobilita tutto il suo mondo e rivoluziona quel nucleo familiare. Ha reso più complesso l'atteggiamento di Juana nei confronti della vita in quel mondo solitario e isolato. E poi sorge la domanda ovvia; Cosa è successo alla madre, dov'è adesso? Quella figura importante, indispensabile per una famiglia, ci ha portato a immaginare i possibili scenari. E da questa assenza si comincia a costruire il conflitto familiare. La madre appare solo in una vecchia foto e non se ne parla mai. Sembra che ci sia una sorta di tabù sulla sua morte. E questo è precisamente l'innesco iniziale del conflitto interno di Juana. È a partire da questa domanda che il protagonista mobilita tutto il suo mondo e rivoluziona quel nucleo familiare. essenziale per una famiglia ci ha portato a immaginare i possibili scenari. E da questa assenza si comincia a costruire il conflitto familiare. La madre appare solo in una vecchia foto e non se ne parla mai. Sembra che ci sia una sorta di tabù sulla sua morte. E questo è precisamente l'innesco iniziale del conflitto interno di Juana. È a partire da questa domanda che il protagonista mobilita tutto il suo mondo e rivoluziona quel nucleo familiare. essenziale per una famiglia ci ha portato a immaginare i possibili scenari. E da questa assenza si comincia a costruire il conflitto familiare. La madre appare solo in una vecchia foto e non se ne parla mai. Sembra che ci sia una sorta di tabù sulla sua morte. E questo è precisamente l'innesco iniziale del conflitto interno di Juana. È a partire da questa domanda che il protagonista mobilita tutto il suo mondo e rivoluziona quel nucleo familiare.    

La descrizione della routine del luogo è molto genuina, quasi documentaristica, immagino che abbia richiesto molte ricerche preliminari.
Sì, la verità è che c'è molto lavoro investigativo, soprattutto da parte di Francisco che, oltre a indagare per El silencio del cazadorSviluppo anche diversi capitoli di documentari nell'area. Quando abbiamo iniziato con l'adattamento della storia, ci siamo trovati anche noi con la necessità di dare corpo a quella famiglia. di cosa vivono? A cosa servono e come funzionano o la mancanza di lavoro li modifica? Quindi farli lavorare con la produzione artigianale di carbone ci ha dato un doppio significato. Un senso pratico in cui questa dura vita di sussistenza nella zona viene raccontata in modo quasi documentaristico e anche un'importante possibilità metaforica. Carbone come elemento magico metaforico; È molto comune nella zona "leggere" il carbone. Il forno, il fuoco e le sue possibilità estetiche quando si tratta di generare immagini è anche qualcosa di molto interessante e unico da vedere in un film.

Ci parli della selezione degli attori
I tre attori principali hanno caratteristiche diverse e sono stati scelti per motivi diversi. Avevo lavorato con Jazmin in una serie che ho diretto Malicia ed è stato un suggerimento di Mora quando stavo pensando a un possibile cast. Aveva lavorato con Bruno in Il silenzio del cacciatore e ho pensato che potesse essere perfetto per il ruolo. E lavoro con Mora da cinque film e lei ha sempre una capacità di consegna, generosità e versatilità quando si tratta di comporre i suoi personaggi che la voglio sempre nella mia squadra. Ma se dovessi definire un'unica qualità che li racchiude tutti e tre, direi che tutti e tre sono ottimi attori. Il loro livello di impegno, il modo in cui mettono corpo e anima nel loro lavoro e il modo in cui riescono a trasmettere verità ed emozione nelle loro composizioni sono un fattore comune che li ha resi il cuore emotivo del film. 

La giungla acquista un'importanza particolare nella trama, come hai scelto la location?
La provincia di Misiones ha quel particolare magnetismo della terra rossa e l'esuberanza della giungla. È anche una delle particolarità che rendono così speciale il lavoro di Quiroga. Quando eravamo lì a fare ricerche per la creazione della sceneggiatura, abbiamo visitato la sua casa e poi abbiamo immaginato e compreso la vera dimensione di come doveva essere vivere nel mezzo della giungla in quel momento. È qui che si apprezza davvero la meravigliosa complessità del “monte” (come lo chiamano i locali). Addentrandosi nella giungla è impossibile non sentire l'energia vitale che emana da quel luogo e quanto sia difficile vivere in quell'ambiente. È anche notevole come una visione spirituale di quella giungla sia radicata nella cosmogonia del luogo, che è piena di miti e leggende pagane che sono una parte essenziale della vita e delle credenze del luogo. 

Il film inizia con la forma di un dramma familiare per diventare un thriller, hai pensato alla struttura del genere o è stata la storia a segnare la storia?
Sono consapevole di questo incrocio di generi e mi sembra che sia un bellissimo veicolo per contrabbandare emozioni in modo efficace, intrattenendo lo spettatore e allo stesso tempo facendolo riflettere. Mi interessa fare un cinema che mescoli il fantastico e il drammatico, in modo che ci faccia riflettere e ci interroghi come persone. Mi piace correre il rischio di mescolare i generi, anche se questo di solito è visto come un problema quando si definisce un film. Ma mi sembra più importante essere onesto con il proprio lavoro piuttosto che cercare di inserirsi nel mercato.

C'è un lavoro sensoriale di sperimentazione adolescenziale che si trasferisce alla sperimentazione formale, con montaggi e immagini surreali, quali sono state le linee guida per la post produzione in tal senso?
Questo è un aspetto che era delineato nella sceneggiatura ma che non ha avuto uno sviluppo concreto. Infatti, quando abbiamo iniziato le riprese a Misiones per mancanza di tempo, si è deciso di ridurre al minimo quella risorsa e si è girato molto poco. Poi, in fase di montaggio, non c'era modo di chiudere la storia senza quelle immagini, che sono frammenti di ricordi distorti dal tempo, che appaiono a Juana nella sua mente. Ricordo che dissi a Tambornino (il montatore) tutto ciò che credevo si potesse contare con queste immagini che non esistevano e che sentivamo che senza questo materiale il film non si poteva contare. Quindi abbiamo deciso di generare quel materiale, filmando le scene che ora sono nel montaggio finale e che si sono rivelate fondamentali per la comprensione.

Intervista di Emiliano Basile per escribiendocine.com

Primi passi del suo esordio. L'attore, regista e sceneggiatore ha parlato del film che lo vede davanti e dietro la macchina da presa. “Car 24 è il risultato di tutto quello che ho imparato durante la mia carriera”, ha sottolineato. Pablo in Palermo Hollywood (2004) è stato uno dei suoi primi e popolari personaggi sul grande schermo, mentre Nicolás in The Last Zombie (2022) è stato uno dei più recenti. Nel corso degli anni, Matías Desiderio ha interpretato molteplici ruoli attraverso diversi formati audiovisivi. Tuttavia, Car 24 ha un significato speciale, poiché, oltre ad essere il suo primo film da regista, è un progetto a cui ha partecipato anche come attore protagonista, produttore e co-sceneggiatore. Dialogando con EscribiendoCine , ha raccontato i dettagli della sua esperienza arricchente.

