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* DOPO LA PRESA DIRETTA: SCOPRIRE LA POSTPRODUZIONE

Un giovane che vuole diventare davvero bravo dovrebbe studiare almeno le basi del lavoro che avviene dopo il set. 
Qui entra nel territorio del montaggio dei dialoghi; nel sound editing; nel sound design; in ADR; nel Foley; nel mix.

Non è necessario specializzarsi subito in tutto. Ma conoscere il processo rende migliore anche la presa diretta.

* IL DIALOGUE EDITING

Il dialogo registrato sul set deve spesso essere selezionato, pulito e montato. Il dialogue editor lavora sul take; sulle transizioni; sui rumori; sulla continuità; sui respiri; con la room tone.

Quando il giovane fonico prova personalmente a montare i propri dialoghi, scopre immediatamente quali errori avrebbe potuto evitare durante le riprese. È un esercizio formativo eccezionale.

* NON PENSARE CHE “SI AGGIUSTA TUTTO IN POST”

Questa è probabilmente una delle frasi più pericolose sul set. Gli strumenti moderni di restauro audio sono straordinari.
Possono ridurre il rumore; il ronzio; il riverbero; le interferenze.

Ma hanno dei limiti.
Una voce lontana in una stanza fortemente riverberante non diventerà automaticamente una presa perfetta.
Un clipping grave non dovrebbe essere accettato con leggerezza.
Il tecnico deve sempre consegnare il miglior materiale possibile.

* IMPARARE LA RIDUZIONE DEL RUMORE SENZA DISTRUGGERE LA VOCE

Uno dei primi errori in postproduzione consiste nell’esagerare. 
Il giovane trova un plugin di denoise. Lo applica al massimo. Il rumore sparisce. Ma anche la voce diventa metallica,  artificiale, acquosa.

La migliore riduzione del rumore è spesso quella che lo spettatore non percepisce.
È preferibile mantenere una piccola quantità di ambiente naturale piuttosto che distruggere il timbro umano.

* ADR: QUANDO IL DIALOGO DEVE ESSERE RIDOPPIATO

A volte una registrazione non può essere salvata. Per il traffico, un aereo od un errore tecnico. Sono rumori incontrollabili.
In questo caso può essere necessario ricorrere all’ADR, cioè alla registrazione sostitutiva del dialogo.

Il tecnico ne deve conoscere almeno i principi, cioè la sincronizzazione; il microfono; la distanza; l'interpretazione; l'ambiente.

Una battuta registrata perfettamente in studio può sembrare falsa se dovesse provenire da una strada.
Va reinserita acusticamente nello spazio.

IL FOLEY

Il Foley consiste nella ricostruzione sincronizzata di determinati rumori come passi, strofinio di vestiti, tintinnio di oggetti, movimenti vari.

Un giovane tecnico audio dovrebbe fare almeno qualche esperienza Foley. Gli insegnerà quanto il suono cinematografico sia costruito. Un gesto apparentemente banale può richiedere numerosi elementi sonori.

LE AMBIENZE

Una città non suona semplicemente come “traffico”. Può contenere: voci; passi; uccelli; tram; sirene lontane; motori; campane.

Una casa non suona come un “silenzio”. Una buona atmosfera sonora è stratificata. 
Il sound editor costruisce lo spazio anche quando lo spettatore non se ne accorge.

IL SOUND DESIGN

Il sound design diventa particolarmente importante quando il suono deve fare qualcosa di più che riprodurre la realtà.

Un thriller. Un horror. Un film fantastico. Un ricordo. Un’allucinazione.
Il suono può diventare soggettivo.
Un frigorifero può trasformarsi progressivamente in un drone inquietante. Un battito può sostituire l’ambiente.

Le frequenze alte possono sparire dopo un trauma. Qui l’audio diventa vera regia narrativa.

* LA MUSICA NON È LA STESSA COSA DEL SOUND DESIGN

Il giovane deve imparare a separare mentalmente un dialogo; gli effetti; gli ambienti; il Foley; il sound design; la musica.