Car 24 nasce come cortometraggio e finisce per diventare un lungometraggio: cosa ha motivato l'estensione del racconto audiovisivo?
In realtà, venivo da un provino in cui ero stato molto vicino ad afferrare un personaggio. Mi sono trovato in un bar con un amico che fa il regista (Salvatore di Costanzo), gli ho detto un po' scoraggiato che volevo davvero girare in inglese e non mi era stato dato quel ruolo, e lui mi ha chiesto: ' Ho un'idea che mi piace molto per un cortometraggio'. Si trattava di due sicari molto diversi e sconosciuti che dovevano uccidere qualcuno, erano chiusi in un'auto per qualche motivo e non potevano andarsene finché il bersaglio non fosse uscito, era in ritardo, il che ha generato una specie di bomba a tempo, oltre nel caldo soffocante della California.

Ho pensato che fosse un'idea fantastica e ho proposto di farne un lungometraggio. Mi ha guardato, ha riso, e da quella notte ho cominciato a scrivere, e sono stato così, come un ossessivo, per tre mesi, dentro un appartamento a Los Angeles. Così è nata Car 24 ! Successivamente, abbiamo portato la sceneggiatura -che abbiamo co-scritto con Salvatore- a diversi produttori, pensando che forse non fosse successo niente, ma sono iniziate le prime conquiste, come l'ottenimento di finanziamenti.

Abbiamo girato il film nel corso di un mese. L'abbiamo girato in un posto molto pericoloso a Los Angeles: di giorno è un luogo di fabbriche e uffici, e di notte c'è molta prostituzione e spaccio di droga agli angoli. Ho sentito che dal momento che la storia si svolge lì, dovrebbe essere lì, e vediamo molti personaggi marginali nel film. Stavo facendo casting con persone reali e cercavo quelli che pulsavano che, in certi personaggi, potevano essere buoni. Per 15 giorni abbiamo girato le scene dell'auto, e poiché il film ha dei flashback e va in luoghi diversi, quelle sequenze sono state per le altre due settimane, più a Hollywood.

In una recente intervista a EscribiendoCine, in cui hai parlato del progetto, hai detto che non avresti ricoperto tutti quei ruoli contemporaneamente (recitazione, regia, sceneggiatura e produzione), ma hai consigliato di viverlo qualche volta perché è una grande scuola, cosa lezioni impari? hai preso?
Come regista, penso di dare molta importanza all'intuizione degli attori, ascoltando ciò che provano all'interno della scena, dando loro indicazioni, ma anche lasciandoli essere. D'altra parte, dai importanza a tutte le aree tecniche. Devi sapere quando lasciare andare il tuo ego e capire che qualcuno che ti è accanto può darti una soluzione a una scena, e quindi essere migliore di quello che stai vedendo. Si tratta di flessibilità alla ricerca dell'eccellenza, cercando di catturare una verità e trasmetterla. È successo qualcosa di collettivo, che ci ha fatto credere tutti nel progetto e spingere energicamente nella stessa direzione. Quanto ottenuto in Car 24 ha contribuito a raggiungere un risultato di cui sono orgoglioso.

Prima della sua prima per il grande pubblico, il lungometraggio ha iniziato un percorso di festival...
Sì, l'abbiamo inviato a tre festival e ne abbiamo concordato uno, che è l'Arpa International Film Festival (Arpa IFF), che si tiene da 25 anni. Lì siamo stati nominati per "Miglior film", "Miglior regista" e "Miglior sceneggiatura". Quindi, siamo andati alla presentazione a Los Angeles, e abbiamo avuto la fortuna di incontrare alcuni noti personaggi di Hollywood, alcuni di loro dicevano 'Ho visto il film e l'ho adorato.' Abbiamo vinto il premio del pubblico che, secondo me, è uno dei più importanti. È stata davvero una carezza, una coccola che mi ha fatto capire che valeva la pena fare questo film, e che il mio impegno e quello di tutti i miei colleghi non era stato vano. Siamo saliti tutti sul palco ed è stata una serata meravigliosa. Per quanto riguarda la premiere, fortunatamente il film ha già una distribuzione.

Intervista di Matias E. Gonzalez per escribiendocine.com

Musicbed: Perché hai partecipato alla Musicbed Challenge 2020?

Kyndra Kennedy: Il film che ho presentato per Musicbed Challenge era piuttosto personale. Il 2020 è stato un anno senza precedenti e stimolante, con tanta incertezza, emozioni accese e titoli polarizzanti. Musicbed Challenge è arrivata in un momento in cui avevo bisogno di uno sbocco creativo per ciò che stavo provando e osservando. Questa sfida mi ha permesso di creare un breve pezzo in cui sono stato in grado di esprimermi senza che nessuno mi interrompesse, tentasse di zittirmi o tentasse di invalidare la mia prospettiva. 

L'importanza del messaggio del film ha eclissato tutte le ambizioni di carriera che potevo avere in quel momento. Sono entrato perché avevo qualcosa da dire che potesse offrire un'idea di come si sentono le persone nella mia comunità. Musicbed Challenge mi ha dato uno sbocco e un motivo per fare un film che contava per me.

Qual è il vantaggio di partecipare a concorsi di cortometraggi?

Penso che sia un bene per la tua anima creativa creare qualcosa e pubblicarlo. 

Dal punto di vista sociale, penso che sia importante mostrare il tuo lavoro su una piattaforma con altri creativi in ​​modo da poter entrare in contatto con una comunità più ampia di registi. Ho incontrato e connesso a così tante persone dopo aver presentato un film in Musicbed Challenge. 

Dal punto di vista professionale, penso che sia un bene per la tua crescita vedere il tuo film guardato in modo critico. Ottenere feedback e incoraggiamento è positivo per la crescita. 

Alcuni feedback dei giudici sono stati davvero interessanti da ascoltare, così come critiche costruttive, che sostanzialmente dicevano "less is more" e che avrei potuto accorciare il mio film e avere un impatto ancora maggiore. E per un altro festival cinematografico, ho presentato una versione di 3 minuti dello stesso film e ho finito per vincere un premio. 

Penso che quello che scoprirai è che anche il giudice più critico ti mostrerà ancora un po' di amore e rispetto. Siamo tutti creativi. Conosciamo tutte le sfide del cinema, quindi vedremo cosa stai facendo senza farti vergognare, ma incoraggiandoti a continuare a creare e sfidare te stesso. 

Quali opportunità ti ha aperto vincere la Musicbed Challenge?

La vittoria mi ha davvero aiutato a far conoscere il mio nome, essendo presente in articoli e diversi blog e post online, incluso Forbes , il che è stato davvero fantastico. La vittoria mi ha messo sul radar di alcuni futuri clienti di produzioni cinematografiche, così come di altri cineasti che volevano collaborare con me. Ha anche creato una piattaforma per me per continuare a diffondere il messaggio del film e un punto di partenza per avere una conversazione difficile ma necessaria per aprire le menti potenzialmente e portare consapevolezza ai problemi nella mia comunità. 

In che modo vincere la Musicbed Challenge ha influito sulla tua carriera?

La vittoria mi ha dato fiducia come regista. È stata la convalida del potere della mia voce e l'uso del film per amplificare la mia voce e quella degli altri. Prima che arrivassero i risultati, mi sentivo già orgoglioso del mio film, e quell'orgoglio per il prodotto finale, e la sensazione di realizzazione nel vederlo fino in fondo, era di per sé una vittoria. 

Non devi vincere per beneficiare della competizione. C'è così tanto che puoi fare con un progetto completato. Avrò per sempre questo film per mostrare ciò che io e il mio team possiamo fare come cineasti. Senza la sfida, questo film potrebbe ancora essere un'idea nella mia testa che procrastino e non finirò mai per realizzare. 

Questo film non solo ha avuto un impatto sulla mia carriera, ma ha anche cambiato la mia vita. Ho incontrato nuove persone con cui collaborare e mi ha aperto le porte. Ho trovato la mia voce e realizzato il mio potere artistico. Ha davvero consolidato il mio perché. Voglio fare film che contano, film di cui posso stare a guardare e di cui essere orgoglioso. 

Cosa ti ha aiutato a scegliere la canzone giusta per il tuo lavoro?

L' app Musicbed è così facile da usare. È davvero un processo semplice e senza soluzione di continuità, sia che tu sappia esattamente di quale tipo di canzone hai bisogno (tempo, genere, stato d'animo) o che tu voglia solo cercare ispirazione. 

Quando cercavo una canzone, avevo già scritto la mia voce fuori campo e conoscevo lo stato d'animo, il genere e il tempo che stavo cercando. È stato uno di quei momenti in cui "lo so quando lo sento". quindi ho appena passato in rassegna le diverse canzoni di ogni categoria, recitando alcune righe per vedere se si adattava. Sono stato in grado di salvare i brani in una cartella di progetto finché non ho trovato quello giusto. Finì per essere una soluzione perfetta: tempo di esecuzione e tutto il resto. 

Cosa diresti a qualcuno sul recinto riguardo alla partecipazione a Musicbed Challenge?

Se sei indeciso, di solito è la paura o il dubbio a trattenerti. Per alleviare quella paura e incertezza, ti ricordo che non hai bisogno di un budget enorme o di troupe e attrezzature. Puoi fare un film con il tuo telefono! Diventa creativo, raccogli le tue risorse e fallo. Sia che tu abbia già un'idea che possa adattarsi alle linee guida della sfida o che tu crei qualcosa da zero, questa è una grande opportunità per vedere la tua idea fino in fondo e avere un film finito da aggiungere al tuo portfolio. 

Sfida te stesso e fallo per divertimento, non si tratta solo di vincere. Musicbed è un'ottima piattaforma per i cineasti per entrare in contatto con altri cineasti e vedere altri lavori che potrebbero ispirare il loro prossimo progetto. 

Ti sei mai sentito bloccato dal punto di vista creativo? In tal caso, come trovi i modi per sbloccarti?

Tutto il tempo. Dipende davvero da quale fase del processo creativo sono bloccato. Se sono bloccato a creare storie o personaggi di dialogo, posso guardare altri film o leggere sceneggiature e libri sul cinema e la regia. Il nerd in me si entusiasma nell'usare ciò che ho imparato. 

Quello che trovo è che di solito si riduce allo scopo o al tema più grande. Cosa sto cercando di dire e di conoscere davvero il mio perché . Devo riconnettermi con il motivo per cui voglio raccontare questa storia. Qual è lo scopo del film. Qual è lo scopo di questo personaggio o scena o linea di dialogo. Quindi posso eseguire il reverse engineering da lì. 

Altri modi per sbloccarsi sarebbero ispirarsi. A volte devi andare più in profondità, a volte devi uscire, letteralmente e figurativamente. Ottieni un'altra prospettiva. Forse ciò di cui hai bisogno sono degli occhi nuovi, qualcuno da cui puoi far rimbalzare le tue idee. Oppure può essere semplice come guardare altri film per trarre ispirazione da altri registi. 

Cosa c'è dopo per te?

Ho alcuni documentari in varie fasi di produzione. Compreso uno sulla riforma della giustizia giovanile e il lavoro di advocacy a Los Angeles, e una serie di docu che esplora la storia della ricchezza dei neri in America. Oltre a produrre e dirigere progetti originali, sto anche espandendo la mia società di produzione. Il mio obiettivo è acquisire finanziamenti per lo sviluppo di contenuti al fine di assumere creativi e personale per creare contenuti originali. Ciò alla fine fornirà opportunità ai creativi indipendenti e ai narratori sottorappresentati di creare contenuti da prendere in considerazione dalle principali reti e studi cinematografici / televisivi.

da musicbed.com

Pier Paolo Pasolini, Alberto Lattuada, Steno, Luigi Zampa, Carroll Ballard, Lina Wertmuller, Franco Zeffirelli, Klaus Kinski, Francis Ford Coppola, Michele Placido, Anthony Minghella: solo alcuni nomi della lunga lista di registi con i quali ha lavorato Luciano Muratori, fonico di presa diretta, un vero e proprio artigiano del cinema. Quella di Muratori è la storia di una famiglia praticamente nata e cresciuta a Cinecittà, dove prima della guerra i nonni gestivano la mensa, e dove poi papà Primiano, anche lui tecnico del suono, ha lavorato per tutta la vita.
Abbiamo incontrato Luciano a Roma nel quartiere Quadraro dove vive da sempre, per parlare insieme a lui del suo mestiere e delle sue esperienze: «Quello di tecnico del suono è un mestiere come tanti altri, nello specifico il termine con il quale si indica la mia professione è fonico di presa diretta cinematografica. A differenza delle altre tipologie di questo mestiere, quello della presa diretta cinematografica non è cambiato molto con il passare degli anni, questo perché a differenza degli altri fonda le sue radici negli anni 1930 (con la sincronizzazione del cinema) e ha sempre richiesto grande specializzazione fin dall’inizio, arrivando ai giorni nostri con gli stessi sistemi e protocolli tecnici di una volta, che non sono mai cambiati nemmeno con l’avvento del digitale».
Per seguire gli aggiornamenti e per rappresentare la categoria è nata nel 1986 l’Associazione Italiana Tecnici del Suono, di cui Luciano Muratori è stato alla guida per otto anni: «l’associazione esiste ancora e si è ampliata, sono entrati nuovi fonici, e continua la sua rappresentanza di questa categoria, anche se al giorno d’oggi rappresenta soltanto il 40 per cento dei fonici Italiani”.
A proposito di alcuni grandi registi con i quali Muratori ha collaborato, il fonico ci ha parlato di Pasolini, Coppola e Minghella: «Pasolini (conosciuto nel 1971 per il film “I racconti di Canterbury”) era una persona di estrema gentillezza e rispetto per chiunque, “dava del lei anche ai cani”, come disse una volta Ninetto Davoli. In tre mesi di faticose riprese in Inghilterra non l’ho mai visto nervoso o arrabbiato. Tra l’altro voleva girare il film senza fonici, poiché per sua esperienza lo riteneva inutile, ma alla fine per questione di regole sindacali io e mio padre fummo chiamati a lavorare sul set: a film montato Pasolini ci fece i complimenti per quel sonoro. Per quanto riguarda Coppola e Minghella mi sono sembrati simili, essendo tutti e due di origine italiana: quando venivano a girare in Italia prendevano troupe italiane invece che portarle dall’America. Ambedue dei grandi maestri, credo che lavorando in mezzo a noi si sentissero più italiani che americani. Ci terrei a citare l’organizzatore, lo stesso per tutti e tre i film che ho fatto con questi grandi registi: Alessandro Von Norman, per noi semplicemente Sandy, che non è più fra noi ma è stato uno dei più grandi organizzatori del cinema italiano e non solo, una di quelle figure professionali alle quali il
cinema americano vi si affidava come un punto di riferimento».
Per concludere, una riflessione sul cinema italiano di oggi e su Cinecittà: «Il Cinema Italiano attuale a differenza delle altre nazioni si è troppo plasmato alle necessità della TV; inoltre da noi non si è mai fatta una legge antitrust sulla distibuzione e questo significa che oggi le sale sono proprietà di pochi soggetti privati e pubblici: questo penalizza i produttori indipendenti, che non trovando distribuzione hanno cambiato mestiere.
Come tutte le cose anche il cinema cambia, l’importante è carpirne le buone prospettive e scartare quelle fallimentari, però per far questo ci vuole grande competenza e non è certo materia della politica. Riguardo a Cinecittà, oggi in questi stabilimenti c’è un tentativo di rilancio, tramite l’EIG con a capo Luigi Abete, che con un contratto del 1997 acquisì la gestione degli studios, ma non gli stabilimenti che rimangono pubblici e sotto tutela del MIBAC.
Solo un 20% della gestione è ancora in mano pubblica tramite l’ente Cinecittà Luce. Il brutto di questa vicenda è che solo apparentemente vuol passare come un rilancio per il cinema ma in realtà il piano prevede licenziamenti dei lavoratori interni, la costruzione di un nuovo teatro e di un albergo, un parcheggio per migliaia di posti auto e altro ancora. La domanda è d’obbligo: “Ma voi sapete come si gira un film?”. Da qui tutte le dimostranze e gli scioperi che la scorsa estate hanno visto i lavoratori di Cinecittà, gente di cultura, registi, autori, arrivare al presidio fuori lo stabilimento per dimostrare il loro disappunto. Non so come andrà a finire questa storia ma più volte ho spiegato loro che Cinecittà è conosciuta in tutto il mondo come l’ingresso del Cinema Italiano e se qualcuno la distuggerà dovrà prendersi le responsabilità nei confronti di chi verrà dopo di loro, e non credo che saranno encomiati sui libri del Cinema e della nostra cultura Cinematografica».