Sono livelli differenti. Naturalmente nel mix interagiscono. Ma ciascuno possiede una funzione.

IL MIX

Il mix non consiste semplicemente nell’abbassare ciò che è troppo forte. Serve a determinare la gerarchia dell’ascolto.

In quel momento deve prevalere la voce? la musica? il rumore della porta? il silenzio?
Il mixer guida l’attenzione dello spettatore attraverso il suono.
È una forma di regia.

IL SILENZIO

Un grande tecnico audio deve amare anche il silenzio. Ma deve comprendere che nel cinema il silenzio assoluto è raro.

Spesso ciò che chiamiamo silenzio è composto da room tone; aria; respirazione; ambiente lontano.
Eliminare completamente ogni suono può produrre un effetto molto artificiale.
A meno che non sia proprio ciò che la scena richiede.

DINAMICA

Se tutto è forte, niente sembra forte.
Un’esplosione risulta potente anche perché prima esisteva un livello più basso.
Una frase sussurrata obbliga lo spettatore ad avvicinarsi emotivamente.

La dinamica fa parte del racconto.

* IMPARARE UNA DAW SERIAMENTE

Il giovane dovrebbe scegliere almeno una Digital Audio Workstation professionale o comunque adatta al lavoro audiovisivo e impararla in profondità.

Non dovrebbe limitarsi ad importare; tagliare; esportare.
Deve conoscere il routing; il bus; le automazioni; il clip gain; il fade; l'EQ; la compressione; il riverbero; l'editing; la sincronizzazione video; il marker; l'export degli stem.

Il software è uno strumento. La vera competenza consiste nel sapere perché applicare un determinato intervento.

* L’EQUALIZZATORE NON SERVE A “MIGLIORARE” AUTOMATICAMENTE LA VOCE

L’EQ serve a intervenire sullo spettro. Può ridurre risonanze; correggere problemi; aiutare l’intelligibilità.

Ma un giovane tende spesso ad applicare il preset. Meglio imparare ad ascoltare. Se non esiste un problema, non è obbligatorio correggerlo.

IL COMPRESSORE

La compressione può controllare la dinamica. Ma anche qui può essere facilmente abusata. Una voce eccessivamente compressa perde naturalezza.

Il tecnico deve imparare a conoscere threshold; ratio; attack; release; make-up gain.

E soprattutto deve imparare ad ascoltare cosa accade quando modifica ciascun parametro.

RIVERBERO

Il riverbero non serve semplicemente a rendere una voce “più bella”. Serve anche a collocarla nello spazio.

Una voce registrata in studio che deve sembrare provenire dal bagno o dal teatro o dal corridoio o da una chiesa avrà comportamenti differenti. Il riverbero diventa scenografia sonora.

* IL TECNICO DEVE ALLENARSI CON PROGETTI REALI

La teoria da sola non basta. Uno dei percorsi migliori consiste nel partecipare a cortometraggi studenteschi; a piccole produzioni; ad esercitazioni; a documentari; ad interviste.

All’inizio non deve necessariamente cercare produzioni enormi. Ha bisogno di situazioni nelle quali possa sbagliare; riascoltare; capire; correggere.

Un cortometraggio di cinque minuti può insegnargli più di molte ore trascorse a guardare recensioni di microfoni.

* REGISTRARE, POI MONTARE QUELLO CHE HA REGISTRATO

Questo è probabilmente l’esercizio più importante.
Se il giovane registra una scena e poi deve personalmente montarla, scoprirà subito se “Qui il boom era troppo lontano.”, o se “Qui manca il room tone.” oppure se “Qui la radio sfrega.” o “Qui il rumore cambia tra due inquadrature.”

Al lavoro successivo arriverà già diverso.
Il circuito virtuoso è:   registrare → montare → ascoltare gli errori → tornare sul set più preparato.

* CREARE ESERCIZI SPECIFICI

Non servono sempre cortometraggi completi. Può registrare una semplice conversazione tra due persone.