di Alessio Trerotoli per DiariCineClub n.3

Nel cortometraggio di Alessandro Guida si parla di emofilia attraverso le vicende di quattro giovanissimi in un camping estivo seguiti da due educatori. Grazie al riferimento ad alcuni dei supereroi i due ragazzi cercheranno di far capire ai più piccoli cosa significa essere come loro.

Alessandro Guida è il giovane e promettente regista del cortometraggio I miei supereroi, prodotto da MP Film, in collaborazione con Medusa. Nato dal concorso A fianco del coraggio, il corto affronta un tema importante, quello dell’emofilia. Una malattia rara, ma ancora esistente vista attraverso gli occhi di quattro bambini e due educatori. Alessandro Guida ci invita (e invita anche i protagonisti stessi e tutti coloro che soffrono di questa malattia) a guardare il mondo da un’altra prospettiva. Grazie a degli ottimi dialoghi e a delle buonissime interpretazioni anche da parte dei più giovani, Alessandro Guida presenta il suo corto con uno stile particolare, rivolto soprattutto ai giovani, ma non solo.

Com’è nata l’idea di parlare di un argomento del genere, fra l’altro tratto da una storia vera, come appare al termine del cortometraggio?

Il corto in realtà nasce da un concorso A fianco del coraggio, al quale partecipano tanti racconti dedicati a volontari maschi che aiutano le persone che hanno malattie o patologie. In questo caso il racconto che aveva vinto era un racconto di Alessandro Marchello, dal titolo Il tuffo. La storia racconta di un gruppo di ragazzi che frequentano un campeggio in estate senza genitori e scoprono di avere l’emofilia. Si tratta di una malattia abbastanza rara, ma che esiste ancora e si ha fin dalla nascita. Ci sono due tipi di emofilia: A e B. In entrambi i casi, in parole semplici, non si producono abbastanza piastrine e quindi bisogna stare molto attenti perché qualsiasi tipo di urto o di ferita è molto più grave, non potendosi rimarginare. E quindi anche giocare e fare attività fisica come tutti è generalmente più rischioso. Però oggi, attraverso l’evoluzione della medicina, ci sono farmaci che permettono di essere più tranquilli. Una di queste cure è l’infusione, cioè i ragazzi ricevono trasfusioni di plasma. E la cosa bella è che in questi campeggi imparano a farsi queste trasfusioni anche da soli. Nel cortometraggio, però, non c’è questo aspetto. Perché il tirante sono i due giovani educatori che seguono i ragazzini. Sono un ragazzo di vent’anni, interpretato da Guglielmo Poggi (Il tuttofare – qui per l’intervista al regista Valerio Attanasio) e una ragazza coetanea interpretata da Neva Leoni. Loro seguono questi ragazzini ed hanno due filosofie di pensiero diverse: la ragazza è più preoccupata e tende a far fare loro attività poco rischiose, invece lui è un ragazzo che pensa che questi ragazzini debbano affrontare la vita con coraggio, facendo attenzione, ma senza essere “spaventati da tutto”.

Il salto finale che si ferma alla fine dà un segnale di speranza sia per chi soffre di questa malattia che per tutti coloro che guardano il corto e si rapportano con questa malattia.

La metafora è proprio quella con i supereroi che hanno superpoteri, ma anche debolezze. Il potere che li contraddistingue, però, è il coraggio. Quando l’educatore li porta a fare un tuffo gli dice che ha paura anche lui di qualcosa (di quello che c’è sott’acqua). La morale è, però, che, facendo attenzione, ognuno può affrontare ogni cosa. Il cortometraggio si conclude con questo loro tuffo con l’immagine che si blocca. E il film, in generale, ha due scopi: il primo è sensibilizzare sul tema che non è conosciuto soprattutto dai coetanei; il secondo è raccontare che esistono anche realtà come questo campeggio dove i bambini possono avere una vacanza simile ai loro coetanei.

Anche lo stile è particolare. Sembra quasi un’avventura.

Si può dire che il cortometraggio ha uno stile poetico e d’avventura, tipo Stranger things e non è didattico né noioso. Lo spettatore viene condotto e solo alla fine scopre qual è il motivo, come un segreto che viene svelato poco alla volta. E la vicenda è tratta, appunto, da un racconto di Alessandro Marchello che è proprio la sua storia: lui è un educatore in questi camping creati da lui stesso. Perché lui, a sua volta, che adesso, a 50 anni, fa l’educatore è stato un bambino emofiliaco e lo è ancora e ha creato questi camping avendo vissuto in prima persona l’esperienza. Mentre la sceneggiatura è di Marco Borromei, anche sceneggiatore di Skam Italia. Quindi partivamo da un bel racconto, poi Marco ha scritto i dialoghi, molto intelligenti, ed è riuscito a creare un corto così breve con profonde emozioni. E poi anche gli attori sono stati molto bravi. Con i grandi avevo già lavorato ed erano molto affiatati. In particolare il personaggio di Guglielmo Poggi è bello perché rappresenta un educatore che è un po’ un Robin Williams di Patch Adams. Va contro la figura del tipico educatore perché gli piace scherzare e porsi alla pari.

Un aspetto che mi ha colpito è che non c’è mai una spiegazione della malattia che viene solo accennata e nominata, rimanendo in superficie. Mi è piaciuta particolarmente questa scelta perché secondo me spinge inevitabilmente lo spettatore a documentarsi (anche io stessa sono andata a cercare informazioni al termine della visione).

È un po’ la sfida che abbiamo lanciato e ci siamo voluti dare, insieme a Marco Borromei. Ci siamo detti che dovevamo emozionare con questo corto e appena finisce chi sarà colpito andrà in prima persona a documentarsi. Quindi in base a quello che hai fatto vuol dire che siamo riusciti nel nostro intento.

Come mai l’idea dei supereroi? Dal momento che il corto si basa su un racconto, l’idea dei supereroi è nata dall’autore o magari c’è stato qualche episodio derivante dai ragazzini che ti ha fatto pensare di inserire questo elemento nella vicenda?

No, nel racconto non c’erano. Si faceva riferimento solo a ragazzi coraggiosi e il titolo era infatti Il tuffo, in relazione a una serie di prove di coraggio che dovevano affrontare i ragazzi e l’ultima prevedeva proprio un tuffo. L’idea, sia mia che dello sceneggiatore era diffonderlo il più possibile nelle scuole per avvicinare i coetanei perché spesso c’è tanto imbarazzo nel dire di avere questa malattia. Avremmo dovuto portarlo nelle scuole, ma a causa dell’emergenza covid non è stato possibile. La scelta dei supereroi è legata al fatto che si tratta di figure riconoscibili per un pubblico giovane.

E invece c’è un legame, secondo te, con il tuo corto precedente Pupone, nel quale per raccontare la storia di Sasha ti sei fatto ispirare da Francesco Totti? In questo hai preso spunto dagli X-Men, Wolverine e appunto dei supereroi. Credi che l’impatto di una storia, più o meno drammatica, possa essere diverso e magari maggiore se accostato ad elementi come questi, ormai facenti parte dell’immaginario collettivo?

Il corto è girato in un modo particolare, ispirandoci un po’, come detto prima, alla serie tv Stranger Things, anche se è un prodotto completamente diverso sotto tanti aspetti. Noi però ci siamo ispirati soprattutto a quel tipo di sfide: raccontare una storia attraverso l’avventura. Abbiamo girato a largo di Castel Gandolfo, in una cornice molto bella, in una location pazzesca. E volevamo creare un clima di avventura. Contemporaneamente è girato con uno stile che permettere di essere di facile lettura sia per i giovani, ma anche per i più grandi. Ad esempio il dialogo tra i due educatori apparirà più chiaro ai genitori perché ci siamo ispirati alle classiche situazioni tra genitori, dove ci sono, a volte, idee diverse su come educare il proprio figlio. Questo tipo di dialogo mi sono accorto che ha colpito molto gli adulti.

I ragazzini protagonisti, che mi dicevi hanno alle spalle molta esperienza, sono stati molto bravi. Com’è stato lavorare con loro?

Per un progetto così breve abbiamo avuto la fortuna di fare tanti provini, più di 150. E abbiamo avuto a disposizione tre/quattro incontri per fare delle prove, appena scelti i bambini. Loro erano bravissimi. Io, poi, lascio molta libertà agli attori, soprattutto a quelli grandi, di improvvisare. Anche loro li ho spinti a farsi guidare dalla scena perché così risultano più spontanei e naturali. Alla fine si sono trovati bene perché era un’esperienza diversa, più matura. Fino a quel momento erano abituati a ripetere, mentre qui si sono fatti guidare. Christian Monaldi recita anche nella serie Sara e Marti; Alessio Di Domenicantonio, il più piccolo, è stato Lucignolo in Pinocchio . Alla fine è stato divertente e ha permesso loro di legare molto. Hanno anche creato un gruppo whatsapp.

Anche l’altro tuo cortometraggio Pupone era nato da una storia vera? Era nato con la stessa modalità?

Quella era una storia vera raccontata da un educatore di una casa famiglia. L’età dei protagonisti è diversa. Il protagonista di Pupone è un ragazzo che diventa diciottenne e che deve lasciare la casa famiglia per diventare adulto. La vera domanda che poneva è “crescere vuol dire andare via?”. Lì si racconta cosa succede nelle case famiglia dove il ragazzo cresce e a 18 anni è veramente pronto ad andare fuori e lasciare quelli che sono diventati i suoi genitori (gli educatori), i suoi fratelli che sono i ragazzi con i quali ha condiviso l’appartamento e instaurato un legame. Anche lì, come in questo corto, ci sono i supereroi come elemento per poter accattivare il pubblico giovane. C’era il parallelismo con il capitano della Roma Francesco Totti, idolo del protagonista, che una volta sopraggiunti limiti di età ha dovuto lasciare il campo da gioco. Questo parallelismo, secondo me è stato molto riconosciuto ed è stato anche l’elemento che ha reso Pupone così visto e apprezzato. Ancora oggi stiamo partecipando a molti festival con questo corto. E sono molto contento di questo perché si tratta di un lavoro che pone un tema che in Italia è molto sentito.

dall'Intervista di Veronica Ranocchi per taxidrivers.it

Lunedì, 8 marzo
Scappo da un mondo che si allontana da me. I giovani sono pieni di cose meccaniche che li servono. Leggo che il maggior numero di invenzioni mai attivate al mondo sono concentrate tutte nella nostra epoca. Tutto si trasforma in modo diverso, anche i pensieri. Ed allora è bello ritrovare le cose povere che ci hanno fatto crescere e godere. Vedo l'immensità dei cambiamenti che arriveranno per mettere in disparte i nostri passi ancora prudenti.

Giovedì, 18 marzo
Più invecchio e più ho bisogno di paesaggi abitati da gente che si accontenta di vivere una vita elementare. L'altro ieri ho rivisto alla televisione la storia di un ragazzo mongolo che imparava a fare amicizia con le aquile. La mia infanzia era con la fionda contro le lucertole lungo un fosso di campagna.

da "Trenta giorni con Tonino Guerra", Memorie, impressioni e poesie in forma di appunti del mese in cui lo scrittore ha compiuto novant'anni, scritte da Tonino Guerra per il Corriere della Sera di Domenica 9 Maggio 2010

Ti accorgi di un grande Sceneggiatore quando nel suo racconto ci sono immagini che ti fanno esplodere uno stupore che va oltre la storia e ti portano dentro domande senza risposta.

Quando ci incontriamo con Nicolas Philibert l’Orso d’oro è ancora una aspettativa. Sur l’Adamant, che lo ha vinto in uno dei migliori palmarès di ogni festival degli ultimi anni con la giuria presieduta da Kristen Stewart, era appena passato in concorso, quasi verso la fine: un delicato ritratto di una realtà di cura psichiatrica in un barcone sulla Senna, lungo il Quai de Repèe, che fa riferimento al Polo Psichiatrico del centro di Parigi. Lì pazienti e curanti si incontrano ogni giorno e vivono insieme una dimensione di scoperta attraverso la relazione umana, la cultura, la musica, i libri, i film.