Ad esempio prima in cucina; poi in strada; poi in automobile; poi in un ambiente molto riverberante.

Utilizzando e testando  il boom; un lavalier; o la combinazione di entrambi. Poi confronta.
In questo modo impara realmente il comportamento degli strumenti.

* IMPARARE A LEGGERE I MISURATORI, MA NON DIMENTICARE LE ORECCHIE

Un livello graficamente perfetto non garantisce una registrazione buona. Gli occhi controllano. Le orecchie giudicano.

Il tecnico deve imparare a utilizzare contemporaneamente il meter; il waveform e le cuffie.
Nessuno dei tre sostituisce gli altri.

* IL PORTFOLIO DEL TECNICO AUDIO

Per un fonico è meno immediato costruire un portfolio rispetto ad un direttore della fotografia.

Ma può comunque raccogliere i cortometraggi; le scene; i before/after di postproduzione; il sound redesign.

Può dimostrare non soltanto che ha lavorato su un progetto, ma come sa ascoltare e costruire una scena.

* UN OTTIMO ESERCIZIO: RIDISEGNARE IL SUONO DI UNA SCENA MUTA

Può prendere una propria breve ripresa senza audio e ricostruire l'ambiente; i passi; i vestiti; gli oggetti e l'eventuale musica.
Questo esercizio sviluppa moltissimo la capacità di pensare in termini sonori.

* IMPARARE DAGLI ERRORI ALTRUI

Guardando film e cortometraggi, il giovane che vuole imparare dovrebbe ascoltare consapevolmente.
E non soltanto: “Bel suono, si capisce.”

Ma: Come è trattato il dialogo? Quanto è presente l’ambiente? Quando entra la musica? Cosa succede nel fuori campo? Esistono suoni che anticipano un’inquadratura? Il suono continua attraverso il taglio?

La visione diventa studio.

J-CUT E L-CUT

Il tecnico che conosce il montaggio scoprirà la potenza del suono nel collegare le immagini.

Nel J-cut il suono della scena successiva arriva prima dell’immagine.
Nel L-cut il suono della scena precedente continua sopra quella successiva.

Sono strumenti che rendono il montaggio molto più fluido. 
Comprendere questa grammatica aiuta anche chi registra sul set.

NON ESISTE SOLTANTO IL REALISMO

Un bravo tecnico deve sapere registrare realisticamente. Ma successivamente può imparare quando allontanarsi dal realismo.

Un personaggio entra in uno stato di shock. Il traffico potrebbe improvvisamente diventare lontanissimo.
Potrebbe rimanere soltanto la respirazione; il battito del cuore; un fischio acuto.

Il suono racconta ciò che il personaggio percepisce, non soltanto ciò che esiste fisicamente.

* UNA DELLE QUALITÀ PIÙ IMPORTANTI: LA CALMA

Sul set qualcosa andrà storto. Una radio smetterà di funzionare. Una batteria finirà. Comparirà un rumore. Pioverà. La camera cambierà inquadratura all’ultimo momento.

Il tecnico che si agita trasmette il problema a tutta la troupe.
Quello professionale ragiona e si domanda: qual è il problema? quale soluzione è disponibile? quanto tempo serve?

La calma è una competenza tecnica.

* IMPARARE A DIRE “C’È UN PROBLEMA” AL MOMENTO GIUSTO

Un tecnico inesperto può avere paura di interrompere il set. Sente un aereo durante la battuta ma tace.

Poi spera: “Forse andrà bene.”
Il risultato arriva in montaggio. La battuta è inutilizzabile.

Il professionista deve sapere quando segnalare: “Audio, problema sulla battuta finale.”

Senza interrompere continuamente per dettagli insignificanti, ma senza neppure nascondere problemi reali.

* DISTINGUERE IL PROBLEMA GRAVE DAL PROBLEMA ACCETTABILE

Questo richiede esperienza. Un lontano rumore naturale può essere perfettamente utilizzabile.
Un fruscio del microfono sulla frase fondamentale potrebbe non esserlo.
Il tecnico deve imparare a decidere rapidamente.

* IL RAPPORTO CON IL REGISTA

Un buon fonico non parla al regista soltanto di decibel e microfoni. Parla anche di scena.

Può dire: “Se chiudiamo quella finestra guadagniamo molto sul dialogo.” Oppure: “Nella prossima inquadratura possiamo avvicinare il boom e ottenere una voce molto più intima.”

Il suo compito è tecnico, ma sempre al servizio della narrazione.

* NON DIVENTARE OSSESSIONATO DALLA PUREZZA SONORA

Questo è un passaggio importante nella maturazione. Un tecnico giovane può desiderare un audio tecnicamente immacolato. Ma un film non è un test di laboratorio.

Una scena emotivamente straordinaria con un piccolo rumore può essere preferibile ad una performance mediocre registrata perfettamente.

Il fonico deve proteggere il suono senza ostacolare inutilmente il film.

* DEVE IMPARARE A CAPIRE QUANDO UN TAKE VALE LA PENA

Se un attore offre una performance eccezionale e passa un lieve rumore esterno, il tecnico dovrebbe fornire al regista un’informazione precisa: “C’è un rumore lieve, ma il dialogo è comprensibile.”

Sarà il regista a valutare. Collaborazione significa offrire informazioni, non imporre automaticamente decisioni artistiche.

* NON COMPRARE SUBITO TUTTO

Un giovane potrebbe essere tentato di acquistare immediatamente un registratore; i microfoni; i wireless; il boom; le cuffie; le borse; gli accessori.

Meglio procedere gradualmente. Prima deve capire quale settore lo interessa realmente. Presa diretta? Postproduzione? Sound design? Mix?

Può inizialmente noleggiare od utilizzare attrezzature di scuole e produzioni.
Le necessità diventano molto più chiare attraverso l’esperienza.

* UN KIT MINIMO DEVE ESSERE AFFIDABILE, NON SPETTACOLARE

Quando comincia ad acquistare, dovrebbe preferire una attrezzatura robusta; affidabile; conosciuta; facile da gestire.

Un sistema tecnicamente impressionante ma ingestibile sul set può essere meno utile di uno più semplice che conosce perfettamente.
La vera regola è: deve conoscere ogni componente del proprio kit al punto da saperlo configurare anche sotto pressione.

CAVI E ACCESSORI CONTANO

Molti principianti spendono tutto sul microfono e dimenticano i cavi; gli adattatori; i supporti; le sospensioni; le protezioni antivento; le batterie; le schede; il nastro; i ricambi.
Eppure sul set spesso sono proprio questi piccoli elementi a salvare la giornata.

ETICHETTARE TUTTO

Un piccolo accorgimento professionale: le batterie; i cavi; i trasmettitori; i ricevitori e le schede dovrebbero essere facilmente identificabili.

L’ordine fa risparmiare tempo. Il tempo fa risparmiare produzione.

* IL BACKUP DEVE ESSERE UNA DISCIPLINA

Dopo la giornata di riprese i file non dovrebbero stare in un unico posto. La gestione delle copie è parte essenziale della sicurezza del materiale.

Il tecnico deve concordare con la produzione la procedura di consegna e backup.
Una registrazione perfetta persa definitivamente non è più una registrazione perfetta.

* IL TECNICO AUDIO DEVE SVILUPPARE UN ORECCHIO CRITICO, NON UN ORECCHIO ANSIOSO

Con l’esperienza comincerà a sentire ogni difetto. Questo è utile. Ma può diventare pericoloso se inizia a percepire ogni minima imperfezione come una catastrofe.

Deve imparare a chiedersi: Lo spettatore lo sentirà? Disturba il dialogo? È coerente con l’ambiente? È correggibile? È realmente un problema?
Questa capacità di gerarchizzare i difetti è maturità professionale.

* DALLA TECNICA ALLA NARRAZIONE

All’inizio il giovane tecnico penserà al microfono; al cavo; al livello; al registratore.