Una sfida, nata diversi anni fa da un progetto curato dalla psicologa e psichiatra Linda De Zitter che aveva messo insieme architetti, pazienti e curanti perché questo sogno divenisse realtà. «Conoscevo l’Adamant da tempo, poi mi è capitato di andarci, mi hanno invitato a alcuni workshop mostrando i miei film» racconta il regista.

Da cosa sei partito per filmare la vita sull’Adamant? Non è la prima volta che ti confronti con una istituzione psichiatrica, «La Moindre des choses» parlava della clinica di La Borde.

Mi interessava l’idea della cura che non può essere ridotta all’amministrazione quotidiana di visite, medicine e così via, e che invece dovrebbe mettere al centro della sua pratica la relazione umana, la singolarità di ciascuno. La psichiatria mi ha sempre interessato, è uno spazio che inquieta e al tempo stesso pone delle sfide, che fa pensare a noi stessi e ai nostri limiti. È uno specchio che ci dice molto sulla nostra vita. Purtroppo negli ultimi venticinque anni nel settore pubblico ha subito un decadimento dovuto ai tagli di budget, a promesse disattese, a situazioni che pian piano hanno demotivato chi vi lavora. L’Adamant è un luogo di resistenza rispetto a questo, ogni paziente ha un suo peso specifico, perché la psichiatria non è una scienza esatta. C’è chi pensa sia giusto riempire i pazienti di medicine per normalizzarli, e chi invece prova altre strade. Lì appunto non si cerca di «normalizzare» i pazienti ma si lavora su come ciascuno è, considerandolo nella sua unicità. Alcuni di loro sono ospedalizzati, altri no, ma al di là delle situazioni sull’Adamant trovano un’umanità che in altri casi è preclusa. Quella realtà ci dimostra anche che tutte le istituzioni, oltre alla sanità anche la scuola e la famiglia, devono essere curate.

In che senso?

Si deve evitare la routine, la burocrazia, la ripetizione che uccidono il desiderio necessario a praticare qualsiasi forma di cura. Ci vuole invenzione, passione, non ci si può affidare a gesti meccanici, stanchi, di chi non è coinvolto in quello che fa e perciò non riesce a coinvolgere neppure chi cura. Non si tratta solo di professionalità, ci possono essere stagisti di primo livello che hanno capacità meravigliose di curare, di attenzione, più di tanti iper-specialisti. Nella realtà dell’Adamant questa energia, questa invenzione costante sono vive; e non significa confondere lo statuto professionale né le funzioni di curante e curato ma è rilanciare questa relazione all’interno di una dimensione collettiva dove la cura è anche un scambio, curare fa bene a chi lo fa, permette di scoprire delle cose insieme. Sull’Adamant non ci sono etichette: chi cura non è identificato da una divisa o da un distintivo.

Come ti sei avvicinato alle persone? Ci sono alcune figure che tornano più spesso mentre il paesaggio intorno, e gli abiti, suggeriscono un movimento che ha attraversato diverse stagioni.

In realtà ho lasciato passare un po’ di tempo tra una ripresa e l’altra per prendermi una distanza e per non stare troppo addosso alla gente. Volevo far respirare le persone che filmavo, non prenderle in ostaggio. Se qualcuno si avvicinava e parlava un po’ con me allora filmavo, li seguivo, poi li perdevo. Ci sono molte questioni che ci si pone filmando un disagio, una malattia, come fare per non utilizzare un potere della macchina da presa, come porsi in modo da non «sfruttarli». Ho cercato di essere il più aperto possibile alle suggestioni intorno, anche perché credo, e ancora di più oggi, che il cinema sia una dialettica tra ciò che vedo o che penso io come regista e quello che si aspetta lo spettatore. Mi piace lasciare spazio, creare dei fuoricampo mentre adesso si cerca di spiegare ogni dettaglio dicendo al pubblico cosa deve pensare, che deve vedere. Questa idea di mostrare tutto, di rendere tutto visibile e evidente appartiene molto del nostro tempo, basta guardare i social network: la gente mette quello che mangia a cena, dove va in vacanza, ogni istante. Fa vedere tutto per non dire niente.

Articolo di Cristina Piccino  per ilmanifesto.it

Nell'intervista Tonino Guerra racconta il suo rapporto con il cinema e ricorda i grandi personaggi che ha incontrato, a partire da Federico Fellini. 

da lacompagniadellibro.tv

Conosciamo un giovane regista che si è fatto strada nel cinema grazie ai primi Cortometraggi per approdare ai lavori di grande successo, tra cui l'amatissimo Smetto quando voglio!

Paragrafi dell'Intervista:

00:00 Momento appunti

02:00 L'ombra della chiave inglese

05:30 Prime influenze

07:40 Pellicola

13:00 La palestra degli spot

17:25 Matteo Rovere

21:45 Smetto quando voglio

27:52 L'incredibile storia dell'isola delle rose

31:32 Streaming e sala

37:10 Mixed by Erry

John Singleton è un ragazzo prodigio del cinema nero americano. E' l'autore di uno dei film che hanno segnato lo scorso decennio: Boyz'n the hood, raccontava per la prima volta sullo schermo, con impressionante realismo, l'ordinaria criminalità della Downtown di Los Angeles. Grazie a quel primo film, John Singleton è stato il più giovane regista che abbia mai ricevuto una nomination all'Oscar. La statuetta non l'ha vinta, ma per uno che ha la pelle nera il Premio Oscar è quasi un traguardo impossibile. John Singleton, del resto, è una specie di piccolo leader dei neri americani, e questo spiega perché ha firmato il remake di Shaft, vecchia bandiera del black cinema. Ma nonostante ciò, Singleton è un regista di scuola europea, che ha studiato Vittorio De Sica e François Truffaut, i suoi maestri preferiti insieme a Akira Kurosawa. Abbiamo incontrato John Singleton a Los Angeles nei luoghi di Boyz'n the hood, a Downtown, dove si trova il suo ufficio, proprio nel momento in cui esce in Italia il suo nuovo film Baby Boy.

John, il protagonista del tuo ultimo film, “Baby Boy”, è così mammone che sembra un italiano.

Ho sentito dire che in Italia ci sono molti uomini legati alle loro famiglie, alle loro madri. Quelli che voi chiamate “mammoni” in America vengono chiamati, appunto, “baby boys”.

E' molto diffuso il mammone nelle famiglie nere americane?

Abbastanza. In molte famiglie ci sono ragazzi che si sentono a loro agio solo con la madre. In questo film ho raccontato la storia di un ragazzo che si trova a metà strada tra l'uomo e il bambino. Il suo amore per la madre gli impedisce di crescere, di andarsene ed è alimentato dalla paura di essere ucciso per la strada.

Non credo che questo personaggio sia autobiografico, giusto?

Infatti non lo è. Io me ne sono andato di casa a 17 anni.

Quando eri ragazzino hai conosciuto qualcuno che assomigliava al tuo personaggio?

Sono cresciuto in mezzo a persone come Jody, il ragazzo di Baby Boy. Questo film è una specie di seguito di Boyz'n the hood ed è ambientato nello stesso posto, il ghetto di Los Angeles. E' un quartiere bellissimo, ma è una specie di Far West, sulle strade la gente si spara.

Ma immagino che in quel ghetto ci fosse di tutto, anche i ricchi...

Esattamente. Il film è iperrealistico. Il periodo è quello del dopoguerra, dell'avvento della televisione, quando le telecamere iniziavano ad essere più piccole e più leggere. E si girava nelle strade, si usavano attori che non erano attori ma persone comuni. Anch'io nel mio film ho fatto la stessa cosa. Ho utilizzato persone che non erano attori per conferire un maggiore realismo al film, come facevano De Sica e Rossellini...

Il tuo film ricorda il primo Spike Lee, “Lola Darling”.

Sì, sono d'accordo. Forse perché è un film centrale. In America abbiamo bisogno di film centrali. In questo film ho davvero cercato di creare una centralità totale. E' un film sull'amore e sul sesso, con scene esplicite, con bellissimi attori di colore. I film americani sono troppo tranquilli, troppo politically correct, non c'è quasi mai niente di stimolante.

E' come se avessero addosso un preservativo.

Esatto. C'è un preservativo sul cinema americano. E io l'ho voluto togliere.

Da tanto il cinema americano non riesce più ad essere sensuale...

Perché c'è molta più violenza che sesso. I registi europei fanno film sulle emozioni mentre quelli americani fanno film basati sugli effetti.

John, tu sei uno dei pochi membri di colore dell'Academy Award. Sei stato il più giovane regista ad ottenere una nomination. Ma non hai vinto l'Oscar. I neri non riescono quasi mai a vincere.

Succede ogni morte di papa, ma mai dire. Voglio dire, l'Academy è composta da 5000 persone. Si potrebbero mettere tutti su un palcoscenico se si volesse. Insomma, è solo un'Academy.

E quanti sono i membri di colore?

Non saprei, credo meno di 300.

Ecco perché non vincete mai, ecco perché Denzel Washington non ha mai vinto.

Denzel Washington aveva avuto una nomination per Hurricane. La sua interpretazione era fenomenale.

Come è possibile cambiare la situazione?

Penso che sia necessario stabilire un rispetto reciproco tra gli artisti, indipendentemente dal fatto che siano bianchi o di colore. E' questo che deve cambiare. E' una questione politica. Gli studios di Hollywood spendono un sacco di soldi per poter vincere un Oscar. E' come durante una campagna elettorale. Si spendono molti soldi per convincere la gente che quello è il candidato giusto. Purtroppo, anche l'Academy Award è diventata così.

Non credi che oggi non sia più utile fare del cinema nero, solo con i neri, solo per i neri?

Non faccio rientrare i miei film in nessun genere. I miei film parlano la lingua del cinema.

Perché non hai mai scelto attori bianchi?

Non so. Non si è mai presentata l'occasione. Dipende dai film che voglio fare. A volte voglio fare un film sull'Africa, altre volte voglio fare un film su New York oppure su Roma. Dipende solo da questo.

Se dovessi scegliere solo attori bianchi quali sceglieresti?

Non saprei. Mi piacerebbe dare un film con Robert De Niro, che è un mio amico. Me ce ne sono altri con cui vorrei fare un film. Penso che Edward Norton sia un bravo attore. E anche Giancarlo Giannini. L'ho visto in Hannibal. E' bravissimo.

Quand'è che hai deciso di diventare un regista?

Avevo soltanto 9 anni. Avevo visto Guerre Stellari. Credo di averlo visto almeno 10 volte. E più guardavo il film, più pensavo a come era stato fatto, come era stato costruito. Avevo cominciato a capire che un film doveva essere diretto, scritto, doveva essere curato, fotografato, e gli attori dovevano essere guidati. La persona che metteva insieme tutti questi elementi si chiamava regista. E così mi dissi: “Ecco cosa voglio fare. Voglio fare il regista”.

So che ti piace molto il cinema europeo. Chi è il tuo regista preferito?

François Truffaut. Mi piace Bernardo Bertolucci, ma François Truffaut lo adoro perché la sua vita rispecchia la mia. Il cinema mi ha strappato alla delinquenza. Ho scoperto che a François Truffaut è successa la stessa cosa. Allora ha iniziato a considerare il suo lavoro sotto questo aspetto, e mi sono completamente identificato nel personaggio dei suoi primi film, Antoine Doinel, il protagonista dei Quattrocento Colpi.

Nel tuo ufficio ci sono anche manifesti di Akira Kurosawa, di Sergio Leone...

Mio padre aveva l'abitudine di andare a Downtown per vedere i film non americani. Era un appassionato di cinema. Gli piaceva descrivermi il modo in cui Toshiro Mifune sferrava i calci. Io gli chiedevo: “E chi è Toshiro Mifune?”. Quando frequentavo la scuola di cinema, ho visto Toshiro Mifune in Sanjuro di Kurosawa e ho capito che quello era l'uomo di cui parlava sempre mio padre. Sempre alla scuola di cinema, ho scoperto che Sergio Leone è stato influenzato da Kurosawa. E' stata una bella avventura per me crescere con i film e con il cinema. Sono uscito dalla scuola a 22 anni e sono subito entrato nel mondo del lavoro. Mi sono diplomato nel maggio del 1990 e a giugno stavo già lavorando a Boyz'n the hood.

Come hai fatto?

Avevo sentito dire che Steven Spielberg aveva girato il suo primo film all'età di 26 anni e volevo fare come lui. Anzi prima di lui. E così, ho girato il mio primo film a 22 anni.

Sei un regista dalla personalità molto riconoscibile. Me ne sono accorto vedendo “Shaft”.

Shaft è il mio film pop-corn. Mi ha divertito molto farlo.

In Italia “Boyz'n the hood” si intitolava “Strade violente”. Sono cambiate quelle strade negli ultimi anni?

Sono cambiate, ma penso che cambieranno molto di più con la nuova generazione. I ragazzi neri hanno sempre meno paura. Era la paura a spingerli a fare le cose che facevano.

Intervista di David Grieco – L'UNITA' – 12/11/2001

Classe 1987, Valerio Vestoso nasce a Benevento, la sua corsa verso il traguardo, parte già bene, nel 2009, scrive “Erennio Decimo Lavativo”, commedia teatrale per la regia di Ugo Gregoretti, per poi approdare al cortometraggio con “Tacco 12”, mockumentary sull’ossessione per il ballo di gruppo che ottiene più di 40 riconoscimenti in tutta Europa. La sua carriera continua con altri cortometraggi, direzioni di numerosi branded content e commercial tv.

Come  riesce oggi uno sceneggiatore o un regista a realizzare il suo sogno?

Adesso fare un film è molto complicato. Non c’è più un produttore che mette i soldi suoi, nessuno rischia più su un nuovo talento. Questo porta ad un appiattimento dei contenuti. Il cortometraggio per un aspirante regista non è più un trampolino, ma diventa un buon biglietto da visita, ma non è propedeutico a un film, come era un tempo. La strada è quella di trovare qualcuno che abbraccia con te l’idea di un film. È tosta, è tostissima, ma spero di farcela.  Un’ottima esperienza professionale per me è stata lavorare con, The Jackal.  Ho girato molti spot con loro, palestra fondamentale, sono stati il mio, Centro Sperimentale.