Dopo un certo periodo dovrebbe cominciare a pensare anche al personaggio; allo spazio; alla tensione; al punto di vista; al silenzio.

È questo il vero passaggio da tecnico competente ad essere un tecnico audio cinematografico.

Il suo obiettivo non è semplicemente registrare suoni corretti. È contribuire a raccontare il film.

* UN POSSIBILE PERCORSO DI CRESCITA

La sua formazione può quindi svilupparsi progressivamente.
Prima impara ad ascoltare e a utilizzare correttamente un microfono. Poi registra piccoli dialoghi. Successivamente prova boom e lavalier, affronta ambienti esterni, partecipa a cortometraggi, studia timecode e radiofrequenza, comincia a gestire giornate complete di presa diretta. Parallelamente apre i propri file in una DAW, monta dialoghi, prova a ridurre rumore, registra room tone, ricostruisce ambienti, sperimenta Foley e ADR. Infine comincia a studiare mix, sound design e rapporto tra suono e narrazione.

Non deve necessariamente diventare specialista in ogni settore. Ma averli attraversati gli permette di scegliere consapevolmente.

Potrebbe scoprire di amare soprattutto la presa diretta. Oppure il montaggio dialoghi. Oppure il sound design. Oppure il mix. La specializzazione dovrebbe nascere dall’esperienza, non da un’idea astratta del mestiere.

* IL MIGLIORE CONSIGLIO: FARE MOLTI PICCOLI PROGETTI

Non dovrebbe aspettare il “vero film”.

Può imparare con una scena di due minuti. Due attori. Una cucina. Un boom. Due lavalier. Una finestra. Un frigorifero.

Sembrerà semplice. In realtà dovrà risolvere vari problemi come il riverbero; la continuità; i livelli; i microfoni; i rumori; il montaggio. È già una palestra completa.

Poi potrà provare: una scena in strada; una automobile; una scena notturna; un mercato; un dialogo sussurrato.
Ogni nuova difficoltà aggiungerà una competenza.

* IL TECNICO AUDIO MIGLIORE NON È QUELLO CHE POSSIEDE PIÙ ATTREZZATURA

È quello che, entrando in una location, sa immediatamente chiedersi e rispondere a: Da dove verrà il problema? Dove può mettere il microfono? Qual è la soluzione di backup? Che cosa servirà al montatore? Quale suono racconta davvero questa scena?

Questa capacità arriva soltanto attraverso lo studio, l'ascolto, la pratica, gli errori e l'esperienza.

CONCLUDENDO...

Il giovane che desidera diventare Tecnico Audio cinematografico potrebbe inizialmente pensare che il suo mestiere consista nel registrare bene ciò che accade davanti alla cinepresa. Con l’esperienza scoprirà che il lavoro è molto più ampio. Dovrà imparare la fisica del suono, conoscere i microfoni, il boom, i lavalier, la radiofrequenza, il gain staging, il timecode, la continuità, i metadata, il room tone, la gestione delle batterie e la disciplina del set. E dovrà conoscere almeno le basi di montaggio dialoghi, ADR, Foley, sound design e mix.

Dovrà imparare a collaborare con il regista, col Direttore della Fotografia, con gli attor, i costumisti, il montatore e la produzione.

Ma soprattutto dovrà trasformare il proprio modo di ascoltare. All’inizio sentirà una persona che parla. Poi comincerà a sentire anche la stanza. Poi il traffico. Poi il riverbero. Poi il rumore della giacca. Poi il silenzio tra due battute.

E infine comprenderà che proprio quel silenzio potrebbe essere il suono più importante della scena.

È a quel punto che smetterà di essere semplicemente una persona che sa usare un registratore ed inizierà a diventare realmente un professionista del suono cinematografico.

Perché il miglior tecnico audio non è colui che fa percepire allo spettatore quanto sia stato bravo a registrare.
È quello grazie al quale lo spettatore dimentica completamente che il suono è stato costruito e comincia semplicemente a credere nel mondo del film.