Oltre al cinema, sei anche autore televisivo, di uno dei programmi più folli e riusciti degli ultimi anni, “Una pezza di Lundini”. Come è nata l’idea di questo format?

L’idea nasce da Giovanni Benincasa e Valerio Lundini, nel periodo pandemico iniziale. Emanuela Fanelli mi ha coinvolto, mi ha fatto vedere una puntata zero e ho pensato: “È una follia totale.” C’erano dei tempi televisivi che non erano tempi televisivi, cose assurde, un modo di rapportarsi all’ospite diverso, disinteressato, l’opposto di quello che è oggi la televisione. Tutto questo mi ha attirato, ma penso che alletterebbe qualsiasi autore. Abbiamo la fortuna di poter scrivere idee e di sperimentarle, per un autore, per uno sceneggiatore è il massimo.

Come è iniziata la tua carriera?

Io vengo dal cortometraggio, dopo tre lavori abbastanza fortunati, l’ultimo è Le buone maniere, che è stato in selezione ad Alice nella città (sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma dedicata alle nuove generazioni) sta girando un bel po’, e ha vinto l’edizione 2021 di Cortinametraggio, ho girato un documentario, Essere Gigione su un personaggio molto strano, si chiama appunto Gigione ed è il re delle feste di piazza italiane.  Una persona assurda che nelle sue canzoni mescola sacro e profano. Ha molto seguito, nonostante sia senza una casa discografica. Con il suo stile, riesce a cogliere l’espressione un po’ folk e popolare del pubblico di provincia. Ci sono molte persone che lo seguono e quasi lo hanno divinizzato come una sorta di Dio del folk. Questo mi ha stuzzicato, l’ho seguito per due anni, siamo andati in giro per le piazze. Anche questo documentario ha avuto abbastanza successo. Lavorandoci ho scoperto come Gigione, nel mondo della provincia, orfano di punti di riferimento, politici, culturali, religiosi, ha riempito questo vuoto. Ho cercato di dare a questa storia un taglio più profondo e meno folkloristico concentrandomi soprattutto con il rapporto che ha con i suoi fans.

...... dall'intervista di  Elena Cirioni  per banquo.it

Tu sei stato direttore della fotografia e regista di lungometraggi e cortometraggi. Qual è la specificità, se c’è, del lavoro su un cortometraggio?

Per me sono due cose identiche come forma di lavoro e di passione. Come forma di libertà, invece, ne hai di più con il cortometraggio. Io il cortometraggio lo faccio come autore, ne ho girati diversi, ne ho fatti tanti con le scuole e, da giovane, con Franco Maresco. Sono dei momenti in cui un regista è più libero, può studiare una forma nuova per raccontare o mettere in scena una storia che non è adatta a un lungo. È un’occasione in cui sei più indipendente, in cui hai meno responsabilità rispetto a un lungometraggio, anche perché hai meno budget. Quindi non è solo una questione di durata. Questa libertà ti consente di sperimentare. Nei miei cortometraggi credo sia ancora più evidente la mia passione per il cinema e la sperimentazione di forme di racconto attraverso questo specifico linguaggio.

Io indirizzo sempre i giovani autori che vogliono raccontare storie attraverso il cortometraggio a fare più sperimentazione. Con il lungometraggio si è più vincolati, devi raccontare una storia che possa intrattenere il pubblico, convincere un produttore e un distributore. Hai un altro tipo di percorso rispetto al corto, che è più libero e anche più internazionale. Non a caso i cortometraggi italiani vengono visti in tutto il mondo, girano tantissimi festival (i nostri lungometraggi, invece, fanno decisamente più fatica). Negli ultimi anni, poi, si stanno moltiplicando festival di corti e cresce l’attenzione verso questa forma d’arte.

L’audacia e un senso fortissimo della visione non è mai mancata nel tuo lavoro. Quanta ne vedi nel cinema italiano in generale e nei corti di questi giovani autori in particolare?

Nell’edizione di quest’anno di Corto Dorico ne ho vista un po’ meno, negli anni precedenti c’era molta più visionarietà, anche raccontando la realtà. Quasi come un rimprovero, dico agli autori che c’è troppa attenzione alla realtà, ma nessuna visione del concetto del proprio mondo immaginario; non trasportano, insomma, la realtà nel loro mondo immaginario. Questo è il rischio che il cinema (non solo breve) può avere come tipo di caduta, nel senso che non deve essere solo il cinema del reale quello che deve dare forza alla narrazione ed esserne oggetto. La realtà la puoi raccontare seguendo il tuo mondo interiore, è una cosa che ci hanno insegnato Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, François Truffaut, che tu prendi la realtà e la trasferisci, la trasformi nel tuo immaginario. Questo è il tipo di lavoro che io faccio sia nel lungo che nel corto. Quel tipo di atteggiamento che ti permette anche di capire e raccontare te stesso, il tuo mondo, esorcizzare nell’arte i tuoi fantasmi. È questa la mia visione ed è questo che cerco anche nel cinema degli altri.

Quali sono stati i modelli che hanno illuminato la tua visione del cinema?

Io ho visto tanto cinema sin da ragazzo. Carl Theodor Dreyer mi ha assolutamente catturato. Ingmar Bergman, John Ford, Orson Wells, tutte queste diverse sfaccettature del cinema, ma anche registi meno riconosciuti dal canone, quelli del cosiddetto B Movie, autori come Mario Bava, anche quelli mi hanno affascinato e fatto appassionare al cinema. Mi hanno indotto a capire che poteva essere un modo per raccontare storie, trasfigurare i propri sentimenti e paure. Il cinema è una forma d’arte che mi appartiene. Posso dire che mi ha colpito proprio il cinema del passato. Io non ho molti riferimenti contemporanei, arrivo a Stanley Kubrick, ai giorni nostri fino a David Lynch. Dopodiché, quando faccio un film, parlo sempre di cinema con me stesso. Mi dico: questa la faccio alla Orson Wells, quest’altra alla John Ford, quest’altra ancora alla Roman Polanski. Ho questo continuo dialogo con me stesso sul set, che mi appassiona a quello che faccio e m’innamora sempre di più del cinema, in un continuo confronto.

Quanto può incidere un direttore della fotografia su un film?

Io, come direttore della fotografia, quando non sto facendo un mio film, dico sempre che sono colui che coglie l’immaginario altrui. Sono al servizio di una storia, proponendo anche altre possibilità, il mio mondo creativo, ma sempre in maniera vicaria, perché poi il regista deve essere libero, anche di sbagliare, soprattutto se giovane. Quindi, da direttore della fotografia, cerco di dare forma alle visioni degli altri. Quando faccio un mio film, invece, litigo con me stesso, perché faccio contemporaneamente il regista e il direttore della fotografia e cerco di capire come poter raccontare una storia. Parto sempre da un input che mi viene dalla realtà, dopodiché scrivo la sceneggiatura insieme ai miei collaboratori, che mettono ordine alle mie idee e mi aiutano a realizzarle.